SEELENLANDSCHAFTEN

Spirituelle Orte in Deutschland

Ein Film von Rüdiger Sünner

Neben „Seelenlandschaften“ in England und Schottland entdeckte ich auch immer mehr ähnliche Orte in meiner deutschen Heimat. Ob am Rhein, im Harz, Odenwald, in den Alpen oder auf der Insel Rügen: wenn man nur lange genug sucht, findet man auch hier heilige Orte und spirituelle Kraftplätze, die immer noch eine starke Wirkung haben. Die Bauern der Jungsteinzeit, die Kelten und Germanen, aber auch die Mystiker des Mittelalters und die Künstler der Romantik haben hier vielfältige Spuren hinterlassen. Wir besuchen auch die „Seelenlandschaften“, die für Hildegard von Bingen, Heinrich Heine, Johann Wolfgang von Goethe und Caspar David Friedrich von Bedeutung waren: Reisen der Seele durch ein „geheimes Deutschland“, die uns Wärme, Inspiration und ein spirituelles Heimatgefühl schenken können.

Buch, Kamera, Schnitt, Regie: Rüdiger Sünner

Mitarbeit: Christine Klie

Musik: Turmalin

Besonderen Dank an: Pädagogische Forschungsstelle beim Bund der Freien Waldorfschulen, Astoria-Stiftung, Steffen Lohrer-Stiftung, Friedrich Pongratz-Stiftung, Ceres-Heilmittel

Eine Rüdiger Sünner-Filmproduktion, Berlin 2025

Art. Nr. SF808

EAN 4260572878087

110 min.

SEELENLANDSCHAFTEN

Spirituelle Orte in Schottland

Ein Film von Rüdiger Sünner

Seit ich Schottland das erste Mal 1987 besuchte, ist es zu einer Art zweiten Heimat für mich geworden, die ich immer wieder aufsuchte.

Nicht nur das sanfte Grün der schottischen Täler, Hügel und Wälder haben es mir angetan, sondern auch magische Orte, die immer noch den Geist von vergangenen Druiden, Mönchen und Poeten ausstrahlen. Machtvolle Steinkreise, heilige Quellen und Reste eines keltischen Christentums betörten mich in diesem faszinierenden Land ebenso wie seine wilden Schluchten und Klippen, wo noch Seeadler kreisen. Ein atemberaubend schönes Land am Rande Europas mit Zeugnissen einer jahrtausendealten reichen Spiritualität, die uns seelisch intensiv beschenken und inspirieren kann.

Buch, Kamera, Schnitt, Regie: Rüdiger Sünner

Mitarbeit: Christine Klie

Musik: Turmalin

Besonderen Dank an: Pädagogische Forschungsstelle beim Bund der Freien Waldorfschulen, Astoria-Stiftung, Steffen Lohrer-Stiftung, Friedrich Pongratz-Stiftung, Ceres-Heilmittel

Eine Rüdiger Sünner-Filmproduktion, Berlin 2024

Art. Nr. SF807

EAN 4260572878070

56 min.

Riesige Windräder auf Allgäuer Höhen – diese Aussichten setzen auch Leo Hiemers Heimat derzeit regelrecht „unter Strom“: Die Einen wittern in der hausgemachten grünen Energie eine lukrative Quelle der regionalen Wertschöpfung, die Andern sehen sich selbst, Natur und Landschaft für einen höchst zweifelhaften Nutzen in Mitleidenschaft gezogen. Nicht zuletzt liegt das an den Dimensionen der neuen Anlagen: 200 Meter inkl. Rotor und bald soll es noch höher hinaus gehen!

Den unvermeidlichen Strohhut auf dem Kopf macht sich Hiemer auf die Socken und inspiziert seine „Heimat unter Strom“. Auf seiner Reise durchs Land begegnen ihm glühende Befürworter wie eingefleischte Gegner, Hiemer diskutiert mit Fachleuten und fühlt Bürgermeistern auf den Zahn. Auch die „große Politik“ bringt der Allgäuer Filmemacher ins Spiel. Bei einem Besuch des Energiegipfels in Berlin wachsen die Zweifel: Ist diese Energiewende noch zu retten? Mit dem wild wuchernden Ausbau der Windkraft jedenfalls nicht. Alternativen sind also gefragt: Mehr Energie sparen, noch effektiver nutzen und kleine Lösungen für jedermann suchen. Hier könnte sich das Allgäu hervortun. – Wie die Sache ausgeht? Die Spannung steigt …

Dokumentarfilm von Leo Hiemer
DVD, farbig, 80 min.
Freigegeben ohne Altersbeschränkung
Deutschland 2013

Alle Kühnheiten und Temperamentsentladungen, die auf Skiern menschenmöglich sind... Mitreißende Skiszenen, herrliche Landschaftsbilder, wie sie vielleicht heute gar nicht mehr möglich sind, und Darsteller, denen man die reine Freude am Spiel an den Gesichtern ablesen kann, jede Menge Humor und die legendäre LENI RIEFENSTAHL in der Hauptrolle haben diesen Film zu DEM Klassiker des Skifilms gemacht.

Deutschland 1931-s/w-Laufzeit ca.75 Min.

Darsteller -‏ : Riefenstahl, Leni, Schneider, Hannes, Lantschner, Guzzi, Riml, Walther

Regisseur- ‏ :‎ Fanck, Arnold

Der alte Weinhändler Bockelmann war schon immer ein grantiger, kauziger Kerl, nie hat er sich um seine Verwandtschaft geschert, das einzige Wichtige in seinem Leben war seine Winzerei. Und die lief immer bestens. Deshalb war die liebe Verwandtschaft auch stets bemüht, sich gut zu stellen mit dem reichen Onkelchen, denn schließlich war ein jeder scharf auf eine satte Erbschaft, sollte der alte Bockelmann das zeitliche segnen. Bockelmann stirbt, und die ganze Sippschaft reist an, um gespannt der Verkündung des Testaments zu lauschen. Die Empörung ist groß, als sich herausstellt, dass Bockelmanns Neffe Peter Frank, der erfolgreich und uneigennützig in der Firma seines Onkels arbeitet, als Universalerbe eingesetzt wurde. Nur eine Bedingung muss der trinkfeste Lebemann erfüllen: er darf vier Wochen lang keinen Tropfen Alkohol zu sich nehmen, sonst bekommt er gar nichts. In dieser Klausel sehen die gierigen Verwandten ihre Chance. Kein noch so verrückter Versuch wird ausgelassen, um Frank doch noch ein Schlückchen einzutrichtern.

Deutschland 1933-s/w-Laufzeit ca. 72 Min.

Darsteller -‏ : Rühmann, Heinz, Adalbert, Max, Wüst, Ida, Deyers, Lien, Waldmüller, Lizzi

Regisseur-‏ : ‎Ophüls, Max

Der heimlichen Liebe des Ulanenoffiziers Lothar von Pütz und der schönen Roswitha von Krakow steht einer alter Familienstreit entgegen! Vergeblich macht der bejahrte, aber lebensfrohe Baron Hanke einen Versöhnungsversuch. Lothars letzte Hoffnung, seine finanziellen Schwierigkeiten zu überwinden, ist ein Sieg beim Armee-Rennen in Karlshorst. Nach dramatischem Kampf erreicht er als erster das Ziel. Aber die Wette auf sein Pferd hat Roswitha, mit der er sich hier, ohne Wissen ihrer Eltern getroffen hat, nicht gewagt. Die Enttäuschung hat ein ernstes Zerwürfnis des jungen Paares zur Folge und Roswitha nimmt auf Drängen ihres Vaters die Werbung des Barons von Hanke an. Auf dem Bärenhof wird Verlobung gefeiert. Unter den Gästen befindet sich auch Lothar, den sein väterlicher Freund Hanke ahnungslos eingeladen hat. Der Baron, dem als ältlichen Bräutigam nicht wohl in seiner Haut ist, wird Zeuge einer Aussprache der Jugend. Er gibt Roswitha frei und sorgt auch für den Segen des alten Krakow.

Deutschland 1942-s/w-Jaufzeit ca. 100Min.

Darsteller ‏- :‎ Werner, Ilse, George, Heinrich, Ernst von Klipstein

Regisseur ‏ :  Carl Froelich

SEELENLANDSCHAFTEN

Spirituelle Orte in England und Wales

Ein Film von Rüdiger Sünner

Eine „Seelenlandschaft“ besteht für mich nicht nur aus schöner Natur, sondern auch aus magischen Orten, in denen sich die jahrhundertelange Spiritualität ihrer Bewohner spiegelt. Die Britischen Inseln haben mich in dieser Hinsicht schon immer angezogen: die Dolmen der Jungsteinzeit faszinierten mich dort ebenso wie die die Heiligtümer der Kelten, der frühen naturverbundenen Christen und der Mythen rund um König Arthurs „Heiligen Gral“. In einem sehr persönlichen Filmessay berichte ich über meine Erfahrungen an diesen speziellen Orten, die immer auch Stätten der Meditation und geistigen Einkehr für mich waren.

Buch, Kamera, Schnitt, Regie: Rüdiger Sünner

Mitarbeit: Christine Klie

Musik: Turmalin

Besonderen Dank an: Pädagogische Forschungsstelle beim Bund der Freien Waldorfschulen, Astoria-Stiftung, Steffen Lohrer-Stiftung, Friedrich Pongratz-Stiftung, Ceres-Heilmittel

Eine Rüdiger Sünner-Filmproduktion, Berlin 2023

Art. SF 806 - Laufzeit 53 min. + Trailershow und Bildgalerie

EAN 4260572878063

Marquis des Pontignac ist ein lebensfroher, charmanter Bonvivant am Hofe der Kaiserin Eugénie. Seine Jagdausflüge sind stets das begehrteste Ereignis der Pariser Adelsgesellschaft. Doch diesmal kommt dem galanten Marquis etwas in die Quere, als er seinen Jagdhunden hinterherhetzt: ein Strumpfband aus Seide und Spitze, verloren von Juliette, der hübschen Leibfriseurin der Kaiserin, die sich das kostbare Stück heimlich von ihrer Herrin ausgeliehen hatte. Als Pontignac das erlesene Band aufheben will, geht sein Pferd durch und schleift den Marquis hinter sich her. Durch Zufall wird der schwer verletzte Reiter im Wald entdeckt und, ohne das man ihn erkennt, in eine Kaserne gebracht. Der Stabsarzt gibt ihm kaum Überlebensschancen und fragt den vermeintlichen Sterbenden nach seinem letzen Wunsch. Pontignac bittet darum, noch einmal seine erste Liebe, Marianne, wiedersehen zu dürfen. Man möge in Paris nach ihr suchen. Kurz darauf kommt Juliette auf der Suche nach dem Strumpfband in die Kaserne, wo man sie für Marianne hält. Nicht einmal Pontignac bemerkt die Verwechslung. Erst als er wider Erwarten gesundet, spürt er, dass er sein Herz an die unbekannte Schönheit verloren hat. Er schickt seine Männer auf die Suche nach der Frau, die ihm in der schweren Stunde beigestanden hat...

Deutschland 1933-s/w-Laufzeit ca.82 Min

Darsteller -‏ :Rühmann, Heinz, Harvey, Lilian, Veidt, Conrad, von Meyerinck, Hubert, Christians, Mady

Regisseur -‏ :Hollaender, Friedrich

Der Schneidergeselle Wenzel steht nach einem heftigen Krach plötzlich auf der Straße. Nur der eigentlich für den Bürgermeister zugeschnittene Staatsfrack ist ihm geblieben. Prompt wird er für einen Grafen gehalten und von Fräulein von Serafin umspielt. Die Schöne hält Wenzel für den russischen Grafen Stroganoff, mit dem sie bereits einen romantischen Briefwechsel führte. Stroganoff selbst durchschaut wenig später Wenzels ungewollte Rolle, gibt sich jedoch nicht zu erkennen, um seine Zukünftige auf die Probe zustellen. Was soll da aus den romantischen Träumen des falschen Grafen werden?

Deutschland 1940-s/w-Laufzeit ca. 91 Min

Darsteller ‏ Rühmann, Heinz, Feiler, Hertha, Wäscher, Aribert, Sessak, Hilde, Odemar, Fritz

Regisseur ‏ : Käutner, Helmut

Jonny Burck ist ein junger, hoch verschuldeter Sportsmann, der nur sein Rennpferd "Europa" vor dem Zugriff des Gerichtsvollziehers schützen konnte. An einem geheimen Ort trainiert er mit "Europa" - er will
das Pferd als Außenseiter um den "Großen Preis von Nizza" ins Rennen zu schicken. Doch das ruft eine Bande heimtückischer Rennschieber auf den Plan, denen es tatsächlich mit Hilfe eines Winkeladvokaten gelingt, "Europa" pfänden zu lassen. Mit Hilfe der jungen Amerikanerin Ursel Mattig, die nicht nur Gefallen an dem Pferd, sondern vielmehr an seinem Besitzer, gefunden hat, nimmt Jonny den Kampf auf - eine rasante Verfolgungsjagd beginnt…
 

Deutschland 1933- s/w - Laufzeit 94 Min.

Darsteller -‏ :Piel, Harry, Abel, Alfred, Holm, Dary

Regisseur -‏ : Piel, Harry

Taxichauffeur Harry entdeckt einen Koffer in seinem Fahrzeug, den ein mysteriöser Fahrgast, der auf der Flucht vor der Polizei zu sein scheint, dort zurückgelassen hat. Als er den Inhalt genauer unter die Lupe nimmt, findet er einen seltsamen Helm sowie eine dazugehörige Apparatur. Mit Hilfe dieser Maschine, so findet Harry schnell heraus, wird der Träger des Helms unsichtbar. Sollte dies ein Wink des Schicksals sein, um endlich an das ganz große Geld zu kommen?
 

Deutschland 1933-s/w - Laufzeitn 98Min.

Darsteller-Piel, Harry, Odemar, Fritz, Arna, Lissy

Regisseur- ‏ : Piel, Harry

Die von den Männern umschwärmte Tänzerin Marie-Luise Pally ist die Nichte des Homburger Spielkasinodirektors Lambert. Er nutzt ihre Anwesenheit am Spieltisch oft aus, um die reichen Herren um ihr Vermögen zu bringen. Dann beschließt die Nationalversammlung die Schließung des Kasinos. Marie-Luise reist im Auftrag ihres Onkels nach Frankfurt, um diplomatisch eine Aufhebung des Beschlusses zu erreichen, was aber misslingt. Auf der Rückreise wird Marie-Luise von hannoveranischen Truppen festgehalten, die gegen Homburg ziehen. Der junge Rittmeister von Karstein wird mit ihrer Bewachung betraut. Marie-Luise gelingt es, zu fliehen und den Aufmarschplan mitzunehmen. Da der Rittmeister ihr sehr gut gefällt und sie Kriegshandlungen verhindern will, vergrößert sie die Truppenstärke auf dem Plan um das Zehnfache und erreicht so, dass die Homburger der Übermacht weichen.

Deutschland 1941- Laufzeit 89 Min.

Darsteller-Rökk, Marika, Fritsch, Willy, Leibelt, Hans, von Thellmann, Erika, Herking, Ursula

Regisseur -‏ Jacoby, Georg

Wenn ausgerechnet während der Fussballmeisterschaft ein Spieler der perfekt aufeinander eingespielten Elf wegen Krankheit ausfällt, steht die Mannschaft vor einem großen Problem - wo soll man auf die Schnelle einen geeigneten Ersatzmann her bekommen?
Werner Fehling scheint überaus geeignet, den Platz des Erkrankten einzunehmen, das Problem ist nur, dass Fehling ein erbitterter Nebenbuhler des Torwartes Jupp Jäger ist. Beide Männer nämlich lieben das gleiche Mädchen, Grete Gabler. Grete ist die Tochter eines Seniorenmitglieds des Vereins, weshalb sie sich doppelt bedrängt sieht, den Erfolg der Mannschaft nicht zu gefährden. Durch die Rivalitäten der beiden Fußballer kommt es zu einigen, zum Teil gefährlichen Auseinandersetzungen auf dem Spielfeld; die Pokalaussichten rücken in weite Ferne. Schließlich aber besinnen sich die beiden Männer, und die Mannschaft geht als strahlender Sieger aus dem Endspiel hervor. Wer aber wird nun Grete in seine Arme schließen dürfen?

Deutschland 1942 s/w Laufzeit ca. 80 Min.

Darsteller- Knuth, Gustav, Deltgen, Rene, Andergast, Maria, Engelmann, Heinz, Sieber, Josef

Regisseur ‏  Robert A. Stemmle

In der Neujahrsnacht 1871 wird Annelie geboren - 15 Minuten zu spät, denn die Eltern hatten genau Mitternacht für die Geburt ausgerechnet. Diese Verspätung von 15 Minuten wird für das Mädchen immer wieder zum Schicksal. Mit 16 Jahren verpasst sie die Pferdebahn, die verunglückt, Annelie bleibt am Leben. Mit einem Blinddarmdurchbruch wird sie in die Klinik gebracht, 15 Minuten zu spät, doch sie wird gerettet. In ihren Fieberträumen hat sie eine Vision und nimmt sich vor, von nun an immer pünktlich zu sein. sie heiratet den Arzt, der sie operiert hat, sie haben drei Kinder. als der Erste Weltkrieg beginnt, müssen ihr Mann und zwei Söhne an die Front. Annelie wird Rot-Kreuz-Schwester. Als ihr Mann im Lazarett stirbt, kann sie ihn in letzter Minute noch einmal sehen. Am Neujahrstag 1941 ist sie allein, Söhne und Neffen sind an der Front. Ihr einziges Geburtstagsgeschenk ist der Anruf ihres Sohnes, er lebt. Nachdem sich der Trubel draußen gelegt hat, setzt sie sich in einen Sessel und schläft für immer ein.

Deutschland 1941 s/w. Laufzeit ca. 98 Min

Darsteller ‏ : ‎ Haack, Käthe, Diehl, Karl Ludwig, von Winterstein, Eduard, Windeck, Agnes, Krauss, Werner

Regisseur ‏ : ‎Josef von Baky, 

Ohne es zu ahnen, schwebt Niels Korff, ein Autor erfolgreicher Kriminalromane, in Lebensgefahr. Ganz zufällig hat er nämlich in seinen Werken die Taten des amerikanischen Verbrecherduos Dufour & Morton haargenau geschildert. Das passt den beiden natürlich überhauüt nicht, weswegen sie nach Amsterdam reisen, um den Schriftsteller zum Schweigen zu bringen.
Der menschenscheue Hobbymusiker Korff bereitet sich dann auch gutgläubig auf ein Konzertengagement vor, das ihm von einem Vertrauten der zwei Mordbuben vermittelt wurde und in Wahrheit seine Todesfalle werden soll. Aber nicht nur auf Korff haben es Dufour & Morton abgesehen. Sie wollen die Gelegenheit nutzen, ein wertvolles Rubensgemälde aus der Villa des vermögenden Vermeylen zu stehlen. Kelly, ein weiterer Handlanger der beiden, nimmt zu diesem Zweck eine Stelle bei Vermeylen an. Zu allem Unglück wendet sich Vermeylens Tocher Dortje, die Kelly nicht traut, ausgerechnet an Morton um Hilfe. Die Lage spitzt sich zu, als die Mordanschläge gegen Korff allesamt wie durch ein Wunder danebengehen...

Deutschland 1938, s/w Laufzeit ca. 91 Min.

Rühmann, Heinz, Straub, Agnes, Rasp, Fritz, Foltin, Senta, Schafheitlin, Franz

Regisseur ‏ : ‎ Holl, Fritz

Obwohl die Zeiten schlecht sind, entschließen sich vier junge Frauen, gemeinsam eine Firma zu gründen. Käte, Lotte, Franziska und Marianne gehört nun das Werbebüro „Die vier Gesellen“. Alle haben die Fachschule für Kunstgewerbe besucht, und ihr Lehrer Stefan Kohlund hätte Marianne gerne vom Fleck weg geheiratet, wenn sie gewollt hätte. Stefan ist inzwischen Werbechef eines großen Zigarettenkonzerns in Dresden, während die vier Gesellen in ihrer Firma vergebens auf Aufträge warten. Die ehrgeizige Marianne versucht sogar persönlich bei der Zigarettenfirma den ausgeschriebenen Werbeauftrag zu ergattern. Da entdeckt sie den Werbechef, Stefan Kohlund, und lässt ihren Plan fallen. Als Marianne den Vertrag erhält, unterstellt sie Kohlund, manipuliert zu haben, und gibt ihm wieder einen Korb. Die Firma läuft gut, Mariannes Freundinnen haben ihre Männer fürs Leben gefunden, nur sie ist allein. Da trifft sie Stefan wieder, der ihr aber diesmal keinen Heiratsantrag macht, sondern einfach eine Liebeserklärung…
Deutschland 1938, s/w Laufzeit: ca. 90 min.

Marianne Kruge - Ingrid Bergman

Käte Winter - Sabine Peters

Künstlerin Franziska - Ursula Herking

Lotte Waag - Carsta Löck

Stefan Kohlung - Hans Söhnker

Prof. Lange - Leo Slezak

Regierungsrat Hintze - Erich Ponto

Direktor d. Kunstgewerbeschule - Robert Forsch

Regie: Carl Froelich

Revuestar Julia Köster ist theatermüde. Als ihr Direktor mit einem neuen Vertrag "droht", flieht sie - nur in leichter Unterwäsche unter ihrem Pelzmantel - In Richtung Alpen. Als der Zug unvermittelt hält, steigt sie schnell aus, nur um festzustellen, dass sie mutterseelenallein auf freier Strecke zurückgelassen wird. Ihre Aufregung ist komplett, als in unmittelbarer Nähe plötzlich Sprengungen durchgeführt werden. Ohnmächtig bricht sie zusammen und kommt in der Hütte von zwei Ingenieuren wieder zu sich. Erwin ist sofort in die hübsche Unbekannte verschossen, sie fühlt sich aber mehr zu dem ruhigen Peter hingezogen. Als sie von ihm erfährt, dass er "Stars" nicht leiden kann, verschweigt sie ihm ihre wahre Identität. Auch Peter ist bald bis über beide Ohren in Julia verliebt und will sie heiraten. Julias Inkognito platz jedoch, als zuerst ihre Koffer, dann auch noch der Theaterdirektor eintreffen. Peter wendet sich von ihr ab und Julia reist enttäuscht zurück in die Stadt. Am Tag der Premiere erscheint Peter jedoch in ihrer Garderobe. Seine Liebe war größer als seine Vorurteile. Doch jetzt lässt Julia ihn zappeln.

Deutschland 1944, Farbe, Laufzeit: ca. 94 min.

Julia Köster - Marika Rökk

Peter Groll - Wolfgang Lukschy

Theaterdirektor - Georg Alexander

Erwin Forster, Ingenieur - Walter Müller

Luise, Jungfer bei Julia - Grethe Weiser

Resi - Inge Drexel

Julias Tanzpartner - Willy Schulte-Vogelheim

Regie: Georg Jacoby

"Das schwarze Schaf" (s/w)
Pater Brown ist nicht nur als Pfarrer bekannt und beliebt in seiner kleinen irischen Gemeinde; der Mann in der schwarzen Soutane beschäftigt sich auch leidenschaftlich mit Kriminalistik, und zwar nicht nur theoretisch, sondern vielmehr praktisch - sehr zum Unmut der Kirchenoberen.
Als eines Tages ein Mann direkt vor Browns Kirche erschlagen aufgefunden wird, weckt der Mord den Detektiv im Pfarrer. Es gelingt ihm sogar, den Täter aufzuspüren, was Brown auf die Titelseiten der lokalen Zeitungen bringt, zugleich jedoch den Geduldsfaden des Bischofs zum Reißen. Um ihn ruhig zu stellen, wird Brown in eine Gemeinde versetzt, in der es seit Jahren zu keinem Verbrechen kam. Aber Pater Brown scheint das Verbrechen anzuziehen, denn kurz nach seiner Ankunft wird der örtliche Bankier ermordet. Scheinbar kein Bewohner des Örtchens hat ein Motiv. Die Polizei tappt im Dunkeln. Zunächst hält der scharfsinnige Brown sich aus dem Fall raus, schließlich will er nicht schon wieder strafversetzt werden. Aber schließlich siegt doch der Kriminalist in dem pfiffigen Pfarrer...
Laufzeit: 91 Minuten
Produktionsjahr: 1960
Regie: Helmuth Ashley
Darsteller: Lina Carstens, Siegfried Lowitz, Fritz Rasp, Heinz Rühmann, Karl Schönböck, Maria Sebaldt;

"Er kann's nicht lassen" (s/w)
Gemäldediebstahl, Erbschaftsaffäre, Rauschgiftskandal! Pater Brown, der leidenschaftliche Amateur-Detektiv, kanns nicht lassen. Doch je erfolgreicher er seine Aufklärungsarbeiten betreibt, desto entlegener werden die Winkel, in die ihn sein Bischof versetzt. Schließlich soll der Geistliche seine Schäfchen hüten und nicht Schwerverbrecher zur Strecke bringen. Als Pater Brown sich auf Schloß Darroway erfolgreich der Aufklärung zweier Todesfälle widmet und sich obendrein auch von einer dritten Leiche in Ritterrüstung nicht schrecken läßt, bleibt dem Bischof nur noch eine Lösung: Afrika!
Laufzeit: 91 Minuten
Produktionsjahr: 1962
Regie: Axel von Ambesser
Darsteller: Gritt Böttcher, Lina Carstens, Rudolf Forster, Ruth-Maria Kubitschek, Heinz Rühmann, Horst Tappert, Siegfried Wischnewski;

Schuhfabrikant Gruber ist in seiner Ehe gar nicht glücklich, da seine Frau heftig mit anderen Männern flirtet. Als er das Treiben nicht mehr erträgt, entschließt er sich zu einem Kurzurlaub in seinem neuen Jagdschloss im Schwarzwald. Bei einer Rast schläft er unter einem Baum ein, ohne zu bemerken, dass sein schicker Sportwagen sich selbstständig macht und die Landstraße hinunterrollt. Dabei rammt er eine uralte Klapperkiste, wodurch der Sportwagen zum Stehen und das andere Auto ins Rollen kommt. Der Besitzer der Kiste, der erfolglose Tierdresseur Amadori, erwacht aus seinem Nickerchen und glaubt an göttliche Fügung, als er anstelle seiner Scherbe den glänzenden Schlitten findet. Mit diesem Wagen hält ihn jeder in der Gegend für den inkognito reisenden Gruber; er wird sogar von zwei Förstern in Grubers neues Jagdschloss geleitet. Dieser hat inzwischen die Bekanntschaft der Schustertochter Liesl gemacht, eines kecken Landmädchens, das Grubers Herz zum Glühen bringt. Als Grubers Frau samt derzeitigen Verehrer im Schloss auftaucht, droht die Maskerade Amadoris aufzufliegen...

Deutschland 1933, s/w Laufzeit: ca. 80 min.

Amadori - Heinz Rühmann

Direktor Gruber - Paul Hörbiger

Liane, seine Gattin - Erika Falgar

Schuster Pichler - Ludwig Stoessel

Liesl - Luise Ullrich

Schröder - Harry Gondi

Verwalter - Paul Heidemann

Sekretär - Wolfgang Staudte

Regie: Carl Boese

Der Friseurladenbesitzer Felix Rabe reist nach Wien, um das Erbe seiner verstorbenen Tante Barbara anzutreten. Er ist nicht sonderlich begeistert, als er feststellen muss, dass ihm die Tante lediglich dreizehn alte Stühle hinterlassen hat. Damit er sich zumindest eine Rückfahrkarte leisten kann, verkauft er den spärlichen Nachlass an den Trödler Alois Hofbauer. Als Felix in der Wohnung der verstorbenen Tante übernachtet, findet er einen Brief, aus dem hervorgeht, dass die Tante ihr gesamtes Vermögen in einen der Stühle eingenäht hatte. Am nächsten Tag beginnt er mit dem Trödler Alois eine wilde Jagd nach den Stühlen. Ein Pech nur, dass dieser alle Stühle einzeln verkauft hat...
Deutschland 1938, w/w Laufzeit: ca. 84 min.

Felix Rabe - Heinz Rühmann

Alois Hofbauer - Hans Moser

Frau Hofbauer - Annie Rosar

Lilly Walter - Inge List

Lillys Freundin - Menta Egies

Geschäftsbesitzer - Karl Skraup

Portier - Rudolf Carl

Oskar - Richard Eybner

Regie: E.W. Emo

Beim Ball des Prinzen Orlofsky erwartet "ganz Wien" die Premiere der Operette "Die Fledermaus". Gelegenheit für den Theaterdirektor Falke, sich für einen Faschingsstreich zu rächen, den ihm Herbert von Eisenstein und der Gefängnisdirektor Frank gespielt haben. Alles läuft nach Wunsch: Herbert hofiert eine "Ungarin", die seine eigene Gattin ist, auf der Bühne macht Adele Furore als Soubrette - in Zivil Rosalindes Stubenmädchen - und Eisenstein entdeckt dort verblüfft den Schauspieler Melzer, der eigentlich für ihn in Haft sitzen sollte! Auch Frank kommt das "spanisch" vor. Mit Eisenstein, der eifersüchtig "seine Ungarin" beim Tanz mit Orlofsky sieht, ersäuft er seine Verwirrung in Alkohol, während Rosalinde unterdessen gewandt Adele dem Prinzen zuspielt. Im Gefängnis, wo Eisenstein nun selber büßen und Falke seine Rache genießen will, löst sich der Scherz: Rosalinde war nicht untreu. Ein Duell Eisenstein-Orlofky wird nicht stattfinden und beim Sekt kommt die allgemeine Versöhnung.

Deutschland 1945, s/w Laufzeit: ca. 99 min.

Herbert von Eisenstein - Hohannes Heesters

Rosalinde von Eisenstein - Marte Harell

Gefängnisdirektor Frank - Willy Fritsch

Adele, Stubenmädchen - Dorit Kreysler

Theaterdirektor Falke - Will Dohm

Prinz Orlowsky - Siegfried Breuer

Regie: Geza von Bolvary

In diesem propagandistischen "Aufbaufilm" aus dem Dritten Reich wird die Geschichte des Preußenkönigs Friedrich des Großen erzählt. Nach der Niederlage bei Kunersdorf im Jahre 1759 steht Preußen kurz vor der endgültigen Niederlage. Zwar wurde Friedrich gerettet, doch die Hälfte des preußischen Heeres ist vernichtet. In der Umgebung des Königs ist daraufhin jeder vernünftige Mann für die Kapitulation. Doch Friedrich steigert sich in einen Siegeswahn und stemmt sich gegen seine Berater. Er ist davon besessen, mit diesem Krieg das Gesicht Europas maßgeblich zu verändern. Zwischen dem Feldwebel Treskow, einem Regimentsführer, und der fleißigen Luise, die sich um die Verwundeten kümmert, entspinnt sich in all dem Schlachtengetümmel eine zarte Liebe. Vor den Toren Torgaus kommt es zu einer entscheidenden Schlacht mit der österreichischen Armee. Durch Treskows Einsatz gehen die Preußen als Sieger hervor.

Deutschland 1940 - 1942, s/w Laufzeit ca. 116 min.

Köing Friedrich v. Preußen - Otto Gebühr

Luise Treskow - Kristina Söderbaum

Feldwebel Treskow - Gustav Fröhlich

Fähnrich Niehoff - Hans Nielsen

General Czernitscheff - Paul Wegener

Grenadier Spiller - Paul Henckels

Frau Spiller - Elisabeth Flickenschildt

Alfons - Kurt Meisel

Regie: Veit Harlan

In dem Fantasiestaat Olivia treibt der Räuberhauptmann Gasparone allerlei Unfug. Aber nicht nur mit ihm hat Präfekt Nasoni seine Sorgen, auch sein Sohn Sindulfo bereitet ihm Kopfzerbrechen. Er soll die Gräfin Ambrat heiraten, liebt aber Ita, die Nichte von Massaccio, einer etwas undurchsichtigen Existenz. Da taucht der elegante Erminio auf, dem wiederum die Gräfin schöne Augen macht. Verwirrung über Verwirrung, bis Massaccio als Gasparone entlarvt wird. Erminio entpuppt sich als Staatsbeamter, der auf Gasparone angesetzt war und nun seine schöne Gräfin bekommt. Als letzter schließt Sindulfo seine Ita in die Arme.

Deutschland 1937, s/w Laufzeit: ca. 88 min.

Erminio Bondo - Johannes Heesters

Ita. Revuestar - Marika Rökk

Massaccio - Oskar Sima

Carlotta Gräfin Ambrat - Edith Schollwer

Nasoni, Polihzeipräfekt - Leo Slezak

Sindulfo, Nasonis Sohn - Heinz Schorlemmer

Der Polizeikapitän - Paul Schwed

Benozzo, Wirt - Rudolf Platte

Regie: Georg Jacoby

Die Tänzerin Monika wird wegen ihrer ungenierten Eigenwilligkeit, mit der sie infolge ihrer Verspätung eine imposante Römer-Revue stört, vom wutschnaubenden Direktor entlassen. Von ihrer Wirtin wegen Mietrückständen auf die Straße gesetzt, nimmt sich ein Hausbewohner, der Ägyptologe Dr. Nöhring ihrer an. Er verlobt sich schließlich mit ihr. Sein Freund Andreas macht ihm deshalb Vorwürfe und hintertreibt die Verlobungsfeier, so dass als einziger nur Vater Schmidtke, der von Monika eingeladene Gast, sich an der großen Tafel gütlich tut. Um Weiterungen zu vermeiden, fährt Andreas mit Monika in die Berge und verliebt sich selbst in sie. Dr. Nöhring tröstet sich derweilen mit Monikas Freundin Helene, in deren Profil er Ähnlichkeit mit Nofretete entdeckt. Schließlich treffen alle auf dem "Schneehof" in den Bergen zusammen, einschließlich Theaterdirektor mit Sekretärin. Er sucht nämlich, seit die Kritiker Monikas Schabernack gelobt haben, händeringend seine davongejagte Tänzerin. Sie soll nun die Hauptrolle in der nächsten Revue spielen. Das tut sie auch; aber vorher verhindern Missverständnisse eine Aussprache zwischen Monika und Andreas, der sich enttäuscht zurückzieht. Als er aber zur Premiere der neuen Revue kommt, erfährt er von dem neugebackenen Ehepaar Helene - Dr. Nöhring Aufklärendes, eilt hinter die Bühne und schließt Monika in seine Arme.

Deutschland 1942, s/w Laufzeit: ca. 82 min.

Monika Koch - Marika Rökk

Andreas Rüdiger - Viktor Staal

Dr. Georg Nöhring - Hans Brausewetter

Papa Schmidtke - Paul Henckels

Freundin Helene - Mady Rahl

Theaterdirektor - Aribert Wäscher

Sekretärin - Urusla Herking

Regie: Harald Braum

Der deutsche Mediziner Dr. Struensee, genialer Arzt und Liebling der Frauen, wird an den königlichen Hof nach Kopenhagen gerufen. Er soll ein Gutachten über den jungen, angeblich geisteskranken König Christian abgeben. Diesen lernt er als einen liebenswerten, aber labilen Menschen kennen und erklärt ihn für regierungsfähig. Von nun an hat er in dem König einen Freund gefunden, in den Hofintigranten jedoch tödliche Feinde. An Christians Seite wird Struensee zum ersten Minister. Bald beginnen Gerüchte zu kursieren, dass zwischen dem Arzt und der Königin eine Liasion besteht. Als die Königin einen gesunden Sohn zur Welt bringt, ist der junge König zunächst überglücklich, aber das Muttermal am Hals des Kindes verrät, wer der wahre Vater ist. Unter dieser Beweislast ist Christian gezwungen, Struensee und der Königin den Prozess zu machen. Er wird zum Tode verurteilt, sie muss das Land verlassen. Dazu ist sie nur bereit, wenn ihr Geliebter mit ihr gehen darf. Um das Land, das vor einer Revolte steht, zu retten, lässt Struensee sie im Glauben, er wird auf dem Schiff nach England auf sie warten...

Deutschland 1956 DVD Art. 988

Laufzeit ca. 100 min.

Friedrich Struensee - O.W. Fischer

König Christian - Horst Buchholz

Königin Mathilde - Odile Versois

Königinmutter Juliane - Elisabeth Flickenschildt

Graf Bernstorff - Günther Hadank

General Graf Rantzau - Fritz Tillmann

Gertrud von Eyben - Ingeborg Schöner

Kammerherr Guldberg - Siegfried Lowitz

Regie: Harald Braum

Jenny, ein hübsches, intelligentes Mädchen, ist die Tochter des Inhabers einer Versicherungsgesellschaft. Sie hat Kriminologie studiert und arbeitet im Unternehmen ihres Vaters an der Aufklärung von Diebstählen. Gerade versucht sie, einen Fall im Tivoli-Hotel in Kopenhagen zu klären. Der Sängerin Lilly wurde ihr versicherter Schmuck gestohlen. Bei ihren Recherchen fällt Jenny immer wieder ein Herr im Frack auf, der sich irgendwie verdächtig benimmt. In Wirklichkeit ist dieser Herr Peter Holm, ein Mitarbeiter ihres Vaters, der sich einen Spaß daraus macht, sie an der Nase herumzuführen. Als Jenny das endlich merkt, versuchen sie nun gemeinsam den Juwelendieb zu fassen, was in eiinem so großen Hotel mit vielen internationalen Gästen nicht einfach ist. Durch den Tipp eines Hotelangestellten kommen sie auf die richtige Spur. Die Freude über den Erfolg ist groß und Peter Holm setzt in die Tat um, was er Jennys Vater bereits angekündigt hatte: auch ohne den väterlichen Segen wird er diese großartige Detektivin heiraten.

Deutschland 1941 Art. 889 ca. 83 min.

Peter Holm - Johannes Heesters

Jenny - Gusti Huber

Sängerin Lilly - Hilde Hildebrand

Juwelendieb - Oskar Sima

Gereraldirektor - Gustav Waldau

Briefmarkensammler - Paul Kemp

Herr Sprüngli - Hemran Pfeiffer

Regie: Paul Martin

Landarzt Dr. Koch ist verzweifelt: Eine Tuberkulose-Epidemie rafft die Kinder seines Bezirks dahin, ohne dass man etwas dagegen tun könnte. Jedes vierte Kind ist bereits erkrankt, hilflos müssen die Eltern zusehen, wie ihre Kleinen sterben. Nun übernimmt Koch, der sich bereits seit Jahren damit beschäftigt, den Erreger der Tuberkulose zu finden, noch größere Anstrengungen, um der Ursache der Seuche auf die Spur zu kommen. Erschwert wird seine Arbeit durch Missgünstlinge und Neider, wie einen in seiner Ehre gekränkten Lehrer. Das größte Hindernis jedoch ist der berühmte Berliner Wissenschaftler, Geheimrat Rudolf Virchow: er steht Robert Kochs Theorie, dass ein Bazillus der Auslöser der Tuberkulose ist, äußerst skeptisch gegenüber.

Deutschland 1939 ca. 116 min.

Dr. Robert Koch - Emil Jannings,

Geheimrat Rudolf Virchow - Werner Krauss

Schwester Else - Viktoria von Ballasko

Dr. Fritz von Hartwig - Raimung Schelcher

Emmy Koch - Hildegard Grethe

Dr. Georg Gaffky - Theodor Loos

Dr. Friedrich Löffler - Otto Graf

Dr. Karl Wetzel - Peter Elsholtz

Regie: Hans Steinhoff

Regie: Andrei Kravchuk

Eine wahre Geschichte aus einem russischen Waisenhaus: Ein kinderloses, italienisches Ehepaar sucht ein Adoptivkind. Ihr Wunschkandidat, der 6-jährige Vanya, wird von den anderen Kindern wegen seiner Aussicht auf ein sorgenfreies Leben in Italien beneidet und »der Italiener« genannt. Doch Vanya hat ganz andere Pläne: Er reißt aus, um seine leibliche Mutter zu finden. An seine Spuren heften sich Polizei und die Waisenhausleitung, die um einen lukrativen Adoptionshandel fürchtet

Extras

Booklet mit Texten der Jungen Journalisten, Kapiteleinteilung, Links

Credits

Buch: Andrei Kravchuk
Darsteller: Kolya Spiridonov, Maria Kuznetsova, Yuri Itskov
Kamera: Alexander Burov
Musik: Alexander Knaifel
Regie: Andrei Kravchuk
Schnitt: Tamara Lipartiya

Produktionsland: Russland
Produktionsjahr: 2005

Pressestimmen

»Der Film hat mir sehr gut gefallen, weil sich ein Junge allein auf den Weg macht und etwas schafft.«
- Leon, 10 Jahre

»ein leidenschaftlicher, trauriger Beitrag zum Adoptionshandel in Russland«
- Die Welt

Auszeichnungen

Großer Preis des Deutschen Kinderhilfswerks und
Lobende Erwähnung der Kinderjury

Länge: 99
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby Digital 2.0, Stereo
Sprache: Russisch
Untertitel: deutsche Untertitel, englische Untertitel
Regionalcode: codefree

Klosterbaustelle Meßkirch

nach dem mittelalterlichen Klosterplan St.Gallen

Projekt CAMPUS GALLI

Im oberschwäbischen Meßkirch wird mit dem berühmten Sankt Galler Klosterplan aus dem 9. Jahrhundert die älteste noch erhaltene Architekturzeichnung des Abendlandes Wirklichkeit: CAMPUS GALLI - rund drei Dutzend Männer und Frauen bauen auf einem entlegenen Waldgelände mit den Mitteln und Methoden des 9. Jahrhunderts eine ganze Klosterstadt; mit Wohnhäusern, Friedhof, Brauerei, Werkstätten und dem eigentlichen Kloster, zu dem auch eine mächtige, rund 70 Meter lange Abteikirche gehört. Eine gewaltige Herausforderung, denn wer weiß denn noch wie man so etwas macht? Wie schlägt man Steine aus dem Fels, wie gewinnt man Eisen, wie hievt man tonnenschwere Balken auf Gerüste, wie gießt man eine Glocke? Das Projekt CAMPUS GALLI ist auf mehrere Jahrzehnte angelegt. Damit ist das Projekt ein handwerkliches, archäologisches und auch ein menschliches Abenteuer.

Ein Film von Reinhard Kungel. D 2022

90Min. / 16:9 Ländercode 0 (alle Länder) Sprachen: D/Engl.

GUEDELON

Bauen wie im Mittelalter

In Guédelon entsteht eine Burg. Das Besondere: die Bauarbeiten finden unter den Bedingungen des Mittelalters statt, ohne Bagger, Kran und Bohrmaschine.

Eine beeindruckende Szenerie: Steinbrecher, Steinmetze, Maurer, Waldarbeiter, Zimmerleute, Schmiede, Seiler, Korbflechter und Ziegler verarbeiten in ihren Werkstätten die vor Ort gewonnenen Rohmaterialien wie im 13. Jahrhundert. Guédelon ist damit ein Vorreiter für die Wissenschaft - insbesondere für die experimentelle Archäologie - und bietet die einmalige Gelegenheit, eine mittelalterliche Baustelle in einem lebendigen Umfeld zu besichtigen.

Reinhard Kungel und sein Filmteam begleiten die Bauarbeiten, die übrigens bis 2023 andauern sollen, von Anfang an. Der Film gibt damit einen chronologischen Überblick, erklärt Arbeitsabläufe und lässt die Macher selbst zu Wort kommen.

Ein 90-minütiger Dokumentarfilm von Reinhard und Ingrid Kungel über die erstaunlichste Baustelle der Welt . D 2008

90 Min. / 16:9 Ländercode 0 (alle Länder) Sprachen: D/Engl./F.

Bonus: “Wir bauen eine Ritterburg” preisgekrönter Film für Kinder und Jugendliche (45 Minuten)

2 DVD Gesamtlaufzeit: 225 Min.

IM ALLGÄU IST DER TEUFEL LOS – MAL WIEDER!

Bauer Allgeier greift zur Mistgabel. Er wehrt sich gegen den Zwangsanschluss an das neue Wassernetz. Landrat Dr. Strobel lässt ihm einfach seine Quelle zuschütten. Der widerspenstige Landwirt wendet sich daraufhin an Gesundbeter Guggemoos, der dank „weißer Magie“ über besondere Kräfte verfügt. Prompt wird der Landrat von einem grässlichen Harndrang befallen. Bald geht es drunter und drüber im Dorf: Ein Bauwagen fliegt in die Luft, eine Wunderquelle sprudelt, und als Bauernbub und Stadtfrau miteinander nächtigen, sucht sie sogar der Leibhaftige persönlich heim.

DIE LEGENDE KEHRT ZURÜCK!

Mit DAHEIM STERBEN DIE LEUT' landeten die Allgäuer Filmemacher Klaus Gietinger und Leo Hiemer 1985 einen Überraschungserfolg. Der Low-Budget-Film, als „erster Kult-Film aus dem Westallgäu" annonciert, eroberte die Herzen des Publikums im Sturm und wurde einer der erfolgreichsten deutschen Filme des Jahres. Pünktlich zum 30 jährigen Jubiläum taucht der Film digital aufbereitet wieder auf. Eine kultige Komödie und Dorfkino der anderen Art, das nicht seine Figuren, sondern deren Geschichten der Lächerlichkeit preisgibt.

Die Rollen und ihre Darsteller:

Bauer Hans Allgeier Walter Nuber (Riedhirsch, mit Filmerfahrung bei Gietinger/Hiemer))

Fini Allgeier, seine Frau Luise Zodel (Schönau, Tante von Leo Hiemer, mit Filmerfahrung)

Großvater Allgeier Josef Lau (Röthenbach, in der ersten Filmrolle seines Lebens)

Enkelin Hanni Allgeier Constanze Meier (heute Ärztin in Kanada)

Werner Allgeier, Bauernbub Norbert Hauber (Holzleute, heute Anästhesist in Lindenberg)

Silke aus Göttingen Anni Rapps (Kempten, Volleyballerin, ohne Filmerfahrung)

Landrat Dr. Strobel Heribert Weber (Kilchberg b.Tübingen, Hochschuldozent mit Filmerfahrung bei Gietinger/Hiemer)

Franz Branntwein, sein Assi Jockel Tschiersch (Kabarettist und Schauspieler, gebürtig aus Weiler)

Guggemoos, Gesundbeter Josef Preiß (Riedhirsch, Naturtalent)

Seine Schwester Berta Zwiesler (Heimenkirch, Original)

Teufel Stefan Huth (Lindenberg)

Bürgermeister Willibald Führer (Lindenberg)

Dominikus Fäßler Franz Vogt (Neuravensburg)

Postbote, Dirigent Werner Zodel (Weiler)

Kamerad auf Wache Alfred Kößl (Lindenberg)

Stammtischler Armin Schmid (Lindenberg)

Stammtischler Walter Hinz (Lindenberg, mit Filmerfahrung)

Josefle Leo Hiemer (Lindenberg, Notbesetzung)

u.v.a.

Zöptau – Ullersdorf – Mähr – Schönberg – Rämerstadt – Freudenthal

90 min. Pal/widesreen 16:9

Ein 90-minütiger Dokumentarfilm von Reinhard und Ingrid Kungel über die erstaunlichste Baustelle der Welt + Bonus: “Wir bauen eine Ritterburg” preisgekrönter Film für Kinder und Jugendliche (45 Minuten)

In Guédelon entsteht eine Burg. Das Besondere: die Bauarbeiten finden unter den Bedingungen des Mittelalters statt, ohne Bagger, Kran und Bohrmaschine.

Eine beeindruckende Szenerie: Steinbrecher, Steinmetze, Maurer, Waldarbeiter, Zimmerleute, Schmiede, Seiler, Korbflechter und Ziegler verarbeiten in ihren Werkstätten die vor Ort gewonnenen Rohmaterialien wie im 13. Jahrhundert. Guédelon ist damit ein Vorreiter für die Wissenschaft - insbesondere für die experimentelle Archäologie - und bietet die einmalige Gelegenheit, eine mittelalterliche Baustelle in einem lebendigen Umfeld zu besichtigen.

Reinhard Kungel und sein Filmteam begleiten die Bauarbeiten, die übrigens bis 2023 andauern sollen, von Anfang an. Der Film gibt damit einen chronologischen Überblick, erklärt Arbeitsabläufe und lässt die Macher selbst zu Wort kommen.

In den Monaten April bis Oktober ist die Baustelle im französischen Burgund offen für Besucher. Informationen zu Guédelon auch in deutscher Sprache unter: http://www.guedelon.fr

Bild: PAL 16:9
Ton: Dolby Digital 2.0
Ländercode: 0 - überall abspielbar
Sprachen: Deutsch, Englisch, Französisch
Laufzeit: 90 Minuten Dokumentarfilm
+ 45 Minuten Bonus Kinderfilm

Dampflok Highlights: Dampflokomotiven auf Haupt- und Nebenstrecken

In diesem Rückblick auf die 70er und 80er Jahre sind so manche historische Fahrzeuge nicht mehr im Einsatz. Alte Szenen wurden für Sie zur Erinnerung zusammengestellt:

Dampflokomotiv- Baureihen 01, 41, 44, 50, 78, 64 und andere Maschinen, meist im schweren Einsatz vor Plandampf-Zügen, darunter Güterzüge bis 2000t Last, aber auch vor Sonderzügen im Museumsbahneinsatz.

Sie begleiten große und mittelgroße Dampflokomotiven auf vielen Strecken in Deutschland und von Bayerisch-Eisenstein bis hinein nach Tschechien.

Baureihe 78 in der Pfalz und am Rhein

Plandampf rund um den Pfälzer Wald

Kalkdampfzug an der Alsenz

Lokomotive 01 1100 zwischen Altona und Westerland

Dampflokomotove 41 360 Offenburg-Freudenstadt-Horb

Geislinger Steige

Mit der 534 von Bayrisch Eisenstein nach Spicak

Stromlinienlok 01 1102 im Thüringer Wald

Die Harzquer – und Brockenbahn

Kaliplandampf Vacha-Eisenach

Gesamtlänge: ca.57 Min.

Format: 16:9 PAL

FSK: Infoprogramm

Sprache: ton_sprache_item

Die Rhätische Bahn

Ob von Davos nach Klosters oder von Chur nach Arosa, Sie erleben vor der wunderbaren Landschaft der Schweizer Berge nostalgische Szenen mit dem "Rhätischen Krokodil" und moderne Lokomotiven im Sommer und Winter.

Alle Teilstrecken der Rhätischen Bahn, u. a. die weltberühmten Züge "Glacier-Express" und "Bernina-Express". Sowohl die Bahnlinie, mit spektakulären Viadukten und Kehrtunneln, als auch die umgebende Landschaft gehören zum Weltkulturerbe.

Prolog

1. Davos-Linie (Chur-Landquart-Klosters-Davos m. Durchschlag u. Eröffnung des Vereinatunnels)

2. Davos-Filisur-Linie durch die wilde Zügenschlucht mit dem beeindruckenden Viadukt von Wiesen

3.Albula-Linie (Chur-Thusis-Solisviadukt-Landwasserviadukt -Filisur-Bergün-Albulakreiskehrtunnel und Viadukte, Albulatunnel,Samedan kurz vor St.Moritz). Die obere Albulastrecke samt Bauwerken gehört zum Weltkulturerbe.

4.Chur-Disentis-Linie durch die wilde Rheinschlucht

5.Engadin-Linie (Samedan-Scuol-Tarasp)

6.Bernina-Linie (St.Moritz-Alp Grüm-Brusio-Tirano)

7.Arosa-Linie (Chur-Arosa) mit dem neuen blauen "AROSA-Express" und dem berühmten Langwieserviadukt

Nicht fehlen dürfen die Dampflok Nr. 108 und die "Rhätia“

Gesamtlänge: ca.44 Min.

Format 14:9

Format: FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Dampflok Highlights Schnellzug- und Personenzuglokomotiven Modell & Original

Legenden der deutschen Schnellzug- und Personenzuglokomotiven, wie die Baureihen 01, 03 und die Württembergische C alle 18er Varianten von der Badischen IV h über die Bayerische S3 / 6 zur klassischen Baureihe 18

- Die 18 201 (schnellste Dampflokomotive der Welt)
- Die berühmte Baureihe 38 (Preußische P8) und die Baureihen 23, 24 („Steppenpferd“)
- Der Adler und die Saxonia.
- Als erste Dampflokomotiven in Deutschland haben sie Eisenbahngeschichte geschrieben.

Sie erfahren anhand der Modelle viele technische Details und erleben dann die Maschinen im schweren Einsatz auf verschiedenen Strecken. Z. B. die 01 118, die 01 1100 und die 01 1066 mit viel Dampf bei Steigungs- und Parallelfahrten oder Sie genießen die Sicht aus dem Führerstand.

Gesamtlänge: ca.59 Min.

Format 4:3

Format: FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Eisenbahn Highlights Elektro Lokomotiven

Eine umfangreiche Zusammenstellung von Altbau-Elloks im Einsatz auf Normal-u. Schmalspurgleisen und ein interessanter Blick in die eisenbahntechnische Vergangenheit.

Die Dokumentation befasst sich mit der E194 dem sog. Deutschen Krokodil (bis 1988 in Betrieb), den legendären "Schweizer St. Gotthard-Krokodile",

dem "Rhätischen Krokodil", sowie dem klassischen "Österreichischen Krokodil" und der österreichischen "Berglok" (Baureihe 1020) -

Neben den deutschen Baureihen E 44, E 75, E 18, E 77 und E 103 erleben Sie alle Oldtimer-E-Loks der großen Lokparade 1997 in Lausanne.

Der Film zeigt Oldtimer der BLS, wie die Emmentalbahn im Jubiläumsjahr bei der Fahrt quer durch die Schweiz und die Mammut Ellok Ae8/14, zu ihrer Zeit die stärkste Ellok der Welt.

Hinzu kommen Ellok-Veteranen des Jubiläums "150 J. Eisenbahnen in Österreich" 1987

.

Gesamtlänge: ca.56 Min.

Format: 14:9 PAL

FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Loks auf steilen Strecken

Zwischen 1985 und 2009 entstanden spektakuläre Dampflokomotiv-Einsätze auf Steilstrecken Verbindung mit herrlichen Landschaftsaufnahmen und technischen Erläuterungen erwarten uns.

Die "Schiefe Ebene"

Auf der Strecke Nürnberg-Hof erleben wir die Baureihen 03, 41, 50, 44, 64, 86, die französische 241 A 65 u.a. mit Schiebeloks bei Bergfahrten mit extremen Dampfwolken und Donnergetöse.

Die Geislinger Steige

Herrliche Dampflokeinsätze vor Sonderzügen und eine Parallelfahrt mit 3 Baureihen 01, sowie Führerstandsmitfahrten bergwärts erwarten uns.

Die Wutachtalbahn

- Dampflokomotiven bei der Bergfahrt, darunter die BR 50 der EUROVAPOR, aber auch einige Oldtimer-Dampfloks. Auf dem Führerstand geht es durch den größten Kreiskehrtunnel Europas.

Die RIGI-Zahnradbahnen

Mit der Vitznaubahn am Vierwaldstätter See und der Arth-Goldaubahn zum RIGI-Gipfel fährt auch die legendäre Stehkessel-Lok Nr. 7 unter Dampf, dazu die Dampflok Nr. 16, den ARB-Oldtimer-E-Triebwagen von 1911.

Die PILATUSBAHN

-Ein Höhepunkt des Films ist die Fahrt mit der steilsten Zahnradbahn

der Welt auf den PILATUS (480 Promille!).

Herrliche Ausblicke in die Schweizer Gebirgswelt und technische Einblicke in das

Zahnstangensystem nach Locher.

Die ACHENSEEBAH

Die meterspurige Zahnradbahn Jenbach in Tirol hinauf zum Achensee: Drei Dampflokomotiven (gebaut 1888/89) sind dort noch täglich im Regeleinsatz.

Gesamtlänge: ca.58 Min.

Format: Widescreen

FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Dampflok Highlights: Dampf- & Dieselloks

So manche historische Fahrzeuge in diesem Rückblick auf die 70er und 80er Jahre sind nicht mehr im Einsatz und schon beinahe in Vergessenheit geraten. Wir haben alte Szenen aus der Zeit vor der Jahrtausendwende zur Erinnerung zusammengestellt:

• 1989 erlebten wir noch Dampflok 23 105 der DB AG auf der Brenztalbahn zwischen Ulm und Aalen (teils Luftaufnahmen). Diese bekannte historische Lokomotive ist beim verheerenden Brand im Nürnberger Ring-Lokschuppen des Verkehrsmuseums der DB AG am 17. Okt. 2005 schwer beschädigt worden.

• Die Hohenzollerische Landesbahn (HZL).

Erleben Sie die inzwischen wertvollen Eisenbahnszenen zwischen Eyach,

Gammertingen und Lautertal. Höhepunkte sind die Fahrten über die

bekannte Burladinger Steige, z. B. mit der „Kriegslok“ 52 7596 und der

64 289

„Bubikopf“.

• An Ostern 1990 feierte die Wutachtalbahn das 100-jährige Jubliäum. Diese berühmte „Kanonenbahn“ bürgt für außergewöhnliche Szenen mit den Dampflokomotiven 50 2988, 75 1118, 64 289 und dem Esslinger Oldtimer 5469 auf den kühnen Viadukten und den kurvenreichen Steigungsstrecken mit Europas längstem Kehrtunnel.

• Impressionen von der Waldviertelbahn (einer Schmalspurbahn) zur Dampflokzeit. Diese Aufnahmen sind längst Bahngeschichte.

• Mit eindrucksvollen Szenen erinnern wir uns an den inzwischen legendären VT 11.5 (601), den man als „TEE“, bzw. „Alpensee-Express“ kannte. Unsere Szenen haben wir einst in Süddeutschland eingefangen.

• Die Reminiszenz endet mit Erinnerungen an Bahnen in der Schweiz und in Österreich

Sprecher: Karl-Heinz Mey, Isabell Hacker

Gesamtlänge: ca.60 Min.

Format: Widescreen

FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Dampflok Highlights Dieseltriebfahrzeuge

Viele der Modelle sind längst aus dem Alltagsbild verschwunden oder nur noch selten als sogenannte „Museumsbahn-Fahrzeuge“ zu sehen.

Vor schweren Kalizügen sehen Sie die leistungsfähigen „Dieselrösser“, ebenso wie auf der Geislinger Steige oder in Thüringen bei der Fahrt über die Plothentalbrücke nach Triptis, sowie im Winterbetrieb bei Oberhof.

Zu sehen sind Diesellokomotiven, Dieseltriebzüge und Sonderfahrzeuge

Die Baureihen V100, V200, V202, V212, V215, V218, V219, V221, V36, V232, Köf. Hinzu kommen die legendären Triebzüge SVT 137 „Fliegender Hamburger“, VT 08 und 12,5 (sog. „Eierköpfe“), der VT 11.5 (601) TEE bzw. „Alpensee-Express“, VT 18 (175). Und nicht zu vergessen die legendären Schienenbusse.

Teilweise mit historischen Aufnahmen, wie von der V80 002, erleben Sie pure Eisenbahnnostalgie.

Gesamtlänge: ca.67 Min.

Format: Widescreen

FSK: Infoprogramm

Sprache: Deutsch

Empört euch!

Regie: Tony Gatlif

Die Krise des Finanzmarktes ist für viele Menschen zu einer persönlichen Krise geworden. Aus dieser Krise hat sich zunächst der Aufschrei "Empört Euch!" entwickelt. Der ist dann zu einem Buch geworden, in dem der Diplomat, Lyriker und ehemalige Résistance-Kämpfer Stéphane Hessel seine Botschaft gegen den Finanzkapitalismus und für eine pazifistische Welt verkündet. Jetzt hat Tony Gatlif mit Stéphane Hessel einen Dokumentarfilm gemacht, der die Themen und Thesen der Streitschrift bebildert und erläutert.

Hessel ruft eindringlich auf zum friedlichen Widerstand gegen die Ungerechtigkeit in unserer Gesellschaft, gegen die Diktatur des Finanzkapitalismus, gegen die Unterdrückung von Minderheiten, gegen die Umweltzerstörung auf unserem Planeten. Denn "Neues schaffen heißt Widerstand leisten. Widerstand leisten heißt Neues schaffen.

Credits

Regie: Tony Gatlif

Darsteller: Stephane Hessel

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2012

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Originaltitel:
Indignez-vous ! (2012)

Länge: 72 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Französisch

Untertitel: Deutsch

Rubrik: Dokument

Genre: Wirtschaft, Finanzen, Dokumentarfilm

Nach dem Roman Die Schwabenkinder – Die Geschichte des Kaspanaze von Elmar Bereuter

Der Film erhielt den Fernsehfilmpreis der Deutschen Akademie der Darstellenden Künste.
Die große Not und der tödliche Unfall der Mutter zwingen Kaspar’s Vater den Sohn als sogenanntes Hütekind zum Kindermarkt ins Schwabenland zu schicken. Von einem Kooperator geführt beginnt für die kleine Gruppe der beschwerliche Weg über tiefverschneite Pässe. Verängstigt und erschöpft werden die Kinder auf dem Markt von Ravensburg unter Vermittlung des Kooperators wie Sklaven den Bauern feilgeboten. Kaspar erleidet ein schweres Los, denn Bauer Steinhauser ist als Tyrann bekannt. Als er längst für tot erklärt ist, kehrt er Anfang des 20. Jhd. als erwachsener Mann in seine Heimat Tirol zurück. Er findet seinen Vater auf dem Sterbebett liegend vor. Viele Kinder aus Tirol, Vorarlberg und der Schweiz teilten dieses Schicksal teilweise bis in die 30er Jahre d. 20.Jhd.

Tobias Moretti, Vadim Glowna, Jürgen Tarrach, Tomas Unterkircher, Hary Prinz

Regie: Jo Baier

D/A 2003

Spielzeit: 96 Min. + 62 min. Making of

Altersfreigabe : 6

Sprache: DEUTSCH

Bildformat: 16:9 pal

Tonformat: DEUTSCH (Dolby Digital 2.0)

Baukunst - 1930er Jahre

Richard Copans, Stan Neumann

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten. Größer, höher, weiter: Architektur als Spiegel eines futuristischen, der Effizienz dienendem Denken. Jenseits des Monumentalen im Ideal verbunden mit Licht, Wärme, gestalterischer Poesie.

Film 1: FRANK LLOYD WRIGHT: Das JOHNSON-VERWALTUNGSGEBÄUDE in Racine von Frédéric Compain FRANK LLOYD WRIGHT schuf mit dem JOHNSON-VERWALTUNGSGEBÄUDE eine der Arbeit geweihte Kathedrale, die nichts Bedrückendes, aber viel Licht und Wärme verströmt.

Film 2: JAN BRINKMAN, LEENDERT VAN DER VLUGT - Die VAN-NELLE-FABRIK in Rotterdam von Stan Neuman Von 1926 bis 1931 für eine holländischen Tabak-, Kaffee- und Teefirma erbaut, haben alle Wege die Form einer Geraden, verbinden die wirtschaftlichen Prinzipien des Taylorismus mit architektonischen Visionen des Bauhauses.

Film 3: ADALBERTO LIBERA: Der KONGRESSPALAST in Rom von Stan Neuman ADALBERTO LIBERA wurde von Benito Mussolini beauftragt, anlässlich der Weltausstellung 1942 in Rom eine monumentale Kongress- und Empfangshalle zu errichten, den KONGRESSPALAST. Film 4: PIERRE CHAREAU - Das GLASHAUS in Paris von Richard Copans Eine Wohnmaschine, poetisch und verspielt, voller Überraschungen, ein ebenso rhythmisches wie unklassifizierbares Werk schuf PIERRE CHAREAU mit das GLASHAUS.

Bonusmaterial:

Credits

Regie: Richard Copans, Stan Neumann

Produktionsland: F / 2013

FSK: Infoprogramm
Länge: 104
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Genre: Kunst, Architektur & Baukunst, Dokumentarfilm

Baukunst - Kirchen und Klöster

Richard Copans, Stan Neumann

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten. Höhepunkte der Sakralarchitektur der letzten neun Jahrhunderte: Romanik, Gotik, Moderne und Purismus – die architektonische Beherrschung von Licht und Raum dient dem Geist der Stille.

Film 1: Der Kölner Dom von Richard Copans Der Kölner Dom, begonnen 1248, fertiggestellt 1880, gilt als Meisterwerk gotischer Architektur. Noch bei seiner Vollendung war er das größte Gebäude der Welt, seit 1996 in der Liste des UNESCO-Welterbes.

Film 2: Die Abteikirche Sainte Foy in Conques von Stan Neumann 1050 baute man in der wilden Landschaft des Aveyron eine der ersten großen Pilgerkirchen der westlichen Welt. Es ist die Geburt der sogenannten »romanischen« Architektur: rational, gewagt und erleuchtet.

Film 3: Le CORBUSIER: Das Kloster La Tourette von Richard Copans Für den Dominikanerorden in Eveux bei Lyon als Ort für Studium und Gebet, von Le Corbusier erbaut, dessen einzige Religion die Architektur ist. Film 4: AUGUSTE PERET: Die Kirche Notre-Dame du Raincy von Juliette Garcias Mit der Kirche Notre-Dame du Raincy wird nach dem Ersten Weltkrieg der erste Sakralbau Europas errichtet, der komplett aus Stahlbeton besteht und damit das bislang ungeliebte Material ›heiligt‹.

Bonusmaterial:

Rezension

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de »Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« - MDR Figaro »Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de »Auch die vorhergehenden Folgen springen: von Barock zu Jugendstil, von Sparkassenbau zu Kathedrale, von Europa nach Asien. Das mag irritieren und ist doch so schlüssig: Architektur, so macht uns diese Reihe aufmerksam, folgt keiner linearen Evolution. Es gibt zwar verstreute rote Fäden, neue Techniken, wegweisende Ideen – doch am Ende steht eben alles nebeneinander, in Resonanz, das eine erst durch das andere ein bisschen besser zu verstehen.« - MDR Figaro

Credits

Regie: Richard Copans, Stan Neumann

FSK: Infoprogramm
Länge: 104
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Genre: Kunst, Architektur & Baukunst, Dokumentarfilm

Regie: Alain Jaubert

Die Filmreihe Palettes ist den großen Werken der Geschichte der Malerei gewidmet. Modernste Untersuchungs- und Computertechniken machen die Enträtselung der Bilder zu einer aufregenden detektivischen Ermittlung.

Géricault: Das Floß der Medusa (1819): Meuterei, Gewalttaten, Kannibalismus - der junge französische Maler Théodore Géricault (1791?1824) greift das Schicksal der Fregatte La Méduse auf, die Anfang 1816 Schiffbruch erlitten hatte.

David: Die Sabinerinnen (1799): Im Gefängnis, wo der Maler Jacques-Louis David (1748-1825) aufgrund seines politischen Engagements für die Französischen Revolution auf die Guillotine wartet, beginnt er 1794 sein großformatige Gemälde Die Sabinerinnen zu malen. //

Goya: Junge Frauen (1812 - 1814) / Alte Frauen (1808 - 1810): Zwei Gemälde gleicher Größe, die auf den ersten Blick wenig gemein haben, außer, dass sie eine Frau und ihre Dienerin zeigen: Francisco de Goyas Junge Frauen und Alte Frauen.

Produktionsland: F/BRD
Produktionsjahr:  2012

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, C
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Die Reihe PHOTO zeigt Fotografie von ihren Anfängen bis heute. Jede Folge befasst sich mit einem bestimmten Aspekt der Geschichte und Entwicklung der Fotokunst.
Die Filmreihe entstand nach einer Idee von Luciano Rigolini und wurde von Stan Neumann konzipiert und umgesetzt unter Mitwirkung von Quentin Bajac, dem ehemaligen Leiter der Abteilung für Fotografie des Pariser Centre Pompidou und heutigen Chefkurator der fotografischen Sammlungen des Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Inhalt:
01 Intimität in der Photographie
02 Appropriation Art 1970-1980
03 Konzeptuelle Photografie
04 Nach der Fotografie?otografischen Sammlungen des Museum of Modern Art (MoMA) in New York.

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2013

FSK: Infoprogramm

Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 4x 26 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo Digital
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Genre: Kunst

Teil 1: Der Zusammenbruch, Teil 2: Die Wahl Regie: Marcel Ophüls Herausgeber: Ralph Eue

Marcel Ophüls’ wegweisende Chronik einer französischen Stadt unter deutscher Besetzung versetzte Anfang der 1970er Jahre die politische Klasse Frankreichs in helle Aufregung und führte zu einem zehn Jahre dauernden Ausstrahlungsverbot im Fernsehen. Am Beispiel der Stadt Clermont-Ferrand, die eine Hochburg der opportunistischen Anpassung und zugleich eines der aktivsten Zentren der Résistance war, dokumentierte Ophüls neben der politischen Unterdrückung und dem Antisemitismus im Frankreich Pétains auch die vielfältigen Beziehungen zwischen deutscher Besatzungsmacht und Franzosen. Damit unternahm er ungewollt einen Generalangriff auf die damalige politische Lebenslüge Frankreichs – nämlich den Mythos des im Widerstand vereinten französischen Volkes.

Marcel Ophüls‘ (geb. 1927) fi lmische Karriere begann im Umfeld der Nouvelle Vague, später machte er sich als unbequemer Journalist im französischen Fernsehen einen Namen. Der Dokumentarfi lm DAS HAUS NEBENAN brachte ihm den Ruf eines »Professional Memory Man« ein. Kritiker bescheinigten ihm, dass er die Tugenden des investigativen Journalismus mit der Kunst des großen Kinos verbinde.

Protagonisten: Georges Bidault, Matthäus Bleibinger, Charles Braun, Colonel Maurice Buckmaster, Emile Coulaudon, Henri Danton, René de Chambrun, Christian de la Mazière, Emmanuel d’Astier de la Vigerie, Jacques Duclos, Colonel Raymond Sarton du Jonchay, Sir Anthony Eden (Earl of Avon), Sergeant Evans, Marcel Fouche-Degliame, Colonel Gaspard, Raphaël Géminiani, Alexis Grave, Louis Grave, Marius Klein, Georges Lamirand, Pierre Le Calvez, Monsieur Leiris, Dr. Claude Lévy, Pierre Mendès France, Commandant Menut, Elmar Michel, Monsieur Mioche, Denis Rake, Maître Henri Rochat, Paul-Otto Schmidt, Madame Solange, Edward Spears, Helmuth Tausend, Roger Tounzé, Marcel Verdier, Walter Warlimont

Extras

Booklet mit Texten von Marcel Ophüls und Ralph Eue.

Inhalt: Liste der Protagonisten des Films; »Der Regisseur Marcel Ophüls« von Ralph Eue; »Über unsere Arbeit« (1969) von Marcel Ophüls; »Schauen Sie doch auf Ihrem Dachboden nach« (1972) von Marcel Ophüls

Inhaltsübersicht

Erster Teil: Der Zusammenbruch (121 Min.)
Zweiter Teil: Die Entscheidung (127 Min.)

Credits

Buch: André Harris, Marcel Ophüls
Herausgeber: Ralph Eue
Kamera: André Gazut, Jürgen Thieme
Musik: Maurice Chevalier, Georges Brassens
Regie: Marcel Ophüls
Schnitt: Claude Vajda

Produktion: Charles-Henri Favrod, André Harris, Alain de Sédouy
Produktionsland: Frankreich, Schweiz
Produktionsjahr: 1969

Pressestimmen

»Dass Ophüls in Filmen, die sich mit der Besetzung Frankreichs durch die Nazis, mit dem Holocaust, der Kollaboration und dem Widerstand beschäftigten, Elemente der Satire neben Interviews mit Überlebenden stellte, haben ihm manche zum Vorwurf gemacht. Er selbst tadelt mittlerweile manche Passage etwa in ‘Hotel Terminus’. Aber da möchte man ihm widersprechen. Dass er selbst in Vorwegnahme jener Mittel, mit denen Michael Moore berühmt werden sollte, als neugieriger Tor vor der Kamera auftrat und sich von abweisenden Zeugen der Täterseite nicht verscheuchen ließ, sondern ihnen stur nachsetzte, das lenkt nicht ab von der Würde der Interviews mit den Opfern. Es wirkt eher wie ein Tribut, als weise Ophüls darauf hin, dass man solchen Aussagen gar nicht lange am Stück zuhören könne, ohne Erleichterung zu brauchen. Als sei die viel gefährlichere Alternative das innere Dichtmachen hinter der Maske pietätvollen Zuhörens.« – Stuttgarter Zeitung

»Die Kunst seines Realismus einer vielstimmigen Erzählung ist gewonnen aus dem Gemenge persönlicher Statements seiner Zeitakteure, angeordnet als ein Chor aus Personen, die alternierend zu Wort kommenm und deren Konfrontation von Aussage und Gegenaussage einen gemeinsamen dritten Raum, die Bühne einer filmischen Ermittlung konstituiert.« ray Filmmagazin, Jörg Becker

»sehr empfehlenswerte Doppel-DVD« – NZZ

»Der Film ist jetzt 44 Jahre alt, aber nicht die Spur veraltet. Man möchte sich wünschen, dass er im Schulunterricht zum Standard gehörte.« Thomas Rothschild

»Objektivität, so zeigt der Film, ist eine nur schwer fassbare Kategorie im Großbild historischer Entscheidungen, politischer Haltungen und menschlicher Erfahrungen.« Berliner Zeitung, Anke Lieske

»Objektivität hält Ophüls zu Recht für eine Chimäre. Aber gerade weil er und sein Film eine
klar spürbare Haltung besitzen, fühlt man sich als Betrachter nie manipuliert oder getäuscht.«
taz, Ekkehard Knörer

»Es ist nicht übertrieben, dieses Werk als eines der großen Beispiele für die gesellschaftliche Wirksamkeit von Film zu würdigen.« Stuttgarter Zeitung, Thomas Klingenmaier

»ein komplexes Bild politischen Handelns quer durch eine ganze Gesellschaft« critic.de

»Über diese düsteren Jahre, ein Sujet, das bisher tabu war, hat uns der französische Film noch
nichts geliefert, das mit DAS HAUS NEBENAN vergleichbar wäre.« – Les lettres françaises 1971

»Ist dieser klassische Satz »Mein Herr, ich beschäftige mich nicht mit Politik« nicht eine offene Tür für zukünftige Krematorien?« – Marcel Ophüls

»Seit mehreren Jahren habe ich die Idee eines Films über die Okkupation immer wieder verworfen, da ich völlig eingeschüchtert war vom Proustschen Aroma des Films LE CHAGRIN ET LA PITIÉ.« (François Truffaut, 1980)

»Im Gegensatz zu seinem Ruf, Mythen zu zerstören, ist LE CHAGRIN ET LA PITIÉ in erster Linie eine Hommage an das Heldentum. Es waren bloß so verdammt wenige, die sich in diesem Heldentum übten.« (Marcel Ophüls, 1980)

»Niemand kann diese historische Lektion ignorieren« Jean de Baroncelli

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Originaltitel:
Le chagrin et la pitié
Länge: 248
Bild: PAL, s/w, 4:3
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Französisch
Untertitel: deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

ULMER DRAMATURGIEN 2 Regie: Günther Hörmann, Hans-Dieter Müller, Wilfried E. Reinke Herausgeber: Günther Hörmann

Nominiert für den Willy-Haas-Preis 2018!

Das von Alexander Kluge und Edgar Reitz gegründete Institut für Filmgestaltung an der Hochschule für Gestaltung Ulm hat vor fünfzig Jahren eine Folge von Filmen über die studentische Protestbewegung der Jahre 1967-69 produziert. Dieser 6-stündige Filmzyklus, der ein Kapitel bundesrepublikanische Geschichte beschreibt, gehört inzwischen zum festen Kanon des Deutschen Dokumentarfilms. Drei Phasen der Protestbewegung werden dokumentiert.

Die Situation des Protests, wie er sich an der Freien Universität Berlin unmittelbar nach dem Tod von Benno Ohnesorg am 2. Juni 1967 entwickelt.

Das Übergreifen des Protests auf die Hochschulen der Bundesrepublik und das sich nach außen Wenden des Protests gegen die Springerpresse, gegen die Notstandsgesetze der Großen Koalition, gegen den Krieg in Vietnam.

Den Zerreißprozess, der die studentische Protestbewegung im Herbst 1968 erschüttert und zu ihrem Verfall geführt hat.

MIT DEN FILMEN:
Die Vorboten von 1968
Ruhestörung
Was tun?
Django und die Tradition
Aktiver Streik
Die Grundordnungsversammlung der Universität Freiburg
Professoren in Freiburg
Reformversuche von Professoren
Studenten in Freiburg

Übersicht über die Filme
Das 6-stündige historische Filmmaterial gedreht in 16 mm, s/w wurden mit Mitteln der Universität Freiburg und des Instituts für Filmgestaltung Ulm e.V. restauriert und im HD-Standard digitalisiert.

Die Vorboten von 1968
(Ein Ausschnitt aus dem Film „Die Wahl“ von 1965)
Autor / Regisseur: Wilfried. E. Reinke
Mitarbeiter: Thomas Mauch, Beate Mainka-Jellinghaus, Dauer 13 Min.
Bundeskanzler Ludwig Erhardt bei einer Veranstaltung in seinem Wahlkreis 1965. Eine Gruppe von Studenten demonstriert gegen die ‚deutsche Bildungskatastrophe‘ – gegen überfüllte Hörsäle und schlecht ausgestattete Universitäten. Transparente werden entrollt und hochgehalten. Bundeskanzler Erhardt schimpft die protestierenden Studenten ‚schräge Vögel‘ und bittet sie, auf das Podium zu kommen. Ein Tübinger Student fühlt sich herausgefordert und klettert zu ihm hinauf. Bundeskanzler Erhardt tritt einen Schritt zur Seite und überläßt dem Studenten das Mikrofon.

Ruhestörung – Ereignisse in Berlin, 2 – 12. Juni 1967
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller und Günther Hörmann
Kamera: Günther Hörmann, Ton/Organisation Jeanine Meerapfel,
Assistenz; Jorge Bodansky, Schnitt: Ulrike Fröhner, Beate Mainka-Jellinghaus, Dauer 70 Min.
Der Film beschreibt den Anfang des Studentenprotestes nach dem Tod des Studenten Benno Ohnesorg in Berlin im Juni 1967. Vollversammlung im Auditorium maximum der Freien Universität am 7. Juni 1967, Thema: Wissenschaft und Faschismus: Bericht der Kommissionen. Die Organisierung des Protestes: Kommission für Bilddokumentation, Kommission für die Umfunktionierung der Lehrveranstaltungen, Kommission für Zeugenvernehmung. Bericht der Kommission für Öffentlichkeitsarbeit. Diskussion mit der Bevölkerung: läßt sich Arbeitern und Polizisten der Protest erklären? Asta Beratung über das Demonstrationsverbot (Nevermann, Lefêvre, Wilhelmer, Blanke, Kuby). SDS Beratung (Rabehl, Dutschke, Schneider, Hameister). Sitzung des Berliner Abgeordnetenhauses am 8. Juni 1967 (Bürgermeister Albertz, Innensenator Büsch). Nicht genehmigte Spaziergangsdemonstration am Kurfürstendamm. Genehmigte Demonstrationen vor dem Schöneberger Rathaus. Trauerzug und Teach-in in Hannover. Solidarisierung (Professor Abendroth, Professor Habermas, Professor von Hentig). Die Kontroverse Habermas Dutschke.

Was tun? – Ereignisse in Berlin, 9 – 18. Februar 1968
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Schnitt: Ulrike Fröhner, Beate Mainka-Jellinghaus
Mitarbeiter: Franjo Jurek, Wilfried E. Reinke, Jürgen Wagner, Dauer 37 Min.
Der Film umfaßt vier Teile:
Teil 1 zeigt die Gründung eines neuen Arbeitskreises der „Kritischen Universität“ an der FU Berlin. Teilnehmer sind Studenten, Arbeiter, Schüler, sowie Assistenten und ein Hochschullehrer. Der Arbeitskreis wird gegründet, um die Probleme der Bildungswerbung zu studieren.
Teil 2 zeigt die Kampagne „Enteignet Springer“; die Hochschulverwaltung der FU Berlin verweigert die Räume. Das Springer Hearing findet doch statt.
Teil 3 beschreibt den Vietnam-Kongreß, zeigt die Rede Dutschkes und einen ersten Ansatz zur Gegendemonstration gegen die Studenten.
Teil 4 beantwortet Wolfgang Lefevre‘s Fragen nach den nächsten Zielen des SDS.

Django und die Tradition – Die letzte SDS Delegiertenkonferenz
Hannover November 1968
Autor / Regisseur: Günther Hörmann
Kamera: Günther Hörmann, Ton: Bernd Hoeltz,
Schnitt: Beate Mainka-Jellinghaus, Mitarbeit: Frank Wolff, Thomans Schmid, Dauer 43 Min.
Film 1: Politisches Protokoll der DK (24 min.)
Film 2: Diskussion der Justizkampagne (19 min.)
Ende 1968 tritt in Hannover die letzte Delegiertenkonferenz des SDS zusammen. Sie war im September in Frankfurt schon einmal nach den berühmten Tomatenwürfen der Frauen vom Berliner Aktionsrat vertagt worden. Jetzt wird noch einmal versucht, gemeinsame Kriterien für den überregionalen Zusammenhang im SDS zu entwickeln, für einen SDS, dessen organisatorische Strukturen von der Revolte selbst über den Haufen geworfen worden sind. Fraktionen bilden sich heraus, der Frankfurter Weiberrat verteilt sein Flugblatt “Befreit die sozialistischen Eminenzen von ihren bürgerlichen Schwänzen“, die Prozeßwelle droht. Joscha Schmierer als Django kritisiert das studentische „Scheißmilieu, das auf unmittelbare Bedürfnisbefriedigung aus ist. Christian Semler fordert eine starke Zentrale. „Ich habe natürlich auch nicht eine Zentrale im Sinn, wie die Kommunistische Partei Deutschlands vor ,33 eine Zentrale gehabt hat“. Schließlich stürmen die Antiautoritären der Region Nord – im Rektor Talar wie bei einer Universitätsfeier das Podium. Und nach dem erwarteten Aufstand der Frauen ist nur noch mühsam eine pragmatische Koordination möglich. „Ihr seid doch alle milieugeschädigt von der Konferenz. Das ist ,ne reine Männerkonferenz!“

Aktiver Streik – Universität Frankfurt Wintersemester 1968/69
Autor / Regisseur: Günther Hörmann
Kamera: Günther Hörmann, Ton: Bernd Hoeltz,
Schnitt: Beate Mainka-Jellinghaus, Mitarbeit: Frank Wolff, Andre Wohlleben, Dauer 52 Min.
Anfang des WS 68/69 beschließen die Studentinnen und Studenten der Abteilung für Erziehungswissenschaften (AfE) an der Universität Frankfurt den Boykott sämtlicher Lehrveranstaltungen und organisieren gleichzeitig Gegenseminare. Der Streik richtet sich gegen die Auswirkungen der gerade eingeleiteten technokratischen Hochschulreform und findet die Solidarität aller Fachschaften, voran die Soziologen, Schüler der Frankfurter Kritischen Theorie. Aber aus diesem Solidaritätsstreik entwickelt sich eine handfeste Auseinandersetzung um den Abbau autoritärer Lehrsituationen und neue emanzipatorische Forschungsstrategien. Das Soziologische Seminar wird besetzt in „Spartakus Seminar“ umbenannt. Dort tagen nun Arbeitsgruppen. Der SDS diskutiert, kurz vor der nächtlichen Besetzung des Seminars durch die Polizei, mit den Professoren Habermas, Mitscherlich, v. Friedeburg.

Die Grundordnungsversammlung der Universität Freiburg
Film 1: Debatten
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Mitarbeiter: Bernd Hoeltz, Wolfgang Mai, Rolf Scheimeister, Ulrike Fröhner, Dauer 42 Min.
Nach dem baden württembergischen Hochschulgesetz von 1968 bildet die Universität Freiburg eine Grundordnungsversamrnlung: 22 Ordinarien, 10 Dozenten, Assistenten und akademische Räte, 10 Studenten. Drei Kommissionen entwerfen Paragraphen. Die Studenten unterliegen in Abstimmungen. Unter Androhung ihres Auszuges erzwingen sie die Öffentlichkeit der weiteren Verhandlungen. Professor Jeschek, Strafrecht, Oberlandesgerichtsrat, kritisiert den Öffentlichen
Verhandlungscharakter. Dies sei eine Volksversammlung, keine Beratung, die für Selbstverwaltungsangelegenheiten ein Modell bilden könne. Student Berger vom SHB antwortet. Streitfragen sind des weiteren der Hochschulgesamtplan, die sozialen Folgen des Kurzstudiums und die Autonomie der Universität.

Die Grundordnungsversammlung der Universität Freiburg
Film 2: Krise
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Mitarbeiter: Bernd Hoeltz, Wolfgang Mai, Rolf Scheimeister, Ulrike Fröhner, Dauer 23 Min.
Der Konflikt spitzt sich zu; Student Melville schlägt vor, daß sich die Grundordnungsversammlung “wie Lysistrata” gegenüber dem Kultursministerium verweigert und solange keine Grundordnung verabschiedet, als nicht der Dahrendorfplan vom Tisch sei. Sprengung der Grundordnungsversammlung am 13.12.1968. Die Studenten beantragen, keine Grundordnung zu verabschieden, bis die Regierung das Hochschulgesetz verbessert hat. Der Antrag wird mit 10:25 Stimmen abgelehnt. Tumulte unterbrechen die Sitzung.

Professoren in Freiburg, Wintersemester 1968/69
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Mitarbeiter: Bernd Hoeltz, Wolfgang Mai, Rolf Scheimeister, Ulrike Fröhner, Dauer 30 Min.
Der Film besteht aus drei Teilen:
Teil 1:
Professor Schramm – Neuere ost-europäische Geschichte.
Ist eine Umgestaltung der klassischen Vorlesung möglich? Lassen die Vorstellungen der Studenten sich im Praxis umsetzen? In der Vorlesung Professor Schramms findet eine aufgelockerte Diskussion statt. Kann man das Illegale, den Konflikt, legalisieren?
Teil 2:
Professor Dr. Bresch und sein Assistent Dr. Häfner, Genetiker
Aus welcher Erkenntnis heraus wird man Hochschullehrer? Worin bestehen Reformen? Weitere Themen sind die Notwendigkeit neuartiger Schwerpunktbildung sowie das Auseinanderleben von Geisteswissenschaften und Naturwissenschaften.
Teil 3:
Professor Hassenstein, Direktor des Zoologischen Instituts, Mitglied des Wissenschaftsrates
Reformmodell: paritätisch besetzte Studienausschüsse. Trennung von Willensbildung und administrativer Verantwortung; weder Studienausschüsse noch administrative Gremien sind für sich allein die Entscheidungsgremien, sondern nur beide zusammen. Eine Klausur im Zoologischen Institut wird beschrieben und Prof. Hassenstein in einer Vorlesung zu Themen der Verhaltensforschung gezeigt.

Reformversuche von Professoren
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Mitarbeiter: Bernd Hoeltz, Wolfgang Mai, Rolf Scheimeister, Ulrike Fröhner, Dauer 24 Min.
Der Film setzt sich aus drei Teilen zusammen:
1. Teil:
Im November 1968 tritt der Studienausschuß für Soziologie an der Universität Freiburg zusammen, um Fragen des Studienganges zu behandeln. Es gibt starke Dissonanzen zwischen Studenten und Hochschulerer Popitz, der sich der Hochschulreform verbunden weiß und die Forderungen des studentischen Protestes der zweiten Generation für stereotyp hält.
2. Teil:
Im paritätisch besetzten Studienausschuß für Biologie findet eine sachliche Auseinandersetzung über das Problem der begrenzten Studienplätze statt. Soll es einen Numerus clausus geben oder sollen Studenten uneingeschränkt aufgenommen werden mit dem Risiko, im dritten Semester zu scheitern.
3. Teil:
Bei den Historikern gibt es Probleme, einen Studienausschuß überhaupt erst zu begründen. Ein paritätischer Studienausschuß wird angesprochen, doch niemand unter den Studenten stellt sich zur Verfügung. Unter Beifall wird weitergemacht wie bisher.

Studenten in Freiburg, Wintersemester 1968/69
Autor / Regisseur: Hans-Dieter Müller
Mitarbeiter: Bernd Hoeltz, Wolfgang Mai, Rolf Scheimeister, Ulrike Fröhner, Dauer 33 Min.
Der Film setzt sich aus sieben Teilen zusammen, in denen Lebensläufe und Studienmotivationen von sechs Studenten höherer Semester und von vier Studenten im ersten Semester vorgestellt
werden.

Die Regisseure

GÜNTHER HÖRMANN, geb. 1940
Autor, Regisseur bei Kinofilmen und Fernsehsendungen u. a. für ARD, ZDF, 3 SAT und die Kulturmagazine von SAT 1 und RTL. Autor und Gestalter von multimedialen Ausstellungen und Multimedia-Programmen. Professor für Film, Fernsehen an der Hochschule für Gestaltung, Schwäbisch Gmünd. Direktor des Instituts für Medienforschung und Medienentwicklung an der Universität Ulm. Zusammen mit Alexander Kluge Leiter des Instituts für Filmgestaltung Ulm e. V.
Auszeichnungen: Curt Oertel-Medaille für den besten deutschen Dokumentarfilm, 1967; Stipendium des Berliner Kunstpreises, Preis der Filmjournalisten, 1973; Sonderpreis der Jury des Europäischen Umweltfestivals, Goldene Taube Leipzig, Preis des Europäischen Parlaments 1986.

HANS DIETER MÜLLER, geb.1927, verstorben 1986
Autor, Regisseur von Dokumentar- und Lehrfilmen.
Historiker, Leiter des Zentrums Kooperation Universität Arbeiterkammer Bremen. Er war Lehrer an der Schule Birklehof und leitete zusammen mit Alexander Kluge und Edgar Reitz die Filmabteilung der Hochschule für Gestaltung Ulm. Veröffentlichungen: Hg. von J. Shepley/C.Blair, Die Wasserstoffbombe (1954); Das Reich – Porträt einer deutschen Wochenzeitung (1964), Der Springer-Konzern – Eine kritische Studie (1968), Der Kopf in der Schlinge – Entscheidungen
im Vorkrieg (1985).

WILFRIED E. REINKE, geb. 1938
Autor, Regisseur von Dokumentar- und Wissenschaftsfilmen.
M. A. in Psychologie und Kommunikationswissenschaft an der University of Pensylvania, Philadelphia; Promotion als Humanbiologe; Professor und Rektor an der Hochschule für Gestaltung Schwäbisch Gmünd. Direktor des Instituts für Medienforschung und Medienentwicklung an der Universität Ulm.
Auszeichnungen: Curt Oertel-Medaille für den besten deutschen Dokumentarfilm, 1966.

Extras

Booklet Inhalt

Vorbemerkung
Günther Hörmann

Aufstieg und Zerfall der Protestbewegung
Wolfgang Kraushaar

Hochschulreform und Studentenbewegung in Freiburg
Ulrich Bröckling / Sylvia Paletschek

Umbrüche des Dokumentarfilms in den 1960er Jahren
Kay Hoffmann

Biografien von Filmemacher und Textautoren

PDF Teil Inhalt
Zur historischen Einschätzung der Studentenbewegung
Detlef Saurien

Chronologie der Ereignisse national/international

Interviews mit Akteuren
Bernd Rabehl
Rainer Langhans
Christian Semler
Udo Knapp

Anmerkungen zu den Interviews

Anhang
Inhaltsangaben der Filme
Biografien der Filmemacher und Textautoren

Inhaltsübersicht

DVD 1
Einführung:
Die Vorboten von 1968.Demonstration gegen den ‚Bildungsnotstand‘13
1 Ruhestörung 70
2 Was tun? 37
3 Django und die Tradition 43

DVD 2
4 Aktiver Streik 52
5 Die Grundordnungsversammlung der Universität Freiburg 1 42
6 Die Grundordnungsversammlung der Universität Freiburg 2 23
7 Professoren in Freiburg 30
8 Reformversuche von Professoren 24
9 Studenten in Freiburg 33

Credits

Herausgeber: Günther Hörmann
Regie: Günther Hörmann, Hans-Dieter Müller, Wilfried E. Reinke

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1965/1969

Pressestimmen

“Hautnah miterleben kann man die Auseinandersetzungen.” Damals

“Dokumente von großem Wert, auch im Vergleich mit den eher agitatorischen Arbeiten, wie sie zeitgleich an der dffb entstanden sind. Die Ulmer versuchten sich so dokumentarisch wie möglich an die Realität zu halten, unvermittelt und schonungslos.” Filmblatt

FSK: Infoprogramm

Länge: 366
Bild: PAL, S/W, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Regie: Peter Brook

1920 tauchte ein unbekannter Mann in Europa auf, der einige höchst ungewöhnliche Erfahrungen im Osten gemacht hatte. Sein Name war G. I. Gurdjieff, einer der ersten spirituellen Lehrer, der Menschen im Westen die Weisheit des Ostens vermittelte. Dies ist die Geschichte seiner frühen Jahre. In seinem Buch »Begegnungen mit bemerkenswerten Menschen« beschreibt Gurdjieff seine Kindheit und Jugend am Fuße des Kaukasus sowie den Erkenntnisweg, der seine späteren Lehren formte.

Peter Brook verfilmte das Buch in kostbarem 70mm-Format in der wild-romantischen Bergwelt Afghanistans und schuf eindrucksvolle Bilder von Sufi-Lehrern und heiligen Tänzen in verborgenen Klöstern einer geheimnisvollen Bruderschaft. Die restaurierte Fassung besticht durch die bestmögliche Bild- und Klangqualität und macht die Wiederentdeckung dieses lang vermissten Klassikers zu einem Seh- und Hörerlebnis.

Credits

Buch: Peter Brook
Darsteller: Dragan Maksimovic (G. I. Gurdjieff), Athol Fugard (Professor Skridlov), Warrenv Mitchell (Gurdjieffs Vater), Natasha Parry (Vitvitskaia), Colin Blakely (Tamil), Terence Stamp (Prince Lubovedsky)
Kamera: Gilbert Taylor
Literaturvorlage: G. I. Gurdjieff
Musik: Laurence Rosenthal
Regie: Peter Brook
Schnitt: John Jympson

Produktionsland: UK
Produktionsjahr: 1979

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Meetings with Remarkable Men
Länge: 108
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Mono
Sprache: Englisch
Untertitel: Untertitel in Deutsch, Französisch, Spanisch, Italienisch, Portugiesisch, Japanisch, Russisch, Chinesisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Spielfilm

Regie: Werner Fritsch

Mit Faust Sonnengesang II und III setzt Werner Fritsch seine filmischen Erkundungsreisen in den Welten zwischen Bild und Sprache fort. Die faustische Suche nach dem Augenblick, der doch verweilen solle, wird bei ihm zu einer assoziativen Reise in nahe und ferne Regionen, in die jüngste und fernste Vergangenheit.
Der zweite Teil seines Filmgedichts hat Europa zum Mittelpunkt. Am Anfang steht die tragische Familiengeschichte des Autors als exemplarisch für die deutsche Geschichte im vergangenen Jahrhundert. Sodann sehen wir das jeweils unterschiedliche Licht in den Ländern Europas, wir stoßen auf älteste Zeichen und hören Stimmen, die dem Kontinent geistige Kontur gegeben haben. Der dritte Teil ist ein Roadmovie: Eine Durchquerung des amerikanischen Kontinents voller Erinnerungen an amerikanische Bilder, Songs und Literatur, die unser Leben von Jugend auf prägen. Wildwest-Filme, Serien, Lektüreeindrücke sowie die Begegnung mit einem Navajo-Schamanen im Monument Valley bilden den Hintergrund dieses opulenten und betörenden Klang- und Bilderrausches.

Werner Fritsch, geboren 1960, ist Schriftsteller und Regisseur. Seine Stücke wurden auf der Bühne, für den Rundfunk und fürs Kino realisiert. 1987 erschien sein vielbeachteter Roman Cherubim. Seine Arbeiten wurden u. a. mit dem Robert-Walser-Preis, dem Hörspielpreis der Kriegsblinden und dem Else-Lasker-Schüler-Preis ausgezeichnet. Für sein Filmgedicht Faust Sonnengesang I erhielt er 2013 den Grand Prix Marulić und den Grand Prix Nova.

DIRECTOR´S NOTE
Wie entkommen wir den Bildern der Tragödie, die uns seit Jahrtausenden beherrschen? Was passiert, wenn ein anderes Sehen andere Bilder in den Köpfen der Zuschauer hervorruft? Wenn ein polymediales Archiv entsteht für Augenblicke, zu deren jedem man sagen will: Verweile doch, du bist so schön…
Dieses Filmgedicht kehrt Goethes Formel um und öffnet den Faust-Stoff im Zeichen der Aufklärung, deren Symbol ja die Sonne ist. Außerdem bezieht sich Faust Sonnengesang auf den Sonnenhymnus des Pharaos Echnaton, auf jene erste Hymne des Jetzt, in der die Sonne als Symbol allumfassender, lebensspendender Kraft erscheint. Bildlich gesprochen und wörtlich genommen gleicht dieses Filmgedicht einer Faust, die sich öffnet: jeder Finger entspricht einem Kontinent, jeder Finger nimmt Kontakt zu einem Kontinent auf. Faust Sonnengesang ist der Versuch, noch einmal – wider die herrschende Vernunft – so etwas wie eine humane Vision – zuwenigst geglückter Augenblicke – zu behaupten. Wenn man so will, ist Faust Sonnengesang ein Gegenentwurf zur Globalisierung: statt fremde Kulturen mit den eigenen Bildern zu überschreiben, ruft das Filmgedicht aus fremden Kulturen und ihrer Natur ureigene Bilder herauf, die im Kopf des Zuschauers durch ihr Zusammentreffen auf dialogische = gleichberechtigte Weise ein vom Bisherigen abweichendes Bild der Welt kreieren. So wie Faust Sonnengesang ein Gegen-Entwurf zur Globalisierung als Überschreibung fremder Kulturen ist, so ist das Filmgedicht visuell ein Gegen-Entwurf zu der Spannungs- Dramaturgie Hollywoods und den Bildern aus dem Arsenal von Tod, Tragödie, Gewalt, Krieg, Katastrophen und es ist ein Gegen-Entwurf zum Keulenschlag tödlicher Nachrichten, der uns Tag und Nacht erreicht. So besteht der Haupt-Konflikt in Faust Sonnengesang aus Bildern, die im Feuerstrom des Vergessens untergehen, und Bildern, die aus dem Fluß der Erinnerung emporsteigen.
Ein Weg, der Eineindeutigkeit und Eindimensionalität der in den Medien abgebildeten Welt zu entkommen, ist der eigens für diesen Faust-Film kreierte visuelle Haupt-Faktor, die Faust-Keil Technik. Die Kamera wird gehandhabt wie ein Faust-Keil, der bereits als Gestus 40 000 Jahre überbrückt. Auf diese Weise entstehen Bilder, die weder statisch die Welt wiedergeben noch
Bilder, die nur abstrakt, also computergeneriert, sind, sondern es entstehen Bilder, die bereits in der Kamera durch die Faust-Keil- Bewegungen die „reale Welt“ in neuer Gestalt erscheinen lassen: die Gegenstände werden aus vielen Perspektiven gezeigt, das Sehen wird körperlich. Wort und Bild sind in diesem Filmgedicht neu in Alchemie: durch ihr Sich-Verbinden und Sich- Durchdringen und ihr gegenseitiges Sich-Erzeugen rufen sie im Kopf des Zuschauers dritte Bilder hervor: eigene!
Dem Lauf der Sonne entsprechen die 24 Stunden der Gesamtfilmdauer. Teil I des Filmgedichts Faust Sonnengesang ist die Ouvertüre – und bereits mehrfach ausgestrahlt sowie als DVD erschienen. Teil II hat das – durch all die verbindenden Kontakte zu den anderen Kontinenten bereicherte – Europa im Mittelpunkt. Im Anfang steht die tragische Familiengeschichte des Autors exemplarisch für die deutsche Geschichte im vergangenen Jahrhundert. Sie gipfelt in der Frage: Wie entkommen wir den Bildern des Leidens und des Martyriums, wie den Bildern der Apokalypse rings ums? Mephisto erscheint als Dante und weist den Weg ins Reich der Mütter, wo Demeter die Geschichte von der Entführung ihrer Tochter Persephone durch Hades erzählt. Mephista erscheint als Prinzessin Europa und klagt von ihrer Entführung durch Zeus… Wir sehen das jeweils unterschiedliche Licht in den Ländern Europas, wir stoßen auf älteste Zeichen in Spanien, Frankreich, Griechenland, in Italien und am Schwarzen Meer, wir hören Stimmen, die dem Kontinent geistige Kontur gegeben haben: unter anderen die Stimme Heraklits und die von Empedokles…
Der Faust des Filmgedichts streicht im Dialog mit Goethe den Unterschied zu dessen Faust-Figur heraus. Er sagt zum Augenblick: Verweile doch, du bist so schön…
Ovid, Giordano Bruno, Nietzsche werden als Kronzeugen eines Denkens, das in stetigem Fluß ist, beschworen… Faust und Mechthild von Magdeburg sprechen wie Liebende, über Jahrhunderte hinweg…
Die Stimme der deutschstämmigen Rock-Ikone Nico, einer Persephone unserer Zeit, bringt uns in die Gegenwart zurück… Eine Brücke tut sich auf zum nahen und fernen Orient: die Stimme Omar Khayyams oder die Rumis oder die von Hafiz, dessen Grab wir sehen, ist zu hören im Dialog mit der jungen Muse der Poesie… Schließlich wird Faust verwandelt in Gilgamesch und trifft die Göttin Ischtar. Er erkennt, dass die Hymnen auf den Gott seiner Kindheit ursprünglich Hymnen waren auf Ischtar. Am Schluß des Filmes steht Faust, flankiert von Mephista und Mephisto, am Ufer des Atlantiks und ahnt Amerika…
Aktuell in Arbeit ist nun FAUST SONNENGESANG IV, der Kontinent Asien steht im Fokus. Wiewohl jeder Teil mit allen sieben anderen Teilen aufs engste zusammenhängt, kann auch jeder Teil für sich stehen, zumal in jedem Teil durch die mannigfachen Querbezüge alles in nuce zugegen ist… Der IV. Teil hat Asien zum Schwerpunkt. Der V. Teil Australien, der VI. Teil Afrika, der VII. Teil das Sonnengesang-Archiv: so wird dieses Filmgedicht und die Faust-Figur um Träume und Sehnsüchte anderer Menschen erweitert. Der VIII. Teil wird ein Finale sein, das die Fäden der Ouvertüre und aller anderen Teile aufnimmt und das Filmgedicht- gleichsam Weltgedicht werden lässt: in Gestalt eines Archivs glücklicher Augenblicke, die sich zur Ewigkeits-Schleife schließen… Ausgelöst durch einen Unfall, in einem Augenblick zwischen Leben und Tod, läuft der Traum unseres Lebens und das
Leben unserer Träume als Film vor unseren Augen ab: Was will man sehen? Was fürchtet man zu sehen? Was träumt man zu sehen? “Faust Sonnengesang” ist der Versuch, den deutschen “Faust Stoff zur Welt hin zu öffnen. Bildlich gesprochen und wörtlich genommen gleicht jeder Finger dieser geöffneten Faust einem Kontinent – und einem Medium. In der Hauptsache ist “Faust Sonnengesang” ein auf 24 Stunden angelegtes Filmgedicht, das den Lauf der Sonne durch alle fünf Kontinente, viele Kulturen und den eigenen Kopf imaginiert. Bilder und Töne der Gegenwart werden in poetische Alchemie gebracht mit den ältesten Bildern und Texten des jeweiligen Kontinents. Mephisto und Mephista erscheinen in vielfacher Gestalt, sprechen mit immer anderen Stimmen, führen Faust weit über sein Ich, seine Zeit, seine Kultur hinaus . Das “Faustische” an diesem Film ist die immer wieder von apokalyptischen Alpträumen unserer Gegenwart bedrohte
Gnade, diesen “jüngsten Film” selber gestalten, also Träume – tiefeigene ebenso wie die kollektiven – und damit Augenblicke verewigen zu dürfen, zu denen man sagen will: “Verweile doch, du bist so schön .”

INTERVIEW WERNER FRITSCH (REDUX)

CHRISTIANE HABICH/WINFRIED GÜNTHER: Wie fing das mit dem Filmemachen eigentlich an bei dir?

WERNER FRITSCH: 1986 wurde mein Roman „Cherubim” vom Suhrkamp Verlag angenommen, das hätte den Ausschlag zugunsten des Schreibens bedeuten können. Aber vierzehn Tage später kam ein Schrieb des Kuratoriums Junger Deutscher Film, dass ich meinen ersten richtigen Film machen kann, Das sind die Gewitter in der Natur, mithilfe des Bayerischen Rundfunks. So suhlte ich mich gar nicht im Buch-Erfolg, nach der 5. TV-Show wurde es mir zu dumm. Ich ging zurück in die Natur meiner Heimat und zog mit 16-mm-Bolex und Stativ im Kreuz als eine Art säkularisierter Cézanne durch die Gegend. Wartete Tage, schulte meine Wahrnehmung, lernte die Zeichen sich verändernder Jahreszeiten kennen, die Abstraktion der Kadrierung, die Übersetzung in die Graphik des Graus zwischen Schwarz und Weiß…
Als ich dann für „Cherubim” den Preis des Landes Kärnten beim Bachmann-Wettbewerb bekam, den Rauriser Literaturpreis, den Robert Walser Preis usw., steckte ich die Preisgelder in die Produktion von Das sind die Gewitter in der Natur. Ich schnitt etwa ein halbes Jahr länger als üblich: auf eigene Kosten. Damals war ja noch Schneideraum und Schneidetisch zu mieten. Ich verdanke es der Besessenheit meiner Cutterin Edith Eisenstecken, dass sie mich in die Alchemie des Filmschnittes in Relation mit dem Filmton einweihte und aufzeigte, wie Bilder/Töne durch Kombination in eine neue Dimension kommen.
Bei der Verleihung des Robert-Walser-Preises machte mich der Juror Heinz Schafroth mit Matthias Zschokke bekannt und sagte: „Ihr jungen Autoren habt die Kamera als einen zusätzlichen Schreib-Griffel immer gleich zur Hand.“ Ich hatte auf dem (Um-)Weg zur Entgegennahme des Preises einen Schlangenkult in den Abruzzen gefilmt für meinen Gewitter-Film und auch Matthias Zschokke machte damals Filme. Aber Heinz Schafroth sollte nicht Recht behalten. Der Autoren-Film war nicht mehr angesagt. Ich wollte nach Das sind die Gewitter in der Natur weiter Filme machen, aber ich merkte, es würde um den Preis der Poesie sein. Filmer wie Josef Rödl oder Wolfram Paulus, die wunderbare Erstlingsfilme gemacht hatten, sind mittlerweile untergegangen im Mattscheibengrau. So rettete ich meine Vision vom poetischen Film ins Exil des Theaters und des Hörspiels. Erst 1996 ermöglichte mir das Literaturbüro Detmold, also Brigitte Labs-Ehlert, den Film Disteln für die Droste, für den ich meine Form des Filmgedichtes entwickelte. Diese zeichnet sich nicht zuletzt durch die Akzentuierung der Tonspur aus: dass Text Ton Musik eine neue Alchemie eingehen. Hier schlug sich meine Arbeit an der Sprache in Hörspielstudios nieder, andererseits die Zusammenarbeit mit Johann Kresnik am Schauspielhaus Hamburg und der Volksbühne Berlin, was die Choreographie der Tänzerin Verena Weiss und Franz Wechslers betraf. Daraufhin ermöglichte mir der Bildhauer Erwin Wortelkamp den Kurzfilm Labyrinth, mein erster I-Movie, I-Movie nannte man Filme, in denen ein Ich dezidiert vor/hinter der Kamera erscheint: Keimzelle von Faust Sonnengesang. Eine andere Keimzelle war die Tatsache, dass ich für die Expo 2000 nicht nur ein Stück CHROMA. FARBENLEHRE FÜR CHAMÄLEONS, sondern auch quasi das Bühnenbild als Film drehen durfte. Der zuständige Herr kannte meine Filme. Ein Glücksfall. So drehte ich die Kreuzigungen auf den Philippinen und Mephisto-Szenen mit Lemuren in Madagaskar…
Auch wollte ich einen weiteren Dokumentarfilm in der Tradion meines ersten machen: ich hatte über Jahre Gespräche geführt mit einer Roma-Oma, die sechs Jahre KZ, in der Hauptsache Auschwitz, überlebt hatte. Ein Wunder ohnegleichen! Eine Hymne auf die weibliche Überlebenskraft sollte es werden… Als ich von allen deutschen Sendern Absagen bekam, zum Teil mit Begründungen wie: diese Frau hat keine Zähne mehr, so jemand können wir nicht senden, wußte ich, wes Geistes Kind die quotenorientierte Senderlandschaft war. Daraufhin schreib ich in meinem Satyr-Stück „Enigma Emmy Göring”: „- Ach Hermann, mein Herr, mein Mann! Du wirst ewig im Gedächtnis der Menschen bleiben. Eure Politik wird künftighin ständig in den Illustrierten, im Rundfunk, im Fernsehen zugegen sein… Eure Philosophie wird – selbstredend unter dem durchsichtigen Deckmäntelchen demokratischer Aufklärung – allgegenwärtig sein! Und je mehr Sender ihr Sermon-Sammelsurium den Leuten um die Ohren schlagen und unsere Zeit somit zum Zerstreungslager machen, um so mehr wird sich jeder Sender mit jedem Sender im Wettstreit darum befinden: wer die höchste Einschaltquote hat… Wer aber hatte die höchste Einschaltquote aller Zeiten in Deutschland? Adolf Hitler!“ Als ich aufgrund dieser skandalösen Absagen dann doch Filmgeld bekam von der Hessischen Filmförderung und auch der Bayerische Rundfunk eingestiegen war, starb die alte Frau. Ich musste auf meine Aufzeichnungen meiner Theaterinszenierung mit Jennifer Minetti am Bayerischen Staatsschauspiel zurückgreifen, um den Film Ich wie ein Vogel fertigzustellen. Darüber lernte ich die Redakteurinnen von Faust Sonnengesang kennen: Eva-Maria Steimle und Cornelia Ackers, Frauen mit Kenntnissen und Rückgrat, eine aussterbende Spezies.
CH/WG: Von Faust Sonnengesang sind bislang die Teile I bis III fertiggestellt; die Serie soll aber insgesamt acht Filme von jeweils drei Stunden Länge umfassen…

WF: Serie? Da bin ich gerade nicht schlecht zusammengezuckt, offen gesagt. Aber ganz richtig! Ich habe – nachdem die größten Theaterereignisse meines Lebens sich über Tage hinzogen: das Orgien-Mysterien-Theater von Hermann Nitsch in Prinzendorf/ die „Orestie” von Ariane Mnouchkine in Paris/ der „Ring“ von Wagner in Bayreuth – einfach einen Sog verspürt, einen Flow, bin in Zustände gekommen, die mich aus dem üblichen Zeiterleben heraushoben. Deswegen habe ich die 24 Stunden meines Filmgedichts auch in 8 mal 3 Stunden aufgeteilt. Damit eben die Leute beim Schauen Zeit haben, durch die Bilder meines Filmes hindurch, Bilder ihres Lebens-Filmes zu sehen, wie gesagt. Die Entwicklung der Digitaltechnik hat in jedem Fall wieder eine neue Freiheit, hat die Möglichkeit als Autor im Film nicht nur als Drehbuchautor, sondern als Schöpfer, sprich Autoren-Filmer, als Film-Dichter zu arbeiten, entschieden größer gemacht. Lieber ein kleiner Gott als ein großer Ministrant, ist mein Mantra seit jeher.
Nach etwa hundert Werken in verschiedenen Gattungen wollte ich mit damals 44, also vor 14 Jahren, sagen wir hoffnungsfroh: in der Mitte des Lebens, noch etwas „Schönes“ machen, sprich: Was will ich sehen/hören, wenn ich die Augen für immer schließe. Zugleich eine Art Alchemie all der Genres, in denen ich gearbeitet habe: Faust Sonnengesang, wo die Arbeit mit den Schauspielern auf dem Theater und im Hörspiel zusammenkommt mit der Arbeit an eigenen Texten und eben mit den eigenen Bildern.

CH/WG: Ist es nicht einschüchternd, einen Film in solchen Dimensionen zu planen?

WF: Beflügelnd! Endlich etwas machen, was (meines Wissens) noch nie jemand (so) gemacht hat! Ich komme ja auch aus einer Zeit, wo ein Künstler nur als Künstler galt, wenn er Neues erschuf durch seine Arbeit. Schon als ich mit 12, 13 mir die Finger blutig spielte auf dem Griffbrett meiner Gitarre, merkte ich, ich kann – trotz täglicher Praxis – Jimi Hendrix nicht übertreffen, aber ich kann einen eigenen Stil entwickeln, kann „mein Ding“ machen! Das war eine grundlegende, für mich bis heute gültige Erkenntnis. Das gilt für mein Schreiben genauso wie für mein Filmen. In jedem Fall habe ich noch immer das Gefühl, mit der Alchemie alles Bisherigen meiner Arbeit in Faust Sonnengesang etwas Neues zu machen, das beglückt mich noch immer. Das beflügelt noch immer!

Faust Sonnengesang ist eine neue Art Film, eine neue Art Fernsehen – oder sollte man Nahsehen dazu sagen? Statt mit Spannung arbeitet es mit Entspannung: statt mit Ablenkung mit Versenkung und Zusichkommenkönnen etc. Es zeigt nicht nur, was mir mit offenen „Objektiv-Augen“ sehen, sondern auch, was wir mit geschlossenen Augen sehen, mit „Subjektiv-Objektiven“, gefilmt mit der „Herz-Kamera”…
Die 24-Stunden-Filmlänge ist ganz einleuchtend durch den Lauf der Sonne um die Erde bestimmt: Faust Sonnengesang bezieht sich zum einen auf den Faust-Stoff, ist ganz bildlich gesprochen und wörtlich genommen das Öffnen des deutschen Stoffes zur Welt hin, jeder Finger dieser geöffneten Faust steht für einen Kontinent, quasi Sender zugleich und Antenne, also ist die Länge des Films die Umkreisung der Erde durch die Sonne.
Andrerseits bezieht sich Sonnengesang auf die Sonnenhymne des Echnaton. Und im Alten Ägypten wandert die Sonne 12 Stunden durch die Unterwelt, ruft Stunde um Stunde, Stufe um Stufe die Toten ins Leben zurück durch ihr Licht, bis sie dann wieder die Lebenden erfreut, Morgen um Morgen … Soviel zur Gesamtlänge des Films.

CH/WG: Und ist es auch einschüchternd?

WF: Einschüchternd ist der Wall des Desinteresses! Das schwarze Loch der Wirkungslosigkeit. Lange Zeit dachte ich: Jeder, der nicht abgrundtief böse ist oder abgrundtief dumm, müsste so ein Unterfangen wie Faust Sonnengesang gutheißen. Und es wenigstens mental, im Idealfall materiell unterstützen. Denn statt die Leute von sich abzulenken, will mein Film die Leute zu sich bringen. Statt den Leuten keinen eigenen Gedanken in 90 Hollywood-Minuten zu ermöglichen, lassen die 180 Minuten eines jeden meiner Filmteile den Menschen mannigfach Gelegenheit, sich ihrer eigenen Bilder/Erinnerungen/Träume zu entsinnen oder solche anzuspinnen im Nacherleben des Filmes oder schon beim Schauen. Soweit zum Individuellen: Dank Mephista und Mephisto bekommt Faust, der ein Jedermann ist, Stellvertreter des Zuschauers, nur symbolisch verkörpere ich diese Rolle, auch Zugang zum Bilderarsenal des kollektiven Unbewussten. Kurz: ich versuche auf allen Kontinenten die ältesten Bilder und Texte oder Tondokumente aufzuspüren und sie in poetische Synthese zu bringen mit denen der Gegenwart oder eben meiner individuellen Existenz. Einschüchternd ist, dass es kaum mehr einen Resonanzraum für Dinge gibt, die nicht in Schubladen passen (wollen). Derzeit läuft Faust Sonnengesang II in einem kleinen Berliner Kino, der Brotfabrik. Die wenigen Leute, die kommen, sind zum Glück so begeistert, dass ich denke, es war nicht ganz für die Katz.
CH/WG: Was ist eigentlich „faustisch“ an deiner Familiengeschichte, wie du sie in Teil II ausbreitest?

WF: Während ich auf einem Balkon in Zürich im Bewusstsein, durch die Schmutzlichter der Stadt keine Sternschnuppen sehen zu können, über diese wahrhaft mephistophelische Frage nachdenke, sehe ich plötzlich in circa 150 Meter Entfernung ein Glühwürmchen. Ich denke, naja so groß ist das Dunkel ja auch nicht, so ein Glühwürmchen ist ja, lapidar gesagt, ein Bild der Hoffnung. Ich gehe rein im Bewusstsein, so ein Glühwürmchen schaffe ich ohnehin nicht zu filmen, aber ich habe es immerhin in mir, und beginne, meine Antwort auf diese Frage ins Arbeitsbuch zu skizzieren. Plötzlich lege ich den Kugelschreiber weg, nehme die Kamera, stelle sie ein … Und siehe da: Ich schaffe es in der Tat, dieses Glühwürmchen zu filmen. Sehe, dass es sogar zwei Glühwürmchen vor einer Vincent-van-Gogh-gelben Hausfassade sind, die sich im Dunkeln umflügeln. Sind sie vor der Fassade, sehen ich und meine Kamera sie nicht, sind sie im Dunkeln, sehe – und filme ich sie.
Plötzlich habe ich die Antwort, beglückt, beflügelt. Überrascht, dass es mir gelungen ist, etwas zu filmen, das zu filmen ich zumindest, es mag -zig wissenschaftliche Filme mit Glühwürmchen geben, nicht geträumt hätte … Mir gelingt es sogar, einen Glühwürmchen-Faustkeil zu drehen. Also diese Augenblicke nicht nur gesehen, sondern auch gefilmt zu haben, ist beglückend: egal, ob das je jemand sieht oder nicht. So ist es mit meinem Film insgesamt. Diese Glühwürmchen im Nachtschwarz sind die weißen (gelben) Punkte im Schwarzen der Nacht.

Wenn ich sozusagen eine Geschichte des Lichtes in einem Film erzählen will, brauche ich das Dunkel. Faust ist eine Geschichte aus Deutschland. Schon Goethe hatte die Vorgabe, eine Faustfigur aus dem Dunkel der Schwarzmagiertradition ins Licht zu transformieren. Auch der Vater seiner Faustfigur hat gefährliche, um nicht zu sagen tödliche Experimente gemacht und Hunderte Menschen auf dem Gewissen. Die deutsche Geschichte und damit meine Familiengeschichte ist eine finstere.
In einer Kritik des Bayerischen Rundfunks stand angesichts der Premiere von Faust Sonnengesang II: „Ist das noch Kunst oder schon Schamanismus?“ Der Schamane versucht, die Krankheit desjenigen, den er heilen will, auf sich zu nehmen, in sich aufzunehmen. Er geht den Weg zu den Ahnen. So auch der symbolische Faust dieses Filmes. Mephisto, der ihm im Europateil, also Faust Sonnengesang II, in Gestalt von Dante erscheint und ihn im „Fluss der Stimmen“ durch das Inferno der Erinnerungen führt, sagt ihm ja: „FAUST Die Stimmen meiner Ahnen/Hör ich im Rauschen //MEPHISTO/DANTE Lass uns lauschen ohne Furcht// FAUST Muss ich wirklich durch alles durch?// MEPHISTO/DANTE Trink das Wasser aus diesem Fluss// FAUST Ich will zu dem Punkt zurück/ An dem alles seinen Anfang nimmt/ Und dieses Mal/ In diesem Traum möge alles/ Den Weg einschlagen ins Licht// MEPHISTO Es gibt ihn nicht/ Licht ist der Weg/In diesem Fluss fließt alles fort/ Was wehtut/ Alles was nicht zu ändern ist …“
Das Faustische ist die Gnade, von dieser Erb-Schuld Auschwitz – die Mörder meiner Großeltern sind, schon vor Auschwitz, Kriminelle gewesen, die in Auschwitz ja nun nicht zur Humanität, sondern in die totale Bestialität geführt wurden und sich blindwütig an den Deutschen rächten, in diesem Fall alleinstehende Bauernhöfe überfielen und ausraubten – sich nicht die Hoffnung rauben zu lassen, den Glauben an den Menschen.
Also benennen: beschwören: ans Licht heben: heilen. Das ist Kunst im Gegensatz zum Kommerz, der Kasse und Quote machen will mit Hitler und Co. Nebenbei eine Hymne auf meine Mutter, die, tief religiös verwurzelt, eben die Kraft hatte zu verzeihen. Ich habe in dem Bett geschlafen, in dem meine Großmutter vor den Augen meines Vaters und seiner Geschwister erschossen wurde, in dem Raum. Und ich bin in dem Raum, in dem mein Großvater erschossen wurde, gezeugt worden. Ich habe in diesem Raum mit meiner Mutter über Gott geredet. Dass eben alles hienieden nur ein Theaterstück ist, eine Probe, ob man sich zum Dunkel oder zum Licht hinbewegt. Der Körper ein Kostüm aus Haut und Knochen. Die Welt eine Kulisse, eine Inszenierung der Hölle, irgendwann fällt der Vorhang.
Als Kind saß ich dann am Waldrand und sprach, für die anderen mit mir, für mich mit Gott. Faust Sonnengesang nimmt dieses Gespräch auf. Wenn es sein muss – gegen die Welt. Selbst wenn es keinen Zuschauer gibt, beglückt mich, so ein kleines, flüchtiges Erlebnis verewigt zu haben wie eben jenes Glühwürmchen just.

CH/WG: Der Faust-Stoff ist ja seit den Anfängen der bürgerlichen Gesellschaft ein volkskultureller und literarischer Urtypus Europas, wie sonst vielleicht nur noch die Robinsonade. Der andere Teil des Filmtitels dagegen, der Sonnengesang, verweist explizit auf die Sonnengesänge des Echnaton, also auf eine vormoderne Welt. Siehst du hier keine schwer aufzulösende Spannung des Unvereinbaren? Und was ist ein Glühwürmchen-Faustkeil?

WF: Ja. genau, auf diese Spannung kommt es mir an: auf eine Alchemie, die vordem scheinbar Unvereinbares zu einer neuen Legierung zusammenführt. Einerseits FAUST, andrerseits Sonnengesang. Es ist ja schon die Umwertung des Faust-Stoffes. Goethes Faust sagt: „Werd ich zum Augenblicke sagen: Verweile doch, du bist so schön, dann magst du mich in Fesseln schlagen, dann will ich gern zu Grunde gehen …“ Das heißt ja, Goethes Faust ist ein typischer Protagonist des 19., 20. und wohl auch, so fürchte ich, des 21. Jahrhunderts, der als Genuss- und Machtmensch von Attraktion zu Attraktion gepeitscht, von Droge zu Droge geputscht werden will, von Ekstase zu Ekstase hetzt … Das gilt ja, horribile dictu, auch für die Jugend von heute, die natürlich spürt, wie tief der Karren bereits im Dreck steckt, und nur noch im Tanz auf dem Vulkan abfeiern will, von Party zu Party von Ecstasypille zu Ecstasypille, von Tinderonenightstand zu Tinderonenightstand … Keine Wertung! Schlimmer finde ich das, was Mephisto in Faust Sonnengesang III sagt: „Jeder gezwungen/ Wider besseres Wissen /Mitzuarbeiten an der Apokalypse!
Mitzufahren im Zug, Richtung Abgrund! /Und die Jugend / Gezwungen, Mammons Anus zu küssen… /Selbst wer Theologie studiert /Studiert im Nebenfach noch Wirtschaft: Wirtschafts-Wissenschaft /Die Wissen schafft /Wie man die Reichen/Noch reicher macht/ Und die Armen/ Noch mehr bescheißt… Und den Geist /Der da weht, /Wo er will,/ Vertreibt,/ Verbannt aus den Lehrplänen…”
Mein Faust will im Gegenteil nur Augenblicke erleben/memorieren/träumen, zu denen er sagen will: Verweile doch, du bist so schön! Natürlich brauche ich auch, damit das Ganze nur um so klarer zum Leuchten kommt, ab und zu einen dunklen Horizont, apokalyptische Alpträume als Kontrapunkte. Ich kann nicht 24 Stunden schöne Augenblicke akkumulieren, aber das ist die Sehnsucht, das ist das, was ich den „jüngsten Film“ nenne: Was möchte ich sehen, wenn ich die Augen für immer schließe.
Da sind eben Augenblicke, die mir, seit ich Kameras in der Hand habe, also fast 40 Jahre, geschenkt wurden: wie die Glühwürmchen jüngst. Oder Träume/Sehnsüchte, die ich vorsichtig inszeniere, indem ich ein Magnetfeld schaffe, wo sich alle vor und hinter der Kamera wohl-, ja glücklich fühlen, wo Laien sind, was sie sowieso sind, und Schauspieler zu den Menschen, die sie im tiefsten Seelengrund sind, werden dürfen. Soweit die individuelle Ebene.
Durch Mephisto und vor allem Mephista, die eben nicht nur eine Art sexy Hexe der Extraklasse ist, sondern eine Art Anima, eine Art Sophia, bekommt Faust Zugang zu den kollektiven Träumen der Menschheit. Bei Goethe gibt es ja nur einen Mephisto, der sich klar als Zerstörer und später sogar als Homosexueller outet. Das Ewig-Weibliche ist ja am Schluss eher rettende Behauptung. Im „Faust” Goethes ist es nur als Gretchen (zu) schwach zugegen, zumal Gretchen ja Opfer wird – und „Gretchen“ zu Goethes Zeit ja ein Synonym war für „Hürchen“. Nur bei Helena, wo Faust fast Gefahr läuft, die den Augenblick betreffende Wette zu verlieren ist es – außer beim Schluss – für einige „schöne Augenblicke“ zugegen, das Ewig-Weibliche.
Kurz gesagt: die Helena meines Fausts ist die den Kulturkontext Richtung Afrika öffnende Nofretete, die hinter Echnatons Sonnengesang steht, als Muse, vielleicht gar Coautorin. Kurzum: Es geht darum, in der Menschheitsgeschichte Erinnerungen/Träume/Sehnsüchte/ Hoffnungen zu finden, die eben nicht vom schrecklichen Augenblick ausgehen, sondern vom schönen. Echnatons Hymne beschwört jahrtausendeübergreifend schöne Augenblicke, das Licht der Sonne bringt Leben hervor: das Küken im Ei, das Kind im Leib der Mutter, die Fische im Strom, alles Leben wird hervorgerufen durch das Licht, die Wärme, die Sonne. Hier sind schöne Augenblicke verewigt. Archive von Krieg Tod Leid gibt es im Alten Ägypten genauso wie in den Wochenschauen und Nachrichten unserer Tage zuhauf. In den griechischen Tragödien wie in unseren Krimis regiert die Tyrannis des vergossenen Blutes. Und die schrecklichen Bilder, auf die jeder Krimi, jeder Horrorfilm, aber auch die Tagesschau spekuliert, sind eben, horribile dictu, solche, die sich uns tiefer einprägen als die schönen. Dagegen gilt es in Faust Sonnengesang anzutreten. Bilder zu finden, die noch stärker sind. Die bleiben, die man sehen will, wenn man die Augen für immer schließt. Ein Gegenarchiv der schönen Erinnerungen zu erstellen, in der Hoffnung, dass sich damit auch unsere Gegenwart/Zukunft im Sinne des Menschen, um nicht zu sagen im Sinne des Planeten verändern lässt. Wenn man 350 oder noch mehr Morde, Katastrophen zuhauf in den Medien sieht im Laufe einer Woche, was soll daraus erwachsen: 700 oder 7000 oder 7 Milliarden Morde in der Zukunft? Katharsis? Vielleicht? Trotzdem ist es mir zutiefst zuwider, weil ein Geschäft damit verbunden ist, ein Kalkül: Quote. Industrielles mediales Morden! Vampirfilme als Metaphern, einen blutsaugerischen Turbokapitalismus Teenagern „schmackhaft“ zu machen?
Mithilfe vor allem Mephistas findet mein Faust Zugang zu den verschütteten Quellen, wo vor Jahrtausenden in allen Kulturen der Welt ein Jetzt beschworen wird, das immer noch aktuell ist, immer noch Sehnsucht hervorruft. Also ich suche – im Sinne des Sonnengesangs – auf allen Kontinenten die ältesten Bilder/Texte, die ich in Alchemie bringe mit Bildern/Tönen/ Texten der Gegenwart.
„Faustkeil“ ist eine Kameratechnik, die ich, über Jahrzehnte Kameras in der Hand, eigens für meinen Faustfilm entwickelt habe: die Kamera zu handhaben wie einen Faustkeil. So fusioniere ich 50 000 Jahre Bildgeschichte. Das Bild wird körperlich, kubistisch, polyperspektivisch, wird zur Skulptur, die Kamera wird zugleich zum Pinsel, das Licht wird zur Schrift, visualisiert den Fluss der Atome usw. Der Körper des Autors, das Jetzt der Aufnahme, die Einmaligkeit des jeweiligen Lichtes rings um die Welt wird verewigt, auch gestisch.
Alles will ich nicht preisgeben, bevor die 24 Stunden fertig sind, aber das eine kann ich sagen: Es ist nicht ein wildes Herumfuchteln mit der Kamera, sondern ich kontrolliere jedes Bild, das ist der Unterschied. Ich habe angefangen mit einer 16-mm-Bolex, wo jede Minute etwa 100 Mark gekostet hat. Da überlegt man schon, was man dreht. Da wartet man schon Stunden, Tage, bis das Licht, bis die Wolken „richtig“ sind. Vielleicht kommt es daher, dass ich als Kind/Jugendlicher schon viel, allerdings mit Gewehren, geschossen habe, auch manchen Hasen, manchen Fuchs, manches Reh habe ich als Wilderer auf dem Gewissen. Ein furchtbares Wissen zugegeben! Immerhin habe ich seither versucht, was Gutes zu entwickeln aus dieser Ballistik des Tötens. Es ist ja auch ein Unterschied, ob man auf Flaschen, Büchsen, Zielscheiben schießt – oder auf ein Lebewesen. Beim Militär, wo ich, längst Pazifist, nur war, um „Fleischwolf” und „Steinbruch”, also dagegen, zu schreiben, war ich der beste MG-Schütze meiner Kompanie, weil beim MG kann man nicht mehr Kimme und Korn in Einklang bringen, da hilft, auf der Grundlage früherer Zielgenauigkeit, nur Intuition. Jedenfalls hilft mir dieses schreckliche Wissen, ins Friedliche gewendet, die Bewegungen der Dinge/Tiere/Menschen, die ich filme, vorauszuahnen oder eben zielgenau mitzuvollziehen. Ich kann die Menschen vor der Kamera sich frei – und schnell – bewegen lassen – ohne Bänder zu kleben und Bewegungen festzulegen: Ich bekomme doch das Bild, das ich will – oder noch genauer: eines, das noch besser, weil authentischer, ist als alles, was man planen kann. In manchen (glücklichen) Augenblicken denke ich: der Jimi Hendrix der Gitarre bin ich nicht geworden (mit 13), aber vielleicht der Jimi Hendrix der Kamera.

CH/WG: Du schreibst, dass du auf allen Kontinenten die ältesten Bilder und Texte oder Tondokumente der Menschheit aufspüren willst. Um bei den Bildern zu bleiben: wo suchst du diese Bilder, wo findest du sie?

WF: Ja, die ältesten Bilder im Sinne des Sonnengesangs. Nicht im Sinne der Archäologie. In einer Höhle in Spanien filmte ich das wohl auch objektiv älteste Bild Europas: 40 000 Jahre. Und siehe: Es ist eine immer wiederkehrende rote Kugel, die ich mir erlaube, als Lauf der Sonne zu interpretieren! Wenn das kein Zeichen ist! Ein Glücksfall sondergleichen. Jüngst war ich in Südtirol zu einer Lesung/Filmvorführung, da fuhr ich weiter ins Val Camonica, um die Felszeichnungen im Faustkeil-Stil zu filmen, die wohl mit einem Faustkeil in den Fels geschlagen wurden …
Also überall, wo ich hinkomme, kümmere ich mich, ob irgendwo Bildhöhlen oder Rockcarvings etc. sind bzw. steuere sie bewusst an. In China hab ich eine ewig lange und teure Anreise gemacht, um im Sinne des Sonnengesangs eben nicht blutrünstige Jagd- und Kriegsbilder, sondern eine lächelnde Frau in einer Felszeichnung zu filmen. Als ich endlich ankam, war das Areal abgeschlossen. Ich kletterte über den Drahtzaun und filmte trotzdem. Makabrerweise stiegen dahinter mächtige Wolken auf. Ein Atomkraftwerk!!! Darauf kann man nicht kommen, das steht in keinem Reiseführer, auch nicht im Netz. Als ich auf ebendem Bergkamm noch Statuen filmen konnte von Konfuzius, Laotse und Kuan Yin zusammen mit einer asiatischen Darstellerin, das Atomkraftwerk im Hintergrund, hat mir der Genius loci ein zeitenübergreifendes China-Bild geschenkt!
Vom Ethnologischen Museum Berlin habe ich mir älteste Tondokumente von Wachswalzen digitalisieren lassen: solche, die man noch nicht kennt. Älteste Texte sind mir als Autor sowieso bewusst. So gibt es in Faust Sonnengesang II Text-Alchemien und Semi-Totengespräche von/mit Gilgamesch/Heraklit/Empedokles/Orphischen Mythen/Ovid/Hafiz/ Attar/Rumi/Mechthild von Magdeburg/Dante/Bruno/Goethe/Nietzsche …
Der Zufall ist eine wichtige Muse. Das sind die Geschenke! Jahrelang baut man ja nur Landebahnen für die außerirdischen Flugkörper der Inspiration. Man muss auf das warten, was größer ist als das, was man denken, als das, was man planen kann. Armselige Filme, die nichts sind als umgesetzte Storyboards! Wenn Sie soviel geschrieben und noch hunderttausendmal mehr gesehen/gelesen/gehört und automatisch im Hinterkopf analysiert haben und auch noch Theatergeschichte von Aischylos bis Einar Schleef als Gastprofessor unterrichtet haben, gibt es nur noch eine Dramaturgie, der Sie gehorchen wollen: der Dramaturgie der (Selbst-) Überraschung, der Dramaturgie des Traums. Natürlich hab ich nicht geplant oder je geträumt (außer beim Lesen des „Sommernachtstraum” vielleicht), Glühwürmchen zu filmen! Jetzt hab ich sie gefilmt. Wer weiß, welches Bild sich dazu einstellt, welcher Text, vielleicht schon vorhanden, vielleicht erst zu schreiben. Manchmal liegen die Bilder einer Sequenz 30 Jahre auseinander!
Einmal hatte ich mir vom Theater Kostüme für meine Töchter ausgeliehen, um einen Gang durch einen Laubentunnel im Septemberlicht zu filmen. Und sie fanden es, damals 13 und 17, mega-uncool, in einem Film (nur) ihres Vaters vorzukommen. Und ich schaute durch den Sucher, und man merkte die Lustlosigkeit, und auch ich, zugegeben, hatte keine zündende, sie motivierende Idee. Da drehte ich mich um und sah, dass mein Bruder eine zementverschorfte Blechwanne, darin noch Blutlachen vom Schlachten des Damwildes waren und wo sich unzählige chromgrüne Fliegen eingefunden hatten, die sich überdies noch im Blutrot aufs wunderbarste spiegelten, in der Nähe in die Sonne gestellt hatte. Da drehte ich die Kamera einfach um und hielt auf die Blutlache. Und siehe: in dem Augenblick, da die Kamera lief, kam eine Wespe herbeigesurrt und raubte eine der Fliegen. Das verband ich mit einer alten, schwarzweißen 16-mm-Zelluloidaufnahme des mit einem Totenkopf ausgestatteten Pfaus aus der Wondreber-Totentanz-Kapelle, die ich vermutlich 1987 gemacht habe mit meiner Bolex. Diesen aschgrauen Totenkopfpfau verband ich mit einer Farbaufnahme eines mit Hi8 anno 1995 gedrehten Pfaus, der von einem Eichenast auffliegt. Und dann wieder ein Bild von Friedrich dem Großen, das ich 2014 herum gedreht habe, Nietzsches Diktums eingedenk: dass Friedrich der Große der erste Mephisto war, der die Deutschen verführt hat. Was bleibt von der Hybris Historias: eine von chromgrünen Fliegen umsirrte Blutwanne …

Die Fragen stellten Christiane Habich und Winfried Günther am 6.8.2018 via Email. Kürzung: Christoph Hochhäusler.

FSK: Infoprogramm
Länge: 360
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: deutsche Fassung
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Filmessay

Bunt und wild Regie: diverse Herausgeber: Annegret Richter In Kooperation mit: DOK Leipzig

Die großartigen Animationsfilme aus dem gefeierten Kinderprogramm von DOK Leipzig

Das absolute Lieblingsprogramm aller jungen Festivalbesucher in Leipzig ist: Anima für Kids.

Die schönsten und spannendsten animierten Kinderfilme der letzten Jahre finden sich auf dieser DVD. Jenseits von kommerziellen Animationscharakteren stellt diese Filmsammlung die Vielschichtigkeit des traditionsreichen Genres spannend, unterhaltsam und vor allem kindgerecht erzählt vor.

In wundervollen Erlebnissen, wilden Abenteuern und einfühlsamen Geschichten geht es um die großen Themen des Lebens, die sich spielerisch vermitteln. Es sind Filme, die Herz und Hirn bewegen und immer wieder angesehen werden wollen – ein Vergnügen für jung und alt.

Die Filme
Ralle und Bolle – fernsehsüchtig
Kleider machen Freunde
Dusty die kleine Hausstaubmilbe
Meine erste Hochzeit
Steinfl iegen
Josette und ihr Papa
Lauf Jäger lauf!
Monsteriös
Julia und der Schrecken

Inhaltsübersicht

Ralle und Bolle – fernsehsüchtig (D 2011, 8:45 Min.), R: Winfried Bellmann, Doreen Schweikowski
Kleider machen Freunde (D 2012, 8:29 Min.), R: Falk Schuster
Dusty die kleine Hausstaubmilbe (D 2004, 12:08 Min.), R: Matthias Bruhn
Meine erste Hochzeit (D 2009, 5:13 Min.), R: Ralf Kukula
Steinfliegen (D 2009, 14:53 Min.), R: Anne Walther
Josette und ihr Papa (D 2010, 7:57 Min.), R: Izabela Plucinska
Lauf Jäger lauf! (D 2010, 3:31 Min.), R: Raphael Wahl
Monsteriös (D 2011, 2:21 Min.), R: Constanze Engel
Julia und der Schrecken (CH 2012, 4:13 Min.), R: Anja Sidler

Credits

Herausgeber: Annegret Richter
In Kooperation mit: DOK Leipzig
Regie: diverse

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2004-2013

Pressestimmen

»Wer zumindest für siebzig Minuten einigermaßen sicher gehen will, dass seine Kinder etwas Ordentliches sehen, der kann zu einer Trickfilm-DVD des Leipziger Dok-Filmfestivals greifen.« Frankfurter Allgemeine Zeitung

»Aufregende Geschichten in faszinierenden Kurzfi lmen aus aller Welt: So zeigt DOK Leipzig, was im Animationsfilm neben ›Toy Story‹ oder ›Ice Age‹ noch möglich ist.« Leipziger Volkszeitung

»Die Filmemacher haben ganz verschiedene Materialien eingesetzt, um ihre Geschichte zu gestalten. Ob gezeichnet, geknetet oder aus Papier gebastelt – jeder Trickfilm-Held ist anders hergestellt. So lernst du ganz nebenbei auch die tolle Welt der Animationstechniken kennen. Du wirst staunen, was da alles möglich ist.« – kinderfilmwelt.de

»’Anima für Kids’ ist sowohl von den kurzen Filmformaten als auch von der thematischen Bandbreite und den fantasievollen Ansätzen eine gelungene Zusammenstellung von kindgerechten Animationsfilmen, die man seinem Nachwuchs ruhig mal zeigen und dabei auch ein bisschen Abwechslung in die eigenen Sehgewohnheiten bringen kann.« cinetrend.de

ISBN: 978-3-8488-6501-7
EAN: 978-3-8488-6501-7
FSK: 0 (Empfohlen ab 3 Jahren)
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 68 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch / ohne Dialoge
Regionalcode: codefree
Rubrik: Kurzfilme
Genre: Animation/Trickfilm

Die Geschichte eines verlorenen Paradieses – so gewaltig wie der Pazifik

Als der sittenstrenge Missionar Abner Hale (Max von Sydow) mit seiner Frau Jerusha (Julie Andrews) 1820 nach Hawaii übersiedelt, um die Einheimischen zu zivilisieren und zum Christentum zu bekehren, sind sie zwar auf das karge Leben vorbereitet, das sie erwartet, nicht aber auf den heftigen Aufprall der Kulturen, den ihre Ankunft auslöst. Während die sanfte Jerusha die Lebensweise der lebensfrohen Insulaner versteht und rasch Freunde findet, hält Abner an seinen puritanischen Standpunkten fest und bemerkt viel zu spät, dass der Eingriff seiner vermeintlich überlegenen Zivilisation in die Kultur der Einheimischen verheerende neue Krankheiten, Kommerzialisierung, Geldgier und Korruption mit sich bringt.

Das monumentale, 7-fach oscar®-nominierte und mit 2 Golden Globes® ausgezeichnete Epos nach dem mit dem Pulitzer-Preis geehrten Bestseller von James A. Michener befand sich 7 Jahre in der Produktion und gehörte zu den aufwändigsten seiner Zeit.

Ein wundervolles, komplexes und intelligentes Filmerlebnis, das durch die herausragenden Leistungen von Julie Andrews und Max von Sydow, spektakuläre Landschaftsaufnahmen an Original- Schauplätzen und die ausgezeichnete Filmmusik von Elmer Bernstein (Die glorreichen Sieben) auch 50 Jahre nach seiner Premiere noch begeistert.

Julie Andrews (Mary Poppins), Max von Sydow, Richard Harris

Regie: George Roy Hill

1966

Spielzeit: 169 Min.

Altersfreigabe : 12

Sprache: DEUTSCH ENGLISCH

Bildformat: 16:9 pal

Tonformat: DEUTSCH (Dolby Digital 2.0), ENGLISCH (Dolby Digital 2.0)

Bereits bei seinem ersten Spaziergang in London verliebt sich der amerikanische Manager Carter Harrison (Rock Hudson), in die schöne Italienerin Toni Vincente (Gina Lollobrigida). Die beiden heiraten Hals über Kopf, doch schon kurz nach der Hochzeit fliegen nicht nur die Fetzen, sondern auch das Geschirr. Sieben Jahre leben sie glücklich getrennt: er als Aufsteiger in einer Ölfirma, sie als kämpferische Künstlerin in London. Nun verlangt Toni die Scheidung, doch als sie sich wiedersehen, entbrennt die alte Leidenschaft aufs Neue und damit auch die heftigen Wortgefechte des Paares, das in nichts einer Meinung ist - die Scheidung scheint unausweichlich.

In diesem Moment erfährt Carter, dass er befördert werden soll, jedoch nur, wenn er ein tadelloses Familienleben führt. So lässt er keine List unversucht, um eine Versöhnung mit Toni zu erreichen oder sie zumindest vor seinem Boss zu verstecken, während ihr britischer Liebhaber Harry Jones (Edward Judd) alles unternimmt, Tonis Engagement als politische Aktivistin anzufeuern, um seinen Rivalen gegen sie aufzubringen.

Als Toni quasi nackt als neue „Lady Godiva“ eine antiamerikanische Protestbewegung anführt, kommt es zum Tumult, den Carter nicht vor seinem Boss verbergen kann...

Die turbulente Liebeskomödie aus dem Jahr 1965, die auf amüsante Weise übertriebenen Nationalstolz aufs Korn nimmt, vereinte erneut das Traumpaar Rock Hudson und Gina Lollobrigida, die bereits 1961 mit der Komödie „Happy-End im September“ überaus erfolgreich waren.

Rock Hudson, Gina Lollobrigida, Gig Young, Edward Judd

Regie: Melvin Frank

Spielzeit: 95 Min.

Altersfreigabe : 6

Sprache: DEUTSCH Bildformat: 16:9 pal

Tonformat: Dolby Digital 2.0

Hollywood-Star Rock Hudson wird im Dschungel von Batavia als Kolonialarzt an die Grenzen seiner Existenz geführt: Unter der Regie von Robert Mulligan, dessen "Wer die Nachtigall stört" ein Jahr später mit 8 Oscar®-Nominierungen und drei Oscar®-Auszeichnungen Welterfolge feierte, entstand 1962 dieses große Abenteuerdrama zum 50-jährigen Jubiläum der Universal Studios.

HANDLUNG: Niederländisch-Indien, 1936: Der Mediziner Dr. Anton Drager (Rock Hudson) tritt seinen Dienst als neu ernannter Assistenzarzt des weltbekannten Seuchenspezialisten Dr. Brits Jansen (Burl Ives) an und bekämpft mit ihm eine schwere Pest-Epidemie in einem Dorf, das schließlich nieder- brannt werden muss - gegen den Widerstand des dortigen Clanchefs. Während sich Drager langsam die Anerkennung seines Vorgesetzten erkämpft, erkennt er, dass der Aberglaube der heimischen Bevölkerung eine effektive Seuchenbekämpfung erschwert. Zum Eklat mit Jansen kommt es, als Drager seine Jugendliebe heiratet und kurz darauf offenbar wird, dass er in Unterlagen forscht, die Jansen in Jahren der Arbeit mit Leprakranken zusammengestellt hat. Der Bruch zwischen den beiden Ärzten führt Drager schließlich auf eine mörderische Reise in den tiefen Dschungel und in seine eigenen Abgründe.

Erleben Sie Rock Hudson, den Star aus Komödien wie "Bettgeflüster" mit Doris Day oder "Fremde Bettgesellen" mit Gina Lollobrigida, in einer für ihn damals untypischen, kritischen, nicht immer sympathischen Rolle. Zu seiner Zeit ein Flop, hat "Am schwarzen Fluss" im Lauf der Jahre durch seine starken Schauspiel-Leistungen auch von Burl Ives und Gena Rowlands, durch die klassische und folkloristische Musik von Jerry Goldsmith ("Planet der Affen", "Das Omen") und seine abwechslungsreiche Geschichte heute eine Neubewertung verdient. Nach einer aufwändigen Restaurierung präsentiert sich der Film nun wieder in der ihm gebührenden Qualität als das Breitwand-Epos das "Am schwarzen Fluss" ist.

Die DVD enthält die deutsche Kino-Synchronfassung (erstmals nach über 30 Jahren wieder vollständig verfügbar), außerdem den englischen Originalton, rare Pressefotos, ein informatives 12-seitiges Booklet und als Bonus alle Szenen, die für die Kinoauswertung in Deutschland der Schere zum Opfer gefallen sind.

Rock Hudson, Burl Ives, Gena Rowlands, Geoffrey Keen

Regie: Robert Mulligan

Spielzeit: 134Min.

Altersfreigabe : 16

Sprache: DEUTSCH ENGLISCH

Bildformat: 16:9 pal

Tonformat: DEUTSCH (Dolby Digital 2.0), ENGLISCH (Dolby Digital 2.0)

Regie: Bernhard Sallmann

Der Abschluss der Fontane Quadrologie auf DVD. Mit HAVELLAND FONTANE schließt Bernhard Sallmann seine 2016 begonnene vierteilige Serie zu Theodor Fontanes (1819-1898) Reisereportagen “Wanderungen durch die Mark Brandenburg” ab.

Während die ersten drei Filme zum ODER-, RHIN- und SPREELAND Erkundungen des ländlichen Raums sind, ist in HAVELLAND auch die Verschmelzung einer Flusslandschaft mit dem Großraum Berlin-Potsdam ein zentrales Thema. Fontane legt die Grundlagen der Entstehung der Mark frei und schildert das Ringen der naturreligiösen wendischen Kultur mit der aus dem Westen andrängenden christlichen im 12. Jahrhundert. Er schildert an vielen Beispielen die Austauschverhältnisse der Mark mit der rasch wachsenden Großstadt: Orte industrieller (Ziegelbrennen in Glindow) und landwirtschaftlicher Produktion (Obstanbau in Werder) werden geschildert und in der präzis kadrierten Filmfotografie mit ihrer heutigen Gestalt konfrontiert.

In den gemäldehaften und lang verweilenden Tableaus entsteht ein Resonanzraum, der Zeiten, Orte und verblüffende Geschichten amalgamiert.

HAVELLAND. FONTANE
von Sebastian Markt
HIMMEL. ZEIT
Das erste Bild scheint ohne Zeit, ohne Verweis auf eine Geschichte. Ein Blick in einen lichten Himmel, vor dem sich eine Birke im Wind bewegt. Es ist Zeit da, sich in dem Bild zu verlieren, in das sanfte Schwingen der Äste, in das fast sublime Licht, das durch die vorüberziehenden Wolken scheint. Mit dem Andauern des Bildes wird im Rauschen der Natur noch eine Geräuschwelt vernehmbar, die einen spezifischeren Bezug von Ort und Zeit nahe legt, ein Rauschen, das technischer klingt, nach Verkehr, und schließlich eine distinkte Quelle vernehmen lässt, die ein Bild später auch noch visuell zuordenbar wird: Ein Hubschrauber, der den nachmittäglichen Himmel und die dazugehörige Stille durchschneidet und das unbestimmte Bild fokussiert auf eine Gegenwart, durch die zugleich in eine Vergangenheit geblickt wird. Denn in der Zwischenzeit setzt eine Erzählung ein, die eine Geschichte ausbreitet; „Die Wenden in der Mark“ beginnt sie und handelt sowohl von der slawischen Siedlungsvorgeschichte der Mark Brandenburg, bevor sie als solche konstituiert war, als auch von der germanischen Eroberung und dem vermeintlichen Ende der wendischen Einflüsse, was aber im gleichen Atemzug wieder verkompliziert wird. Das alles entfaltet sich in einer trügerischen Schlichtheit, die die Komplexität ihrer Bezüge nicht ausstellt.
Das Bild ist das erste in Havelland. Fontane, mit dem Bernhard Sallmanns vierteilige Filmwerdung von Theodor Fontanes Brandenburgischen Wanderungen zu einem Abschluss kommt. Wie der Splitter eines Hologramms enthält es als Teil ein ganzes Bild, von einem unerhörten und ungesehenen Herangehen an einen Text und eine Landschaft, und ein Verhältnis, in das Beide gesetzt werden.

BILD. STIMME
Fontanes Stimme ist wie in den vorgehenden Teilen Judica Albrechts Stimme. Auch ihre vokale Darstellung eine Übertragung: Gegenwart, die aus einer Vergangenheit kommt und die Zeiten überbrückt. Eine Präsenz, die noch Abwesendes mitklingen lässt, nicht als Gespenst, sondern als Lesart. Vielfältig sind die Formen, in denen Bild und Stimme darüber zusammenfinden oder in Parallelität bleiben. Momente, in denen auch der Blick ins 19. Jahrhundert gerichtet scheint, aus dem aus dem Off erzählt wird, ohne Anzeichen einer Zwischenzeit, unverstellte Gegenwart, die mit Schilderungen kontrastiert, die als Vorgeschichte verstanden werden, Zeitschichten, von denen der Text allein nicht weiß, aber der Film. Einklang von geschilderten und gezeigten Orten und Vielklang, aus dem ein Drittes entsteht. Die eigensinnige Konstruktion eines filmischen Raumes, der durch die Zeiten reicht, gibt Anlass zu einer unnachahmlichen Seherfahrung: ein konzentriertes und dabei nicht mußeloses Mäandern durch die Geschichte einer Kulturlandschaft, das sich auch auf die Zeiten erstreckt, die der Film zwischen Fontanes Gegenwart und unserer umklammert.

ERZÄHLEN. GESCHICHTE
Wie die Erzählungen der drei vorhergehenden Filme, so offenbart sich Fontanes Werk in Sallmanns Montage und Übertragung als eine vielgestaltige Textlandschaft von eigensinniger Modernität, hier: Eine – man würde heute vielleicht sagen – Dekonstruktion der vermeintlichen Überlegenheit Germanischer Kultur gegenüber den Wenden steht neben der detaillierten Schilderung des handwerklichen Vorgangs des Schwänerupfens, die Legende einer Klostergründung neben der statistischen „Romantik“ (Fontanes Wort) der Werderaner Obstwirtschaft. Wie der Film mit diesen Erzählungen verfährt, ist Teil seiner eigenen Poetik: Eine Inszenierung der Übergange von Erörtern und Erzählen, ein über die einzelnen Filme wechselndes Hinterlassen roter Fäden, Akzentuierungen, das im abschließenden Teil nochmal einen großen historischen Bogen, freilich nicht ohne sinnfällig Abschweifungen, schlägt. Ein Kino, dass seine ganz eigenen Mittel nützt, um eine Erfahrbarkeit von Geschichte zu schaffen, als etwas, das zwischen den Erzählungen und den Bildern im Sehen und Hören eröffnet.

LANDSCHAFT. WANDERN
Ein peripatetisches Filmdenken breitet sich in den Arbeiten aus, produktionsästhetisch, in Sallmanns ruhiger Annäherung an Text und Landschaft in minimaler technischer Ausstattung auf dem Fahrrad, statt im Auto mit fixen Drehplänen, und in der Form, die die Montage findet, um Bilder und Texte zu einer audiovisuellen Landschaft zu fügen: ein vieldimensionaler Kinoraum, der die Erfahrung des Durchwanderns aufnimmt und zugleich in eine zeitliche Dimension überträgt.
Eine Zeit, die von den Zeitläufen historischer Prozesse auf die Zeit des Zuschauer*innenraumes gewendet nicht zuletzt auch ein Geschenk ans Publikum ist: als Freiheit, um sich in dem Raum, den der Film bietet und lässt, umherstreifend zu bewegen.

EKSTASE. STEINE
Das letzte Bild hält lange an. Zwei Einstellungen, die zusammen fast 15 Minuten andauern, zeigen eine Schleuse, in der links ein Schleppkahn, rechts zwei Sportboote auf ihre Durchschleusung warten, während sich am Horizont eine abschiedsrote Sonne überm Havelufer versenkt.
Ekstase heißt der Kahn, der sich dann durch das geöffnete Schleusentor ins offene Gewässer schiebt, was er geladen hat, vermag man aus dem Bild nicht abzulesen, es werden eher nicht die Steine sein, von denen der Text im diesem Moment spricht, von Ziegeln und denen, die sie streichen und brennen, von der Hierarchie der Arbeiter und der um sich greifenden Proletarisierung, die das sich industrialisierende Berlin, das die Tetralogie jetzt gute sechs Stunden und ein paar Jahrhunderte lang umschritten hat und manchmal tangiert hat, befeuert. Ein Bild, das noch einmal die Pole heraufbeschwört, zwischen denen sich Film, Text und Bild bewegen: von der konkreten Zeit des Kinoraums und der abstrakten von Geschichte, von Landschaft und den Gesellschaften, die sie überschreiben, Gegenwart und Abwesenheit. Von Übereinstimmung und Differenz. Ein nüchternes Bild, das zugleich voller Affekte ist. Ein Abschiedsbild, das zugleich ein Aufbruchsbild ist. Ein Bild, das verlischt und bleibt, ein Filmzyklus, der zu Ende geht und bleiben wird.

Bernhard Sallmann
Einige Bemerkungen zu meinen Filmen „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“, Spreeland Fontane“ und Havelland Fontane“

Theodor Fontane (1819-1898) schrieb vier Bücher „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“. Einzelne Feuilletons zu Orten, Personen und Geschichtsetappen veröffentlichte er vorab in Zeitungen, Almanachen oder Jahrbüchern. Er hat sie auch stets umgearbeitet, Neuigkeiten eingepflegt und anderes ausgeschieden. Ein mobiler Textkorpus, wuchernd, riesig! Ein Band umfasst jeweils etwa 500 Seiten. Davon scheinen in meinen Filmen jeweils etwa 20-25 Seiten auf. 1892 sind die Arbeiten in einer Wohlfeilen Ausgabe (Volksausgabe) letztmalig zu Fontanes Lebzeiten in seinem Editionsplan erschienen. Im Kern habe ich in meinem Filmprojekt mit dieser Ausgabe gearbeitet. Hinzugezogen habe ich die Anmerkungsapparate der DDR-Edition, der BRD-Edition und der gesamtdeutschen Edition. Auch Fontane ist ein Produkt des Kalten Kriegs, die DDR hatte die bessere Quellenlage.

Das fünfte Buch „Fünf Schlösser“ ist editionsgeschichtlich wie ein Kuckucksei ins Nest gefügt worden. Es hat einen anderen Charakter als die anderen vier Bücher. Gleichwohl ich zu Anfang meines Filmprojekts noch die Möglichkeit erörterte, die einzelnen Schlösser bei Interesse den einzelnen Filmen beizugeben, so habe ich im Laufe der Arbeit an den Filmen ein immer stärker werdenden Bewusstsein entwickelt, es füge sich schlecht.

Fontane eröffnet mit den Landschaften nördlich von Berlin sein Quartett: „Die Grafschaft Ruppin“(Erstausgabe: 1861). Es folgen „Das Oderland“(1863) östlich von Berlin und „Havelland“(1872) westlich von Berlin. Den Abschluss bildet „Spreeland“(1882) südlich von Berlin. Es fällt auf, dass Fontane die beiden ersten Bände mit einem bestimmten Artikel versieht, davon jedoch im dritten und vierten Buch Abstand nimmt. Er scheint sich einer konkreten Geographie nicht länger unterordnen zu wollen. Oder seiner realen Geographie nicht länger vertrauen zu wollen. Geographie bei Fontane ist sehr real in vielen Schilderungen, sie ordnet sich aber auch spekulativ seinem Editionsplan unter.

In meiner Herzensgeographie, die Ländergrenzen zu minimieren versucht, war Fontanes „Das Oderland“ meine erste Wahl. Was zu Fontanes Zeiten in Teilen die Neumark, jene Regionen östlich der Oder war, ist heute ein anderes Land – Polen – mit einer anderen Sprache. Andere Klänge, Gerüche, Architekturen.
Hier zeigt sich schon im Titel „Oderland Fontane“(2016) mein Manöver. Ich war auch in einem Zeifel: Sollte der Film „Oder/Odraland Fontane“ heißen? Ich wollte den Autor nicht zuerst nennen, ich wollte die Landschaft nennen, dann den Autor. Denn der ragt ja ohnedies so mächtig in den Prozess der Signifizierung der märkischen Landschaft hinein. Viel mehr als der Wanderer August Trinius, ein Zeitgenosse Fontanes, der drei Bände „Märkische Streifereien“ vorlegte. Fontanes große Bekanntheit, Trinius´ große Unbekanntheit. Trinius als tatsächlich wandernder Schatten des kutschereisenden Fontane. Fontane im Schatten der Quellen – denn er zitiert viel aus Memoirenliteraturen und Kirchenbüchern, er hört zu, auch der plattdeutschen Sprache lauscht er nach. Fontanes Bescheidenheit ist Teil seiner Größe. Er verleugnet die Quellen auch nie. Aber auch spreizt sich seine Sprache auf zu einem pfauengefiederartigen Rad, das glänzt und lockt. Ich als fahrradreisender Filmemacher. Bepackt wie ein Esel. Tourist? Als Arrieregarde und Avantgarde zugleich. Nach den Texten und vor den Wahrnehmungen Fontanes im 19. Jahrhundert. Kreise ziehend durch Texte und Landschaften. Schnitte, fahrende Schnitte in die Landschaft eintragend. Die Frage trieb mich um: Spricht das 19. Jahrhundert mit unserer Gegenwart und wenn: Wie kann das filmischen Ausdruck finden.

Das Bild der Waage ist naheliegend, Fontane war Apotheker. Gleichwohl er den Beruf hasste und früh aufgab zugunsten einer schriftstellerischen und journalistischen Karriere, ist der Modus des Abwägens, des in der Waage Haltens, ein zentrales Element seiner Poetologie. Ich wollte nicht Fontanes Wahrnehmung der Landschaften verfilmen. Ich wollte – außer seinen Texten – kein weiteres Archivmaterial verwenden. Vielmehr wollte ich die Landschaften wie ich sie heute wahrnehme in ein Verhältnis zu Fontanes Texten setzen. Keine Historisierung anstreben. Ein einziges Mal in den vier Filmen habe ich ein Textstück ausgewählt, das nicht aus den „Wanderungen“ ist, sondern dem autobiographischen Roman „Meine Kinderjahre“ entstammt. Im Kapitel „Vierzig Jahre später“ – ein Fremdkörper im Text – schildert Fontane die letzte Begegnung mit seinem Vater, der im Alter, geschieden, von Spiel- und Trunksucht gezeichnet, sich in eine Schifferkolonie in das Oderbruch zurückzog.

Fontanes „Das Oderland“ erstreckt sich von Frankfurt bis Schwedt (Süd-Nord) und von der Oderbruchkante bis über die Oder hinaus (West-Ost). Daran hielt ich mich fahrend, reisend, rasend (so schnell es eben ging), die asphaltierte Dammkrone dahinhuschend, durch Bruchwege hoppelnd, unter Bäumen lagernd. Immer im Warten auf Licht und Wind. Das Oderbruch war großen Zerstörungen zum Ende des 2. Weltkriegs ausgesetzt, es fehlt ihm so vieles, was Fontane sehen konnte. Wo sind die Brücken, die Furten, die Fähren.

Der erste Film war der Testfall, ob es überhaupt möglich wäre: Die sehr langen statischen Einstellungen mit den sehr langen feuilletonistischen Textstücken – in der Voice Over Judica Albrechts traumhaft sicher und messerscharf rezitiert – zu kombinieren. „Mastershots“. Das sehr gewagte Konzept, von jedem Ort fast immer nur ein einziges Ton-Bild zu erstellen. Keine Auflösungen der Motive. „Oderland Fontane“ habe ich mit einer HDV-Kamera gedreht, die ich einst dem lieben und geschätzten Kollegen Johannes Holzhausen für 300 Euro abgekauft habe. Eine Kamera, die nicht imstande ist, ein „vollwertiges“ (aber was heißt das?) HD-Bild zu erstellen. Das Bild ist „mangelhaft“, brüchig. Wie ein verwischtes Aquarell. Schlechte Farbe auf schlechtes Papier aufgetragen. Ein Videoimpressionismus. Flächig, klumpig. Das Material war schwer zu behandeln in der sog. Postproduction, im Colorgrading. Wie ein altersschwacher Körper mit faltiger Haut. In dem scheinbaren Mangel jedoch berührt mich der Film sehr, in seinem Versagen gegenüber den Aufmärschen der Pixelarmeen. In seiner Dunkelheit. Der Chip leistet eben nicht mehr. Es gibt keine Musik in den Filmen. Und doch sind sie vom Geist der Musik beseelt. Mein Oderland-Film wie eine getragene Symphonie eines/r unbekannten KomponistIn. Die Oder ist der mächtigste Fluss in meinem Filmquartett, er fließt letztlich entschieden dem Meer zu. Wo das Süßwasser sich mit dem sauren Wasser mischt.

Fontanes erstes Buch „Die Grafschaft Ruppin“ wurde das Material für meinen zweiten Film „Rhinland Fontane“(2017). Fontane benennt drei seiner Bücher bereits nach Flüssen. Die Flüsse sind seine Navigationssysteme. Es war somit naheliegend, für „Die Grafschaft Ruppin“ ebenfalls einen Flussnamen zu finden, zumal der Fontanetitel sich mit einer heutigen politischen Situation inkompatibel zeigt. Der Rhin ist der tückischte der märkischen Flüsse gewesen, zumal er manchmal sich bachartig, rinnsalartig verjüngt, manchmal von Wiesen absorbiert wird und an anderer Stelle wieder zutage tritt. Der Konkurrenzfluss in der Namensgebung wäre die Havel gewesen, die ja von Norden her kommt und später Fontanes drittem Buch dem Titel gibt. Er ist vom Geist der knappen Musik inspiriert: Webern, Kurtag. Demnach der kürzeste Film. Aphoristisch, herb, spröd. Er benennt den Wert des „Kleinen“, das koexistent neben dem „Großen“ bestehen kann, seiner Marginalität jedoch bewusst ist. Demnach ist dieser Film manchmal im Muster von „weit“ und „nah“ gedreht. In einer Ununterscheidbarkeit, ob das Weite das „Kleine“ oder „Große“ ist. Wiederum ist die Grenzfrage interessant gewesen. Fontane schildert die Schmuggler, die zwischen Brandenburg und Mecklenburg sich bewegen. Er schildert desertierende Soldaten. Heute eine ähnlich verlaufende Grenze, mit einem gewaltigen Index jedoch: Wo Fontane vor vielen Jahren von Preussen auf Mecklenburg blicken konnte, symbolisch Heinrich Schliemann in Fürstenberg grüßend, da ist heute die KZ-Gedenkstätte Ravensbrück. Fontanes Geographie folgend zwang ich mich zu diesem Ort des Grauens. Ich umschlich ihn und erst am letzten Drehtag filmte ich. Ich überschritt auch die Grenze zum Mecklenburgischen, um einer Trasse zu folgen: Ich folgte wie ein männliches Groupie dem Beerdigungstross der sehr jung verstorbenen Königin Luise („Königin der Herzen“ in der preussischen Typologie, Napoleon stolz trotzend selbst in der Niederlage) von Hohenzieritz über Dannenwalde nach Gransee. Wo die Grenze zwischen Mecklenburg-Preussen lag, erinnert heute ein Gedenkstein. Dass Preussenromantik nicht nur inadäquat, sondern sogar unmöglich ist, beweist dieser Ort, der von Verkehr umtost ist. Bundesstrasse 102, der/die Radfahrende würde sofort zu Tode kommen, wäre er/sie nicht durch Radwege abgetrennt vom Toben der Rasenden, auf der einen Seite, die Bahntrassse auf der anderen Seite. „Erbarme dich!“ Das an den Rand gedrängte Preußen. Überhaupt bei Fontane fällt oft auf, dass er Herrschaftsgeschichte als Debilitätsgeschichte erzählt. Verdrängte Homosexuelle, ins Abseits Geschobene, zu Bestrafende, Fetischisten, Verhöhnte.

Erbarmen mit der Landschaft empfand ich am stärksten im „Spreeland Fontane“(2018) Film. Fontanes Ideen-Skizzen zum Buch reichen bis nach Cottbus, der Maler Blechen ist eine wichtige Figur für ihn. Im fertigen Buch reicht Fontanes Radius jedoch gerade bis in den Spreewald und nicht weiter. Mir war jedoch auch wichtig die erneute Begegnung mit den Bergbaufolgelandschaften. Ich hatte da noch eine Rechnung offen, „Träume der Lausitz“(2009). Gleich unterhalb des Spreewaldes. Wo die Natur ihres Schatzes beraubt wurde, ausgekohlt daliegt, begleitet von totem Wasser, saurem Wasser, in dem kein Lebewesen sich aufhalten kann. Die innere Musik, die den Film begleitet hat, war die „Matthäuspassion“ von Bach. „Erbarme dich!“ Und die Bemerkungen von Hermann Scherchen in der Generalprobe zu Beethovens 5. Symphonie 1965 in Lugano. Ich verstehe kaum was er in italienischer Sprache zu den MusikerInnen sagt, aber es ist das Tempo seines Sprechens, seine Entschiedenheit, seine Präzision, den Weg durch die Partitur zu suchen und zu finden.

Ein Film des zwillinghaften Wesens, da es sich um zwei Flüsse handelt, an denen Fontane navigiert. Die Dahme, die sich in Köpenick mit der Spree verbindet. Und, für mich von rasendem Interesse: Die Dahme zu Fontanes Zeiten wurde die Wendische Spree genannt. Die Hinwendung Fontanes zur wendischen Kultur ist enorm und nicht vereinbar mit den ethnologischen Valenzen der märkischen Welt. Fontane hat ein fotographisches Gedächtnis. Er beschreibt so präzis wie ein optischer Aufnahmeapparat.
Ich habe mich in der Auswahl der Textstellen aus den Büchern stark für die Darstellung der Tierwelten interessiert. Sie sind es, die im Prozess der Zivilisierung den Menschen weichen müssen. Weichen durch ausrotten. Wie schön daher, dass in der Darstellung einer königlichen Sauenhatz der König bei einer infantilen Mutprobe vom Keiler fast zu Tode gebracht wurde. „Blutend brachte man ihn nach Köpenick.“

„Havelland Fontane“ ist der vierte und letzte Film meiner Serie. Der bogenförmige Fluss, bei Fontane bei Oranienburg einsetzend, Berlin und Potsdam durchmessend und hinter Brandenburg Stadt wieder nach Norden fließend. Halfpipe. Er ist eine wehmütige Abschiedsmelodie. Eine nicht enden wollende Musik. Demnach der mit Abstand längste Film. Diesmal ist das Antlitz des schweißtriefenden steinern-wächsernen Gesichts Hermann Scherchens von zentraler Bedeutung. Sein letztes Dirigat, „Die Kunst der Fuge“, mit einem Ensemble in einer Kirche am Stadtrand von Paris eingespielt. Von einer Fernsehanstalt begleitet. So todesnah, dass er nicht aufhören will die Variationen auszukosten. Schwebend. Dem Irdischen entrückt. Ich konnte und wollte nicht aufhören mich in der Landschaft zu bewegen, zu suchen, mich zu ergehen. Einzelne Einstellungen habe ich 40 Minuten laufen lassen, um den Bewegungen der Landschaft nachzuspüren.
„Havelland“ an das Ende meines Zyklus zu setzen, bedeutet auch einen unüberhörbaren Paukenschlag zu inszenieren. Ein ländliches Proletariat mit Wanderarbeitern ist entstanden. Die Großstadt Berlin ist am Entstehen, ein neuer Energiestrom bildet sich.

Fontanes „Wanderungen“-Bücher ignorieren brüsk die Stadt, er ergeht sich in den Landschaften fernab, aber in „Havelland“ beginnt es zu verschmelzen. Spätestens in meiner Diagnose von Landschaft und Arbeitswelt.

Fontane arbeitet mit Übertreibungen, um die Landschaften um Berlin zu etablieren. Ich übertreibe, um mein Projekt darzustellen: Es ist eine märkische Anakonda, eine Riesenschlange. Die Grenzen zwischen den Filmen sind gesetzt, doch Neuverknotungen sind denkbar. Aus kleineren Schlangen eine große machen. Sowohl der Text Fontanes ist eine Riesenschlange, als auch die Flüsse. Ein einziges Geschlinge. Oft mehr Sumpf und See als Fluss. Die Filme sind neu zu verketten. Es ist anzuraten, sie beispielsweise in der Reihenfolge des Erscheinens von Fontanes Büchern zu sehen. Oder in der Reihenfolge ihrer Längen: Rhinland – Oderland – Spreeland – Havelland. Oder in alphabetischer Reihenfolge. Sie in Paaren zeigen.

Der Filmemacher versteht sich auch als märkische Anakonda, als Getier im Sumpf auf Bild- und Tonbeute lauernd. Montage als Verdauung und muskulärer Umschlingung der Beute.

Die Filme sind auch eine Auseinandersetzung mit den Gemäldegalerien. „Havelland Fontane“ bezeichnet sich als Fete galante, ein von Watteau entwickeltes Bildgenre des Rokoko. Und ganz profan: Viele Watteaus hängen in Schloss Charlottenburg und Schloss Sans Souci und in der Berliner Gemäldegalerie im Havelland. Der flötenspielende König sammelte ihn. Auf die von den MeisterInnen ersten, zweiten oder dritten Ranges – das kann sich ja auch stets ändern – erarbeiteten Proportionen, Formen und Kadragen ist stets Verlass. 16:9 ist wahrscheinlich nicht das glücklichste Format in der Filmgeschichte. Es ging oft bei meiner Bildsuche um ein anamorphotisches Verfahren, die Kunstgeschichte in die Proportionen der Filmtechnik einzupassen. Die Bewegung ist für mich das Erregende und stellen die Distanznahme zur Bildergalerie statt. Die Filmbilder, so reglos sie zu sein scheinen oftfach, sind von fürchterlichen Spannungen durchzogen. Ein Blatt mehr, das vom Wind bewegt wird, könnte den Rahmen zum Zerbersten bringen.
Eine Unruhe treibt mich radfahrend durch die Landschaften wie ein Späher, lauschend, guckend. Eine fieberhafte Suche nach dem idealen Klangbild eines Ortes. Ich drehe immer mit Originalton oder – um es einmal umzudrehen – Originalbild.

Zur Fete galante: Das an der Grenze zum Frivolen Stehende bei Watteau oder Pesne ist in meinen Filmen nur für´s erste sublimiert. Es tritt überdeutlich zutage in den vielfältigen Kopulationen von Licht und Sand/Schlamm/Baum/Ziegel. Lichtspiele eben. Töne als Hauch, ein zartestes Blasen. Ein Schnauben der Nüstern. Ein Zerreißen der Stille, ein Verklingen. Die Diminuendi Scherchens. Die vielfachen pianos Nonos.

Extras

Trailer zu allen vier Fontane Filmen!

Credits

Kamera: Bernhard Sallmann
Regie: Bernhard Sallmann

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2019

Pressestimmen

“Ich bin die Mark durchzogen und habe sie reicher gefunden, als ich zu hoffen gewagt hatte.” Theodor Fontane

“Der Text ist die Landschaft ist der Film: Die Kunst von Sallmanns Fotografie zeigt sich vor allem darin, dass er nicht einfach perfekte, fast schon gemäldehafte Kompositionen findet, sondern dass er immer wieder Motive entdeckt, die auf mehrere Zeiten gleichzeitig verweisen. Er hat nahezu im Alleingang ein bedeutendes Werk geschaffen, mit dem das Informationszeitalter eine komplexe Lektüre perfekt aufbereitet bekommt – in der Landschaft lesen wir die Zeit.” Frankfurter Allgemeine Zeitung

“Ein starker Film: „Havelland” kombiniert Bilder heutiger Natur und Industrielandschaften mit Texten von 1889. Sallmann bebildert nicht, er schafft eigenwillige Assoziationsräume. Die Gegenwart überschreibt die Vergangenheit. Nichts bleibt, wie es war." Berliner Zeitung

“Der Text liegt über den sorgfältig fotografierten und gut ausgewählten Bildausschnitten. Zu sehen ist selbstverständlich viel Havel, also viel Wsser, und was damit zusammenhängt …” Kreuzer Leipzig

“Innerhalb der langen Einstellungen ist selbst viel in Bewegung. Lichtreflexionen verdichten und verschieben sich, erzeugen ein optisches Gefunkel auf der Wasseroberfläche oder farbige Flecken auf der Kameralinse. Durch Statik und Länge der Einstellungen werden unterschiedliche Gestimmtheiten der Landschaft, der Jahreszeit und des Wetters wahrnehmbar.
Sallmann nutzt den Ton. Nicht um mit den Bildern eine deckungsgleiche Verbindung herzustellen, sondern um die Rahmung der Landschaftstotalen zu überschreiten, um den Schein des bloß Naturhaften und eine historische Kartografie der Landschaft zu dechiffrieren.” Perlentaucher

“Was für eine schöne Idee, und was für eine kongeniale Umsetzung. Wie Gemälde fügen sich die Filmbilder. Sallmann bietet völlig neue Sichtweisen und ungewohnte Blickwinkel auf die Mark. Seine Aufnahmen sprechen für sich, und doch verlässt er sich nicht darauf. Die alten Texte und die neuen Filmaufnahmen bieten im Zusammenschluss einen ganz besonderen Reiz und eignen sich hervorragend zur Entschleunigung. Es handelt sich dabei nicht um eine Reisedokumentation, sondern um ein Kunstwerk. Der vierte und letzte Film „Havelland“ liegt nun vor – pünktlich zum Abschluss des Fontane-Jahres.” Nitro

“Havelland Fontane ist durchaus romantisch. Das liegt schon in den stilistischen Traditionen, die sich hier begegnen: Zum einen eben Fontane mit seinen ausgedehnten, naturverliebten Beschreibungen. Zum anderen aber auch Sallmanns Bilder: In ihrem Aufbau sind sie Reminiszenzen an Caspar David Friedrich – durch den Horizont zweigeteilt; in der unteren Hälfte weite Landschaft, in der oberen Hälfte stets graue Wolkenfront. Romantisierend aber sind sie nicht.” critic.de

“Eine Inszenierung der Übergange von Erörtern und Erzählen, ein über die einzelnen Filme wechselndes Hinterlassen roter Fäden, Akzentuierungen, das im abschließenden Teil nochmal einen großen historischen Bogen, freilich nicht ohne sinnfällig Abschweifungen, schlägt. Ein Kino, dass seine ganz eigenen Mittel nützt, um eine Erfahrbarkeit von Geschichte zu schaffen, als etwas, das zwischen den Erzählungen und den Bildern im Sehen und Hören eröffnet.” Sebastian Markt

“Nach ODERLAND, RHINLAND und SPREELAND erkundet der vierte und letzte Teil der Wanderungen HAVELLAND nun „die Verschmelzung einer Flusslandschaft mit dem Großraum Berlin-Potsdam“. Indie Kino

FSK: Infoprogramm

Länge: 109
Bild: PAL, Farbe
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Literaturverfilmung

Regie: Cécile Denjean

Was weiß die Wissenschaft wirklich über die Verbindung zwischen Bauch und Kopf? Wer bestimmt, wie sich ein Mensch verhält? Sein Bewusstsein oder Milliarden von Bakterien in seinem Bauch?

Aufregung schlägt auf den Magen, Verliebte haben Schmetterlinge im Bauch, Unangenehmes liegt schwer im Magen, und manchmal treffen wir Entscheidungen aus dem Bauch heraus: Wir spüren oft ganz deutlich, dass unser Gehirn nicht allein unser Handeln und Fühlen kontrolliert.

Vor einigen Jahren entdeckten die Forscher, dass Magen und Darm des Menschen rund 200 Millionen Nervenzellen enthalten. Nur allmählich gelingt es, den ständigen Dialog zwischen den beiden Steuerzentralen Bauch und Kopf zu entziffern. Die dabei gewonnenen Erkenntnisse eröffnen ungeahnte therapeutische Möglichkeiten. Nach der Entdeckung dieses zweiten Nervensystems setzt sich unter den Forschern allmählich die Überzeugung durch, dass das Gehirn im Kopf nicht der einzige Kapitän an Bord ist.

Credits

Regie: Cécile Denjean

Produktion: ARTE France, INSERM, SCIENTIFILMS
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2013

Pressestimmen

“Der Film stellt auch gewohnte Wahrnehmungen in Frage: Statt einer klaren Trennung zwischen Individuum und Außenwelt erscheint der Lebensraum, in dem wir uns bewegen, als komplexes biologisches Geflecht, in dem alles miteinander in Beziehung steht.” – Oya

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Originaltitel:
Le ventre, notre deuxième cerveau
Länge: 55 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Wie die Lebensmittelindustrie unser Essen vergiftet Regie: Marie-Monique Robin

Wie die Lebensmittelindustrie unser Essen vergiftet

Immer mehr Wissenschaftler sehen einen Zusammenhang zwischen der Zunahme von Krebserkrankungen, Immunschwächen, Diabetes sowie neurologischen Erkrankungen und der sich verändernden Ernährung der Menschen. Der Wunsch, immer mehr Lebensmittel herzustellen und sie für längere Zeit haltbar zu machen, hat dazu geführt, dass immer häufi ger chemische Zusätze in Nahrungsmitteln verarbeitet werden. Marie-Monique Robins Dokumentarfi lm beleuchtet, unter welchen Bedingungen Lebensmittel produziert, verarbeitet und konsumiert werden − vom Feld bis auf den Teller, von den verwendeten Pestiziden bis hin zu Zusatzstoffen und Kunststoffen, mit denen die Lebensmittel in Berührung kommen.

Inhaltsübersicht

1 Wissen ist Können
2 Pestizide sind Gift
3 Chronische Vergiftungen
4 Die erlaubte Tagesdosis − ETD
5 Höchstgrenzen für Rückständen − HGR
6 Zusatzstoffe und Aspartam
7 Interessenkonfl ikte
8 Plastikverpackungen und Bisphenol A
9 Endokrine Disruptoren
10 Der Cocktail-Effekt
11 Ernährung, Lebenswandel und Krebs
12 Die Ausnahme Indien
13 Postskriptum

Credits

Regie: Marie-Monique Robin

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Fachbegriffe, Definitionen, Formeln und Zahlen weiß die Autorin zu erklären, und sie mischt die Daten mit Zeichnungen und historischem Filmmaterial. Sie demonstriert sozusagen Verständlichkeit als Mittel der Glaubwürdigkeit – umso dubioser wirkt da das Schweigen mancher Hersteller.« sueddeutsche.de

FSK: Infoprogramm

Originaltitel:
NOTRE POISON QUOTIDIEN

Länge: 105 + 55 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Amandine Gay

“Schwarz” und “Frau” – das sind gleich zwei Eigenschaften, die zu Diskriminierung führen. Was aber sagen, denken, fühlen schwarze Frauen in Europa heute? Wie können sie ihre eigene Geschichte schreiben, jenseits der herrschenden männlich-weißen Erzählung? Die Dokumentation ist eine Bestandsaufnahme der weiblichen “Afropean Diaspora”.
Auch im 21. Jahrhundert sind Rassismus, Sexismus und Homophobie längst nicht überwunden, für zahlreiche Menschen gehören Diskriminierungserfahrungen nach wie vor zum Alltag. Wie schmerzhaft das ist und wie sie damit umgehen, das erzählen schwarze Frauen aus Belgien und Frankreich in Amandine Gays Dokumentarfilm. Die Frauen berichten von den Vorurteilen, mit denen sie zu kämpfen haben, auch davon, was sie stärkt und ihnen Kraft gibt. Dabei eröffnen sich nicht nur faszinierende Einblicke, Gays Film wirft zudem drängende Fragen auf, die uns alle betreffen.

Wo kommst du wirklich her? Es ist an der Zeit, dass wir reden! Im Dokumentarfilm vom Amandine Gay kommen Schwarze Frauen zu Wort, die in Europa Rassismus und Diskriminierung erlebt haben.
Der Film konzentriert sich dabei auf die kollektiv erlebte Diskriminierung und den Kampf um die Wiederaneignung eines eigenen Narrativs – also eine eigenständige Definition darüber, was eine Schwarze weibliche Perspektive ausmacht.

AMANDINE GAY
Die Regisseurin Amandine Gay lebt in Montreal und ist Aktivistin, Journalistin und afrofeministische Filmemacherin. Nach ihrem Abschluss der Kommunikationswissenschaften begann sie ein Studium am Konservatorium der Darstellenden Künste in Paris. Seit 2012 arbeitet sie als Drehbuchautorin. SPEAK UP ist ihr Regiedebüt.

FEMMES TOTALES präsentiert großes Kino. Von Frauen. Aus aller Welt. Für alle.

Die Reihe „Femmes Totales – Filme von Frauen“ wurde ins Leben gerufen, um zeitgenössische Filme von Frauen stärker in den Fokus zu rücken. Obwohl das Thema „Frauen in der Filmbranche“ aktuell stark in den Medien vertreten ist, so sind Werke von Frauen dennoch Mangelware im Kino.

Durch #MeToo und andere Initiativen sind in den letzten Monaten viele Veränderungen angestoßen worden, um verkrustete Strukturen aufzubrechen. Diese DVD Reihe macht sichtbar, dass Filme von Frauen gleichermaßen spannend, abwechslungsreich und unterhaltsam sind. FEMMES TOTALES zeigt vielfach ausgezeichnete Werke, die für ein junges, rebellisches und internationales Kino stehen. Sie erzählen von „real girl power“, von Menschen, die ihren Platz in der Gesellschaft erkämpfen, Gefühlsextremen, Familiengeheimnissen oder Diskriminierung.

FEMMES TOTALES ist ein Projekt von eksystent distribution Filmverleih
www.femmes-totales.de, www.eksystent.com

Extras

Mit allen 10 Trailer der Reihe FEMMES TOTALES!

Credits

Regie: Amandine Gay

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2017

Pressestimmen

“Wenn ein Film mit schwarzen Darstellern gedreht wird, wird er als schwarzer Film bezeichnet. Wenn er mit weißen Darstellern gedreht wird, ist es bloß ein Film. In der Dokumentation der Bürgerrechtsaktivistin und afro-feministischen Filmemacherin Amandine Gay erzählen schwarze
Frauen von der Diskriminierung, die sie in Europa erleben. Indem sie von ihren unterschiedlichen Erfahrungen berichten, nehmen sie ihre eigene Geschichte selbst in die Hand.” Kino.de

“Kompromisslos und schillernd!” LIBÉRATION

Eine berührende und präziser Dokumentarfilm, der zeigt, wie hartnäckig sich rassistische Klischees halten. LES INROCKUPTITLES

“Nimmt kein Blatt vor den Mund: Über eine Laufzeit von zwei Stunden werden hier zahlreiche Themen angesprochen, von politischem Aktivismus über Sexualität und Religion bis hin zu Depressionen. Die bis zum Abspann namenlos bleibenden Frauen teilen in Einzelinterviews ihre Erfahrungen, Gedanken und Inspirationen mit dem Publikum und bilden so einen stetigen Erzählfluss. Das ist mitreißend und animiert dazu, sich weiter mit den angesprochenen Themen zu beschäftigen. Dass Gay ihren Film völlig uneitel als Plattform für ihre Interviewpartnerinnen anbietet, zahlt sich aus, ihr ist eine gleichermaßen anregende wie herausfordernde Dokumentation gelungen.
Ein kostbarer Schatz aus Eindrücken und Perspektiven.” Spielfilm.de

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Ouvrir la voix
Länge: 122
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Französisch
Untertitel: deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree

Regie: Bernhard Sallmann

Theodor Fontane (1819-1898) bereiste als Journalist über Jahrzehnte die Berliner Umgebung. Seine Bücher “Wanderungen durch die Mark Brandenburg” enthalten sehr reiche und entlegene kulturgeschichtliche, ethnographische und biographische Quellen. Bernhard Sallmann entnimmt daraus Passagen, die er mit der heutigen Gestalt der Mark Brandenburg konfrontiert. So entstehen betörende Stillleben, die sich zu einer poetischen und filmischen Landvermessung verdichten – mit Mut zur Entschleunigung, dem Vergnügen an Konzentration und Kontemplation. Aus der epischen Linienführung der Elemente “Text” und “Ort” ergibt sich so ein vielfältiges und vielsagendes Gespräch des 19. Jahrhunderts mit unserer Gegenwart: nicht frei von Momenten des Staunens, des Affekts und der Affirmation. Es ist, wie es war, aber doch ganz anders – wo heute Zugvögel nisten, wurde früher unter sehr harten Bedingungen Torf gestochen, wo heute die Bundesregierung hoch umzäunt ihre Gäste empfängt, lebte früher eine vom König ins Abseits geschobene Figur.

TANGENTIALE Themen Texte Kino
Punkt 8 Wort, Bild und Imagination
Landschaft als Werk von Menschenhand. Bernhard Sallmann lässt in „Rhinland. Fontane“ den Meister selbst zu Wort kommen und zeigt Bilder, die Raum lassen für Gedanken, die auf Wanderschaft gehen.
Ein Essay von Uwe Rada
anlässlich des Films RHINLAND. FONTANE von Bernhard Sallmann – Krokodil Film Verleih

Wenn ich im Regionalexpress nach Prenzlau aus dem Fenster schaue, mit dem Fahrrad an der Oder unterwegs bin oder mit dem Auto im Ruppiner Land, bin ich auch noch Jahrzehnte nach meiner ersten Begegnung mit der Mark überwältigt. Eine Landschaft im Überfluss breitet sich vor mir aus, ganz das Gegenteil von dem, was wir in den dicht geknüpften Siedlungsteppichen zu sehen bekommen, in denen Landschaft oft nicht mehr ist als Abstandsgrün zwischen Städten und Industriegebieten. Nicht die Städte werfen in Brandenburg ihre Netze aus, sondern Wälder, Seen, Kulturlandschaften, so dass der Mensch, vor allem der aus der Stadt, schnell demütig wird. Die Mark als Trostlandschaft für den geplagten Städter. Das ist unser Bild auf die Landschaft, das Gründerzeit und Industrialisierung hervorgebracht haben. Und auch Theodor Fontane war da nicht ganz unschuldig. In seinen „Wanderungen“ erfand er die Mark als touristische Marke, und so sehen wir sie bis heute: blaue Seen, grüne Wälder, ehrwürdige Herrensitze. Landschaft und Geschichte. Geschichtslandschaft.

Gleichzeitig aber weiß ich, dass dieses Bild falsch ist, und manchmal kann man es sogar sehen. Im Oderbruch sind es die planmäßig angelegten Dörfer, die davon zeugen, dass die Landschaft von Menschenhand gemacht ist, keine Idylle, sondern ein den Sümpfen der Oder abgerungenes Stück Land für Kolonisten, die ihr Kommen nicht zu bereuen brauchten, wie Fontane wusste: “Man streute aus und war der Ernte gewiss. Es wuchs ihnen zu. Alles wurde reich über Nacht.” Vor der großen Trockenlegung im 18. Jahrhundert lebten im Oderbruch slawische Fischer. Fontane muss ihr Schicksal sehr berührt haben, deshalb zitierte er mehr als hundert Jahre später aus alten Berichten. Der Wandel der Landschaft war ihm bewusst. Das Landschaftsbild der Mark ist auch das Ergebnis großer ökonomischer Umwälzungen.

Als ob es dazu eines Beweises bedurft hätte, hat Bernhard Sallmann seine Kamera postiert. Hat das Objektiv justiert, mit Blick über den See nach Neuruppin, die Geburtsstadt Fontanes, auf Schloss Rheinsberg, wo Preußens Kronprinz Friedrich die Jahre vor seiner Krönung verbrachte, auf Schloss Meseberg, den Stechlin. Es sind keine Kamerafahrten, die die märkische Landschaft ins Szene setzen, es ist die Landschaft selbst, die sich von der Standkamera beobachten lässt als wäre die ein menschliches Auge. Immer wieder geht der Wind durch die Gräser, gelegentlich fährt ein Auto durchs Bild, die Landschaft, die die Kamera beobachtet, ist also sehr gegenwärtig. Es sind Gedanken wie diese, die man sich beim Schauen des Filmes „Rhinland. Fontane“ von Bernhard Sallmann macht. Auch die Gedanken können auf Wanderschaft gehen.

Die Kamera, geführt von Sallmann selbst, ist das eine Element des Filmes, das andere ist eine Stimme. Sie stammt von Judica Albrecht. Albrecht hat Fontane die Stimme geliehen, und man weiß nicht, wem man sich eher hingeben mag. Dem Ebenmaß der rhythmischen Prosa des Dichters, oder dem hohen Ton, den Albrecht daraus hervorzaubert.

„Rhinland. Fontane“ ist kein Film fürs schnelle Vergnügen. Das hat er mit der märkischen Landschaft gemein. Man guckt ihn nicht einfach so weg. Man muss sich einlassen, auf die Bildästhetik und den gesprochenen Text. Dann aber gibt es eine Menge zu entdecken, und am Ende ist der eigene Blick auf die Landschaft wieder um einige Bilder reicher geworden. Zum Beispiel in Gentzrode. Nahe Neuruppin hatte 1876/1877 Alexander Gentz ein Herrenhaus im maurischen Stil bauen lassen. Es sollte die Krönung des landwirtschaftlichen Betriebes sein, den Gentz mit seinem Vater aufgebaut hatte. Die Familie Gentz war reich geworden durch den Abstich von und den Handel mit Torf, den er über den so genannten Fehrbelliner Kanal nach Berlin verschiffen ließ. Dieser märkischen Erfolgsgeschichte lassen sowohl Fontane in seinen Wanderungen als auch Bernhard Sallmann in seinem Film breiten Raum: „Gentzrode wuchs; Wiesen waren neuerdings erworben worden und die Bäume gediehen noch über Erwarten hinaus, so daß in den Gründerjahren viele Tausende davon verkauft werden konnten. Ausfälle, die trotzdem eintraten, konnten durch die reichen Torfstich-Erträge leicht gedeckt werden. Alexander Gentz verfolgte rastlos den Plan einer allgemeinen Arrondierung seines Besitzes, sowohl seiner Äcker in Gentzrode, wie seiner Torf-Gräbereien im Luch. Die Leute nannten ihn den ‘alten Blücher’, in Anerkennung der Energie, mit der er alles durchführte, was er sich vorgesetzt hatte.“

Fontane kannte Gentz, weil seine Eltern in der Nachbarschaft des Anwesens in Neuruppin lebten. Umso mehr muss ihn der plötzliche Niedergang des nachbarlichen Unternehmens getroffen haben, der auch ein Hinweis darauf ist, wie sehr die Gestalt der Landschaft nicht nur im Oderbruch, sondern auch in der Grafschaft Ruppin den wirtschaftlichen Umwälzungen unterworfen war uns bis heute ist. Den Abstieg in Gentzrode beschrieb Fontane so: „Da, mit einem Male, war es, trotz dieser Siege, mit den ‘wachsenden Erträgen aus dem Luch’ aus und dadurch mit Gentzrode, ja mit dem Wohlstand der Familie vorbei. Wie kam das? Der Torf war über Nacht außer Mode gekommen. Alles brannte Steinkohlen oder Briketts und selbst die Ziegeleien, die bis dahin, ein sehr wichtiger Punkt, die Konsumenten der sonst halb wertlosen Torfabgänge gewesen waren, bauten ihre Brennöfen um, um mit Hilfe dieser Neubauten die Vorteil versprechende Mode mitmachen und Steinkohlen statt Torf verwenden zu können.“

Torf also. Der Torf brachte den Wohlstand, und er nahm ihn wieder. Hart war die Arbeit der Torfstecher, auch davon zeugen Film und Fontane. Mancherorts, wie im Wustrauer Luch, wurden eigens Torfhäuser gebaut, in denen die Saisonarbeiter lebten, um mit ihren Schneideeisen, Torfmessern und Drahtschneidern die Landschaft umzugraben. Geschundene Landschaften in Brandenburg gab es nicht erst seit dem Umpflügen der Niederlausitz durch den Braunkohletagebau.

Dennoch folgt diese Landschaft einer Ordnung, die älter ist als das Werk des Menschen. Denn inmitten aller Umbrüche war es ein Fluss, der die Landschaft zusammenhielt, der Rhin, dem Sallmann auch den Titel seines Filmes schenkte, obwohl Fontane selbst diesem Teil seiner Wanderungen die Überschrift „Grafschaft Ruppin“ gegeben hatte.

„Der Rhin“, zitiert Judica Albrecht Fontane, „nimmt auf der ersten Hälfte seines Weges seine Richtung von Nord nach Süd, bis er, nach Passierung des großen Ruppiner Sees, beinah plötzlich seinen Lauf ändert und, rechtwinklig weiterfließend, ziemlich genau die Südgrenze der Grafschaft zieht.“ Fontanes Neigung, Flüsse als Ordnungssystem der Landschaft zu akzeptieren, ist offensichtlich. Drei der ursprünglich vier Bände der Wanderungen waren nach Flusslandschaften benannt, das Oderland, das Ost-Havelland und das Spreeland. Einzig die Grafschaft Ruppin bricht aus dieser Ordnung aus, um von Bernhard Sallmann wieder dorthin zurück geführt zu werden. „Rhinland“, diesen Namen trägt der Film nicht umsonst, wie das Zitat Fontanes zeigt.

Wasser als Element der Landschaftsordnung. In Brandenburg ist das etwas Selbstverständliches. Von den 14 Landkreisen des Bundeslandes tragen acht die Namen eines oder mehrerer Flüsse. Wasser gehört also nicht nur zum natürlichen Erbe Brandenburgs, das mit seinen 3.000 Seen und 33.000 Flusskilometern zu den wasserreichsten Regionen Deutschlands zählt. Wasser ist auch ein Teil seiner regionalen und kulturgeschichtlichen Identität geworden.

Gentzrode ist aber auch Beispiel dafür, wie flüchtig diese Identität sein kann. Ohne Niederungen und Luche kein Torf, ohne Torf kein Fehrbelliner Kanal nach Berlin, ohne kein Reichtum. In gewisser Hinsicht war der Aufstieg und Fall der Torfindustrie nur ein Vorbote des Aufstiegs der Kohleindustrie. Was aber kommt danach?

Beim Torf wissen wir es. Das Herrenhaus von Alexander Gentz ist heute verlassen, eine zerfallende Ruine, der Wind und Wetter zusetzen, weil der Besitzer, ein Investor aus der Türkei, zwar eine Idee hat, sich mit der aber Zeit lässt. Eine Ferienanlage soll dort entstehen. Mit Golfplätzen, Hotel, Villen und über 700  Ferienhäusern.
Gentzrode ist also bedroht und mit ihm ein Stück märkische Geschichte. Doch im Vergleich mit dem, was an Umwälzungen auf das Land zwischen Oder und Elbe zukommen könnte, waren die Trockenlegungen der vergangenen Jahrhunderte vielleicht nur Vorboten. Ich werde künftig genauer hinschauen müssen, wenn ich zu Fuß, mit dem Fahrrad oder dem Auto im Märkischen unterwegs bin. Bernhard Sallmanns Film „Rhinland. Fontane“ hat mich gelehrt, wie wichtig beides ist: hinhören und hinschauen, auch wenn sonst wenig passiert.

Bernhard Sallmann
Einige Bemerkungen zu meinen Filmen „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“, Spreeland Fontane“ und Havelland Fontane“

Theodor Fontane (1819-1898) schrieb vier Bücher „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“. Einzelne Feuilletons zu Orten, Personen und Geschichtsetappen veröffentlichte er vorab in Zeitungen, Almanachen oder Jahrbüchern. Er hat sie auch stets umgearbeitet, Neuigkeiten eingepflegt und anderes ausgeschieden. Ein mobiler Textkorpus, wuchernd, riesig! Ein Band umfasst jeweils etwa 500 Seiten. Davon scheinen in meinen Filmen jeweils etwa 20-25 Seiten auf. 1892 sind die Arbeiten in einer Wohlfeilen Ausgabe (Volksausgabe) letztmalig zu Fontanes Lebzeiten in seinem Editionsplan erschienen. Im Kern habe ich in meinem Filmprojekt mit dieser Ausgabe gearbeitet. Hinzugezogen habe ich die Anmerkungsapparate der DDR-Edition, der BRD-Edition und der gesamtdeutschen Edition. Auch Fontane ist ein Produkt des Kalten Kriegs, die DDR hatte die bessere Quellenlage.

Das fünfte Buch „Fünf Schlösser“ ist editionsgeschichtlich wie ein Kuckucksei ins Nest gefügt worden. Es hat einen anderen Charakter als die anderen vier Bücher. Gleichwohl ich zu Anfang meines Filmprojekts noch die Möglichkeit erörterte, die einzelnen Schlösser bei Interesse den einzelnen Filmen beizugeben, so habe ich im Laufe der Arbeit an den Filmen ein immer stärker werdenden Bewusstsein entwickelt, es füge sich schlecht.

Fontane eröffnet mit den Landschaften nördlich von Berlin sein Quartett: „Die Grafschaft Ruppin“(Erstausgabe: 1861). Es folgen „Das Oderland“(1863) östlich von Berlin und „Havelland“(1872) westlich von Berlin. Den Abschluss bildet „Spreeland“(1882) südlich von Berlin. Es fällt auf, dass Fontane die beiden ersten Bände mit einem bestimmten Artikel versieht, davon jedoch im dritten und vierten Buch Abstand nimmt. Er scheint sich einer konkreten Geographie nicht länger unterordnen zu wollen. Oder seiner realen Geographie nicht länger vertrauen zu wollen. Geographie bei Fontane ist sehr real in vielen Schilderungen, sie ordnet sich aber auch spekulativ seinem Editionsplan unter.

In meiner Herzensgeographie, die Ländergrenzen zu minimieren versucht, war Fontanes „Das Oderland“ meine erste Wahl. Was zu Fontanes Zeiten in Teilen die Neumark, jene Regionen östlich der Oder war, ist heute ein anderes Land – Polen – mit einer anderen Sprache. Andere Klänge, Gerüche, Architekturen.
Hier zeigt sich schon im Titel „Oderland Fontane“(2016) mein Manöver. Ich war auch in einem Zeifel: Sollte der Film „Oder/Odraland Fontane“ heißen? Ich wollte den Autor nicht zuerst nennen, ich wollte die Landschaft nennen, dann den Autor. Denn der ragt ja ohnedies so mächtig in den Prozess der Signifizierung der märkischen Landschaft hinein. Viel mehr als der Wanderer August Trinius, ein Zeitgenosse Fontanes, der drei Bände „Märkische Streifereien“ vorlegte. Fontanes große Bekanntheit, Trinius´ große Unbekanntheit. Trinius als tatsächlich wandernder Schatten des kutschereisenden Fontane. Fontane im Schatten der Quellen – denn er zitiert viel aus Memoirenliteraturen und Kirchenbüchern, er hört zu, auch der plattdeutschen Sprache lauscht er nach. Fontanes Bescheidenheit ist Teil seiner Größe. Er verleugnet die Quellen auch nie. Aber auch spreizt sich seine Sprache auf zu einem pfauengefiederartigen Rad, das glänzt und lockt. Ich als fahrradreisender Filmemacher. Bepackt wie ein Esel. Tourist? Als Arrieregarde und Avantgarde zugleich. Nach den Texten und vor den Wahrnehmungen Fontanes im 19. Jahrhundert. Kreise ziehend durch Texte und Landschaften. Schnitte, fahrende Schnitte in die Landschaft eintragend. Die Frage trieb mich um: Spricht das 19. Jahrhundert mit unserer Gegenwart und wenn: Wie kann das filmischen Ausdruck finden.

Das Bild der Waage ist naheliegend, Fontane war Apotheker. Gleichwohl er den Beruf hasste und früh aufgab zugunsten einer schriftstellerischen und journalistischen Karriere, ist der Modus des Abwägens, des in der Waage Haltens, ein zentrales Element seiner Poetologie. Ich wollte nicht Fontanes Wahrnehmung der Landschaften verfilmen. Ich wollte – außer seinen Texten – kein weiteres Archivmaterial verwenden. Vielmehr wollte ich die Landschaften wie ich sie heute wahrnehme in ein Verhältnis zu Fontanes Texten setzen. Keine Historisierung anstreben. Ein einziges Mal in den vier Filmen habe ich ein Textstück ausgewählt, das nicht aus den „Wanderungen“ ist, sondern dem autobiographischen Roman „Meine Kinderjahre“ entstammt. Im Kapitel „Vierzig Jahre später“ – ein Fremdkörper im Text – schildert Fontane die letzte Begegnung mit seinem Vater, der im Alter, geschieden, von Spiel- und Trunksucht gezeichnet, sich in eine Schifferkolonie in das Oderbruch zurückzog.

Fontanes „Das Oderland“ erstreckt sich von Frankfurt bis Schwedt (Süd-Nord) und von der Oderbruchkante bis über die Oder hinaus (West-Ost). Daran hielt ich mich fahrend, reisend, rasend (so schnell es eben ging), die asphaltierte Dammkrone dahinhuschend, durch Bruchwege hoppelnd, unter Bäumen lagernd. Immer im Warten auf Licht und Wind. Das Oderbruch war großen Zerstörungen zum Ende des 2. Weltkriegs ausgesetzt, es fehlt ihm so vieles, was Fontane sehen konnte. Wo sind die Brücken, die Furten, die Fähren.

Der erste Film war der Testfall, ob es überhaupt möglich wäre: Die sehr langen statischen Einstellungen mit den sehr langen feuilletonistischen Textstücken – in der Voice Over Judica Albrechts traumhaft sicher und messerscharf rezitiert – zu kombinieren. „Mastershots“. Das sehr gewagte Konzept, von jedem Ort fast immer nur ein einziges Ton-Bild zu erstellen. Keine Auflösungen der Motive. „Oderland Fontane“ habe ich mit einer HDV-Kamera gedreht, die ich einst dem lieben und geschätzten Kollegen Johannes Holzhausen für 300 Euro abgekauft habe. Eine Kamera, die nicht imstande ist, ein „vollwertiges“ (aber was heißt das?) HD-Bild zu erstellen. Das Bild ist „mangelhaft“, brüchig. Wie ein verwischtes Aquarell. Schlechte Farbe auf schlechtes Papier aufgetragen. Ein Videoimpressionismus. Flächig, klumpig. Das Material war schwer zu behandeln in der sog. Postproduction, im Colorgrading. Wie ein altersschwacher Körper mit faltiger Haut. In dem scheinbaren Mangel jedoch berührt mich der Film sehr, in seinem Versagen gegenüber den Aufmärschen der Pixelarmeen. In seiner Dunkelheit. Der Chip leistet eben nicht mehr. Es gibt keine Musik in den Filmen. Und doch sind sie vom Geist der Musik beseelt. Mein Oderland-Film wie eine getragene Symphonie eines/r unbekannten KomponistIn. Die Oder ist der mächtigste Fluss in meinem Filmquartett, er fließt letztlich entschieden dem Meer zu. Wo das Süßwasser sich mit dem sauren Wasser mischt.

Fontanes erstes Buch „Die Grafschaft Ruppin“ wurde das Material für meinen zweiten Film „Rhinland Fontane“(2017). Fontane benennt drei seiner Bücher bereits nach Flüssen. Die Flüsse sind seine Navigationssysteme. Es war somit naheliegend, für „Die Grafschaft Ruppin“ ebenfalls einen Flussnamen zu finden, zumal der Fontanetitel sich mit einer heutigen politischen Situation inkompatibel zeigt. Der Rhin ist der tückischte der märkischen Flüsse gewesen, zumal er manchmal sich bachartig, rinnsalartig verjüngt, manchmal von Wiesen absorbiert wird und an anderer Stelle wieder zutage tritt. Der Konkurrenzfluss in der Namensgebung wäre die Havel gewesen, die ja von Norden her kommt und später Fontanes drittem Buch dem Titel gibt. Er ist vom Geist der knappen Musik inspiriert: Webern, Kurtag. Demnach der kürzeste Film. Aphoristisch, herb, spröd. Er benennt den Wert des „Kleinen“, das koexistent neben dem „Großen“ bestehen kann, seiner Marginalität jedoch bewusst ist. Demnach ist dieser Film manchmal im Muster von „weit“ und „nah“ gedreht. In einer Ununterscheidbarkeit, ob das Weite das „Kleine“ oder „Große“ ist. Wiederum ist die Grenzfrage interessant gewesen. Fontane schildert die Schmuggler, die zwischen Brandenburg und Mecklenburg sich bewegen. Er schildert desertierende Soldaten. Heute eine ähnlich verlaufende Grenze, mit einem gewaltigen Index jedoch: Wo Fontane vor vielen Jahren von Preussen auf Mecklenburg blicken konnte, symbolisch Heinrich Schliemann in Fürstenberg grüßend, da ist heute die KZ-Gedenkstätte Ravensbrück. Fontanes Geographie folgend zwang ich mich zu diesem Ort des Grauens. Ich umschlich ihn und erst am letzten Drehtag filmte ich. Ich überschritt auch die Grenze zum Mecklenburgischen, um einer Trasse zu folgen: Ich folgte wie ein männliches Groupie dem Beerdigungstross der sehr jung verstorbenen Königin Luise („Königin der Herzen“ in der preussischen Typologie, Napoleon stolz trotzend selbst in der Niederlage) von Hohenzieritz über Dannenwalde nach Gransee. Wo die Grenze zwischen Mecklenburg-Preussen lag, erinnert heute ein Gedenkstein. Dass Preussenromantik nicht nur inadäquat, sondern sogar unmöglich ist, beweist dieser Ort, der von Verkehr umtost ist. Bundesstrasse 102, der/die Radfahrende würde sofort zu Tode kommen, wäre er/sie nicht durch Radwege abgetrennt vom Toben der Rasenden, auf der einen Seite, die Bahntrassse auf der anderen Seite. „Erbarme dich!“ Das an den Rand gedrängte Preußen. Überhaupt bei Fontane fällt oft auf, dass er Herrschaftsgeschichte als Debilitätsgeschichte erzählt. Verdrängte Homosexuelle, ins Abseits Geschobene, zu Bestrafende, Fetischisten, Verhöhnte.

Erbarmen mit der Landschaft empfand ich am stärksten im „Spreeland Fontane“(2018) Film. Fontanes Ideen-Skizzen zum Buch reichen bis nach Cottbus, der Maler Blechen ist eine wichtige Figur für ihn. Im fertigen Buch reicht Fontanes Radius jedoch gerade bis in den Spreewald und nicht weiter. Mir war jedoch auch wichtig die erneute Begegnung mit den Bergbaufolgelandschaften. Ich hatte da noch eine Rechnung offen, „Träume der Lausitz“(2009). Gleich unterhalb des Spreewaldes. Wo die Natur ihres Schatzes beraubt wurde, ausgekohlt daliegt, begleitet von totem Wasser, saurem Wasser, in dem kein Lebewesen sich aufhalten kann. Die innere Musik, die den Film begleitet hat, war die „Matthäuspassion“ von Bach. „Erbarme dich!“ Und die Bemerkungen von Hermann Scherchen in der Generalprobe zu Beethovens 5. Symphonie 1965 in Lugano. Ich verstehe kaum was er in italienischer Sprache zu den MusikerInnen sagt, aber es ist das Tempo seines Sprechens, seine Entschiedenheit, seine Präzision, den Weg durch die Partitur zu suchen und zu finden.

Ein Film des zwillinghaften Wesens, da es sich um zwei Flüsse handelt, an denen Fontane navigiert. Die Dahme, die sich in Köpenick mit der Spree verbindet. Und, für mich von rasendem Interesse: Die Dahme zu Fontanes Zeiten wurde die Wendische Spree genannt. Die Hinwendung Fontanes zur wendischen Kultur ist enorm und nicht vereinbar mit den ethnologischen Valenzen der märkischen Welt. Fontane hat ein fotographisches Gedächtnis. Er beschreibt so präzis wie ein optischer Aufnahmeapparat.
Ich habe mich in der Auswahl der Textstellen aus den Büchern stark für die Darstellung der Tierwelten interessiert. Sie sind es, die im Prozess der Zivilisierung den Menschen weichen müssen. Weichen durch ausrotten. Wie schön daher, dass in der Darstellung einer königlichen Sauenhatz der König bei einer infantilen Mutprobe vom Keiler fast zu Tode gebracht wurde. „Blutend brachte man ihn nach Köpenick.“

„Havelland Fontane“ ist der vierte und letzte Film meiner Serie. Der bogenförmige Fluss, bei Fontane bei Oranienburg einsetzend, Berlin und Potsdam durchmessend und hinter Brandenburg Stadt wieder nach Norden fließend. Halfpipe. Er ist eine wehmütige Abschiedsmelodie. Eine nicht enden wollende Musik. Demnach der mit Abstand längste Film. Diesmal ist das Antlitz des schweißtriefenden steinern-wächsernen Gesichts Hermann Scherchens von zentraler Bedeutung. Sein letztes Dirigat, „Die Kunst der Fuge“, mit einem Ensemble in einer Kirche am Stadtrand von Paris eingespielt. Von einer Fernsehanstalt begleitet. So todesnah, dass er nicht aufhören will die Variationen auszukosten. Schwebend. Dem Irdischen entrückt. Ich konnte und wollte nicht aufhören mich in der Landschaft zu bewegen, zu suchen, mich zu ergehen. Einzelne Einstellungen habe ich 40 Minuten laufen lassen, um den Bewegungen der Landschaft nachzuspüren.
„Havelland“ an das Ende meines Zyklus zu setzen, bedeutet auch einen unüberhörbaren Paukenschlag zu inszenieren. Ein ländliches Proletariat mit Wanderarbeitern ist entstanden. Die Großstadt Berlin ist am Entstehen, ein neuer Energiestrom bildet sich.

Fontanes „Wanderungen“-Bücher ignorieren brüsk die Stadt, er ergeht sich in den Landschaften fernab, aber in „Havelland“ beginnt es zu verschmelzen. Spätestens in meiner Diagnose von Landschaft und Arbeitswelt.

Fontane arbeitet mit Übertreibungen, um die Landschaften um Berlin zu etablieren. Ich übertreibe, um mein Projekt darzustellen: Es ist eine märkische Anakonda, eine Riesenschlange. Die Grenzen zwischen den Filmen sind gesetzt, doch Neuverknotungen sind denkbar. Aus kleineren Schlangen eine große machen. Sowohl der Text Fontanes ist eine Riesenschlange, als auch die Flüsse. Ein einziges Geschlinge. Oft mehr Sumpf und See als Fluss. Die Filme sind neu zu verketten. Es ist anzuraten, sie beispielsweise in der Reihenfolge des Erscheinens von Fontanes Büchern zu sehen. Oder in der Reihenfolge ihrer Längen: Rhinland – Oderland – Spreeland – Havelland. Oder in alphabetischer Reihenfolge. Sie in Paaren zeigen.

Der Filmemacher versteht sich auch als märkische Anakonda, als Getier im Sumpf auf Bild- und Tonbeute lauernd. Montage als Verdauung und muskulärer Umschlingung der Beute.

Die Filme sind auch eine Auseinandersetzung mit den Gemäldegalerien. „Havelland Fontane“ bezeichnet sich als Fete galante, ein von Watteau entwickeltes Bildgenre des Rokoko. Und ganz profan: Viele Watteaus hängen in Schloss Charlottenburg und Schloss Sans Souci und in der Berliner Gemäldegalerie im Havelland. Der flötenspielende König sammelte ihn. Auf die von den MeisterInnen ersten, zweiten oder dritten Ranges – das kann sich ja auch stets ändern – erarbeiteten Proportionen, Formen und Kadragen ist stets Verlass. 16:9 ist wahrscheinlich nicht das glücklichste Format in der Filmgeschichte. Es ging oft bei meiner Bildsuche um ein anamorphotisches Verfahren, die Kunstgeschichte in die Proportionen der Filmtechnik einzupassen. Die Bewegung ist für mich das Erregende und stellen die Distanznahme zur Bildergalerie statt. Die Filmbilder, so reglos sie zu sein scheinen oftfach, sind von fürchterlichen Spannungen durchzogen. Ein Blatt mehr, das vom Wind bewegt wird, könnte den Rahmen zum Zerbersten bringen.
Eine Unruhe treibt mich radfahrend durch die Landschaften wie ein Späher, lauschend, guckend. Eine fieberhafte Suche nach dem idealen Klangbild eines Ortes. Ich drehe immer mit Originalton oder – um es einmal umzudrehen – Originalbild.

Zur Fete galante: Das an der Grenze zum Frivolen Stehende bei Watteau oder Pesne ist in meinen Filmen nur für´s erste sublimiert. Es tritt überdeutlich zutage in den vielfältigen Kopulationen von Licht und Sand/Schlamm/Baum/Ziegel. Lichtspiele eben. Töne als Hauch, ein zartestes Blasen. Ein Schnauben der Nüstern. Ein Zerreißen der Stille, ein Verklingen. Die Diminuendi Scherchens. Die vielfachen pianos Nonos.

Inhaltsübersicht

ODERLAND FONTANE 72 Min.
RHINLAND FONTANE 67 Min.
SPREELAND FONTANE 79 Min.

Credits

Buch: Bernhard Sallmann
Kamera: Bernhard Sallmann
Regie: Bernhard Sallmann

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016-2018

Pressestimmen

„Erst die Fremde lehrt uns, was wir an der Heimat haben.“ Theodor Fontane

„Heimatkunde, still und leise: Fontane ging es nicht um ein identifikatorisches Verhältnis zu den eigenen Wurzeln. Eher um Entdeckungen auf den zweiten Blick. Dieser Geist findet sich auch in dem puristischen Dokumentarfilm wieder, mit dem Bernhard Sallmann jetzt das Fontane Jahr einläutet.“ Die Welt

„Die Kunst seiner Fotografie zeigt sich vor allem darin, dass er nicht einfach perfekte, fast schon gemäldehafte Kompositionen findet, sondern dass er immer wieder Motive entdeckt, die auf mehrere Zeiten gleichzeitig verweisen.“ Zitty

„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“ Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis, aus der Jury Begründung

“Sallmanns Filme bieten Gelegenheit, in die Landschaften einzutauchen, sie sind kontemplatives Kino, jedes Motiv ein Gemälde. Der geduldige Zuschauer hört sanften Winden und dem Gezwitscher der Vögel zu. Und Fontanes Geschichten, die sich wie Folien über die Aufnahmen legen. Mitteilungen aus einer scheinbar vollendeten Vergangenheit streifen die Gegenwart. Das Gestern vermählt sich mit dem Heute, und dennoch bleibt kein Zweifel, dass jede Zeit, auch die unsere, flüchtig ist. Ein philosophischer Film, der seine Weisheiten leise vermittelt: Was uns jetzt wichtig vorkommt, wird morgen nur noch auf dem Papier des Chronisten festgehalten sein. Oder auf Bildern.” Berliner Zeitung

“Mit „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“ und „Spreeland Fontane“ versammelt diese DVD drei essayistische Filme von Bernhard Sallmann, in der vorgelesene Texte Theodor Fontanes mit teils grandiosen Bildern der vorgestellten Landschaften korrespondieren – ein herrlich kontemplativer Einstieg ins Fontane ­Jahr zu dessen 200. Geburtstag” Zitty

“Aus dem gewaltigen, mäandernden Text montiert Sallmann Vignetten, die sich an der Vielschichtigkeit und Vielgestaltigkeit des Materials orientieren: zwischen anekdotischem Reisebericht, literarischer Landschaftsbeschreibung und kenntnisreicher Kulturgeschichte, mit ausschweifendem, zitierendem Rückgriff auf zum Sprechen gebrachte Quellen.
Eine verblüffende Seherfahrung entsteht aus diesen Bildern und ihrer Konfrontation mit Fontanes Texten, eine Suchbewegung wird angestoßen, im Versuch, ein Verhältnis zwischen Bild und Wort herzustellen. Der Film lässt dem Publikum die Zeit dafür, wandert wie Fontane gemächlich durch die Landstriche (oder nimmt wie Sallmann bei den Dreharbeiten das Fahrrad), Zeit, um sich dem suggestiven Sog der Bilder hinzugeben und wieder zu entziehen, den Texte zu lauschen, um nach Übereinstimmungen zu suchen, und den Abstand zu vermessen.
Sallmans Fontane-Filme dehnen diesen Zugang in mancher Hinsicht aus, und verbinden eine kongeniale Adaption des spezifischen literarischen Dokumentarismus Fontanes mit einem eigensinnigen filmischen Dokumentarismus, der die Texte als kulturgeschichtliche Betrachtungen nicht nur bebildert und aktualisiert, sondern in den Spannungsfeldern zwischen Bild und Sprache eine filmische Geschichtsforschung in Szene setzt, die nicht auf die Metaphorisierbarkeit von Bildern zielt, sondern auf informierte Bewegung der Differenzen: ein Weltkino, das seine Kraft nicht zuletzt aus seiner lokalen Präzision zieht.” Perlentaucher

Auszeichnungen

Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis,
aus der Jury Begründung:
„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“

FSK: Infoprogramm
Länge: 218
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Literaturverfilmung

Eine Reise durch das Leben und Werk von Dr. Gerda Lerner Regie: Renata Keller

Als bahnbrechende feministische Historikerin, Autorin und soziale Reformerin ist Gerda Lerner zweifellos eine der inspirierendsten Frauenpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts. Sie emigrierte vor den Nazis in die USA, war frühzeitig in der Bürgerrechtsbewegung engagiert, schrieb 1972 die überfällige Studie „Schwarze Frauen im weißen Amerika“, 1986 „Die Entstehung des Patriarchats“ und begründete so die Frauen Geschichtsschreibung. Der Film wirft einen detaillierten Blick auf das persönliche, berufliche und politische Leben Gerda Lerners und geht der Frage nach: Wie kann uns das Wissen über unsere eigene Geschichte dazu inspirieren, eine bessere Zukunft zu gestalten? Ausgehend von den revolutionären Errungenschaften der Frauen im 20. Jahrhundert wirft der Film auch einen Blick in die Zukunft und geht der Frage nach: Wo stehen die Frauen heute? Und was ist der nächste Schritt?

http://www.womenneedtoclimbmountains.com/
http://www.gerdalerner.com/

Gerda Lerner
(Geburtsname: Gerda Hedwig Kronstein)
geboren am 30. April 1920 in Wien, gestorben am 2. Januar 2013 in Madison, Wisconsin (USA)
Die »Godmother of women‘s history«, wie die New York Times zitierte, ist weit über das universitäre Feld bekannt und hat ihre Tätigkeit für die »Anderen«, jene am Rand der Gesellschaft, immer als eminent politisch angesehen. Die historische Benachteiligung von Frauen ist nur eine, aber eine bedeutende Form der Diskriminierung, da Frauen die Gruppe von Menschen sind, die am längsten als »Andere« stigmatisiert wurden.
Lerner, die als Kind jüdischer Eltern geboren wurde, musste vor den Nationalsozialisten mit ihrer Familie ins Exil flüchten und hat erst in den USA zu einer anerkannten Bürgerin und Wissenschaftlerin werden können. Ihr gelang es 1972 den ersten Studiengang und 1980 ein Doktorratsstudium für Frauengeschichte in den USA zu etablieren. Lerner ist es gelungen den Frauen, über die sie schrieb, eine Stimme zu geben. Ihr ist es früher als anderen klar gewesen, dass gesellschaftliche Benachteiligungen komplex sind und Ausbeutung, Unterdrückung und Benachteiligung Ergebnisse historischer Prozesse sind. Ende April 2012 willigt sie ein, den Dokumentarfilm über sich drehen zu lassen und verbringt einige Tage mit Renata Keller, der Regisseurin. Am 2. Januar 2013 stirbt Gerda Lerner in ihrem Heim in Madison. Ihr wissenschaftlicher Nachlass wird von der Schlesinger Library der Harvard Universität betreut.

Die Regisseurin bietet auch Kurse und Workshops zum Film an.
Mehr Information: www.womenneedtoclimbmountains.com

Schriften von Gerda Lerner:
• Feuerkraut. Eine politische Autobiographie. Czernin, Wien 2009
• Zukunft braucht Vergangenheit. Warum Geschichte uns angeht. Helmer, Königstein/Taunus 2002
• Die Entstehung des feministischen Bewußtseins. Vom Mittelalter bis zur ersten Frauenbewegung (= Frauen und Geschichte. Bd. 2). Aus dem Englischen von Walmot Möller-Falkenberg. Campus-Verlag, Frankfurt am Main u.a. 1993
• Die Entstehung des Patriarchats (= Frauen und Geschichte. Bd. 1). Campus-Verlag, Frankfurt am Main u. a. 1991
• 1979 Frauen finden ihre Vergangenheit. Grundlagen der Frauengeschichte. Campus-Verlag, Frankfurt am Main u. a. 1995
• Ein eigener Tod. Der Schlüssel zum Leben. Böhme und Erb, Düsseldorf 1979
• The Grimké sisters from South Carolina. Rebels against slavery. Houghton Mifflin, Boston 1967 (Englisch)

Extras

Bonusfilme

Über Zeit und Verbundenheit
Kathryn Skish Sklar, Professorin der Geschichte, Binghamton University

Mit Gerda Lerner in Österreich
Bonnie Johnson, Professorin der Geschichte, City University, New York

Die Rolle der Frauen jetzt
Robin Morgan, Feministin, Aktivistin und Schriftstellerin

Gerda Lerner liest ihr Gedicht: Ein Lob des Alters

Hildegard von Bingen
Schwester Philippa Rath OSB, PR und Kommunikation, Hildegard von Bingen Kloster

Inhaltsübersicht

Kapitel
1 Einführung
2 Jugend
3 Bürgerkrieg in Wien
4 Politik der Straße
5 Emigration in the USA
6 Heirat und soziale Gerechtigkeit
7 Die Rolle der Männer und Frauen
8 Der Beginn der Frauengeschichtsschreibung
9 Hildegard von Bingen und Betty Friedan
10 Schwarze Frauen im Weißen Amerika
11 Frauen haben eine Geschichte!
12 Warum Frauen Berge besteigen sollten
13 Die Kreation des Patriachats
14 Die Auswirkung des Patriachats auf Männer
15 Die eigene Stimme finden
16 Die Feier und die Fragen

Credits

Kamera: Gennaro Ambrosino, Tamas Ujiaki, Renata Keller,
Musik: Fabian Koppri
Regie: Renata Keller
Schnitt: Beatrice Madach

Produktion: Vertical Impulse
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016

Pressestimmen

“Der Filmregisseurin gelingt durch die Intensität der Dialoge und der gewählten Ausschnitte ein detailliert gezeichnetes Bild von Leben und Werk einer historischen Persönlichkeit, die unser einseitig patriarchalisches Weltbild in seinen Fundamenten grundlegend erschüttert hat.” MUNDUS

“Im Alter von 92 Jahren stimmte die 1920 als Gerda Hedwig Kronstein geborene Historikerin Gerda Lerner doch noch zu, einen Dokumentarfilm über sich drehen zu lassen. Sichtbar wird darin eine kraftvolle Persönlichkeit, die als politisch wirkende Frau schreibend und engagiert den feministischen Diskurs prägte.
Trotzdem die Regisseurin viele Details aus Gerda Lerners Leben zusammen trägt, wirkt der Film nie überladen. Auch lässt sie die emotionalen Momente stehen, in denen die Historikerin zögernd, und dabei mutig ihre Zerbrechlichkeit unterdrückend, auf die Nachfragen zu ihrer Kindheit und Jugend antwortet.” Aviva

“Lerner und Keller treten in Dialog miteinander, wobei Lerner der Jüngeren rät, der Welt selbstbewusst, selbstreflektiv und mutig zu begegnen. “Niemand ‘gab’ uns etwas. Das Frauenwahlrecht wurde uns nicht gegeben. Es dauerte 72 Jahre ununterbrochener Basisarbeit, bis wir es hatten. Gegen konstanten Widerstand.”" 3sat

Renata Keller: Warum ich selbst Berge besteige
Schon als Kind habe ich mich gefragt, was es bedeuten würde, aus eigenen Augen zu schauen. Ich hatte dieses leise Gefühl, dass das möglich sein kann, obwohl in der Erziehung, Schule und im sozialen Umfeld mir immer wieder klar wurde, dass nicht nur ich, aber auch die Erwachsenen um mich herum, sich anpassten, sie oft das sagten, was andere hören wollten oder nicht wirklich die Wahrheit aussprachen.
Ich habe diese Beobachtungen bis in mein Erwachsensein mitgetragen und bin auch ganz früh auf eine Sinnessuche gegangen. Diese hat mich auch dazu gebracht, das Wirken der Frauen im Unterschied zum Wirken der Männer nochmals klarer zu sehen – die Spiele, die wir spielen, die Unfreiheit untereinander. Und ich kam bald zum Schluss, dass wir beide – Männer und Frauen – eine neue Rollenklärung brauchen, die uns zu authentischen Menschen macht. Das bedeutet, alle unseren gesellschaftlichen Strukturen zu hinterfragen – aber sich NICHT zu polarisieren, sondern aus sich selbst zu schöpfen.
Vor fünf Jahren lernte ich die Arbeit von Gerda Lerner kennen und war begeistert. Sie war und ist für mich ein Beispiel einer Frau, aber auch einfach eines Menschen, die für sich selbst gedacht hat und sich nie hat kategorisieren lassen, weder als Frau, als Mutter, als Wissenschaftlerin noch als Feministin. Ihre Grundhaltung in ihren historischen Forschungen der Entwicklung des Patriarchates war: Wir haben diese Welt gemeinsam gestaltet und wir sind verantwortlich, unsere Zukunft gemeinsam zu gestalten. Dazu müssen aber Frauen auch ihre eigene Geschichte kennenlernen, gelöst von den patriarchalischen Augen, die unsere Welt definiert haben – mit neuem Blick auf unsere Geschichte und auf unser Leben schauend. Wir alle brauchen Helden, vor allem wir Frauen brauchen Heldinnen. Gerda Lerner wurde zu meiner Heldin. Sie war nicht nur eine aktive, engagierte Zeitzeugin des 20. Jahrhunderts, sie hatte auch die Gabe, selbst-autorisiert über die politischen und menschlichen Krisen dieser Zeit zu reflektieren und hat die Komplexität des Menschseins nicht gescheut und für eine gerechtere Welt gekämpft.
Dank ihr habe ich gelernt, was es bedeutet, Berge zu besteigen – metaphorisch und real.

Filmempfehlung: Warum Frauen Berge besteigen sollten
Dr. Sabine Arndt-Baerend
Oberstufenkoordination Freie Waldorfschule Chiemgau, Prien
Wir haben den Film „Warum Frauen Berge besteigen sollten“ im Rahmen eines Projekttages mit der ganzen Oberstufe unserer Schule angesehen. In einer Vorbesprechung haben wir die Schüler in das Leben dieser herausragenden engagierten Zeitzeugin des 20. Jahrhunderts eingeführt. Der Film ist besonders gut für die heutigen Jugendlichen geeignet, weil er Gerda Lerners Einsatz für soziale Veränderung und den Kampf der Frauen um die Entdeckung ihrer eigenen Geschichte im Fokus hat. Wer anfänglich denkt, das Thema ist mehr für das weibliche Geschlecht geeignet, der wird schnell eines besseren belehrt, hier werden „Mädchen“ wie „Jungen“ gleichermaßen angesprochen und erreicht. Gerade in einer Zeit, wo es immer weniger Zeitzeugen gibt, werden wir für die Zukunft mehr auf das Medium „Film“ angewiesen sein, das uns wie an diesem Beispiel deutlich wird, einen hervorragenden Einblick gibt in die verschiedenen Stationen des Lebens einer Holocaustüberlebenden mit Emigration in die USA bis zu ihrer beruflichen Laufbahn als einer feministischen Leitfigur des 20. Jahrhunderts.
Angesichts der politischen Entwicklung in unseren Tagen ist es für Schülerinnen und Schüler von unschätzbarem Wert sich mit einer Persönlichkeit wie G.L zu beschäftigen, vor allem auch, weil der Film der Frage nachgeht, „wie kann uns das Wissen über unsere eigene Geschichte dazu inspirieren, eine bessere Zukunft zu gestalten“. Alles in allem Diskussions- und Unterrichtsthemen, die sowohl im Geschichts- als auch im Sozialkundeunterricht weiterbearbeitet werden können bzw. müssen.

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Why Women Need to Climb Mountains
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englisch, spanisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Philipp Enders

Auf der Suche nach dem verlorenen Geld:

€ 3500, die Ersparnisse von Filmemacher Philipp Enders, sind weg. Sein Bankberater kann ihm keine plausible Erklärung für das Scheitern der angeblich sicheren Geldanlage liefern. So macht er sich selbst auf die Suche, geleitet von einer mobilen App. Er landet nicht nur in der Europäischen Zentral Bank und bei der Börse, sondern auch in einer spanischen Bauruine oder im „Evolution Store“ mitten in New York City. Auf seiner Reise begegnet er Geld-Experten, Kulturwissenschaftlern, Day-Tradern, Bankdirektoren, Börsenmaklern oder Verhaltensökonomen. Seine App hilft ihm, komplexe Phänomene wie Derivatehandel, Inflation, Goldstandard, Leitzins – anschaulich animiert und in verdaulichen Häppchen aufbereitet – zu verstehen. MAMMON erzählt mit einem Augenzwinkern von den Mechanismen, die hinter dem „schnöden Mammon“ stecken.

Mit:
-Tomáš Sedláček, Philosoph und Ökonom
-Christina von Braun, Kulturwissenschaftlerin, Humboldt-Universität Berlin
-Oğuz Tekin, Professor für Archäologie und Münzkunde
-Dr. Eric Becker, Metallurge
-Guntram Wolff, Dr. der Wirtschaftswissenschaften
-Benoît Cœuré, Direktoriumsmitglied der Europäischen Zentralbank
-Dirk Müller, Börsenmakler und Buchautor
-Philipp Schröder, Aktienhändler und Tradingcoach
-Mark Davis, Professor für Soziologie, Universität Leeds
-Robert H. Frank, Verhaltensökonom und Professor für Wirtschaftswissenschaften, Cornell University
-Frei Betto, Dominikaner und Befreiungstheologe
-Christian Felber, Aktivist und Initiator der Gemeinwohlökonomie-Bewegung
-Julio Gisbert, Buchautor und Experte für alternative Währungen
-Giacomo Corneo, Professor für Wirtschaftswissenschaften und Autor des Buches „Bessere Welt“

Extras

Mammon – Ein Reise durch das Geldsystem
22 Clips zu den Themen:
1. Die Anfänge des Geldes
2. Geld heute
3. Die Preise
4. Spekulation – Das Spiel mit den Märkten
5. Geld und Gesellschaft

Die Anfänge des Geldes
Wie alles begann
Warum wir mit Papier bezahlen
Der Goldstandard
Warum wir dem Geld vertrauen

Geld heute
Aktuelle Formen des Geldes
Bitcoin für Anfänger
Wie Geld gemacht wird
Die Zinsen

Die Preise
Die freie Preisbildung
Inflation und Deflation
Die Fehler der klassischen Ökonomie

Spekulation – Das Spiel mit den Märkten
Der Hochfrequenzhandel
Die Psychologie der Märkte
Die Spekulation mit Derivaten
Die Spekulationsblase
Die Moral der Märkte

Geld und Gesellschaft
Die Ungleichverteilung des Vermögens
Kapitalismus bitte in Maßen!
Sind wir bloß Konsumenten?
Die etwas andere Geschichte des Geldes
Ein anderes Wirtschaftssystem
Kann Geld glücklich machen?

Trailer
PDF: Interview mit Philipp Enders

Inhaltsübersicht

1: Wo ist mein Geld?
2: Die Anfänge einer wunderbaren Erfindung
3: Der Glanz des Goldes und das Papiergeld
4: Alles erfunden: Geldschöpfung heute
5: Der Preis des Geldes: Zinsen
6: Die Börse und der Aktienhandel
7: Verzocktes Geld und seine Folgen: Die Blase
8: Ökonomische Fehlgriffe: Bosheit oder Erbfehler?
9: Fluch und Segen des globalen Kapitalismus
10: Wozu Wirtschaften wir überhaupt?
11: Alternativen zum schnöden Mammon
12: Etwas muss sich ändern!

Credits

Buch: Philipp Enders
Regie: Philipp Enders

Produktion: augenschein Filmproduktion
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2014

Pressestimmen

„Augenzwinkernd und bissig.“ Filmdienst

“Ich kann die Dokumentation empfehlen, wir wurden gut unterhalten und haben einiges gelernt.” DVD-sucht

“Philipp Enders begibt sich in seiner auf DVD erschienenen Doku “Mammon. Per Anhalter durch das Geldsystem” auf die Suche nach seinem verlorenen Geld zu begeben. Enders nämlich verlor 3.500 Euro Erspartes. Der Finanzberater: “Sie wissen ja, dass der Wert Ihres Produktes, ein strukturiertes Produkt leicht sinkt. Dass der Wert Ihres Produktes, ja, verloren ging.”
So gräbt sich der Filmemacher, getrieben von der Frage “Wo ist mein Geld?” durch das Finanzsystem, besucht die Europäische Zentralbank oder die Frankfurter Börse, begegnet Geld-Experten, Bankdirektoren und Börsenmaklern, erklärt Inflation, Goldstandard, Leitzins oder Derivate-Handel, garniert das Ganze mit anschaulichen Animationen, um am Ende bei den spanischen Familien zu landen, die bei der Finanzkrise ihr Haus verloren. Die meinen:
“Am Ende stehen die einfachen Leute ohne irgendwas da. Die, die vorher schon Geld hatten, haben immer noch welches. Und die, die vorher schon wenig hatten, haben jetzt nichts mehr. Das war also keine Krise, das war Diebstahl.” Deutschlandfunk

FSK Infoprogramm

Länge: 85
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsche + englische Fassung
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Pierre-François Gaudry

„Planet Mensch“ zeigt den menschlichen Körper von einer ganz anderen, ungewohnten Seite: Steppenlandschaften auf der Haut, tiefe Dschungel aus Haargeflecht, Säureseen im Magen und feuchte Höhlensysteme im Darm.

Auf dem Planeten Mensch bilden außergewöhnliche Landschaften und faszinierende Mikroorganismen ein ausgeklügeltes Ökosystem. Den Körper des Menschen kann man daher auf die gleiche Art erforschen wie die Naturgebiete der Erde – und erhält ein gänzlich neues Bild von ihm. Die mikroskopische Filmsafari spürt den verschiedenen Lebensformen im und auf dem menschlichen
Körper nach, nützlichen wie lebensnotwendigen aber auch schädlichen. Die Anzahl der Bakterien, die der menschliche Körper beherbergt, ist größer als die der Zellen, aus denen er besteht. Jeder Mensch steht in ständiger Interaktion mit unzähligen Mikroorganismen. Franck Courchamp, Ökologe und Forschungsdirektor der französischen Forschungsorganisation CNRS, begleitet die dokumentarische Expedition, die den Körper des Menschen mit dem Planeten vergleicht,
den er bewohnt.

Extras

Making-of

Inhaltsübersicht

1. Der Planet Mensch

2. Teil 1: Auf der Haut
3. Die Haut
4. Demodex Folliculorum
5. Läuse
6. Flöhe
7. Blutsaugende Parasiten

8. Teil 2: Unter der Haut
9. Endoparasiten
10. Darm und Darmflora
11. Parasitäre Würmer
12. Das Immunsystem
13. Die Hypothek „alter Freunde“
14. Würmer gegen Autoimmunerkrankungen
15. Die Viren
16. Was an uns ist dann noch menschlich?

Credits

Regie: Pierre-François Gaudry

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2014

Pressestimmen

“Beeindruckt mit makroskopischen Aufnahmen von furchterregenden Urzeitmonstern (Milben und Läuse), tropischen Urwäldern (Pilze) und reißenden Flüssen (Blutadern). Wir erfahren, welche unglaubliche Beschleunigungskraft auf hüpfende Flöhe wirkt und warum die Haarbalg-Milbe Demodex folliculorum, die sich von unserem Talg ernährt, bald nach der Mahlzeit sterben muss. Eine absolut faszinierende Expedition!” Morgenpost

“Eine mikroskopische Filmsafari, die das Allgegenwärtige sichtbar macht – Bilder, die Sie so wahrscheinlich noch nie gesehen haben.” Börsenblatt des deutschen Buchhandels

“Der interessanteste Planet liegt nicht in einer fernen Galaxie, sondern ist ganz nah: der menschliche Körper.” Morgenpost

“Ein wirklich faszinierender Film – unbedingt ansehen. Ein Meisterwerk!” Naturheilpraxis.de

“Betrachtet man den menschlichen Körper als Planeten, wie es schon der Titel andeutet, kann man bei der entsprechenden Vergrößerung ein ausgeklügeltes mikrobiologisches System mit außergewöhnlichen Landschaften und faszinierende Mikroorganismen beobachten. Filmemacher und zitierte Wissenschaftler, meist Biologen, erforschen den Körper des Menschen wie Geologen und Geographen die Naturgebiete der Erde. Aber nicht nur die spektakulären Ansichten mit außergewöhnlichen Perspektiven begeistern, nebenbei lässt sich auch noch vieles lernen bei der mikroskopischen Filmsafari im und auf dem menschlichen Körper.” Kinofilmer

“Die Dokumentation ist zweigeteilt. Im ersten Teil wird zunächst die Haut als unser größtes Organ vorgestellt. Sie ist die Schutzhülle des menschlichen Körpers, über sie erfolgt der Kontakt mit der Umgebung. Der zweite Teil geht dann im wahrsten Sinne unter die Haut und widmet sich der Darmflora mit nützlichen und weniger nützlichen Organismen.” Digitalvd

FSK: Infoprogramm
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsche Fassung, Französische Fassung
Regionalcode: Zone 2
Rubrik: Dokument

Schweden und die Opfer der Shoah Regie: Magnus Gertten

Geschichten von Menschen, deren Leben mit der Ankunft in Malmö neu begann – und denen es gelang, die Schatten des Holocaust hinter sich zu lassen.

April 1945. Ein Kameramann des schwedischen Roten Kreuzes filmt die Ankunft eines Flüchtlingsschiffs im Hafen von Malmö. An Bord sind Überlebende aus deutschen Konzentrationslagern, todkrank, ausgehungert, traumatisiert. Sie können – so zeigen es die erschütternden Bilder – noch gar nicht glauben, dass sie nun in Freiheit sind. Regisseur Magnus Gertten, der die alten Filmrollen gefunden hat, vertieft sich in die Passagierlisten. Gibt es noch Lebende, Zeitzeugen, Helfer von damals? Er findet drei von ihnen, die damals Kinder waren, sowie Freiwillige des Roten Kreuzes. Dies ist kein Film über Kriegserinnerungen, sondern vor allem über die Bedeutung gegenseitiger Hilfe, ohne die es keinen »Hafen der Hoffnung« gäbe.

Inhaltsübersicht

1. Vorspann
2. Ankunft im Hafen
3. Erste Hilfe
4. Das schöne Schweden
5. Neue Freundschaften
6. Familienrisse- und gründungen
7. Vermisste Angehörige
8. Die Suche nach Vermissten
9. Die Überlebenden heute
10. Abspann

Credits

Buch: Magnus Gertten, Jesper Osmund
Kamera: Jon Rudberg
Mitwirkende: Irene Krausz-Fainmann, Ewa Kabacinska, Stig Kinnhage, Joe Rosenberg, Bo Fröberg
Musik: Magnus Jarlbo
Regie: Magnus Gertten
Schnitt: Jesper Osmund

Koproduktion: Bow & Axe Entertainment, EIKON Media GmbH
Produktion: Auto Images AB
Produzenten: Lennart Ström, Marek Nowowiejski, Ulli Pfau
Produktionsland: SE
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

“HAFEN DER HOFFNUNG ist ein heller, leichter Film geworden, originell in der Machart (mit teilweise animierten Fotos), fast literarisch in der Erzählweise und mit einem eindringlichen Plädoyer aller Zeugen für jene ‘Normalität’, die spätere Generationen als ‘spießig’ verunglimpft haben.” – Berliner Zeitung, Jan Brachmann

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Originaltitel:
Harbour of Hope
Länge: 75 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: deutsche Voice-over-Fassung
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Pavel Kogan, Lily Van Den Bergh

70. Jahrestag des Aufstands am 14. Oktober 2013

»Keiner erwartete zu überleben. Unser einziger Gedanke war: Wir gehen nicht in
die Gaskammern.« Samuel Lerer

Der erfolgreichste und am wenigsten bekannte Aufstand in einem Todeslager des Zweiten Weltkrieges widerlegt den Mythos, dass sich die jüdischen Bürger Europas wie »Lämmer zur Schlachtbank« führen ließen. Sobibor war neben Belzec und Treblinka ̶ ein Vernichtungslager der Nationalsozialisten im damals besetzten Polen. Von 1942 bis Ende 1943 wurden hier im Rahmen der ›Aktion Reinhardt‹ eine Viertelmillion europäischer Juden ermordet.

AUFSTAND IN SOBIBOR erzählt, wie in nur 22 Tagen der gewagte, aber gut durchdachte Plan zur Revolte entsteht: Alle SS-Männer sollen unauffällig auf ihren Posten getötet und ihre Waffen und Uniformen eingesammelt werden. Dann soll zum Appell gerufen und das Lager gemeinsam durch das Haupttor verlassen werden. Am 14. Oktober 1943 kommt es zur massenhaften Flucht aus dem schwer bewachten Lager. 47 Gefangene überlebten, fünf von ihnen erzählen ihre Geschichte.

Einige der Video-Interviews im Film führte Jules Schelvis zwischen 1984 und 1985 mit Überlebenden aus Sobibor. Sie fanden während des Prozesses gegen Karl Frenzel statt, der in Sobibor für die Tötung zahlreicher Menschen verantwortlich war. Für Lily van den Bergh war ihr Zusammentreffen mit Jules Schelvis im Jahr 1985 ausschlaggebend dafür, den Film zu machen.

Credits

Buch: Petra Lataster
Darsteller: Alexander Petscherski, Stanislaw Smejner, Samuel Lerer, Regina Zielinski, Jules Schelvis
Kamera: Sergei Skortsov
Musik: Gene Carl, Patricia Wang
Regie: Pavel Kogan, Lily Van Den Bergh
Schnitt: Jan Dop

Produktion: Lily Van Den Bergh
Produktionsland: UdSSR/NL
Produktionsjahr: 1989/2011

Pressestimmen

»Menschen stellen unter Beweis, dass sie einzig und allein dank ihrer Einbildungskraft in der Lage sind, unter extrem schwierigen Umständen zu überleben: Seit ihrer Kindheit fasziniert dieser Umstand Lily van den Bergh. Deshalb ist AUFSTAND IN SOBIBOR kein Film wie Claude Lanzmanns SHOAH geworden: ›Da, wo SHOAH nicht mehr weitergeht, will dieser Film das Leben der beteiligten Personen porträtieren.‹ Nicht der Tod sondern das Leben steht im Mittelpunkt dieses Films.« IDFA

»’Der Aufstand von Sobibor’ ist ein wuchtiger Film, voller Überraschungsmomente und Begebenheiten, die Gänsehaut machen.« Deutschlandradio Kultur 2013

»An Sobibor, wo mehr als 250 000 Menschen in den Gaskammern starben, und an jene, die keine Helden waren, aber in extremer Situation über sich selbst hinauswuchsen und einen Aufstand wagten, erinnert heute nur ein großer Hügel Asche. «
Elke Schubert, Die Zeit 11.10.1991

»Dem Film gelingt es, die Eigenständigkeit seiner Protagonisten zu vermitteln. Sie sind weit mehr als nur ein Spielball der Geschichte … Ein unvergesslicher Film und ein wichtiges historisches Dokument.«
(Variety 1989)

»Ein unvergesslicher Film. Die erste holländisch-sowjetische Co-Produktion. Die Regisseure: Lily Van den Bergh für die holländische, Pavel Kogan für die russische Seite. Ebenso unvergesslich, weil es der erste Film über den Holocaust ist, der nicht in erster Linie Pamphlet oder Klage ist.
Wie Van den Bergh es formuliert: ‘Dies ist kein trauriger Film, wir wollten nicht zeigen, was diesen Menschen angetan wurde – von einem wahnsinnigen System zu Objekten degradiert – sondern wie sie als Subjekte revoltierten und überlebten.’ Die höllischen Erinnerungen sind da. Aber es gibt, beinah an der Oberfläche, auch Musik und Lachen. Und es gibt Hoffnung. Hoffnung auf Gerechtigkeit, auf Glück – seien sie auch verspätet. Auf Ruhe – sei sie auch unbeständig.
… Was der Film auf wunderbare Weise zeigt ist, daß es sich hier um Individuen, um eigenständige Persönlichkeiten handelt. Auch wenn sie traumatische Erfahrungen teilen. Der Film zeigt, daß das Leben unnachgiebig weiter geht. Es ist nicht aufzuhalten. Die vier erzählen schreckliche Geschichten, quälende Ereignisse, unglaubliche Grausamkeiten. Aber sie leben weiter, hartnäckig, gierig, unersättlich. Sie lieben sogar, machen sogar Pläne.«
Gerry Waller (Dutch Film 1989)

Auszeichnungen

· - 2. Preis Joris Ivens Award, IDFA 1989
- Förderpreis Amsterdamer Kunst Fonds 1990
- Selectiert als Niederländischer Dokumentarfilmbeitrag für die 63. ‘Academy Awards’ (Oscar) 1991

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Originaltitel:
Opstand in Sobibor
Länge: 112
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Mehrsprachige Originalfassung
Untertitel: Untertitel in Deutsch, Englisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Die deutsch-deutsche Berichterstattung über den Eichmann-Prozess

Herausgeberinnen: Judith Keilbach, Irmgard Zündorf

Das Digitorial zum Projekt: https://absolutondemand.de/booklet/eichmann-im-kalten-krieg/

Der Prozess gegen Adolf Eichmann, der 1961 in Jerusalem stattfand, gilt als Wende­punkt der gesellschaftlichen Auseinandersetzung mit dem Holocaust. Kaum ein anderes Land berichtete ausführlicher über das Gerichtsverfahren als die BRD. Der NDR hatte zwei Korrespondenten entsandt, die in 36 Sendungen der Reihe Eine Epoche vor Gericht darüber hinaus das Land Israel vorstellten. In der DDR wurde keine eigene Sendung zum Prozess entwickelt, aber sowohl in der Aktuellen Kamera als auch im Schwarzen Kanal wiederholt berichtet. Die Thematisierung des Prozesses diente hier primär dazu, auf mögliche frühere NS-Täter in der Bonner Regierung zu verweisen. Das spannend zusammengestellte Material aus TV und Presse offenbart die Zuspitzung des deutsch-deutschen Konflikts und die Rhetorik des Kalten Krieges.

Herausgeberinnen: Judith Keilbach, Irmgard Zündorf
Bearbeiterinnen: Tabea Georges, Linda Graul, Anna Kokenge, Vivien Gidde

Das Online Booklet: https://film.absolutmedien.de/ Eichmann im Kalten Krieg/

Extras

Mit einem ausführlichen Booklet:

Einleitung
Deutschland im „Kalten Krieg“
Der Umgang mit der NS-Vergangenheit in den beiden deutschen Staaten
Die Person Adolf Eichmann
Die Vorgeschichte zum Prozess
Der Prozess
Der Eichmann-Prozess als Medienereignis
Westdeutsche Medienlandschaft
Ostdeutsche Medienlandschaft
Die Berichterstattung in der westdeutschen Presse
Die Berichterstattung in der ostdeutschen Presse
Zur Auswahl des Fernsehmaterials
49 Kurzbiografien

Inhaltsübersicht

1 Die Prozessvorbereitung
2 Der Prozessbeginn
3 Der Prozess im Ausland
4 Journalist*innen vor Ort
5 Kritik an Globke
6 Friedrich Karl Kaul in Israel
7 Die Zeug*innen
8 Israelis über Deutsche
9 Vergangenheitsbewältigung in der Kritik
10 Eichmanns Vernehmung
11 Urteilsverkündung

Credits

Produktion: NDR / WDR / DFF
Produktionsland: BRD/DDR
Produktionsjahr: 1960-1962

nicht mehr lieferbar

FSK Infoprogramm
Länge: 223
Bild: PAL, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Der Lichtbilder-Vortrag von Armin T. Wegner Regie: Ursula von Keitz,

Der legendäre Augenzeugenbericht von 1919!
Die Austreibung des armenischen Volkes in die Wüste
Der Lichtbilder-Vortrag von Armin T. Wegner
Gesprochen von Ulrich Noethen

Als Sanitäter im Ersten Weltkrieg wird Armin T. Wegner Augenzeuge des armenischen Genozids. Er sieht den Flüchtlingsstrom der von den Türken in die syrische Wüste getriebenen armenischen Bevölkerung: das Leiden, das Elend, die mörderische Gewalt. In den Jahren 1915 bis 1917 fanden dort bis zu 1,5 Millionen Armenier den Tod.

Trotz des Verbots der türkischen Behörden machte Wegner mehr als 100 Fotos und schmuggelte diese »unter der Leibbinde versteckt über die Grenze«. Unmittelbar nach Kriegsende fasste Wegner seine Erfahrungen als Augenzeuge in einem Vortrag zusammen, den er am 19. März 1919 in der Berliner Urania erstmals hielt.

Anlässlich dieses 100. Jahrestages wird der von Ulrich Noethen neu gesprochene Vortrag veröffentlicht, mit einer Laterna Magica Projektion von Karin Bienek. Erstmals kann der Vortrag – wie einst gehalten – wieder erlebt werden.

Mit einer anschließenden Podiumsdiskussion mit Dr. Rolf Hosfeld, Prof. Dr. Andreas Meier, Peter Meiwald (Bündnis 90/Die Grünen), Dr. Raffi Kantian (Deutsch-Armenische Gesellschaft).
Moderation: Dr. Olaf Glöckner (Moses Mendelssohn Zentrum).

Eine Produktion des Filmmuseums Potsdam und des Militärhistorischen Museums der Bundeswehr, Dresden. In Zusammenarbeit mit der Heinrich-Böll-Stiftung. Kooperationspartner: Deutsch-Armenische Gesellschaft, Institut für künstlerische Forschung der Filmuniversität Babelsberg „Konrad Wolf“, Lepsiushaus, Moses Mendelssohn Zentrum, Wallstein Verlag. Produktion und Umsetzung: Prof. Dr. Ursula von Keitz. Eine Aufzeichnung vom 24. April 2016.

Extras

1 Begrüßung und Vorreden 24’12"
2. Vortrag 57’05"
3. Podiumsdiskussion 61’45"

Mit einem ausführlichen Booklet

Inhaltsübersicht

1 Begrüßung und Vorreden 24’12"
2. Vortrag 57’05"
3. Podiumsdiskussion 61’45"

Mit einer anschließenden Podiumsdiskussion mit Dr. Rolf Hosfeld, Prof. Dr. Andreas Meier, Peter Meiwald (Bündnis 90/Die Grünen), Dr. Raffi Kantian (Deutsch-Armenische Gesellschaft).
Moderation: Dr. Olaf Glöckner (Moses Mendelssohn Zentrum).

Credits

Darsteller: Ulrich Noethen
Regie: Ursula von Keitz,

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2018

Pressestimmen

“Wegners Lichtdiavortrag ist ein einmaliges, bild- und wortgewaltiges Zeugnis über den Genozid an den Armeniern und anderen orientalischen Christen. Ulrich Noethen findet beim Vortragen das richtige Gleichgewicht: Die Intonation ist durchaus emotionsgeladen, ohne aber in irgendeinem Augenblick in Pathos zu verfallen.” Tagespost

“Vor hundert Jahren berichtete der Augenzeuge Armin Wegner in Berlin mutig vom Völkermord an den Armeniern. Der erste Genozid des 20. Jahrhunderts diente Hitler als Vorbild.” Faktum

“Eines der wichtigten evaluierenden Zuegnisse moderner Barbarei! …Wenn Ortsnamen wie Aleppo fallen, dann ist der Vortrag in seiner Anklage gegen die Grausamkeit aktueller denn je.” Player

“Wegner riskierte mit seiner Dokumentation, vors Kriegsgericht gestellt zu werden. Denn die osmanische Armee hatte fotografische Dokumentation vom Geschehen vorsorglich unter Todesstrafe gestellt. (Auch die heutige türkische Regierung leugnet bekanntlich, dass es die Massenmorde je gegeben hat.) Nach Kriegsende gewannen die von Wegner am eigenen Körper nach Deutschland geschmuggelten Aufnahmen als rare bildliche Belege des Genozids immense Bedeutung. Am 19. März 1919 begann er in der Berliner Urania eine Reihe von Lichtbildervorträgen, mit denen er danach durch Deutschland und nach Österreich reiste.” Berliner Zeitung

“Ohne dem türkischen Volk eine Generalschuld zuzuweisen – diese Differenzierung ist ihm wichtig -, rekapituliert Wegner, wie das Regime sein teuflisch erdachtes Vernichtungswerk systematisch in die Tat umsetzte. Er klagt mit der Autorität des Augenzeugen an: nicht zuletzt jene, die ihre Augen verschlossen vor dem Genozid und so verhinderten, dass er völkerrechtliche Konsequenzen hatte. Sein Mandat ist es, Kunde zu geben von den unvorstellbaren Gräueln der Deportationen, die weit mehr als eine Million Armenier ins Maul der Wüste trieben. Anfangs wurden sie noch in Zügen transportiert und mussten – auch das haben die Nationalsozialisten von den Jungtürken gelernt – für die Fahrt selbst bezahlen: Billets für die Erste Klasse, obwohl sie in Güterwagen gepfercht wurden.
Wegners Worte sind wohlerwogen. Er lässt die Ereignisse für sich sprechen, die Verheerungen bedürfen keiner Ausschmückung und vertragen kein Pathos. Das Pfund, mit dem er wuchert, ist unbedingte Glaubwürdigkeit. Noethen folgt ihm darin. Er behauptet nicht, überwältigt zu werden vom Entsetzen. Es mischt sich kein falscher Ton in seine Rede. Aber er muss sich mitunter sammeln. Ein, zwei Mal verhaspelt er sich. Das ist gut so. Eine solche Erzählung darf nicht reibungslos verlaufen. Wer weiß, ob dies Wegner seinerzeit nicht auch passierte?” Gerhard Midding, EPD Film Blog

FSK Infoprogamm
Länge: 57
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Joseph Mallord William Turner ist der wohl bekannteste britische Maler überhaupt. Schon mit 14 Jahren Stipendiat der Royal Academy, erhielt er später den Beinamen »Meister des Lichts« und gilt als Vorläufer nicht nur des Impressionismus.

Alain Jauberts Film ist keine Biografie im eigentlichen Sinne, sondern eine Studie über die Themen, die das Werk und Leben Turners beeinflussten. Das Wasser: Aquarellfarbe, Meer, Schiffe. Das Feuer: das Gelb und das Rot, das industrielle Zeitalter. Die Erde: englische, französische und italienische Landschaften, das Erbe Claude Lorrains. Die Luft: Wolken, die Auflösung der Form, Bilder vom Nichts. Das Geheimnis: der Doppelcharakter, Erotik, absolute Freiheit. Die Reise: Reisen durch England, Frankreich, die Schweiz, Italien und Deutschland, das Wesen der Landschaft, Venedig. Nicht zuletzt Erfindung und Experiment: neue Aquarelltechniken, Skizzen und ihre Umsetzung in Gemälde, die Fertigstellung von Werken kurz vor der Vernissage.

Inhaltsübersicht

Kapitel:
1. Turners Vermächtnis
2. Die Jugendjahre
3. Die Stärke des Aquarells
4. Die ersten Reisen
5. Mit 26 in der Royal Academy
6. Turner eröffnet seine eigene Galerie
7. Seine Freund und Mäzene
8. Bewunderung für Claude Lorrain
9. In Paris
10. Die »Grand Tour«
11. Das »Erhabene«
12. Die Kunst, direkt in die Sonne zu sehen
13. Aquarell und Ölmalerei
14. Die Landschaftsmalerei
15. Die historische Malerei
16. Auseinandersetzung mit den Alten Meistern
17. Rivalität zwischen Turner und Constable
18. Venedig
19. Geheimnisse seines Privatlebens
20. Das dynamische Prinzip der Elemente
21. Neue Experimente
22. Finale

Credits

Regie: Alain Jaubert
Weitere Ergebnisse der Personensuche: J. M. W. Turner

Produktion: ARTE France, Les Poissons Volants, RMN
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Die zielbewusste Konzentration, mit der sich dieser Londoner Barbierssohn an den alten und neuen Meistern schulte, um seine bahnbrechende Vision der poetischen Malerei zu entfalten und einen Platz im Pantheon der Kunstgeschichte zu ergattern, ist untrennbar verbunden mit seinem Drang, die Landschaftsmalerei als eine der Historienmalerei ebenbürtige, Kopf und Herz ansprechende Gattung durchzusetzen.« FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 52
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Jean-Pierre Devillers

Die Bilder Edward Hoppers sind wortkarg und erzählend zugleich, realistisches Porträt und imaginärer Raum. Das mythische Amerika und Amerika in seiner trivialsten Realität. Jean-Pierre Devillers nähert sich dem Leben und Werk Hoppers chronologisch aus drei Blickwinkeln: dem des Malers, dem des Freundes und dem eines seiner künstlerischen Erben, Wim Wenders.

Die Dokumentation enthält u. a. seltene Filmaufnahmen, die Brian O’Doherty 1961 von Hopper und dessen Frau Jo machte. Mit O’Doherty verband Hopper bis zu seinem Tod eine freundschaftliche und intellektuelle Beziehung. Den bedeutenden Einfluss des Malers auf das Kino beleuchtet der Filmemacher und Fotograf Wim Wenders, der Hoppers Gemälden Filmausschnitte aus seinen eigenen Werken sowie den Filmen anderer Regisseure gegenüberstellt.

Extras

Bonus (nur auf Französisch): INTERVIEW MIT WIM WENDERS. Von Jean-Pierre Devillers (37 Min.)

Inhaltsübersicht

I Selbstporträt eines Menschen auf der Suche nach sich selbst
II Die Kindheit
III Robert Henri als Lehrmeister
IV Reisen nach Paris
V Die Künstlergruppe "The Eight"
VI 1924:Begegnung mit Josephine
VII Der originäre Kern des Edward Hopper
VIII Cap Cod
IX Durch Hoppers Fenster
X Ein grundlegend amerikanisches Werk
XI Hopper und der amerikanische Film
XII Gegen die Hegemonie der abstrakten Kunst
XIII Am Ende seines Werkes bleibt das Licht
XIV Die weiße Leinwand

Credits

Regie: Jean-Pierre Devillers

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

»Eigentlich wollte er immer nur Sonnenstrahlen zeigen. Die fein montierte Dokumentation über den großen amerikanischen Maler ist ein Augenschmaus!« Stuttgarter Zeitung

„Seine Bilder sind realistisch, karg und distanziert-kühl: Der amerikanische Maler Edward Hopper wird gerne als Chronist der amerikanischen Gesellschaft gehandelt.“ Das Magazin

„Edward Hopper ist bei allem vordergründigen Realismus ein Künstler der taghellen Melancholie. So sehr seine Bilder aus den ersten Blick ganz reale, aber eben auch triviale Sujets des US-Alltags
seiner Zeit inszenieren, so entwickeln sie zusehends eine Art von geheimnisvoller Magie.“
Stadtmagazin Plärrer

FSK: Infoprogramm
Länge: 51
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Antonia Lerch

“Die Königin der Leica!” TAZ

Ilse Bing, Grete Stern und Ellen Auerbach − alle um 1900 geboren, jüdischer Abstammung, in Deutschland studiert, zwei von ihnen am Bauhaus in Dessau, in den 1930ern emigriert. Jede von ihnen eine außergewöhnliche Fotografin.

1992 besuchte die Berliner Dokumentarfilmmacherin Antonia Lerch die drei Künstlerinnen in New York und Buenos Aires. Drei Filmporträts sind entstanden, »drei echte stille Sensationen« (Süddeutsche Zeitung). Antonia Lerch lässt die Fotografinnen für sich sprechen, behutsam, ohne Wortkommentar und aufgesetzte Inszenierung. Dadurch entstehen unmittelbare, anrührende Filme, in denen Persönlichkeitsgeschichte, Zeitgeschichte und Geschichte der Fotografie auf harmonische Weise zusammenfließen. Aufwühlendes Kulturzeugnis einer vergangenen Generation.

Extras

Links und Buchtipps, Kapiteleinteilung. Ausführliches PDF BOOKLET!

Inhaltsübersicht

Ilse Bing
1. Prolog
2. Frankfurt am Main: „ … Ich bin nicht Fotografin geworden, sondern ich war es schon … “
3. Paris, die Zentrale der Kunst: „ … Paris ist heute noch der Ort in der Welt , wo ich am glücklichsten, am meisten ich selber bin …“
4. Drei Männer an der Seine: „ … Ich war immer bereit, ich hatte immer meine Kamera …“
5. Ilse Bing und Konrad Wolf: „ … vom ersten Augenblick an haben wir zusammengeklappt …“
6. Fotografien: „ … ein Fotograf muss so hygienisch sein wie ein Arzt …“
7. Krieg, Internierungslager Gurs, New York: „ … ich ging nur mit einem Koffer und einem Rucksack, ich sah meine Wohnung nie
wieder …“
8. Die Zeit nach der Atombombe: „ … die Umgebung ist absorbiert …“
9. Epilog: „… ich war eine Antenne, wenn du eine Antenne bist, dann bist du offen für das Unerwartete … „

Grete Stern
1. Prolog
2. Berlin, Fotostudio ringl + pit (Grete Stern + Ellen Auerbach): … wir nannten uns ringl + pit, das waren Kindernamen, die uns noch geblieben waren …
3. London: … 33 in Berlin bekamen wir Nachrichten, dass dieser oder jener Freund verschwunden ist, dass man dieses bekannte jüdische Geschäft zerstört hat …
4. Buenos Aires: … mit meiner Tochter Silvia, die ein Jahr alt war, kam ich mit dem Schiff in Buenos Aires an …
5. Aktaufnahmen: … das war eine ganze neue Art der Arbeit …
6. Los Suenos (Die Träume): … die Fotomontagen der psychoanalytisch geklärten Träume habe ich hauptsächlich mit Fotos aus meinem Archiv hergestellt …
7. Lieblingsfotografien: … ein Stück Landschaft mit einer sehr schönen Beleuchtung …
8. Die Ureinwohner im Gran Chaco Argentino: … ich wollte dokumentieren, was ich sah, damit andere dasselbe sehen können …
9. … die Zeit läuft …: … im Jahr 82/83 hab ich aufgehört zu fotografieren, es hat mich nicht mehr interessiert …
10. Epilog

Ellen Auerbach
1. Prolog
2. Berlin, Fotostudio ringl + pit (Grete Stern + Ellen Auerbach): … ringl kaufte die Ausrüstung von Peterhans und eines Tages fragte sie mich – wir kannten uns kaum – ob ich mit ihr ein Studio eröffnen wollte …
3. 12 Fotografien für ein Portfolio … das dritte Auge lässt sich nicht bestellen ..
4. Lilly Woman: … ich glaube manchmal , dass du deine besten Bilder unbewusst machst. Irgendwas bringt dich zum Fotografieren und dann wunderst du dich, wie du es gemacht hast …
5. Berlin, Palästina, England, Amerika: … die Frage war, wohin kann man noch gehen, und da haben wir das Glück gehabt, dass wir ein Visum bekamen
…
6. … das dritte Auge wird geöffnet …: … aber das dritte Auge bleibt in der Fotografie nicht offen, das blinzelt mal, das ist dann der Moment, wo man auf den Auslöser drückt, und dann schliesst es sich wieder …
7. Mexican Churches: … diese letzte grosse Arbeit hat mir geholfen, diesen Teil meines Lebens abzuschliessen. Danach hab ich nicht mehr fotografiert . ..
8. Epilog

Credits

Darsteller: Ilse Bing, Grete Stern, Ellen Auerbach
Kamera: Antonia Lerch
Regie: Antonia Lerch
Ton: Benno Trautmann

Produktion: Harun Farocki Filmproduktion, ARTE, ZDF
Produktionsland: Deutschland
Produktionsjahr: 1993

Pressestimmen

“Die Königin der Leica!” TAZ

“Es sind echte stille Sensationen. Kein Kommentar unterbricht die Selbstdarstellungen, keine Frage. Aber die unsichtbare Autorin Antonia Lerch ist in jeder Einstellung, in jeder Erzählung zu spüren, ihre öffnende psychische und visuelle Kraft.” Süddeutsche Zeitung

“Unmittelbar anrührende Filme, in denen Persönlichkeitsgeschichte, Zeitgeschichte und Geschichte der Fotografie auf harmonische Weise zusammenfliessen. Aufwühlendes Kulturzeugnis einer vergangenen Generation.” TIP

“Antonia Lerch lässt die Fotografinnen in ihrer gewohnten Umgebung, dem eigenen Wohnzimmer in New York und Buenos Aires zu Wort kommen. So erhalten die ZuschauerInnen einen interessanten Einblick in die Gefühlswelt der “Drei Fotografinnen”, erfahren von ihrem Umgang mit der Vergangenheit und der Rolle ihrer Arbeiten innerhalb der Geschichte der Fotografie. Drei völlig verschiedene Charaktere blicken auf ihr Lebenswerk und die Kamera fängt Emotionen wie Traurigkeit oder Stolz ein und macht es so möglich, auch zwischen den Zeilen zu lesen." Aviva

“Gehören zu den wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts!” Süddeutsche Zeitung

“Ungewöhnliche Porträts großartiger, feiner, uralter Fotographinnen. Zurück blicken sie, nun um die neunzig und seit Jahrzehnten fern von Deutschland, auf ein beherzt geführtes Leben. Einstmals waren sie Teil der Hochkultur dieses Landes.” Süddeutsche Zeitung

“Ohne Kommentar gelingt es Llerch zu zeigen, über wieviel Lebenskraft und Frische die drei alten Frauen in ihrem hohen Alter noch verfügen. Antonia Lerch hat die drei alten Fotografinnen wieder auf den Thron gehoben, der ihnen gebührt.” Tageszeitung

FSK: o.A.
Länge: 168
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0 Mono
Sprache: Deutsch, z.T. engl.,span. OV mit dt. UT
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Die Filme der Stuttgarter Schule 1956–1973 Regie: diverse Herausgeber: Kay Hoffmann, Haus des Dokumentarfilms Stuttgart

Der Titel »Zeichen der Zeit« war prägend für die Arbeit der SDR-Dokumentarabteilung. Mit Klassikern wie DER POLIZEISTAATSBESUCH über den Shah-Besuch 1967 und den Tod Benno Ohnesorgs, DIE UNZUFRIEDENEN FRAUEN oder TORTUR DE FRANCE verstanden es die Filmemacher vortrefflich, an der glänzenden Fassade der Wirtschaftswundergesellschaft zu kratzen. Leichte 16-mm-Kameras mit synchronem Ton eröffneten in den 1960er Jahren neue Möglichkeiten, sich der Wirklichkeit zu nähern. Die ironischen, zum Teil sarkastischen Kommentare und Montagen überraschten und provozierten. So gelang es den Filmemachern um Heinz Huber und Dieter Ertel, sich von der bis dahin dominanten Tradition des »Kulturfilms« zu distanzieren. Sie gewannen ein eigenes Profil und entwickelten zukunftsweisende Formen des Dokumentarfilms und der Reportage. Ihre Filme wirken bis heute.

Extras

Bonusfilm: DAS BESTE AN DER ARD SIND IHRE ANFÄNGE (117 Min., 1990) von Meinhard Prill und Alexander Kluge

PDF-ROM-Teil: Manuskript der Diskussion über den Film DIE BUNDESWEHR im Süddeutschen Rundfunk (8.11.1956), Fotogalerie, PDF-Dateien mit weiteren Informationen zu den Filmen und Filmemachern

Mit einem ausführlichen Booklet mit Texten von Kay Hoffmann.

Inhaltsübersicht

DVD 1 / POLITIK
Die Vergessenen (1956, R: Peter Dreessen), Der Polizeistaatsbesuch (1967, R: Roman Brodmann), Die ausgezeichneten Deutschen (1973, R: Roman Brodmann), Bonusfilm: Das Beste an der ARD sind ihre Anfänge (1990, R: Meinhard Prill und Alexander Kluge)

DVD 2 / SPORT
Tortur de France (1960, R: Dieter Ertel), Die Borussen kommen (1964, R: Wilhelm Bittorf), Die Misswahl (1966, R: Roman Brodmann)

DVD 3 / FRAUEN
Die unzufriedenen Frauen (1963, R: Wilhelm Bittorf), Eine Hochzeit (1969, R: Elmar Hügler), Wegnahme eines Kindes (1971, R: Elmar Hügler)

DVD 4 / MILITARISMUS
Die deutsche Bundeswehr (1956, R: Heinz Huber), Schützenfest in Bahnhofsnähe (1961, R: Dieter Ertel), Eine Einberufung (1970, R: Elmar Hügler)

DVD 5 / ARBEIT UND KULTUR
Ödenwaldstetten (1964, R: Peter Nestler), Der Untergang der Graf Bismarck (1967, R: Wilhelm Bittorf), Kunst und Ketchup (1966, R: Elmar Hügler), Fernsehfieber (1963, R: Dieter Ertel)

Credits

Herausgeber: Kay Hoffmann, Haus des Dokumentarfilms Stuttgart
Regie: diverse
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Peter Nestler, Alexander Kluge

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1956-73

Pressestimmen

»Dieter Ertels Reportage „Schützenfest in Bahnhofsnähe“ (1961) konfrontierte die Fernsehzuschauer mit einem deutsch-nationalen Ritual, deren Anhänger es sich zum Ziel setzen, „das Schießen zu pflegen“. Auf die die boshafte Frage, warum man denn das Schießen heutzutage (1961!) eigentlich noch pflegen solle, erhielt der Interviewer von den zunehmend trunkenen Schützen Antworten, die es allein schon wert sind, sich die Edition zu kaufen. Die Redakteure wurden nach der Sendung in Leserbriefen als „vaterlandslose Gesellen“ beschimpft, die doch „nach drüben gehen“ sollten.
…
Die Bilder der jungen Frau, die den von der Polizei erschossenen Studenten Benno Ohnesorg im Arm hält, stammen von Brodmanns Kameramännern. Der Film, der diese allmählich hochkochende Konfrontation minutiös festhält, ist bis heute eines der aufschlussreichsten Dokumente aus den Anfängen der Studentenbewegung.« – Peter Zimmermann, literaturkritik.de

»Wer sich für Gesellschaft und Kultur der höchst intensiven Nachkriegszeit interessiert, dem seien die ‹Zeichen der Zeit› wärmstens empfohlen. « Kunstbulletin Schweiz

»Diese Filme dokumentieren eine atemberaubende künstlerische Freiheit in einer Zeit, die heute als spießig und im Vergleich als viel unfreier wahrgenommen wird. Beim Betrachten dieser »old fashioned« wirkenden Dokumentarfilme zeigt sich aber ihre brennende Aktualität. Man stellt sich schnell die Frage, wann denn das Fernsehen eigentlic den Mut verloren hat, solche Werke zu senden.« DOK-Haus-Info

»Ein Blick zurück in eine Vergangenheit, als sich das Fernsehen noch Mut und Gesellschaftskritik geleistet hat.« Stuttgarter Zeitung

»Man gewinnt bei solchen Reportagen den Eindruck, als ob die wirklichen Talente des deutschen Films heute im Fernsehen ihr Wirkungsfeld gefunden haben.«
Der Tagesspiegel (1963)

»Die Jüngeren werden sich das kaum noch vorstellen können: Es gab eine Zeit, da das Fernsehen sich als kritisches Medium verstand und das Wort »Bildungsauftrag« noch nicht als Schimpfwort interpretierte. Damals gab es eine informelle Gruppe von Dokumentarfilmern, die man später wegen einer gemeinsamen Grundhaltung und dem hohen Niveau, das sie teilten, mit dem Etikett »Stuttgarter Schule« versah – wie fast zur gleichen Zeit die literarische Gruppe um Max Bense, Helmut Heißenbüttel und Reinhard Döhl. … Ihre Heimat fand die »Stuttgarter Schule« in erster Linie in der Sendereihe Zeichen der Zeit, die von 1957 bis 1973 existierte und bis heute davon zeugt, was Fernsehen als eigenständige Kunstform sein könnte, wenn es sich nicht selbst aufgegeben hätte. … Nun liegen sie als DVD-Paket vor, ergänzt um einen inhaltlich wie formal hochinteressanten zweistündigen Film über die Anfänge der ARD, genauer: über den Dokumentarfilm im Fernsehen und über Zeichen der Zeit. Er trägt die Handschrift des bedeutendsten Erben dieser Tradition, die Handschrift von Alexander Kluge.« Titel-magazin.de, Thomas Rothschild, 20.10.2011

»Diese große Ära der deutschenTV-Dokumentation ist also nicht durch eine bestimmte Ästhetik, durch einen formalen Kanon definiert, sondern durch etwas anderes. Zum einen durch den Vorsatz, immer das Bestmögliche zu liefern, also Menschen zu interessieren, die zum Beispiel von Kinobildern verwöhnt waren. Zum anderen aber durch Courage, durch Konfliktbereitschaft, durch aufklärerischen Eifer.« Stuttgarter Zeitung, Thomas Klingenmaier, 20.10.2011

»Die wichtigsten Produktionen der “Stuttgarter Schule” gibt es jetzt in einer vorzüglichen DVD-Edition von Absolut Medien. Sie wurde von dem Dokumentarfilm-Experten Kay Hoffmann kuratiert. … verdienstvoll.« SWR, Herbert Spaich, 5.12.2012

»Angesichts dessen, was dieser Tage im Fernsehen zu sehen ist, staunt man mitunter, wenn man erfährt, dass die öffentlich-rechtlichen Sender einst durchaus ein Ort der Avantgarde und eine Spielwiese für Experimente waren. Das gilt insbesondere für den SDR (heute SWR), in dessen Dokumentarfilmabteilung man in der Adenauer-Ära bis zur Zeit der Studentenunruhen einen Stil entwickelte, der in ganz Deutschland und nicht nur dort Furore machen sollte. Eine reich ausgestattete Box mit fünf DVDs verschafft nun einen Überblick über diese sogenannte Stuttgarter Schule. Mit dabei ist natürlich DER POLIZEISTAATSBESUCH … Dieser mit Sicherheit bekannteste Dokumentarfilm des SDR und einer der berühmtesten Dokumentarfilme überhaupt hat Geschichte geschrieben, auch Filmgeschichte. Weit weg von der Pseudo-Objektivität ihrer Vorgänger traute sich dieses Dokumentarfilmschaffen, Stellung zu beziehen und dezidiert polemisch zu sein. Das zeigt sich schon an den hintersinnig-bösen Filmtiteln … Und die noch heute verblüffende Kameraarbeit tut das Ihrige, um den deutschen Mief der Fünfziger und Sechziger zu entlarven. Da watschelt etwa eine Schar Gänse neben einer Gruppe Schützenfest-Teilnehmerinnen in dieselbe Richtung, was denn auch prompt dazu führte, dass es beim SDR Protestbriefe von patriotischen Bürgern hagelte. Auch deswegen könnte man beim Betrachten dieser Filme nostalgisch werden: nicht nur darüber, dass Fernsehen einst so angriffig war, sondern auch darüber, dass sich das Publikum früher noch so provozieren liess.« Filmbulletin, Johannes Binotto, Dezember 2011

»… dieser Spagat zwischen Information, kritischer Grundhaltung, satirischer Distanz und
unterhaltsamer Aufbereitung ist in der heutigen Zeit im Dokumentarfilmsektor leider viel zu selten zu finden. … eine hochinteressante Zusammenstellung.« Splashmovies.de

Zeitgenössische Kritiken:
-———————————————
Über DER POLIZEISTAATSBESUCH: »Herrschende und Beherrschte: Nie wurde die Kluft zwischen beiden mit so viel kritischer Verve, so viel grimmigem Witz und so viel zarter Überzeugungskraft dargestellt. Der Schah und die Studenten von Berlin, die Majestäten, die Polizei und die Leute: Eindringlicher – und geistreicher! – kann man nicht zeigen, was um den 2. Juni herum in unserem Land geschah…«
Momos: Ein Meisterstück. In: Die Zeit. 4.8.1967

Über DIE UNZUFRIEDENEN FRAUEN: »Der geschundenen Existenz der Arbeitssklaven an Maschine und Fließband stellte die Sendung ironisch die Leitbilder gegenüber, die Filmindustrie und Frauenzeitschriften propagieren: ein Dasein zwischen Vollkomfortküche, Hausbar und Automobil, in dem die Frau zugleich Hausmutter, Karrierefrau und Geliebte sein soll. Die vorzüglich photographierte, geschnittene und kommentierte Sendung schloß mit einer Aufforderung an die Männer, die Frauen ‘nicht zu besitzen, sondern zu begreifen’. Man gewinnt bei solchen Reportagen den Eindruck, als ob die wirklichen Talente des deutschen Films heute im Fernsehen ihr Wirkungsfeld gefunden haben.«
K. F.: Unzufriedene Frauen. In: Der Tagesspiegel. 9.2.1963

Über ÖDENWALDSTETTEN: »Was Peter Nestler und Kurt Ulrich in der Schwäbischen Alb-Gemeinde ‘Ödenwaldstetten’ erfuhren – Einbruch der modernen Welt in die bäuerliche Lebensform eines Dorfes -, ist schon mehrfach gezeigt worden. Wie sie den Zuschauer gleichsam mit eigenen Augen Umschau halten, sich Auskunft bei den Einheimischen geben lassen, das war neu und von unmittelbarer Eindringlichkeit.«
N.N.: Ödenwaldstetten. In: Die Welt. 22.8.1964

Über GRAF BISMARCK: »Kein sonderlich aufregendes Thema für die Menschen außerhalb des Reviers, sollte man meinen. So oft wurden wir im Laufe der letzten Zeit mit diesem Thema konfrontiert. Das stumpft ab. Diesmal war alles ganz anders. Diesmal war man dabei. Diesmal ging es unter die Haut. Unsentimental, präzise und direkt.«
t.: Der Untergang der „Graf Bismarck“. In: Hamburger Abendblatt. 16.3.1967

Über FERNSEHFIEBER: »Weit entfernt von jeglicher Selbstbeweihräucherung und ‘Schleichwerbung’ nahm sich das Fernsehen in dieser vorzüglichen Sendung selbst unter die kritische Lupe, stellte die positive Wirkung seiner Bannkraft in Frage und konstatierte ein bißchen erschrocken und zumindest beunruhigt, daß im Ruhrgebiet nur drei von 85 Befragten die geistige Freiheit besitzen, das Gerät auch einmal abzuschalten.«
S.W.: Am Bildschirm. In: Duisburger Generalanzeiger. 27.6.1963

FSK: Infoprogramm
Länge: 733
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3
Ton: Dolby Mono/Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Basil Gelpke, Alexander Kluge

Seit 1840 hat in die Lebenserwartung in den hoch entwickelten Ländern von 40 auf 85 Jahre zugenommen, das sind im Schnitt 3 Monate pro Jahr! Dabei haben wir uns an Errungenschaften wie künstliche Gelenke oder Herzklappen wie Schrittmacher gewöhnt. Auch das Klonen – zu Dollys Zeiten noch ein Skandal – hat Einzug in den Alltag der Forschung gehalten. Fortschritt geschieht einfach, die menschliche Neugier lässt sich nicht begrenzen. Science Fiction könnte kaum spannender sein als das, was gegenwärtig in der Wissenschaft geschieht.

Aus der künstlichen und der natürlichen Intelligenz entsteht im 21. Jahrhundert etwas Neues. Folgt jetzt auf den Homo sapiens eine verbesserte Version des Menschen, der Mensch 2.0? Ist die Intelligenz, die dabei in die Systeme und Maschinen ausgewandert ist, fähig, eine Gegenwelt zu bilden? Wird die Menschheit dümmer sein als die von ihr produzierten Maschinen? Werden wir eins werden mit Robotiksystemen? Spielen wir etwa Gott?

Diese aktuelle Evolution des Menschen wird von Alexander Kluge und Basil Gelpke auf 4 DVD nachgezeichnet.

DVD 1 + 2 (Basil Gelpke)
Mensch − Maschine − Mensch
Der Homo sapiens, das heutige Modell des Menschen, ist das Produkt vieler Millionen Jahre Evolutionsgeschichte. Zur Jahrtausendwende haben wir das menschliche Genom entschlüsselt. Sind wir damit im Besitz des Bauplans des Lebens?

DVD 3 + 4 (Alexander Kluge)
Die Auswanderung des Denkens aus dem Gehirn
Ist die Intelligenz, die in die Systeme und Maschinen ausgewandert ist, fähig, eine Gegenwelt zu bilden, die stärker ist als unsere Köpfe? Die Frage ist: Worauf können wir vertrauen? In der Konkurrenz zwischen Mensch und Dingen: wer ist Hase und wer ist Igel?

Extras

Mit 58-seitigem Booklet.

Inhalt:
Vorwort von Basil Gelpke, Wolfgang Frei (beide NZZ Format), Alexander Kluge und Jakob Krebs (beide dctp.tv)

Mensch – Maschine DVD 1
Mitwirkende DVD 1

Maschine – Mensch DVD 2
Mitwirkende DVD 2
Mitarbeiterstab von DVD 1 und 2

Die schöne Welt des Robo Sapiens DVD 3
Mitwirkende DVD 3

Die Evolution der Intelligenz DVD 4
Mitwirkende DVD 4
Mitarbeiterstab DVD 3 und 4

DVD-Menus in Kurzfassung
Zur Person
Impressum

Inhaltsübersicht

DVD 1: Mensch – Maschine
1. Der erste Cyborg, Kevin Warwick. Ein Mensch will Maschine werden. 10 Min.
2. Doppelgänger und Avatare – Maximal Human und Minimal Human. 12 Min.
3. CB2, M3-Kindy und iCub – Die Roboterkinder. 7 Min.
4. 2029 wird alles anders – Ein Gespräch mit Ray Kurzweil. 51 Min.
5. Die Singularity University – Ein Gespräch mit Peter Diamandis. 12 Min.
6. Die Ahnengalerie der Zukunft – Bina 48 und Lifenaut. 19 Min.
7. Der Samurai, die Ballerina und der Wachhund – Konstruktionen eines Roboterpioniers. 5 Min.
8. Schneller als das menschliche Auge – Der unsichtbare Roboter. 4 Min.
9. Der musikalische Kellner – Ein Roboter, der alles hört. 5 Min.
10. HERB – Der Traum vom Haushaltsroboter. 6 Min.
11. Snackbot – Snacks und falsche Gefühle. 5 Min.
12. Snakebot – Eine falsche Schlange. 5 Min.
13. Ein Besuch im Trainingslager der Fussballroboter. 8 Min.
14. Die Nasa schickt den grössten Roboter der Welt ins Weltall. 12 Min.
15. Über 200 Jahre alt: Die Androiden von Pierre Jacquet-Droz (1994). 5 Min.
16. Die Kinder unseres Geistes – Ein Robotiker warnt vor ihrer Machtübernahme (1996). 7 Min.
17. Der Unsterblichkeits-Chip von British Telecom (1997). 8 Min.

DVD 2: Maschine – Mensch
1. Iron Man XOS2, HULC und eLegs – Der Soldat der Zukunft und das Ende des Rollstuhls. 9 Min.
2. Das künstliche Skelett und die Emotionen der Roboterfrau. 4 Min.
3. Der Professor und das Chaos – Auf der Suche nach dem künstlichen Leben. 17 Min.
4. Ein Roboter bekommt Parkinson – Das Gruselkabinett des Doktor Takahashi. 6 Min.
5. Die Zahnschmerzen des Roboters. 3 Min.
6. Ist ewiges Leben möglich? Ein Gespräch mit Aubrey de Grey. 26 Min.
7. Dr. Roboter: Die Nano- und Mikroroboter der ETH in Zürich. 4 Min.
8. Roboter pflegen die alternde Menschheit. 9 Min.
9. Was wissen wir über unser Gehirn? Ein Gespräch mit Gerald Edelman. 45 Min.
10. Neues vom Hirn: Ein Besuch bei Gerald Edelman (1993). 15 Min.
11. Was ist das Geheimnis eines langen Lebens? Ein Gespräch mit James Carey. 17 Min.
12. Die blaue Zone von Loma Linda: Länger leben dank Pflanzen. 4 Min.
13. Die Klinik für Lebensverlängerung in Palm Springs. 7 Min.
14. Die Klinik für Altersmanagement: Vitaler leben dank Hormonen? 5 Min.

DVD 3: Die schöne Welt des Robo sapiens
1. Ein Roboter namens Kismet. 3 Min.
2. Begegnung mit der dritten Hand (Stelarc). 14 Min.
3. Roboter sucht Körperkontakt (Thomas Christaller). 23 Min.
4. Schnell, billig und out of control (Rodney Brooks). 22 Min.
5. Würden intelligente Roboter Menschen mögen? (Dirk Baecker). 12 Min.
6. “So ist jeder organische Körper eines Lebewesens eine Art von göttlicher Maschine” (Leibniz). 1 Min.
7. Der Schwarze Goethe (Manfred Osten). 22 Min.
8. Ich denke mit dem Knie (Detlef B. Linke). 11 Min.
9. Die Zukunft unserer Gehirne (Susan A. Greenfiled). 11 Min.
10. Ein Roboter namens Hot Shot. 2 Min.
11. Der Nano-Alchemist (George M. Whitesides). 11 Min.
12. Alchemie des Denkens (Peter Berling). 15 Min.
13. Die Auswanderung des Denkens aus dem Gehirn (Frank Schirrmacher). 22 Min.

DVD 4: Die Evolution der Intelligenz
1. Stillleben (nature morte). 2 Min.
2. Schwarmintelligenz (Jens Krause). 9 Min.
3. Spezialisten der Reproduktion: Sich verdoppeln, sich anpassen (Karin Mölling). 10 Min.
4. Das Netzwerk der Evolution (Peter Hammerstein). 6 Min.
5. Wettlauf von Evolution und Technik. 1 Min.
6. Kein Geist ohne Körper (Mriganka Sur). 8 Min.
7. Die Turing-Mascine (H. M. Enzensberger). 4 Min.
8. Wo im Körper steckt die Intelligenz? (Gerd Gigerenzer). 8 Min.
9. Meine Kumpel, die Roboter! (Hans-Dieter Burkhard) 16 Min.
10. Ein Haus, das denkt! (Michael C. Mozer) 5 Min.
11. I Ging, Leibniz, Joyce & Beuys. 2 Min.
12. Interfaces zwischen Silizium und Nervenzellen (Peter Fromherz). 8 Min.
13. Jede unnatürliche Bewegung bedeutet Gewalt (Heraklit). 1 Min.
14. DNA-Computer (Grzegorz Rozenberg). 16 Min.
15. Quantencomputer. radikalisierung der Informationsdichte (Herbert Walther). 8 Min.
16. Neugier ist das Vitamin meiner Roboter (Verena Hafner). 11 Min.
17. Ada Lovelace, Lord Byrons geniale Tochter, die den Computer erfand. 1 Min.
18. “Das zänkische Gehirn”. 5 Min.
19. Körperintelligenz in der Robotik (Manfred Hild). 23 Min.
20. Jede neue Technologie setzt Sinne für neue Aufgaben frei (Michel Serres). 12 Min.

Credits

Regie: Basil Gelpke, Alexander Kluge

Produktionsland: D, CH
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

»Alexander Kluge und Basil Gelpke zeigen Versuche, das Mängelwesen Mensch zu optimieren.
Mit seiner sanften Beharrlichkeit, so geistreich wie spinnert, spekuliert Kluge darüber, was aus uns werden soll, wenn wir unsere Evolution selbst in die Hand nehmen«
DER SPIEGEL 39/2012

»… dies ist das originäre Forschungsfeld des wie immer klugen Alexander Kluge …« rbb

»fesselnd, höchst informativ, überraschend, sogar beglückend« Günter H. Jekubzik, Aachener Zeitung

»überaus wertvoll und unterhaltsam« Christoph Jacke, De:Bug

»Die Informationen allerdings sind so dicht, so aufregend, auch beunruhigend, dass man einem Krimi beizuwohnen wähnt. Und man ertappt sich ständig bei eigenen Vorurteilen, ist gezwungen, sein eigenes Denken, seine eigenen (moralischen) Werte zu überprüfen. Insofern ist Mensch 2.0 – darin ist sich Alexander Kluge treu und Basil Gelpke mit ihm konform – fundamental aufklärerisch. Eine religiöse Haltung, die einzelne Fragestellungen a priori ausschließt und dem Glauben opfert, lässt diese Dokumentation nicht zu.« Thomas Rothschild, Titel-Magazin

»Einige der insgesamt 64 Filme sind nicht gerade einfach zu konsumieren. Alexander Kluges oft wild-assoziative Bild-, Ton-, Text-Collagen und die langen, über Strecken unbearbeiteten Interviews erfordern vom Zuschauer eine hohe Bereitschaft, sich auf skurrile und beschwerliche filmische Strickmuster einzulassen. Aber er wird belohnt. Mit Einblicken in weitreichende Zukunftspläne und in die angeregte, kritische Reflexion dieser Entwicklungen.« Petra Marchewka, Deutschlandradio Kultur

»Mit der … Kompilation ist erst einmal bedient, wer wissen will, was in der Zukunft auf ihn zukommt, was Bio-, Nano- und Computertechnologie an Extensionen, Schnittstellen, Implantaten und sonstigen Überraschungen bereithalten. … Mensch 2.0 ist eher Handapparat als Seminar, eher chaotischer Materialhaufen als ordentliche Darlegung. Präsentiert werden Ausblicke auf eine Zukunft, die einem in ihrer radikalen Andersartigkeit durchaus Angst machen kann.« Alexandra Seitz, ray Filmmagazin

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: nur D, A
Länge: 720
Bild: PAL, Farbe, 16:9, 4:3
Ton: Dolby Digital 2.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Lilo Mangelsdorff

Per Zeitungsannonce suchte Pina Bausch Laiendarsteller ab 65, um mit ihnen ihr 1978 entstandenes Stück “Kontakthof” neu zu inszenieren. Der Film folgt chronologisch den Stadien der Inszenierung, beobachtet die älteren Damen und Herren bei schweißtreibenden Proben mit den Profis, bis das Stück selbst, je näher die Aufführung rückt, sich dem Zuschauer umso klarer erschließt.

Doch das eigentliche Thema sind die Menschen, ihre Ängste und Hemmungen, ihre Arbeit und Entwicklung, ihre Aufregung und Begeisterung.

Inhaltsübersicht

Kapitel:
1. Gesucht: Rhythmisch begabte Senioren
2. Ein ganz anderes Tanzen
3. Wir sind ja alles keine Tänzer
4. Die rosa Mädchen
5. Ein großes Stück Lebensqualität
6. Mit Kritik umgehen
7. Üben, üben, üben
8. So ein bisschen unangenehm ist mir das schon
9. Die Bewegung sollte man schon noch erkennen
10. Brutaler Liebhaber musst Du sein
11. Sich wieder vertragen und die Sehnsucht nach Liebe
12. Vor dem Auftritt
13. Vor Publikum
14. Mein Gang ist aufrechter geworden
15. Abspann

Credits

Buch: Lilo Mangelsdorff
Kamera: Sophie Maintigneux
Mitwirkende: Rosemarie Asbeck, Wolfgang Danzberg, Lore Duwe-Scherwat, Jutta Geike, Wolf Amadeus Gericke, Inge Glebe, Günter Glörfeld, Dieter Grotehusmann, Inge Kaltenbach, Peter Kemp, Gerd Killmer, Anke Klammer, Werner Klammer, Thea Koch, Dieter Linden, Heinz Meyer, Brigitte Montabon, Renate Nickisch, Heinz Nölle, Edith Rudorff, Bärbel Sanner-Egemann, Hannelore Schneider, Margarita Schwarzer, Ursula Siekmann, Alfred Siekmann, Ralf Straßmann, Reiner Straßmann, Margret Thieler, Luzie Wild
Regie: Lilo Mangelsdorff
Schnitt: Eva und Mangelsdorff Voosen

Produktion: Cinetix GmbH (im Autrag des NDR und arte)
Redaktion: Barbara Denz
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2002

Pressestimmen

»Ein wunderbar leichtfüßiger Film über Tanz, das Alter und das Glück.« Frankfurter Rundschau

»Momente des Glücks hält Lilio Mangelsdorff im Kinofilm Damen und Herren ab 65 fest, wenn sie Senioren begleitet, die als Laienschauspieler in Pina Bauschs Neuinszenierung des Theaterstücks Kontakthof mitwirken, das 1978 uraufgeführt wurde.« Neue Züricher Zeitung, 25.2.2002

»…. in 70 wunderbaren Minuten zwei Dutzend ältere Leute porträtiert, die ein Pina Bausch-Tanzstück einstudieren ‒ mit Lust und Leidenschaft, Hemmungen und Heißhunger auf Perfektion.« Leipziger Volkszeitung, 21.10.02

»Ein Jahr lang hat Lilo Mangelsdorff die Proben begleitet, hat mit den Damen und Herren ab 65 über ihre Erfahrungen gesprochen, ihre Wünsche und Ängste. Und dabei einen wunderbaren Film gemacht, in dem man mehr über eine Gruppe Menschen lernt als über den Tanz, einen Film über erfülltes Altern, den Entwurf gelebter Utopie.« Applaus

»Damen und Herren ab 65 ist ein sensibler, humorvoller und berührender Dokumentarfilm, der seine Protagonisten nicht nur in ihrer Eigenschaft als ›alte Tänzer‹ in den Blickpunkt rückt, sondern in ihrer Individualität und auf diese Weise auch viel vom Geist Pina Bauschs zeigt, ohne dass diese selbst präsent ist.« media-mania.de

»Beide Filme sind auf ihre jeweils spezifische ästhetische Art ebenso dichte wie kurzweilige Reportagen, die nicht nur kreative Arbeitsprozesse einfangen, sondern zugleich vielsagende Schlaglichter auf die Lebensumstände der „Alten" wie der „Jungen" werfen. . … so funktioniert auch die Rezeption der Dokumentarfilme auf DVDs: als intensive Auseinandersetzungen mit der Kunst wie auch mit dem Leben.« film-dienst [Doppelrezension mit TANZTRÄUME]

»Am Ende, wenn sich alle nach der Vorstellung verbeugen, glücklich, erschöpft, dann bringt man diesen Menschen aufrichtigen Respekt entgegen.« Frankfurter Allgemeine Zeitung, , 22.03.2003

»Eine Erholung von den Kriegsschauplätzen und den beklemmenden Grenzregionen zum Privaten boten die ›schärfsten Tänzer zwischen Rhein und Wuppertal‹. In Damen und Herren ab 65 trotzt Lilo Mangelsdorff mit der unglaublichen Vitalität ihrer nicht mehr jungen, aber doch sehr rüstigen Protagonisten dem allgemeinen Jugendkult. Der Film dokumentiert die Proben und Auftritte der Tänzer im Alter zwischen 60 und 80 Jahren, die Pina Bausch 1998 für die Neuinszenierung ihres Stückes Kontakthof ausgesucht hat. Das Tanzen im Ensemble, die Proben mit den Choreografen und die Erfolge bei den Premieren in Paris, London und Rom haben die Herrschaften spürbar verjüngt und verändert. So sind hier die revitalisierende Wirkung des Tanzens und freigesetzte Energien zu studieren, die man Menschen in diesem Alter kaum noch zutraut. Nicht nur in der ‒ zuerst geschilderten, dann auch gefilmten ‒ Art der Begrüßung: dass man sich, wie unter Tänzern üblich, küsst und herzt, wenn man sich wiedersieht. Lilo Mangelsdorff Montage hat durchgängig kinoreife Qualitäten, etwa wenn die Tänzer von den Anfängen der Inszenierung erzählen oder wenn sie hinter der Bühne immer wieder einen engen Korridor hinunter laufen. Den Preis für die beste Kameraführung ging verdienterweise an Sophie Maintigneux, die das alles mit zurückhaltender Kamera und doch nah dran beobachtet hat. Pina Bauschs Wunsch, dass die Damen und Herren schön aussehen sollen, ist überzeugend in Erfüllung gegangen.« film-dienst, 23/02

Auszeichnungen

Preis der deutschen Filmkritik für den besten Dokumentarfilm
Deutscher Kamerapreis

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 67
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Marcel Łoziński

Von einem der angesehensten Dokumentarfilmer Polens und Vertreter des »Kino der moralischen Unruhe«.

Der PR-Berater Piotr Tymochowicz ist ein Meister im Worteverdrehen, Schönreden und Aufstacheln. Dass es auf mehr nicht ankommt, versucht er einer Gruppe junger Leute beizubringen – mit dem Ziel, sie in die große Politik einzuschleusen. Seine Strategie scheint erfolgreich, doch die anfängliche Begeisterung der Beteiligten schwindet zusehends, je mehr sich ihnen die Skrupellosigkeit des charismatischen Seminarleiters offenbart. Nur einer der Schüler lässt sich nicht abschrecken. In schnellen Schnittfolgen lässt der Regisseur und aufmerksame Beobachter Marcel Łoziński den Zuschauer teilhaben an der erschreckend gradlinigen Entstehungsgeschichte eines populistischen Politikers.

Extras

Links, Preise und Auszeichnungen, Filmografie
Kapiteleinteilung, Booklet.

Inhaltsübersicht

1
Jeder Mensch kann zum Politiker gemacht werden
2
Beginn der Ausbildung
3
Praktische Übungen
4
Wie man eine Führungspersönlichkeit wird
5
Das selbstorganisierte Großereignis
6
Abkürzung ins Parlament: Andrzej Lepper
7
Ausrufung der kreativen Revolution
8
Der Aufstieg des Dariusz Konopka
9
Auf dem Weg ins Parlament

Credits

Buch: Marcel Łoziński
Kamera: Jacek Petrycki, Andrzej Adamczak, Radosław Ładczuk, Leszek Skuza
Musik: Jerzy Murawski, Jarosław Roszyk
Regie: Marcel Łoziński
Schnitt: Katarzyna Maciejko-Kowalczyk

Produktion: KALEJDOSKOP Film Studio, TVP SA - Film Agency, PISF/Program Media
Produktionsland: PL
Produktionsjahr: 2006

Pressestimmen

»Jeder Dokumentarfilm sollte etwas erfassen, was man erahnt, wovor man Angst hat, ohne es bannen zu können, so dass ein Regisseur es stellvertretend für andere machen kann.« (Marcel Łoziński)

»… ein Stück der universalen Wahrheiten über die Welt der Politik und ihrer Methoden.« polnischekultur.de

Auszeichnungen

Dokumentarfilmpreis der Gemeinnützigen Hertie-Stiftung – Filmfestival goEast, Wiesbaden 2007

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Jak to sie robi
Länge: 88
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Stereo
Sprache: Polnisch
Untertitel: deutsche , englisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Politdoku

Regie: Heinz Peter Schwerfel

Der Künstler Jannis Kounellis behauptet von sich, er sei Maler. Doch gemalt hat er schon seit über vierzig Jahren nicht mehr. Stattdessen baut Kounellis in oft wochenlangem Kampf mit Raum und Materie dreidimensionale Bilder, die auf den Betrachter zustürmen, ihn im Werk verschwinden lassen, verschlucken, mitnehmen auf spektakuläre Reisen in die Kunst.

Zusammen mit Interviews und Besuchen im römischen Atelier oder dem Ferienhaus auf der Insel Hydra werden zwei solcher Reisen in den vorliegenden Filmen dokumentiert, absolute Schlüsselausstellungen innerhalb der fünfzigjährigen Karriere eines der wichtigsten Künstlers der Gegenwart. Die erste Ausstellung fand vor fünfzehn Jahren auf einem Frachtschiff im Hafen seiner Geburtsstadt Piräus statt, die Rückkehr eines zeitgenössischen Odysseus nach langen Jahrzehnten des freiwilligen Exils. Die zweite im Jahre 2001 in einer verlassenen Kathedrale mitten in Mexico City, wo Kounellis mit lokalem Basaltstein, Stahlträgern, Möbeln, Messern, Glas und Blumen eine gewaltige Prozession mit Alltagsmaterialien aus Natur und Zivilisation installierte.

Extras

AUSSTELLUNGEN
08.11.2007-24.02.2008: Jannis Kounellis “Labyrinth”
Neue Nationalgalerie, Berlin

ab 12.12.2007: Grafische Arbeiten von Jannis Kounellis
Europäisches Zentrum der Künste Hellerau, Dresden

Credits

Regie: Heinz Peter Schwerfel
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Jannis Kounellis

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2001

Länge: 46
Bild: PAL, Farbe, 16:9 / 4:3
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, Italienisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

(SV 13503) Regie: Samuel Beckett

Berühmt wurde Samuel Beckett als Theaterinnovateur (Warten auf Godot) und Romancier (Der Namenlose). Der Literaturnobelpreisträger schrieb jedoch auch Hörspiele und inszenierte Kurzfilme für das Fernsehen. 1966 produzierte er für den Süddeutschen Rundfunk (SDR) im Rahmen der Reihe »Der Autor« als Regisseur das Fernsehspiel HE JOE und schuf damit ein revolutionäres Stück Medienkunst. Bis 1986 folgten sieben weitere »crazy inventions for television«, wie Beckett seine TV-Arbeiten nannte. Immer wieder erprobte er, von den technischen Möglichkeiten des Theaters zunehmend enttäuscht, neue Arrangements für Stimme und Schweigen, für Raum, Kamera und Musik. Damit erfand Beckett, so Gilles Deleuze in seinem Essay ‘Erschöpft’, neben den Sprachen des Romans und der Theaterstücke eine »Sprache III«.

Extras

Kapiteleinteilung, mit Booklet, darin Gilles Deleuze: ERSCHÖPFT und Dietmar Kammerer über Becketts Fernseharbeiten

Inhaltsübersicht

He Joe 33’52 Min. | Quadrat I und II 14’58 Min. | Nacht und Träume 10’52 Min. | Schatten (Geistertrio 31’30 Min./Nur noch Gewölk 15’46 Min./Not I 13’19 Min.) | Was wo 15’43 Min.