3 DVDs  mit Interviews in voller Länge mit: Hannah Arendt - Dorothee Sölle - Gustaf Gründgens - Golo Mann.

Dokumentation "Erlauben Sie eine letzte Frage?" 

Günter Gaus hat das deutsche Fernsehen das Sprechen gelehrt. Vierzig Jahre lang interviewte er 250 Persönlichkeiten aus Politik, Wirtschaft, Wissenschaft und Kultur. Dabei blieben sein Stil und seine Präsentation identisch. Sein Hinterkopf war der bekannteste der Nation. Moden hat er sich nie gebeugt. Seine Formen waren überzeugend altmodisch.
Der Bürger Gaus verbat sich zudem jede Art von Phrasen, die die heutige, weitgehend Sinn entleerte Talk-Kultur bestimmen. Er stand für vorurteilsfreien Journalismus. Seine Fragen waren analytisch, scharf, aber nie verletzend. Er setzte nach, wenn die Antworten unbefriedigend blieben, aber er mochte mit seinen Gästen nicht diskutieren; ihm ging es darum, das Was, das Wie und das Warum ihrer Person und ihrer Befindlichkeit zu erkunden. Wie kein Anderer bescherte er dem deutschen Fernsehen immer wieder Sternstunden.

Produktionformation

Format: Dolby, HiFi Sound, PAL, Widescreen
Sprache: Deutsch
Bildseitenformat: 4:3
DVD-Erscheinungstermin: 2005
Spieldauer: 289 Minuten
(D, 1963-1969, s/w, 1/120 Min., 2/125 Min./ 3/44 Min. Doku)

Genre   Biographie / Portrait, Politik & Recht, Politiker & Staatsmänner, Dokumentarfilm

5 DVDs, mit den Interviews in voller Länge mit: Ludwig Erhard - Konrad Adenauer - Gustav Heinemann - Herbert Wehner (2) - Franz Josef Strauß (2) - Willy Brandt - Rudi Dutschke - Helmut Schmidt - Rudolf Augstein. 

Günter Gaus hat das deutsche Fernsehen das Sprechen gelehrt. Vierzig Jahre lang interviewte er 250 Persönlichkeiten aus Politik, Wirtschaft, Wissenschaft und Kultur. Dabei blieben sein Stil und seine Präsentation identisch. Sein Hinterkopf war der bekannteste der Nation. Moden hat er sich nie gebeugt. Seine Formen waren überzeugend altmodisch.
Der Bürger Gaus verbat sich zudem jede Art von Phrasen, die die heutige, weitgehend Sinn entleerte Talk-Kultur bestimmen. Er stand für vorurteilsfreien Journalismus. Seine Fragen waren analytisch, scharf, aber nie verletzend. Er setzte nach, wenn die Antworten unbefriedigend blieben, aber er mochte mit seinen Gästen nicht diskutieren; ihm ging es darum, das Was, das Wie und das Warum ihrer Person und ihrer Befindlichkeit zu erkunden. Wie kein Anderer bescherte er dem deutschen Fernsehen immer wieder Sternstunden.

Produktinformation

Format: Dolby, HiFi Sound, PAL, Widescreen
Sprache: Deutsch
Bildseitenformat: 4:3
Anzahl Disks: 5
DVD-Erscheinungsjahr: 2005
Spieldauer: 575 Minuten
(D, 1963-1972, s/w, 1/ 122 Min., 2/ 124 Min., 3/ 115 Min., 4/109 Min., 5/105 Min.)

Genre   Biographie / Portrait, Politik & Recht, Politiker & Staatsmänner, Dokumentarfilm

Der Rebell
Tirol im Sommer 1809: Ein von Napoleons Truppen und den Bayern besetztes Land. Als Severin Anderlan nach dem Studium in sein Heimatdorf zurückkehrt, erfährt er, daß Mutter und Schwester durch die Franzosen starben und der elterliche Hof zerstört wurde. Haßerfüllt erschießt Severin zwei Soldaten. Dadurch wird er zum Verfolgten, zum "Rebell", der an der Spitze der Bauern den Widerstand organisiert um für die Heimat zu kämpfen.

Flucht in die Dolomiten
Das Familienglück des Bootsbauers Giovanni wird durch die schlecht laufende Werft getrübt. In seiner Not bittet Giovanni seinen Schwager Enzo Testa erfolglos um Unterstützung. Als Enzo Stunden später tot aufgefunden wird, gibt es nur einen Verdächtigen ...

Ewiges Südtirol
Südtirol Anfang der 1960er Jahre in einem Zyklus über 4 Jahreszeiten. Das einfache bäuerliche Leben und Brauchtum inmitten der pittoresken Dolomitenlandschaft.

Genre: Spielfilm Drama
Spieldauer: 275 Min.

Regie: Kurt Bernhard, Luis Trenker

Darsteller: Luis Trenker, Marianne Hold

Originaltitel: Der Rebell / Flucht in die Dolomiten / Ewiges Südtirol

Sprache: Deutsch

Tonformat: Dolby Digital 2.0

Bild: Widescreen

Specials: Luis Trenker - Sein letztes Interview 1988

FSK ab 12 freigegeben

Erscheinungstermin: 14.9.2018

Im April 45 verwandelt sich der 19-jährige Gefreite Willi Herold mit einer gefundenen Uniform in einen Hauptmann. Er bildet aus anderen Versprengten seine eigene Einheit und marodiert durch das Emsland. Am 11. April steht er vor den Toren eines Strafgefangenenlagers…

Deutsch-niederländisches Grenzgebiet kurz vor Kriegsende. Bei heftigen Rückzugsgefechten verliert der 19jährige Gefreite der Fallschirmjäger, Willi Herold, die Verbindung zu seiner Einheit. Allein auf sich gestellt macht er einen Zufallsfund: In einem zerschossenen PKW entdeckt er eine unversehrte Hauptmannsuniform. Diese Chance läßt er sich nicht entgehen. Blitzartig vollzieht sich die Verwandlung des Gefreiten zum Luftwaffenoffizier. Auf dem Weg durchs Emsland sammelt er andere versprengte Soldaten ein und bildet aus ihnen seine eigene Einheit. Ihm ist klar, daß er diese Niemandem unterstellen wird. Er nennt sie wahlweise »Kampfgruppe Herold«, »Standgericht Herold« oder »Leibgarde Herold« Es ist eine Einheit für »Sonderaufgaben«. Am 11. April erreicht die Truppe das bei Papenburg gelegene Strafgefangenenlager Aschendorfermoor.

Prädikat: besonders wertvoll

Adolf Grimme Preis 1998

Extras

Kapiteleinteilung, Infolinks

Inhaltsübersicht

1. März/April 1945, Nordwestfront:
Die Verwandlung des Gefreiten Willi Herold zum Hauptmann
2. »Muffrika« – Kulturlandschaft mit 15 Lagern
3. 11./12. April: Lager II Aschendorfermoor: Herold übernimmt die Befehlsgewalt – Erste Massenerschießung
4. 13./14. April: Die Hinrichtungen werden fortgesetzt
5. 15.–18. April: Das Ordnungsgefüge des Lagers wird umgekrempelt
6. 19. April: Bombardierung des Lagers
7. 19.–23. April: Rückzug: Kameraden! Verräter!
8. 23.–28. April: Leer: Frauen! Beutezüge! Holländische Spione!
9. Mai 1945, 14. November 1946: Abschied vom Krieg – Verhaftung – Militärgericht – Tod

Credits

Buch: Paul Meyer, Rudolf Kersting
Kamera: Ulrich Fischer, Rudolf Kersting
Regie: Paul Meyer, Rudolf Kersting
Schnitt: Rudolf Kersting, Agnes Ganseforth
Ton: Volker Zeigerman, Agnes Ganseforth

Produktion: Paul-Meyer-Film
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1996/97

Pressestimmen

»Das faschistische Böse nicht als banale Schreibtischtat, sondern – als Gegenfigur zu Adolf Eichmann – als dantische Höllenfahrt.«
- TAZ

»Urfaschismus als letztes Stadium des Nazismus!«
- FAZ

Auszeichnungen

Prädikat: besonders wertvoll

Adolf Grimme Preis 1998

FSK: 12

Länge: 70
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Stereo
Sprache: DeutschRubrik: Dokument
Regionalcode: codefree


 

 Der 1. Weltkrieg - Die Schlacht an der Somme

Die Schlacht an der Somme ist einer der erfolgreichsten britischen Dokumentarfilme aller Zeiten. 20 Millionen Menschen sahen ihn in den ersten zwei Monaten nach seinem Kinostart im August 1916 Der Film zeigt in bis dahin beispielloser Weise die Grausamkeit des Stellungskrieges an der Westfront während des Ersten Weltkrieges. Zu sehen sind Filmaufnahmen von der Vorbereitung der Infanterieangriffe, dem vorausgehenden schwerem Trommelfeuer und dem ersten Tag der Somme-Schlacht. Die auf britischer Seite mit sehr vielen Toten und Verwundeten erkauften Geländegewinne waren nur gering: So wurde der 1. Juli 1916 bis heute der verlustreichste Tag der britischen Armee in ihrer Geschichte. Die außerordentliche dokumentarische Bedeutung des Films wurde 2005 durch seinen Eintrag in das UNESCO »Memory of the World«-Register (Weltdokumentenerbe) gewürdigt. Die Restaurierung und digitale Aufbereitung des Films gibt den Zuschauern jetzt die Möglichkeit, den Film annähernd in der Schnittfassung und Bildqualität seiner Entstehungszeit zu sehen.

Großbritannien, 1916

INFO-Programm gemäß § 14 JuSchG

Serie: arte Edition

Genre: Dokumentation Krieg
Spieldauer: 75 Min.

Originaltitel: The Battle of the Somme

Sprache: ton_sprache_item

Tonformat: DD 5.1 Stereo

Bild: 4:3

Untertitel: Deutsch

Specials: Englische Texttafeln, wahlweise mit dt. Voice-Over oder dt. UT; Audiokommentar in engl. Sprache; Fehlende Szenen und Sequenzen; Interviews zur Neuvertonung und Filmrestaurierung; Informatives Booklet;

Brahms und die singenden Mädchen

Brahms, die Frauen und die Musik:
Der alternde Johannes Brahms (gespielt von Warren Mitchell) blickt zurück auf sein Leben und seine unglückliche Liebe zu Clara Schumann.

In den Jahren zwischen 1859 und 1896 sollen sich Johannes Brahms und Clara Schumann, die Witwe des Komponisten Robert und selbst eine der bedeutendsten Pianistinnen ihrer Zeit, über 4.000 Briefe geschrieben haben. Nach Claras Tod vernichtete Brahms einen großen Teil dieser Briefe, aber viele blieben der Nachwelt auch erhalten. Dieser Film basiert teilweise auf jenen Briefen

BRD, 2009

FSK ab 12 freigegeben

Erscheinungstermin: 31.3.2016

Genre : Musik  Dokumentation
Spieldauer: 89 Min.

Solist: Susan Chilcott, Olaf Bär, Uta Zenke

Orchester: NDR Sinfonieorchester

Dirigent: Peter Leonard

Regie: Tony Palmer

Darsteller: Warren Mitchell, Lori Piitz

Sprache: Deutsch, Englisch

Bild: Widescreen

Thomas Mann - Zwei Dokumentationen

& mit: Martin Walse, Marcel Reich-Ranicki, Jürgen Lodemann, Kurt Sontheimer, Peter Wapnewski, Peter Dreeßen, Heinz Huber u.a.

Zwei Produktionen des Südwestfunks, heute Südwestrundfunk

Ein Dokumentarbericht über Leben und Werk (1955)
Autor: Peter Dreeßen, Heinz Huber
Regie: Heinz Huber, Martin Walser
Sprecher: Alwin Michael Rueffer, Karl Lange, Franz Pfaudler

Thomas Mann als politischer Schriftsteller (Fernseh-Diskussion 1975)
Produktion: Wolfgang Ruch
Regie: Wolfgang Ruch, Reimund Marhold
Diskussions-Leitung: Jürgen Lodemann
Teilnehmer: Walter Böhlich, Gerd Haedecke, Marcel Reich-Ranicki, Kurt Sontheimer, Martin Walser, Peter Wapnewski
Teilnehmende Zuschauer: Christl Körner, Roland Mayer, Sabine Schmitz, Cornelia Striebich
 

FSK Infoprogramm

Bild: PAL 4:3 (teilw. schwarz/weiß)
Ton: DolbyDigital 2.0 (mono)
Ländercode: 0-überall abspielbar
Sprache: deutschLaufzeit. 147 Minuten

Zwei sehr interessante Dokumentationen von Hans-Jürgen Panitz über die "Faszination Bergfilm" und über den deutschen Regisseur und Bergfilmpionier Dr. A. Fanck.

Faszination Bergfilm - Himmelhoch und Abgrundtief

Wer war Arnold Fanck?

Faszination Bergfilm - Himmelhoch und abgrundtief

In einer historischen Betrachtung der drei großen Wände, des Matterhorns, des Eiger und der Grandes Jorasses, die bis in die 30er Jahre des vergangenen Jahrhunderts als die "letzten Probleme der Alpen" galten, befaßt sich diese Dokumentation vor allem mit den Filmen, die in den drei Wänden entstanden sind.

Darüber hinaus wird in einem Essay die spannende Chronologie der 100-jährigen Geschichte des Genres Bergfilm mit Konzentration auf die europäischen Alpen beleuchtet.

Ausschnitte aus über 40 Dokumentar- und Spielfilmen sowie entsprechende Landschaftsaufnahmen illustrieren die filmgeschichtliche Darstellung.

Eine Dokumentation von Hans-Jürgen Panitz und Matthias Fanck
SWR/ ARTE 2008, ca. 58 min.

Wer war Arnold Fanck?

Neben vielen Filmauschnitten kommen ausführlich Zeitzeugen, Kollegen und Schauspieler zu Wort. In Gesprächen mit Riefenstahl und Trenker versucht der Autor den nachwirkenden Einfluß Fancks aufzudecken. Erfolgreiche Filme waren u.a. "Die weiße Hölle am Piz Palü (1929); "Stürme über dem Mont Blanc" (1930) und "SOS Eisberg" (1933). 

Regisseur: Hans-Jürgen Panitz

FSK Infoprogrann

Format PAL
Laufzeit  91 Min., Farbe + s/w

Genre Bergfilm Dokumentation

Dokumentation über den Schauspieler, Regisseur, Bergführer und Architekten Luis Trenker (1892 - 1990). Trenkers filmische Erfolge und Verdienste liegen vor allem in seinen Vorkriegsfilmen, wie "Berge in Flammen", "Der verlorene Sohn" oder "Der Berg ruft".
Neben vielen Filmausschnitten kommt vor allem Trenker selbst ausführlich zu Wort.

Erscheinungstermin: 13.8.2007

Genre: Dokumentation
Spieldauer: 162 Min.

Regie: Hans-Jürgen Panitz

Darsteller: Luis Trenker

Sprache: Deutsch

Tonformat: Mono

Bild: 4:3

Specials: "Südtirol - Heimat aus Gottes Hand" (ca. 42 Min.); "Paradies Tirol - Meran" (ca. 51 Min.); "Luis Trenker - Das letzte Interview" (ca. 26 Min.); "Reisewege Südtirol: Auf den Spuren Luis Trenkers" (ca. 43 Min.);

INFO-Programm gemäß § 14 JuSchG

Eine Zeitreise durch sechs Jahrzehnte mit Deutschlands bekanntestem Kabarett, der Münchner Lach- und Schießgesellschaft.
In Programmausschnitten und teilweise zuvor unveröffentlichten Filmdokumenten sind zahlreiche bekannte Gesichter aus den wechselnden Emsembles vor und hinter den nichtvorhandenen Kulissen zu sehen.

Mit: Dieter Hildebrandt, Bruno Jonas, Jochen Busse, Henning Venske, Rainer Basedow, Horst Jüssen, Klaus Havenstein, Hansjürgen Dietrich, Kurt Weinzierl, Ursula Herking, Ursula Noack, Sammy Drechsel, Werner Schneyder u.v.m.

Kapitel

Das klassische Ensemble 1956-1972 (68 min.)

Die neue Lach- und Schieß 1976-1980 (17 min.)

Ein Kommen und Gehen 1981-1985 (30 min.)

Ossis und Wessis 1986-1999 (30 min.)

Umbau und Neuanfänge 2002-heute (36 min.)

Produktinformation 

FSK Infoprogramm

Format  HiFi-Sound, Dolby, PAL

Sprache      Deutsch

Laufzeit    180 Min.

Genre     Comedy, Spielfilm, Dokumentarfilm, Comedian / Kabarett

Regie: Alain Jaubert

Die Filmreihe Palettes ist den großen Werken der Geschichte der Malerei gewidmet. Modernste Untersuchungs- und Computertechniken machen die Enträtselung der Bilder zu einer aufregenden detektivischen Ermittlung.

Géricault: Das Floß der Medusa (1819): Meuterei, Gewalttaten, Kannibalismus - der junge französische Maler Théodore Géricault (1791?1824) greift das Schicksal der Fregatte La Méduse auf, die Anfang 1816 Schiffbruch erlitten hatte.

David: Die Sabinerinnen (1799): Im Gefängnis, wo der Maler Jacques-Louis David (1748-1825) aufgrund seines politischen Engagements für die Französischen Revolution auf die Guillotine wartet, beginnt er 1794 sein großformatige Gemälde Die Sabinerinnen zu malen. //

Goya: Junge Frauen (1812 - 1814) / Alte Frauen (1808 - 1810): Zwei Gemälde gleicher Größe, die auf den ersten Blick wenig gemein haben, außer, dass sie eine Frau und ihre Dienerin zeigen: Francisco de Goyas Junge Frauen und Alte Frauen.

Produktionsland: F/BRD
Produktionsjahr:  2012

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, C
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Joseph Mallord William Turner ist der wohl bekannteste britische Maler überhaupt. Schon mit 14 Jahren Stipendiat der Royal Academy, erhielt er später den Beinamen »Meister des Lichts« und gilt als Vorläufer nicht nur des Impressionismus.

Alain Jauberts Film ist keine Biografie im eigentlichen Sinne, sondern eine Studie über die Themen, die das Werk und Leben Turners beeinflussten. Das Wasser: Aquarellfarbe, Meer, Schiffe. Das Feuer: das Gelb und das Rot, das industrielle Zeitalter. Die Erde: englische, französische und italienische Landschaften, das Erbe Claude Lorrains. Die Luft: Wolken, die Auflösung der Form, Bilder vom Nichts. Das Geheimnis: der Doppelcharakter, Erotik, absolute Freiheit. Die Reise: Reisen durch England, Frankreich, die Schweiz, Italien und Deutschland, das Wesen der Landschaft, Venedig. Nicht zuletzt Erfindung und Experiment: neue Aquarelltechniken, Skizzen und ihre Umsetzung in Gemälde, die Fertigstellung von Werken kurz vor der Vernissage.

Inhaltsübersicht

Kapitel:
1. Turners Vermächtnis
2. Die Jugendjahre
3. Die Stärke des Aquarells
4. Die ersten Reisen
5. Mit 26 in der Royal Academy
6. Turner eröffnet seine eigene Galerie
7. Seine Freund und Mäzene
8. Bewunderung für Claude Lorrain
9. In Paris
10. Die »Grand Tour«
11. Das »Erhabene«
12. Die Kunst, direkt in die Sonne zu sehen
13. Aquarell und Ölmalerei
14. Die Landschaftsmalerei
15. Die historische Malerei
16. Auseinandersetzung mit den Alten Meistern
17. Rivalität zwischen Turner und Constable
18. Venedig
19. Geheimnisse seines Privatlebens
20. Das dynamische Prinzip der Elemente
21. Neue Experimente
22. Finale

Credits

Regie: Alain Jaubert
Weitere Ergebnisse der Personensuche: J. M. W. Turner

Produktion: ARTE France, Les Poissons Volants, RMN
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Die zielbewusste Konzentration, mit der sich dieser Londoner Barbierssohn an den alten und neuen Meistern schulte, um seine bahnbrechende Vision der poetischen Malerei zu entfalten und einen Platz im Pantheon der Kunstgeschichte zu ergattern, ist untrennbar verbunden mit seinem Drang, die Landschaftsmalerei als eine der Historienmalerei ebenbürtige, Kopf und Herz ansprechende Gattung durchzusetzen.« FRANKFURTER ALLGEMEINE ZEITUNG

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 52
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Jean-Pierre Devillers

Die Bilder Edward Hoppers sind wortkarg und erzählend zugleich, realistisches Porträt und imaginärer Raum. Das mythische Amerika und Amerika in seiner trivialsten Realität. Jean-Pierre Devillers nähert sich dem Leben und Werk Hoppers chronologisch aus drei Blickwinkeln: dem des Malers, dem des Freundes und dem eines seiner künstlerischen Erben, Wim Wenders.

Die Dokumentation enthält u. a. seltene Filmaufnahmen, die Brian O’Doherty 1961 von Hopper und dessen Frau Jo machte. Mit O’Doherty verband Hopper bis zu seinem Tod eine freundschaftliche und intellektuelle Beziehung. Den bedeutenden Einfluss des Malers auf das Kino beleuchtet der Filmemacher und Fotograf Wim Wenders, der Hoppers Gemälden Filmausschnitte aus seinen eigenen Werken sowie den Filmen anderer Regisseure gegenüberstellt.

Extras

Bonus (nur auf Französisch): INTERVIEW MIT WIM WENDERS. Von Jean-Pierre Devillers (37 Min.)

Inhaltsübersicht

I Selbstporträt eines Menschen auf der Suche nach sich selbst
II Die Kindheit
III Robert Henri als Lehrmeister
IV Reisen nach Paris
V Die Künstlergruppe "The Eight"
VI 1924:Begegnung mit Josephine
VII Der originäre Kern des Edward Hopper
VIII Cap Cod
IX Durch Hoppers Fenster
X Ein grundlegend amerikanisches Werk
XI Hopper und der amerikanische Film
XII Gegen die Hegemonie der abstrakten Kunst
XIII Am Ende seines Werkes bleibt das Licht
XIV Die weiße Leinwand

Credits

Regie: Jean-Pierre Devillers

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

»Eigentlich wollte er immer nur Sonnenstrahlen zeigen. Die fein montierte Dokumentation über den großen amerikanischen Maler ist ein Augenschmaus!« Stuttgarter Zeitung

„Seine Bilder sind realistisch, karg und distanziert-kühl: Der amerikanische Maler Edward Hopper wird gerne als Chronist der amerikanischen Gesellschaft gehandelt.“ Das Magazin

„Edward Hopper ist bei allem vordergründigen Realismus ein Künstler der taghellen Melancholie. So sehr seine Bilder aus den ersten Blick ganz reale, aber eben auch triviale Sujets des US-Alltags
seiner Zeit inszenieren, so entwickeln sie zusehends eine Art von geheimnisvoller Magie.“
Stadtmagazin Plärrer

FSK: Infoprogramm
Länge: 51
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: diverse Kurator: Ulrich Wegenast

Hitlers persönliche Begeisterung für den Trickfilm ist nicht nur aus den Tagebucheintragungen von Joseph Goebbels bekannt. Beiden schwebte vor, ein deutsches Pendant zu Walt Disney zu schaffen. Die Förderung des deutschen Zeichenfilms erfolgte mit der Absicht, sein kommerzielles Potenzial auszuschöpfen und ihn darüber hinaus für die nationale Propaganda einzusetzen. Neben antisemitischen oder militaristischen Filmen entstanden jedoch hauptsächlich Komödien, die von den politischen Geschehnissen ablenken sollten.

Außerhalb der staatlich subventionierten Animationsfilmproduktion, an der mit Hans Fischerkoesen oder Manfred Schmidt (Nick Knatterton) auch Filmemacher partizipierten, die im Nachkriegsdeutschland überaus erfolgreich waren, gab es wenige Beispiele abstrakter Avantgardefilme, in innerer Emigration entstanden, die bei den Nazis als »verfemte« Kunst galten.

Extras

mit ausführlichem Booklet

Inhaltsübersicht

Vom Bäumlein, das andere Blätter hat gewollt (1940, Heinz Tischmeyer)
Der Störenfried (1940, Hans Held)
Die Abenteuer des Freiherrn von Münchhausen (1943, Hans Held)
Armer Hansi (1943, Frank Leberecht)
Verwitterte Melodie (1943, Hans Fischerkoesen)
Der Schneemann (1944,Hans Fischerkoesen)
Das dumme Gänslein (1945,Hans Fischerkoesen)

Avantgarde im Untergrund
Strich Punkt Ballett (1943, Herbert Seggelke)

Spezialeffekte und Utopien
Weltraumschiff I startet (1937, Anton Kutter)

Der erste deutsche Puppenlangfilm
Die sieben Raben (1937)
Regie: Ferdinand Diehl; Buch: Paul Diehl, nach dem gleichnamigen Märchen der Gebrüder Grimm
65 Min.

Die Filme in Reihenfolge auf DVD:
1937 Kurzer Ausschnitt, stumm: DIE SCHLACHT UM MIGGERSHAUSEN, Heinz Goedecke
1940 VOM BÄUMLEIN, DAS ANDERE BLÄTTER HAT GEWOLLT, Heinz Tischmeyer
1940 DER STÖRENFRIED, Hans Held
1944 Kurzer Ausschnitt, stumm: HOCHZEIT IM KORALLENMEER, Horst von Möllendorff
1944 DIE ABENTEUER DES FREIHERRN VON MÜNCHHAUSEN, Hans Held
1943 ARMER HANSI, Frank Leberecht
1943 VERWITTERTE MELODIE, Hans Fischerkoesen
1944 DER SCHNEEMANN, Hans Fischerkoesen
1944 DAS DUMME GÄNSLEIN, Hans Fischerkoesen
1943 STRICH-PUNKT-BALLETT, Herbert Seggelke
1940 WELTRAUMSCHIFF I STARTET…, Anton Kutter
1937 DIE SIEBEN RABEN, Ferdinand und Paul Diehl

Credits

Kurator: Ulrich Wegenast
Regie: diverse

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1937-44

Pressestimmen

»Innerhalb einer verdienstvollen, auf sechs DVDs angelegten Reihe “Geschichte des deutschen Animationsfilms” stellt der Kurator Ulrich Wegenast nun zwölf legendäre Arbeiten aus den NS-Jahren vor. Fast jede von ihnen zollte dem Zeitgeist deutlichen Tribut.« Ralf Schenk, Berliner Zeitung, 18.08.2011

»Ohne auf weitere Filme der DVD einzugehen, wie das abstrakte STRICH-PUNKT-BALLETT (1937, Herbert Seggelke) oder die dezent propagandistische »technische Fantasie« WELTRAUMSCHIFF I STARTET… (1937/40, Anton Kutter), liegt das Verdienst von Animation in der Nazizeit gerade in der Veröffentlichung der angeführten staatlich subventionierten Animationsfilme und damit in der Einladung zur eigenständigen vertiefenden Auseinandersetzung mit NS-Mentalitäten.
Eine vermeintlich harmlos-unpolitische Unterhaltung, so viel sollte klar sein, gab es auch im Zeichentrick nicht.« Fritz Bauer Institut

»Filmhistorisch ungeheuer interessant!« mdr1 Radio Sachsen, Andreas Fruhnert, 25.06.2011

»Wundertüte für Liebhaber« Deadline, September/Oktober 2011

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 154
Bild: PAL, Farbe + s/w
Ton: Dolby Digital
Sprache: Deutsch
Untertitel: in dt, eng, frz., span. port., russ., chin.
Regionalcode: codefree

,
Rubrik: Kurzfilme, Animationsfilme
Genre: Animatio

Regie: Antonia Lerch

“Die Königin der Leica!” TAZ

Ilse Bing, Grete Stern und Ellen Auerbach − alle um 1900 geboren, jüdischer Abstammung, in Deutschland studiert, zwei von ihnen am Bauhaus in Dessau, in den 1930ern emigriert. Jede von ihnen eine außergewöhnliche Fotografin.

1992 besuchte die Berliner Dokumentarfilmmacherin Antonia Lerch die drei Künstlerinnen in New York und Buenos Aires. Drei Filmporträts sind entstanden, »drei echte stille Sensationen« (Süddeutsche Zeitung). Antonia Lerch lässt die Fotografinnen für sich sprechen, behutsam, ohne Wortkommentar und aufgesetzte Inszenierung. Dadurch entstehen unmittelbare, anrührende Filme, in denen Persönlichkeitsgeschichte, Zeitgeschichte und Geschichte der Fotografie auf harmonische Weise zusammenfließen. Aufwühlendes Kulturzeugnis einer vergangenen Generation.

Extras

Links und Buchtipps, Kapiteleinteilung. Ausführliches PDF BOOKLET!

Inhaltsübersicht

Ilse Bing
1. Prolog
2. Frankfurt am Main: „ … Ich bin nicht Fotografin geworden, sondern ich war es schon … “
3. Paris, die Zentrale der Kunst: „ … Paris ist heute noch der Ort in der Welt , wo ich am glücklichsten, am meisten ich selber bin …“
4. Drei Männer an der Seine: „ … Ich war immer bereit, ich hatte immer meine Kamera …“
5. Ilse Bing und Konrad Wolf: „ … vom ersten Augenblick an haben wir zusammengeklappt …“
6. Fotografien: „ … ein Fotograf muss so hygienisch sein wie ein Arzt …“
7. Krieg, Internierungslager Gurs, New York: „ … ich ging nur mit einem Koffer und einem Rucksack, ich sah meine Wohnung nie
wieder …“
8. Die Zeit nach der Atombombe: „ … die Umgebung ist absorbiert …“
9. Epilog: „… ich war eine Antenne, wenn du eine Antenne bist, dann bist du offen für das Unerwartete … „

Grete Stern
1. Prolog
2. Berlin, Fotostudio ringl + pit (Grete Stern + Ellen Auerbach): … wir nannten uns ringl + pit, das waren Kindernamen, die uns noch geblieben waren …
3. London: … 33 in Berlin bekamen wir Nachrichten, dass dieser oder jener Freund verschwunden ist, dass man dieses bekannte jüdische Geschäft zerstört hat …
4. Buenos Aires: … mit meiner Tochter Silvia, die ein Jahr alt war, kam ich mit dem Schiff in Buenos Aires an …
5. Aktaufnahmen: … das war eine ganze neue Art der Arbeit …
6. Los Suenos (Die Träume): … die Fotomontagen der psychoanalytisch geklärten Träume habe ich hauptsächlich mit Fotos aus meinem Archiv hergestellt …
7. Lieblingsfotografien: … ein Stück Landschaft mit einer sehr schönen Beleuchtung …
8. Die Ureinwohner im Gran Chaco Argentino: … ich wollte dokumentieren, was ich sah, damit andere dasselbe sehen können …
9. … die Zeit läuft …: … im Jahr 82/83 hab ich aufgehört zu fotografieren, es hat mich nicht mehr interessiert …
10. Epilog

Ellen Auerbach
1. Prolog
2. Berlin, Fotostudio ringl + pit (Grete Stern + Ellen Auerbach): … ringl kaufte die Ausrüstung von Peterhans und eines Tages fragte sie mich – wir kannten uns kaum – ob ich mit ihr ein Studio eröffnen wollte …
3. 12 Fotografien für ein Portfolio … das dritte Auge lässt sich nicht bestellen ..
4. Lilly Woman: … ich glaube manchmal , dass du deine besten Bilder unbewusst machst. Irgendwas bringt dich zum Fotografieren und dann wunderst du dich, wie du es gemacht hast …
5. Berlin, Palästina, England, Amerika: … die Frage war, wohin kann man noch gehen, und da haben wir das Glück gehabt, dass wir ein Visum bekamen
…
6. … das dritte Auge wird geöffnet …: … aber das dritte Auge bleibt in der Fotografie nicht offen, das blinzelt mal, das ist dann der Moment, wo man auf den Auslöser drückt, und dann schliesst es sich wieder …
7. Mexican Churches: … diese letzte grosse Arbeit hat mir geholfen, diesen Teil meines Lebens abzuschliessen. Danach hab ich nicht mehr fotografiert . ..
8. Epilog

Credits

Darsteller: Ilse Bing, Grete Stern, Ellen Auerbach
Kamera: Antonia Lerch
Regie: Antonia Lerch
Ton: Benno Trautmann

Produktion: Harun Farocki Filmproduktion, ARTE, ZDF
Produktionsland: Deutschland
Produktionsjahr: 1993

Pressestimmen

“Die Königin der Leica!” TAZ

“Es sind echte stille Sensationen. Kein Kommentar unterbricht die Selbstdarstellungen, keine Frage. Aber die unsichtbare Autorin Antonia Lerch ist in jeder Einstellung, in jeder Erzählung zu spüren, ihre öffnende psychische und visuelle Kraft.” Süddeutsche Zeitung

“Unmittelbar anrührende Filme, in denen Persönlichkeitsgeschichte, Zeitgeschichte und Geschichte der Fotografie auf harmonische Weise zusammenfliessen. Aufwühlendes Kulturzeugnis einer vergangenen Generation.” TIP

“Antonia Lerch lässt die Fotografinnen in ihrer gewohnten Umgebung, dem eigenen Wohnzimmer in New York und Buenos Aires zu Wort kommen. So erhalten die ZuschauerInnen einen interessanten Einblick in die Gefühlswelt der “Drei Fotografinnen”, erfahren von ihrem Umgang mit der Vergangenheit und der Rolle ihrer Arbeiten innerhalb der Geschichte der Fotografie. Drei völlig verschiedene Charaktere blicken auf ihr Lebenswerk und die Kamera fängt Emotionen wie Traurigkeit oder Stolz ein und macht es so möglich, auch zwischen den Zeilen zu lesen." Aviva

“Gehören zu den wichtigsten Fotografinnen des 20. Jahrhunderts!” Süddeutsche Zeitung

“Ungewöhnliche Porträts großartiger, feiner, uralter Fotographinnen. Zurück blicken sie, nun um die neunzig und seit Jahrzehnten fern von Deutschland, auf ein beherzt geführtes Leben. Einstmals waren sie Teil der Hochkultur dieses Landes.” Süddeutsche Zeitung

“Ohne Kommentar gelingt es Llerch zu zeigen, über wieviel Lebenskraft und Frische die drei alten Frauen in ihrem hohen Alter noch verfügen. Antonia Lerch hat die drei alten Fotografinnen wieder auf den Thron gehoben, der ihnen gebührt.” Tageszeitung

FSK: o.A.
Länge: 168
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0 Mono
Sprache: Deutsch, z.T. engl.,span. OV mit dt. UT
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Die Filme der Stuttgarter Schule 1956–1973 Regie: diverse Herausgeber: Kay Hoffmann, Haus des Dokumentarfilms Stuttgart

Der Titel »Zeichen der Zeit« war prägend für die Arbeit der SDR-Dokumentarabteilung. Mit Klassikern wie DER POLIZEISTAATSBESUCH über den Shah-Besuch 1967 und den Tod Benno Ohnesorgs, DIE UNZUFRIEDENEN FRAUEN oder TORTUR DE FRANCE verstanden es die Filmemacher vortrefflich, an der glänzenden Fassade der Wirtschaftswundergesellschaft zu kratzen. Leichte 16-mm-Kameras mit synchronem Ton eröffneten in den 1960er Jahren neue Möglichkeiten, sich der Wirklichkeit zu nähern. Die ironischen, zum Teil sarkastischen Kommentare und Montagen überraschten und provozierten. So gelang es den Filmemachern um Heinz Huber und Dieter Ertel, sich von der bis dahin dominanten Tradition des »Kulturfilms« zu distanzieren. Sie gewannen ein eigenes Profil und entwickelten zukunftsweisende Formen des Dokumentarfilms und der Reportage. Ihre Filme wirken bis heute.

Extras

Bonusfilm: DAS BESTE AN DER ARD SIND IHRE ANFÄNGE (117 Min., 1990) von Meinhard Prill und Alexander Kluge

PDF-ROM-Teil: Manuskript der Diskussion über den Film DIE BUNDESWEHR im Süddeutschen Rundfunk (8.11.1956), Fotogalerie, PDF-Dateien mit weiteren Informationen zu den Filmen und Filmemachern

Mit einem ausführlichen Booklet mit Texten von Kay Hoffmann.

Inhaltsübersicht

DVD 1 / POLITIK
Die Vergessenen (1956, R: Peter Dreessen), Der Polizeistaatsbesuch (1967, R: Roman Brodmann), Die ausgezeichneten Deutschen (1973, R: Roman Brodmann), Bonusfilm: Das Beste an der ARD sind ihre Anfänge (1990, R: Meinhard Prill und Alexander Kluge)

DVD 2 / SPORT
Tortur de France (1960, R: Dieter Ertel), Die Borussen kommen (1964, R: Wilhelm Bittorf), Die Misswahl (1966, R: Roman Brodmann)

DVD 3 / FRAUEN
Die unzufriedenen Frauen (1963, R: Wilhelm Bittorf), Eine Hochzeit (1969, R: Elmar Hügler), Wegnahme eines Kindes (1971, R: Elmar Hügler)

DVD 4 / MILITARISMUS
Die deutsche Bundeswehr (1956, R: Heinz Huber), Schützenfest in Bahnhofsnähe (1961, R: Dieter Ertel), Eine Einberufung (1970, R: Elmar Hügler)

DVD 5 / ARBEIT UND KULTUR
Ödenwaldstetten (1964, R: Peter Nestler), Der Untergang der Graf Bismarck (1967, R: Wilhelm Bittorf), Kunst und Ketchup (1966, R: Elmar Hügler), Fernsehfieber (1963, R: Dieter Ertel)

Credits

Herausgeber: Kay Hoffmann, Haus des Dokumentarfilms Stuttgart
Regie: diverse
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Peter Nestler, Alexander Kluge

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1956-73

Pressestimmen

»Dieter Ertels Reportage „Schützenfest in Bahnhofsnähe“ (1961) konfrontierte die Fernsehzuschauer mit einem deutsch-nationalen Ritual, deren Anhänger es sich zum Ziel setzen, „das Schießen zu pflegen“. Auf die die boshafte Frage, warum man denn das Schießen heutzutage (1961!) eigentlich noch pflegen solle, erhielt der Interviewer von den zunehmend trunkenen Schützen Antworten, die es allein schon wert sind, sich die Edition zu kaufen. Die Redakteure wurden nach der Sendung in Leserbriefen als „vaterlandslose Gesellen“ beschimpft, die doch „nach drüben gehen“ sollten.
…
Die Bilder der jungen Frau, die den von der Polizei erschossenen Studenten Benno Ohnesorg im Arm hält, stammen von Brodmanns Kameramännern. Der Film, der diese allmählich hochkochende Konfrontation minutiös festhält, ist bis heute eines der aufschlussreichsten Dokumente aus den Anfängen der Studentenbewegung.« – Peter Zimmermann, literaturkritik.de

»Wer sich für Gesellschaft und Kultur der höchst intensiven Nachkriegszeit interessiert, dem seien die ‹Zeichen der Zeit› wärmstens empfohlen. « Kunstbulletin Schweiz

»Diese Filme dokumentieren eine atemberaubende künstlerische Freiheit in einer Zeit, die heute als spießig und im Vergleich als viel unfreier wahrgenommen wird. Beim Betrachten dieser »old fashioned« wirkenden Dokumentarfilme zeigt sich aber ihre brennende Aktualität. Man stellt sich schnell die Frage, wann denn das Fernsehen eigentlic den Mut verloren hat, solche Werke zu senden.« DOK-Haus-Info

»Ein Blick zurück in eine Vergangenheit, als sich das Fernsehen noch Mut und Gesellschaftskritik geleistet hat.« Stuttgarter Zeitung

»Man gewinnt bei solchen Reportagen den Eindruck, als ob die wirklichen Talente des deutschen Films heute im Fernsehen ihr Wirkungsfeld gefunden haben.«
Der Tagesspiegel (1963)

»Die Jüngeren werden sich das kaum noch vorstellen können: Es gab eine Zeit, da das Fernsehen sich als kritisches Medium verstand und das Wort »Bildungsauftrag« noch nicht als Schimpfwort interpretierte. Damals gab es eine informelle Gruppe von Dokumentarfilmern, die man später wegen einer gemeinsamen Grundhaltung und dem hohen Niveau, das sie teilten, mit dem Etikett »Stuttgarter Schule« versah – wie fast zur gleichen Zeit die literarische Gruppe um Max Bense, Helmut Heißenbüttel und Reinhard Döhl. … Ihre Heimat fand die »Stuttgarter Schule« in erster Linie in der Sendereihe Zeichen der Zeit, die von 1957 bis 1973 existierte und bis heute davon zeugt, was Fernsehen als eigenständige Kunstform sein könnte, wenn es sich nicht selbst aufgegeben hätte. … Nun liegen sie als DVD-Paket vor, ergänzt um einen inhaltlich wie formal hochinteressanten zweistündigen Film über die Anfänge der ARD, genauer: über den Dokumentarfilm im Fernsehen und über Zeichen der Zeit. Er trägt die Handschrift des bedeutendsten Erben dieser Tradition, die Handschrift von Alexander Kluge.« Titel-magazin.de, Thomas Rothschild, 20.10.2011

»Diese große Ära der deutschenTV-Dokumentation ist also nicht durch eine bestimmte Ästhetik, durch einen formalen Kanon definiert, sondern durch etwas anderes. Zum einen durch den Vorsatz, immer das Bestmögliche zu liefern, also Menschen zu interessieren, die zum Beispiel von Kinobildern verwöhnt waren. Zum anderen aber durch Courage, durch Konfliktbereitschaft, durch aufklärerischen Eifer.« Stuttgarter Zeitung, Thomas Klingenmaier, 20.10.2011

»Die wichtigsten Produktionen der “Stuttgarter Schule” gibt es jetzt in einer vorzüglichen DVD-Edition von Absolut Medien. Sie wurde von dem Dokumentarfilm-Experten Kay Hoffmann kuratiert. … verdienstvoll.« SWR, Herbert Spaich, 5.12.2012

»Angesichts dessen, was dieser Tage im Fernsehen zu sehen ist, staunt man mitunter, wenn man erfährt, dass die öffentlich-rechtlichen Sender einst durchaus ein Ort der Avantgarde und eine Spielwiese für Experimente waren. Das gilt insbesondere für den SDR (heute SWR), in dessen Dokumentarfilmabteilung man in der Adenauer-Ära bis zur Zeit der Studentenunruhen einen Stil entwickelte, der in ganz Deutschland und nicht nur dort Furore machen sollte. Eine reich ausgestattete Box mit fünf DVDs verschafft nun einen Überblick über diese sogenannte Stuttgarter Schule. Mit dabei ist natürlich DER POLIZEISTAATSBESUCH … Dieser mit Sicherheit bekannteste Dokumentarfilm des SDR und einer der berühmtesten Dokumentarfilme überhaupt hat Geschichte geschrieben, auch Filmgeschichte. Weit weg von der Pseudo-Objektivität ihrer Vorgänger traute sich dieses Dokumentarfilmschaffen, Stellung zu beziehen und dezidiert polemisch zu sein. Das zeigt sich schon an den hintersinnig-bösen Filmtiteln … Und die noch heute verblüffende Kameraarbeit tut das Ihrige, um den deutschen Mief der Fünfziger und Sechziger zu entlarven. Da watschelt etwa eine Schar Gänse neben einer Gruppe Schützenfest-Teilnehmerinnen in dieselbe Richtung, was denn auch prompt dazu führte, dass es beim SDR Protestbriefe von patriotischen Bürgern hagelte. Auch deswegen könnte man beim Betrachten dieser Filme nostalgisch werden: nicht nur darüber, dass Fernsehen einst so angriffig war, sondern auch darüber, dass sich das Publikum früher noch so provozieren liess.« Filmbulletin, Johannes Binotto, Dezember 2011

»… dieser Spagat zwischen Information, kritischer Grundhaltung, satirischer Distanz und
unterhaltsamer Aufbereitung ist in der heutigen Zeit im Dokumentarfilmsektor leider viel zu selten zu finden. … eine hochinteressante Zusammenstellung.« Splashmovies.de

Zeitgenössische Kritiken:
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Über DER POLIZEISTAATSBESUCH: »Herrschende und Beherrschte: Nie wurde die Kluft zwischen beiden mit so viel kritischer Verve, so viel grimmigem Witz und so viel zarter Überzeugungskraft dargestellt. Der Schah und die Studenten von Berlin, die Majestäten, die Polizei und die Leute: Eindringlicher – und geistreicher! – kann man nicht zeigen, was um den 2. Juni herum in unserem Land geschah…«
Momos: Ein Meisterstück. In: Die Zeit. 4.8.1967

Über DIE UNZUFRIEDENEN FRAUEN: »Der geschundenen Existenz der Arbeitssklaven an Maschine und Fließband stellte die Sendung ironisch die Leitbilder gegenüber, die Filmindustrie und Frauenzeitschriften propagieren: ein Dasein zwischen Vollkomfortküche, Hausbar und Automobil, in dem die Frau zugleich Hausmutter, Karrierefrau und Geliebte sein soll. Die vorzüglich photographierte, geschnittene und kommentierte Sendung schloß mit einer Aufforderung an die Männer, die Frauen ‘nicht zu besitzen, sondern zu begreifen’. Man gewinnt bei solchen Reportagen den Eindruck, als ob die wirklichen Talente des deutschen Films heute im Fernsehen ihr Wirkungsfeld gefunden haben.«
K. F.: Unzufriedene Frauen. In: Der Tagesspiegel. 9.2.1963

Über ÖDENWALDSTETTEN: »Was Peter Nestler und Kurt Ulrich in der Schwäbischen Alb-Gemeinde ‘Ödenwaldstetten’ erfuhren – Einbruch der modernen Welt in die bäuerliche Lebensform eines Dorfes -, ist schon mehrfach gezeigt worden. Wie sie den Zuschauer gleichsam mit eigenen Augen Umschau halten, sich Auskunft bei den Einheimischen geben lassen, das war neu und von unmittelbarer Eindringlichkeit.«
N.N.: Ödenwaldstetten. In: Die Welt. 22.8.1964

Über GRAF BISMARCK: »Kein sonderlich aufregendes Thema für die Menschen außerhalb des Reviers, sollte man meinen. So oft wurden wir im Laufe der letzten Zeit mit diesem Thema konfrontiert. Das stumpft ab. Diesmal war alles ganz anders. Diesmal war man dabei. Diesmal ging es unter die Haut. Unsentimental, präzise und direkt.«
t.: Der Untergang der „Graf Bismarck“. In: Hamburger Abendblatt. 16.3.1967

Über FERNSEHFIEBER: »Weit entfernt von jeglicher Selbstbeweihräucherung und ‘Schleichwerbung’ nahm sich das Fernsehen in dieser vorzüglichen Sendung selbst unter die kritische Lupe, stellte die positive Wirkung seiner Bannkraft in Frage und konstatierte ein bißchen erschrocken und zumindest beunruhigt, daß im Ruhrgebiet nur drei von 85 Befragten die geistige Freiheit besitzen, das Gerät auch einmal abzuschalten.«
S.W.: Am Bildschirm. In: Duisburger Generalanzeiger. 27.6.1963

FSK: Infoprogramm
Länge: 733
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3
Ton: Dolby Mono/Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Zöptau – Ullersdorf – Mähr – Schönberg – Rämerstadt – Freudenthal

90 min. Pal/widesreen 16:9

Ein 90-minütiger Dokumentarfilm von Reinhard und Ingrid Kungel über die erstaunlichste Baustelle der Welt + Bonus: “Wir bauen eine Ritterburg” preisgekrönter Film für Kinder und Jugendliche (45 Minuten)

In Guédelon entsteht eine Burg. Das Besondere: die Bauarbeiten finden unter den Bedingungen des Mittelalters statt, ohne Bagger, Kran und Bohrmaschine.

Eine beeindruckende Szenerie: Steinbrecher, Steinmetze, Maurer, Waldarbeiter, Zimmerleute, Schmiede, Seiler, Korbflechter und Ziegler verarbeiten in ihren Werkstätten die vor Ort gewonnenen Rohmaterialien wie im 13. Jahrhundert. Guédelon ist damit ein Vorreiter für die Wissenschaft - insbesondere für die experimentelle Archäologie - und bietet die einmalige Gelegenheit, eine mittelalterliche Baustelle in einem lebendigen Umfeld zu besichtigen.

Reinhard Kungel und sein Filmteam begleiten die Bauarbeiten, die übrigens bis 2023 andauern sollen, von Anfang an. Der Film gibt damit einen chronologischen Überblick, erklärt Arbeitsabläufe und lässt die Macher selbst zu Wort kommen.

In den Monaten April bis Oktober ist die Baustelle im französischen Burgund offen für Besucher. Informationen zu Guédelon auch in deutscher Sprache unter: http://www.guedelon.fr

Bild: PAL 16:9
Ton: Dolby Digital 2.0
Ländercode: 0 - überall abspielbar
Sprachen: Deutsch, Englisch, Französisch
Laufzeit: 90 Minuten Dokumentarfilm
+ 45 Minuten Bonus Kinderfilm

BILBAO GUGGENHEIM MUSEUM - PHAENO - Das LOUIS VUITTON MUSEUM Regie: Julien Donada, Richard Copans,

Frank GEHRY: Das BILBAO GUGGENHEIM MUSEUM
Zaha HADID: PHÆNO in Wolfsburg
Frank GEHRY: Das LOUIS VUITTON MUSEUM (Das Glasschiff) in Paris

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten.

Computer generierte Formensprache, visionäre Vielfalt als Stilprinzip: So wurden Bau Materialien zuvor noch nie genutzt, Baukunst heute!

Frank Gehry:
Das Bilbao Guggenheim Museum
Berüchtigt für seine dekonstruktive Formensprache, konzipierte Frank Gehry in Bilbao eine monumentale Skulptur, chaotisch und abstrakt, animalisch, Hightech und doch harmonisch in die Landschaft eingebettet.

Zaha Hadid:
PHAENO in Wolfsburg
Phaeno – das Wissenschaftsmuseum von Wolfsburg ist ein Bau ohne rechten Winkel, als „fließender Raum“ im November 2005 eröffnet wurde. Der auf einem dreieckigen Grundriss und kegelartigen Stützen gebaute Gebäudekomplex ist von Naturlandschaften inspiriert. Oder um es mit Zaha Hadid zu sagen: “Den Bauplan liefert die Landschaft.”

Frank Gehry:
Das Louis Vuitton Museum (Das Glasschiff) in Paris
Ein Film von Richard Copans
Keine vertikalen Linien, keine einheitliche Fassade, keine Wiederholungen: Im Auftrag der Fondation Louis Vuitton errichtete der berühmte kanadisch-US-amerikanische Architekt Frank Gehry zwischen 2006 und 2014 am Rande des Pariser Bois de Boulogne ein Bauwerk ohnegleichen: ein Glasschiff, das die Illusion von Bewegung vermittelt und getrieben vom Westwind nach Paris zu segeln scheint.

Frank ’O Gehry:
Das Bilbao Guggenheim Museum
Der Gebäudekomplex gleicht einem lebendigen Organismus, der sich jederzeit in Bewegung setzten könnte. Der ungewöhnliche Bau ruft jedoch nicht allein durch sein Äußeres aus Titan und Glas Emotionen beim Betrachter hervor, auch durch sein Inneres, das mit der städtischen Umgebung untrennbar verbunden scheint. Der Museums-Bau ist nicht nur ein ästhetisches Meisterwerk, er steht auch für den wirtschaftlichen Erfolg: Die hohen Besucherzahlen haben alle Erwartungen gesprengt.
Es ist in erster Linie eine Zusammenstellung einzelner Gebilde. Aber dennoch findet der Kunstliebhaber sofort den Weg: Eine auf den ersten Blick chaotische Landschaft mit Canyons und steilen Felsen. Ein Tierkörper zeichnet sich ab. Ein lebendiger Organismus, der sich jeden Moment in Bewegung setzen könnte, der nichts erzählen will. Ein riesiges vorsintflutliches Ungeheuer, das am Flussrand auszuruhen scheint. Ein sich zur Schau stellendes und sich aufdrängendes Gebilde. Eine riesige Skulptur. Jeder Ausstellungsraum ist in sich abgeschlossen und wird durch eine zentrale Lichtquelle gespeist. Jeder Rundgang, jeder Gang, jeder Absatz und jede Treppe bieten einen Blick auf die Stadt. Ein Besuch bedeutet einen Wechsel zwischen Geschlossenheit und Sammlung einerseits und Ausdehnung, Öffnung und Stadtlandschaft andererseits. Die Haut des Gebäudes spielt dabei natürlich eine entscheidende Rolle: eine durch ein Stahlgerüst von den Ausstellungsräumen abgetrennte Haut, die sich stellenweise vom Körper des Gebäudes abzulösen scheint, eine Haut aus Titan und Glas. Titan glänzt nicht wie Stahl, es altert, lässt sich auch handwerklich verformen. Die Haut ist kein geschlossenes Ganzes. Schuppen aus Titan, sorgfältig ineinander gesteckt, die nicht auf ihre Befestigung schließen lassen, bedecken das Gerüst um die Ausstellungsflächen. Sie sind wie die Schuppen eines Fischs. Das Gebäude hat etwas Animalisches und ähnelt gleichzeitig einem High-Tech-Baukasten.

Zaha Hadid:
PHAENO in Wolfsburg
Phaeno – das Wissenschaftsmuseum von Wolfsburg ist ein Bau ohne rechten Winkel, der als „fließender Raum“ erst im November 2005 eröffnet wurde. Ein Gebäude von symbolischer Bedeutung für die deutsche Autostadt, ein Experimentierfeld für Kinder und Erwachsene. Für die räumliche Gestaltung des Betonbaus ließ sich die Architektin von Naturlandschaften inspirieren. In dem offen gestalteten Ausstellungsraum lassen sich Phänomene der Wissenschaft spielerisch entdecken.
Ende der 90er Jahre gab die Stadt Wolfsburg das wahrlich phänomenale Bauwerk in Auftrag. Entworfen wurde es von der britischen Architektin Zaha Hadid. Der Bau ähnelt einem gewaltigen Betondreieck auf kegelartigen Stützen, in denen Eingänge, Restaurants oder Geschäfte untergebracht sind. Das Dreieck selbst bildet einen einzigen riesigen Raum, der genug Platz für die spielerische und pädagogische Begegnungen bietet, die Groß und Klein hier mit der Welt der Wissenschaft machen können. Der Rundgang durch das Bauwerk eröffnet neue Perspektiven und ein neues Verständnis von Raum. Für sich genommen ist das Wissenschaftszentrum ebenso ein Erlebnis wie die Experimente mit Licht und Sehen, Materie und Energie, die es beherbergt. Phaeno ist Experimentier- und Erlebnislandschaft – oder um es mit Zaha Hadid zu sagen: “Den Bauplan liefert die Landschaft.”

Frank Gehry:
Das Louis Vuitton Museum (Das Glasschiff) in Paris
Ein Film von Richard Copans
2006 gab Bernard Arnault dem Architekten Frank Gehry den Auftrag, ein Gebäude für die Stiftung Louis Vuitton zu errichten, um sich sein eigenes Denkmal als Mäzen und Kunstförderer zu setzen.
Keine vertikalen Linien, keine einheitliche Fassade, keine Wiederholungen: Im Namen der Fondation Louis Vuitton errichtete der berühmte kanadisch-US-amerikanische Architekt Frank Gehry zwischen 2006 und 2014 am Rande des Pariser Bois de Boulogne ein Bauwerk ohnegleichen: ein Glasschiff, das die Illusion von Bewegung vermittelt und getrieben vom Westwind nach Paris zu segeln scheint.
Das beeindruckende, die Baumwipfel überragende Gebäude besteht aus einer Ansammlung von 19 weißen, organischen Blöcken. Jeder einzelne ist eine abstrakte Komposition mit zahlreichen Facetten und gekrümmten oder abgeschrägten Oberflächen; bedeckt mit Platten aus Ductal, einem weißen Faserbeton. Darüber liegen, in Anlehnung an das Glasdach des Pariser Grand Palais, weitläufig angeordnete Glasflächen. Jede Fläche, jeder Block hat eine individuelle Form und Größe, etwa wie ein dreidimensionales Puzzle, das den Eindruck eines “Erdbebenmusters” verleiht. Durch die überlappende Anordnung entstehen für den Besucher zugängliche Freiräume und Durchgänge.
Das Museum besteht aus einem großen Auditorium und elf Galerien, in denen zeitgenössische Kunst einen Ausstellungsort findet. Sechs der Galerien werden dank spezieller Lichtröhren mit Tageslicht beleuchtet. Durch die präzise Verwendung vieler einzigartiger Elemente aus Glas und Beton vereint das Gebäude industrielle Herstellung und Handwerkskunst sowie auch die Luxusindustrie, deren jüngstes Aushängeschild dieser bemerkenswerte Komplex ist. Seine von den Glassegeln geschützten Terrassen laden auf einen architektonischen Spaziergang ein und eröffnen eine wunderbare Sicht auf die französische Hauptstadt.

Inhaltsübersicht

Frank Gehry:
Das Bilbao Guggenheim Museum
Ein Film von Julien Donada

Zaha Hadid:
PHAENO in Wolfsburg
Ein Film von Richard Copans

Frank Gehry:
Das Louis Vuitton Museum (Das Glasschiff) in Paris
Ein Film von Richard Copans

Credits

Regie: Julien Donada, Richard Copans,

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2003-2015

Pressestimmen

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke der Vergangenheit und Gegenwart werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« – MDR Figaro

»Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de

»Eine schöne Idee: halbstündige Filme über wegweisende Bauwerke.« Saarbrücker Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 78
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Michal Kosakowski

Für den Film hat Regisseur Michal Kosakowski seit 1996 Menschen mit unterschiedlichen sozialen Hintergründen zu ihren Mordfantasien interviewt und ihnen die Möglichkeit gegeben, ihre Fantasien in Kurzfilmen zu inszenieren. Die einzige Bedingung: Die Protagonisten wirken in diesen Filmen selbst mit, entweder als Opfer oder als Täter.

Mehr als ein Jahrzehnt später traf Kosakowski diese Menschen erneut, um sie nach ihren Gefühlen zu fragen, die sie während ihrer Mord- bzw. Opferdarstellungen empfunden haben, und interviewte sie zu aktuellen sozialen Themen wie Rache, Folter, Krieg, Terrorismus, die Medien, häusliche Gewalt, Todesstrafe und Selbstmord.

Entstanden ist eine unkonventionelle Mischform aus Spielfilm und Dokumentation, die den Zuschauer dazu bringt, seine persönliche Position in Bezug auf ethische und moralische Werte und
Tabus zu hinterfragen.

Extras

The Making of ZERO KILLED, Trailer

Inhaltsübersicht

1. Vorspann
2. Mordphantasien
3. Ethische Dilemmata
4. Definitionen von Mord
5. Motivation für Mord
6. Schuldfrage
7. Mord und Selbstmord
8. Berufe der Teilnehmer
9. Abspann

Credits

Buch: Michal Kosakowski
Kamera: Michal Kosakowski
Mitwirkende: Goran Mimica, Therese Davies, Dorothée Berghaus, Sergio Figueroa, Stephan Doleschal, Uli Aigner, Hans Auer, Nikolaus Firmkranz, David Bruckner, Martin Sturm, Vinzenz Kemeter, Dietmar Beinhauer, Sara Monroe, Tamàr Eperjessy, Max Boehme, Michele Cavaliere, Barbara Braun, Rafal Kosakowski, Michael Dürr, Gabriela Hegedüs, Robert Jaczynki, Grzegorz Jaworski, Heli Leitner, Martina Spitzer, Sava Kiprov, Michael Jesch, Michael Lung, Gebhard Ottacher, Harald Maderbacher, Paolo Marzocchi, Viktoria von Prachtental, Nicholas Mortimore, Dorit Oitzinger, Lucas Vossoughi, Andy Sarup, Franziska Würzl, Manuel Smalis, Ries Straver, Reya Silao, Claudia Martini, Vitus Wieser, Denise Pitayataratorn, Pino Lux, Christian Scharf
Musik: Marzocchi, Paolo
Regie: Michal Kosakowski
Schnitt: Michal Kosakowski, Claudia Engl

Produktion: Michael Kosakowski
Produktionsland: D/AT
Produktionsjahr: 2011

Pressestimmen

»Ob man letztlich die fiktionalen oder die dokumentarischen Teile beängstigender findet, hängt ganz vom Zuschauer ab. Dass Kosakowski mit seinem Genrehybriden ein originelles und diskussionsbefeuerndes Werk erschaffen hat, steht indes außer Frage.« – Thomas Hübener, Spex

»Eine Reihe scheinbar willkürlich ausgewählter Menschen erzählen mit großer, teilweise bestürzender Offenheit über ihre Mordphantasien und erhalten die Möglichkeit, diese als Kurzfilm zu realisieren.« Filmdienst

»Und vielleicht ist gerade angesichts der Normalität der Menschen, die in Zero Killed zu uns sprechen – der Schock der Erkenntnis ist jedenfalls noch ein wenig ausgeprägter als bei The Act of Killing.« Joachim Kurz

»Auf gewisse Weise viel verstörender als einen brutalen Horrorfilm anzusehen.« BlackSpotHorror.com

»Gewalt und Gesellschaft ist der Schlüssel zu Kosakowskis künstlerischer Vision, die bislang nur in Videoinstallationen umgesetzt wurde.« Deadline

Auszeichnungen

Bester Dokumentarfilm, Chicago Underground Film Festival
Bester Dokumentarfilm, South Texas Underground Film Festival
Bester Film, Horrible Imaginings Film Festival, San Diego
Bester Chill!, Film Thriller! Chiller! Film Festival, Grand Rapids
Bester Horrorfilm, Barnabus Bailey & Underground Cinema, Dublin

FSK: 16
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Originaltitel:
ZERO KILLED

Länge: 80 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Digital
Sprache: mehrsprachige OF (Serbisch, Deutsch, Englisch, Polnisch)
Untertitel: englische Untertitel, deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Hanna Polak

14 Jahre auf der größten Müllhalde Europas: Aufwachsen unter widrigen Verhältnissen!

14 Jahre begleitete die Oscar nominierte Regisseurin Hanna Polak das Aufwachsen von Yula auf der größten Müllhalde Europas. 20 Kilometer vom Kreml entfernt, in der eigentlich verbotenen Zone von Svalka, lebt sie mit ihrer alkoholkranken Mutter inmitten von Dreck und Elend. Sie wünscht sich nichts sehnlicher, als die Halde irgendwann verlassen zu können und ein normales Leben zu leben. Noch ist ihre Realität aber eine andere: Zwischen Müll, Gewalt und gepantschtem Schnaps verliert sie ihren Vater, erlebt die erste Liebe, versucht ein normaler Teenager zu sein. Trotz aller Schrecken verliert sie ihre Unbeschwertheit und ihren Lebensmut nie…

Hannah Polaks Langzeitbeobachtung wurde weltweit auf Festivals ausgezeichnet und mit zahlreichen Preisen bedacht. Aus der Jurybegründung des Dokumentarfilm Festivals München, Hauptpreis: „Für 14 Jahre unermüdlichen Einsatzes der Filmemacherin für die Bewohner der Müllhalde von Moskau. Für den besonderen Zugang zu den Protagonisten. Für beeindruckende Bilder. Für einen Einblick in den politischen und sozialen Kontext der russischen Gesellschaft. Für die Verbindung vieler Ebenen zu einem Kunstwerk.“

Die Regisseurin Hanna Polak studierte zunächst an Schauspielschulen in Breslau und
Warschau und arbeitete am Theater in Chorzow in Polen. Im Anschluss absolvierte sie
den Kamerastudiengang am Kinematographischen Institut in Moskau. Ihre Kurzdokumentation
THE CHILDREN OF LENINGRADSKY wurde für den Oscar und mehrere Emmys
nominiert und hat zahlreiche internationale Preise gewonnen.

Die Reihe „Femmes Totales – Filme von Frauen“ wurde ins Leben gerufen, um zeitgenössische Filme von Frauen stärker in den Fokus zu rücken. Obwohl es selbstverständlich sein sollte, schaffen es dennoch viel zu wenige Filme von Filmemacherinnen ins Kino. Die Gründe reichen von Förderstrukturen, Vorurteilen bis hin zur Annahme, dass weibliche Regisseure nicht mit Millionenbudgets umgehen könnten. Dass all das Unsinn ist, beweist die vielfältige Auswahl von „Femmes Totales“! Gleich ob fesselnde Dokumentation, nervenaufreibender Thriller, satirische Komödie oder ergreifendes Drama – „Femmes Totales“ präsentiert großes Kino. Von Frauen. Aus aller Welt. Für alle.

FEMMES TOTALES ist ein Projekt von eksystent distribution Filmverleih
www.femmes-totales.de
www.eksystent.com

YULAS WELT erscheint auch in der Reihe: Nuremberg International Human Rights Film Festival
Spannend, aufrüttelnd, innovativ – so präsentiert sich das bedeutendste Menschenrechtsfilmfestival Deutschlands in Nürnberg. Wer das aktuelle Spitzenkino dieser Welt verfolgt, der weiß längst, dass Filmkunst und politische Haltung für viele preisgekrönte Filmeschaffende kaum zu trennen sind. Sie gehen ästhetisch und formal ganz eigene Wege und definieren dabei immer wieder die Möglichkeiten des Kinos neu. Diesen Filmen ist das Internationale Nürnberger Filmfestival der Menschenrechte gewidmet.
Die Highlights des engagierten Kinos sind nun auch jenseits des Festivals zu sehen und werden hier in loser Reihenfolge präsentiert.

Extras

Trailer Film, Filmtrailer zur Femmes Totales Reihe

Credits

Regie: Hanna Polak

Produktionsland: DK/PL
Produktionsjahr: 2014

Pressestimmen

“Ein Film, der unter die Haut geht und lange nachwirkt.” SWR

„Ein unglaublich aufwühlender Dokumentarfilm!“ Screen Daily

„Phänomenal!“ Tagesspiegel

“Ein einfühlendes Porträt über Menschen, die unter schwersten Bedingungen ihre Würde bewahren, geprägt von ruhigen, unverfälschten Bildern.. Wo sich sonst keiner hintraut, hat Polak – teils unter lebensbedrohlichen Umständen – mehr als ein Jahrzehnt gefilmt. Zwischen den stinkenden Abfällen sieht der Zuschauer wie Yula vom Kind zur jungen Erwachsenen aufwächst; ihr Zuhause eine feuchtkalte, dürftig zusammengebastelte Bretterhütte, die mal am einen Ende der Müllberge steht, mal am anderen.” Der Freitag

“Ein unfassbar trauriges Märchen aus Russland, das von einem Mädchen erzählt, das in Müll und Dreck erwachsen wird und die Kräfte eines Riesen hat.” Konradsblatt

“Die Nüchternheit, mit der die Regisseurin das Leid und die kleinen Freuden von Yula betrachtet, entzieht sich jeder Rührseligkeit. Statt zu dramatisieren lässt Polak lieber Yula und die anderen Bewohner der Mülldeponie selber berichten und gibt ihnen so die Stimme, die ihnen sonst niemand zugestehen will. So ist “Yulas Welt” weit mehr als ein mitleidiger Blick auf sozial Geächtete, sondern das engagierte Plädoyer für ein menschliches Miteinander." spielfilm.de

“Mit dieser Langzeitbeobachtung ist Hanna Polak ein filmisches Kunstwerk gelungen, in dem sie das Schicksal eines jungen Mädchens in den Kontext der politischen Situation ihres Landes setzt.” SWR

Auszeichnungen

1. International Documentary Festival Amsterdam, (IDFA) 2014: Special Jury Award (Netherlands)
2. Trieste Film Festival: The Alpe Adria Cinema Award: Best Documentary (Italy)
3. FIFDH, Geneva: The Youth Jury Price, Creative Documentary (Switzerland)
4. Art DocFest Moscow: Grand Prix of ArtDoc (Russia)
5. ZagrebDox 2015: Special Mention (Croatia)
6. EuroDok: Jury Award, Best Documentary (Norway)
7. One World Brussels: Special Mention (Belgium)
8. Documenta Madrid: Second Price of the Jury (Spain)
9. Doc.fest Munich: VIKTOR Main Competition DOK.international (Germany)
10. Docs Against Gravity: Millennium Award for Best Feature Documentary Film (Poland)
11. Docs Against Gravity: Canon Non Fiction Frame, Special Mention (Poland)
12. Favourites Film Festival: Bremen’s Favourite Award (Germany)
13. Andrey Tarkovsky International Film Festival: Small Mirror of Art DocFest (Russia)
14. Andrey Tarkovsky International Film Festival: Special Award Club 418 Mirror of Art DocFest (Russia)
15. Underhill Festival: Special Mention (Montenegro)
16. Gdansk DocFilm Festival: Best Cinematography (Poland)
17. Documentary Edge Festival 2015: Best International Feature Award (New Zealand)
18. Valetta Film Festival: Best Documentary (Malta)
19. Pärnu Film Festival: The Estonian People’s Award (Estonia)
20. Berlin’s Favorite Award (Germany)
21. Jameson CineFest (Hungaria)
22. NIHRFF, Youth Jury Award (Germany)
23. Hot Springs Documentary Film Festival Special Jury Prize International Documentary (USA)

Aus der Jurybegründung des Dokumentarfilm Festivals München, Hauptpreis: „Für 14 Jahre unermüdlichen Einsatzes der Filmemacherin für die Bewohner der Müllhalde von Moskau. Für den besonderen Zugang zu den Protagonisten. Für beeindruckende Bilder. Für einen Einblick in den politischen und sozialen Kontext der russischen Gesellschaft. Für die Verbindung vieler Ebenen zu einem Kunstwerk.“5

FSK: 12

Originaltitel:
Something Better To Come

Länge: 98
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Russisch
Untertitel: deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Maria Anna Tappeiner, Reinhard Wulf

Ausgezeichnet mit einem Golden Gate Award, San Francisco

Bekannt wurde der südafrikanische Künstler, Theaterregisseur und Filmemacher William Kentridge (*1955) vor allem durch seine Animationsfilme.
Die Technik dieser vier bis acht Minuten langen Filme bezeichnet er selbst als »Drawings for Projection«: Kohle- und Pastellkreidezeichnungen werden im Entstehungs- und Entwicklungsprozess gefilmt. Durch wiederholtes Wegradieren und Neuzeichnen entwickelt er die Handlung einer Szene. Jeder dieser Schritte wird mit einer 35mm-Kamera festgehalten. Dadurch bleiben die Spuren der wiederholten Eingriffe und Veränderungen sichtbar und werden zum konstitutiven Bestandteil der Filme.

Das Werk von William Kentridge bildet einen ausdrucksstarken wie persönlichen Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen ins Werk zu setzen. Gleichzeitig spiegeln seine Filme die Suche nach kultureller Identität und die Verwurzelung in der Geschichte und Politik Südafrikas.

Extras: William Kentridge im Interview (20 Min.) | Kentridge kommentiert zwei Rohschnitte von ‘Stereoscope’ (25 Min.), deleted scene aus ZEICHNEN FÜR DEN AUGENBLICK: “Ubu and the Truth Commission” (4 Min.)

Extras

William Kentridge im Interview (20 Min.) | Kentridge kommentiert zwei Rohschnitte von ‘Stereoscope’ (25 Min.), deleted scene aus ZEICHNEN FÜR DEN AUGENBLICK: “Ubu and the Truth Commission” (4 Min.)

Inhaltsübersicht

1. Arbeitsweise
2. Arbeitsprozess
3. Filmarbeit
4. Figuren
5. »Stereoscope«
6. Johannesburg
7. Theater
8. Film und Politik
9. Abspann

Credits

Regie: Maria Anna Tappeiner, Reinhard Wulf
Weitere Ergebnisse der Personensuche: William Kentridge

Produktion: WDR Mediagroup
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1999

Pressestimmen

…gibt einen tiefen Einblick in das Wesen und Schaffen dieses Ausnahmekünstlers." Cinearte

»Er konnte sich nicht entscheiden, ob er Künstler, Filmemacher oder Theaterregisseur werden sollte. Also wurde William Kentridge alles.« Die Welt

“Berühmt wurde der 62-Jährige durch unverwechselbare Animationsfilme, die die Entstehung von Kohle- und Pastellkreidezeichnungen zeigen und bei denen er durch Wegradieren und Neuzeichnen eine Handlung entwickelt. Seine Arbeiten sind, wie der Film von Maria Anna Tappeiner und Reinhard Wulf und ein Gespräch mit dem Künstler beweisen, der Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen zu zeigen, und auch die Suche nach einer kulturellen Identität Südafrikas.” NWZ

“Kentridge unternimmt einen ausdrucksstarken Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen darzustellen, verbunden mit der Verwurzelung in der Geschichte und Politik Südafrikas sowie der Suche nach kultureller Identität. In seinen Zeichnungen und Trickfilmen ist die ausradierte Linie so wichtig wie die neu entstehende: Immerzu sieht man, wie Figuren in ihrer Bewegung zerfallen und in Schwarzweiß verwehen.” Cinearte

Auszeichnungen

Ausgezeichnet mit dem Golden Gate Award, San Francisco

Prinzessin-von-Asturien-Preis 2017

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A CH

Länge: 50
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch, Englisch
Untertitel: teilweise dt. Untertitel
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Maria Anna Tappeiner, Reinhard Wulf

Ausgezeichnet mit einem Golden Gate Award, San Francisco

Bekannt wurde der südafrikanische Künstler, Theaterregisseur und Filmemacher William Kentridge (*1955) vor allem durch seine Animationsfilme.
Die Technik dieser vier bis acht Minuten langen Filme bezeichnet er selbst als »Drawings for Projection«: Kohle- und Pastellkreidezeichnungen werden im Entstehungs- und Entwicklungsprozess gefilmt. Durch wiederholtes Wegradieren und Neuzeichnen entwickelt er die Handlung einer Szene. Jeder dieser Schritte wird mit einer 35mm-Kamera festgehalten. Dadurch bleiben die Spuren der wiederholten Eingriffe und Veränderungen sichtbar und werden zum konstitutiven Bestandteil der Filme.

Das Werk von William Kentridge bildet einen ausdrucksstarken wie persönlichen Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen ins Werk zu setzen. Gleichzeitig spiegeln seine Filme die Suche nach kultureller Identität und die Verwurzelung in der Geschichte und Politik Südafrikas.

Extras: William Kentridge im Interview (20 Min.) | Kentridge kommentiert zwei Rohschnitte von ‘Stereoscope’ (25 Min.), deleted scene aus ZEICHNEN FÜR DEN AUGENBLICK: “Ubu and the Truth Commission” (4 Min.)

Extras

William Kentridge im Interview (20 Min.) | Kentridge kommentiert zwei Rohschnitte von ‘Stereoscope’ (25 Min.), deleted scene aus ZEICHNEN FÜR DEN AUGENBLICK: “Ubu and the Truth Commission” (4 Min.)

Inhaltsübersicht

1. Arbeitsweise
2. Arbeitsprozess
3. Filmarbeit
4. Figuren
5. »Stereoscope«
6. Johannesburg
7. Theater
8. Film und Politik
9. Abspann

Credits

Regie: Maria Anna Tappeiner, Reinhard Wulf
Weitere Ergebnisse der Personensuche: William Kentridge

Produktion: WDR Mediagroup
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1999

Pressestimmen

…gibt einen tiefen Einblick in das Wesen und Schaffen dieses Ausnahmekünstlers." Cinearte

»Er konnte sich nicht entscheiden, ob er Künstler, Filmemacher oder Theaterregisseur werden sollte. Also wurde William Kentridge alles.« Die Welt

“Berühmt wurde der 62-Jährige durch unverwechselbare Animationsfilme, die die Entstehung von Kohle- und Pastellkreidezeichnungen zeigen und bei denen er durch Wegradieren und Neuzeichnen eine Handlung entwickelt. Seine Arbeiten sind, wie der Film von Maria Anna Tappeiner und Reinhard Wulf und ein Gespräch mit dem Künstler beweisen, der Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen zu zeigen, und auch die Suche nach einer kulturellen Identität Südafrikas.” NWZ

“Kentridge unternimmt einen ausdrucksstarken Versuch, die Natur menschlicher Gefühle und Erinnerungen darzustellen, verbunden mit der Verwurzelung in der Geschichte und Politik Südafrikas sowie der Suche nach kultureller Identität. In seinen Zeichnungen und Trickfilmen ist die ausradierte Linie so wichtig wie die neu entstehende: Immerzu sieht man, wie Figuren in ihrer Bewegung zerfallen und in Schwarzweiß verwehen.” Cinearte

Auszeichnungen

Ausgezeichnet mit dem Golden Gate Award, San Francisco

Prinzessin-von-Asturien-Preis 2017

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A CH

Länge: 50
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch, Englisch
Untertitel: teilweise dt. Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

II: Neue Formen Regie: diverse Herausgeber: Bettina Schoeller-Bouju, Claudia Lenssen

Fiebrig, versponnen und schrill, bisweilen sachlich registrierend, leise komisch oder tastend meditativ: Die vorliegende Auswahl an deutschsprachigen Kurzfilmen von Frauen aus den letzten 50 Jahren ist vielseitig – so wie ihre Macherinnen selbst. Oft waren es produktionstechnische Gründe, die sie dazu bewogen, auf große Budgets und Teams zu verzichten und den vermeintlichen »Mangel« in phantasievolle Filmstile zu verwandeln und zu perfektionieren. Bei den vorliegenden Kurzfilmen aus Ost- und Westdeutschland handelt es sich sowohl um künstlerische Werke als auch um bedeutsame Zeugnisse der Filmgeschichte.

Inhaltsübersicht

- SUBJEKTITÜDE (Helke Sander, BRD 1966, s/w, 4 Min., 16 mm)
- UMWEGE (Susanne Beyeler, CH 1968, 22 Min., 35 mm)
- ORTSFREMD … WOHNHAFT VORMALS MAINZER LANDSTRASSE (Hedda Rinneberg/Hans Sachs, BRD 1977, s/w, 12 Min., 35 mm)
- HAUS.FRAUEN EINE COLLAGE (Helke Misselwitz, DDR 1982, Farbe, 15 Min., 35 mm)
- SAMUEL (Cornelia Klauß, DDR 1984, s/w, 4 Min., Super 8)
- NOCHEINMAL (Ute Aurand/Ulrike Pfeiffer, BRD 1987, Farbe, 5 Min., 16 mm)
(aus: OH! DIE VIER JAHRESZEITEN, Ute Aurand/Ulrike Pfeiffer, BRD 1986/88, Farbe, 20 Min.)
- KONRAD, SPRACH DIE FRAU MAMA (Ramona Köppel-Welsh, DDR 1989, 11 Min., Super 8)
- FÄRBLEIN (Bärbel Freund/Rainer Bellenbaum, BRD 1990/92, Farbe, 21 Min., 16 mm)
- FREMDER MANN II (Milena Gierke, BRD 1992, Farbe, 3 Min., Super 8)
- VOLVER (Milena Gierke, BRD 2009, Farbe, 7:30 Min., Super 8)
- EINTAGSFLIEGEN (Birgit Hein, BRD 1997, Farbe, 24 Min., U-matic)
- FIN DE SIGLO (Maike Höhne, BRD 1998, Farbe, 15 Min., 16 mm)
- CHICA XX MUJER (Isabell Šuba, BRD 2010, 12 Min., DVCAM)

Credits

Herausgeber: Bettina Schoeller-Bouju, Claudia Lenssen
Regie: diverse

Produktionsland: BRD, DDR
Produktionsjahr: 1966‒2010

Pressestimmen

»Das medienübergreifende Vorhaben mit seiner Website frauenmachenfilme.de schafft es, Vielfalt und Reichtum weiblichen Filmschaffens zu zeigen und sich dabei von Verallgemeinerungen und Festsetzungen, wie dem oft einschränkenden, mitunter sehr unscharfen und negativ belegten Label „Frauenfilm“ zu lösen.
(…)
Heute kennen nur noch interessierte Cinephile die Filmpionierinnen des Jungen Deutschen Films und deren Werke, obwohl sie im internationalen Vergleich in ihrer Gesamtheit als einmalig gelten müssen.
(…)
Dass nicht alle Selbstaussagen und Filme die Färbung der Konfrontation zwischen den Geschlechtern tragen, trägt dazu bei, dass diese Initiative zur Anerkennung deutscher Filmfrauen nicht zur Streitaktion schrumpft. Es ist der gelungene Versuch, ein aktuelles Bild weiblichen Filmschaffens in Deutschland zu geben und bietet eine gute Diskussionsbasis für die aktuelle Debatte. Eines wird an der historischen Schau klar: Die Pionierinnen von damals bewältigten Hindernisse, vor denen ihre Nachfahrinnen noch heute teilweise stehen. Ihnen wünscht man den gewinnbringenden Gang nach Cannes.«
FAZ, 31.08.2014, von Eleonor Benítez

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 155 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3/16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Kurzfilme

I: Spielen und Dokumentieren Regie: diverse Herausgeber: Bettina Schoeller-Bouju, Claudia Lenssen

Die vorliegenden Dokumentar- und Spielfilme von Frauen aus Ost- und Westdeutschland bestechen durch ihre außergewöhnlichen Frauenfiguren. Ob am Herd oder in der Bar, auf dem Sofa oder beim Arzt, am Kaffeetisch oder unterwegs – diese Frauen überraschen durch Originalität, Kampfgeist und Aufmüpfi gkeit. 50 Jahre nach dem großen Aufbruch der Frauen in Deutschland ist diese DVD eine Rückschau in ost- und westdeutschen Kurzfilmen. Wie haben sich die Rollen der Frauen über die
Jahrzehnte verändert? Die Zeugnisse der Filmgeschichte laden zum direkten Vergleich ein.

Inhaltsübersicht

- SONNABEND, 17 UHR (Ula Stöckl, BRD 1966, s/w, 16 Min., 35 mm)
- DAS PORTRAIT (May Spils, BRD 1966, Farbe, 10 Min., 35 mm)
- FÜR FRAUEN – 1. KAPITEL (Cristina Perincioli, BRD 1971, Farbe, 27 Min., 16 mm/35 mm)
- DER ANSCHLAG (Pia Frankenberg, BRD 1984, s/w, 9 Min., 35 mm)
- CHLOÉ (Angie Welz-Rommel, BRD 1984, s/w, 8 Min., 16 mm)
- DIE LÖSUNG (Sieglinde Hamacher, DDR 1988, s/w, 4 Min., 16 mm)
- TSUNAMI ODER DIE MAXIMALE MITMENSCHLICHKEIT (Connie Walther/Matthias Schwelm, BRD 2006, Farbe, 15 Min., Digital Betacam)
- SIE NANNTEN IHN DINGS (Nathalie Percillier, BRD 2007, Farbe, 5 Min., DVCAM)
- WO ICH BIN IST OBEN (Bettina Schoeller, BRD 2010, Farbe, 18 Min., High8 / 16 mm)
- ENKEL DER GESCHICHTE (Laura Laabs, BRD 2011, Farbe, 20 Min., Digital Betacam)
- KROKODILE OHNE SATTEL (Britta Wandaogo, BRD 2012, Farbe, 15 Min., DV/HDV)

Credits

Herausgeber: Bettina Schoeller-Bouju, Claudia Lenssen
Regie: diverse

Produktionsland: BRD, DDR
Produktionsjahr: 1966‒2012

Pressestimmen

»Das medienübergreifende Vorhaben mit seiner Website frauenmachenfilme.de schafft es, Vielfalt und Reichtum weiblichen Filmschaffens zu zeigen und sich dabei von Verallgemeinerungen und Festsetzungen, wie dem oft einschränkenden, mitunter sehr unscharfen und negativ belegten Label „Frauenfilm“ zu lösen.
(…)
Heute kennen nur noch interessierte Cinephile die Filmpionierinnen des Jungen Deutschen Films und deren Werke, obwohl sie im internationalen Vergleich in ihrer Gesamtheit als einmalig gelten müssen.
(…)
Dass nicht alle Selbstaussagen und Filme die Färbung der Konfrontation zwischen den Geschlechtern tragen, trägt dazu bei, dass diese Initiative zur Anerkennung deutscher Filmfrauen nicht zur Streitaktion schrumpft. Es ist der gelungene Versuch, ein aktuelles Bild weiblichen Filmschaffens in Deutschland zu geben und bietet eine gute Diskussionsbasis für die aktuelle Debatte. Eines wird an der historischen Schau klar: Die Pionierinnen von damals bewältigten Hindernisse, vor denen ihre Nachfahrinnen noch heute teilweise stehen. Ihnen wünscht man den gewinnbringenden Gang nach Cannes.«
FAZ, 31.08.2014, von Eleonor Benítez

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 147 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3/16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree


Rubrik: Kurzfilme

Regie: Heinz Bütler, Alexander Kluge

Von deutschen Emigranten 1916 gegründet, räumte Dada zuerst in Zürich, später vor allem in Deutschland und Paris mit allem auf, was Ausdruck einer bürgerlichen Kultur war, die in die Katastrophe des Ersten Weltkriegs geführt hatte.

Teil 1 von Heinz Bütler: Was ist Dada? Eine Kunst? Eine Philosophie? Eine Feuerversicherung? Garnichts?
Die Dadaisten zertrümmerten in ihren Lautgedichten Sprachsinn und Syntax: »jolifanto bambla ô falli bambla.« Doch wenn es in ihren Plakaten und Manifesten um Deklarationen in eigener Sache ging, kam der Ohne- oder Widersinn in klaren Sätzen daher: »Nehmen Sie Dada ernst, es lohnt sich.«

Teil 2 von Alexander Kluge: Der Griff ins Schwarze – Dada / Futurismus
Der Griff ins Schwarze bezeichnet eine Haltung: Wir pfeifen auf die Realität, wenn sie sich aufführt wie unsere Gegenwart. Für Dada bezieht sich das unmittelbar auf das Grauen des industrialisierten Kriegs von 1914 bis 1918.

Mit Tobia Bezzola, Bazon Brock, Harald Falckenberg, Robert Hunger-Bühler, Michael Lentz, Christoph Marthaler, Adrian Notz, Raoul Schrott, Christian Uetz, Beat Wyss, Stefan Zweifel

Extras

Mit einem 40-seitigen Begleitheft. Stefan Zweifel: Dada: Unsinn und Ohnesinn; Beat Wyss: Die Erbsünde der Populärkultur; Infos zu Mitwirkenden und Mitarbeitern; Infos zu Heinz Bütler und Alexander Kluge.

Inhaltsübersicht

Teil1: Was ist Dada?
1. »Im Land der Joghurt-Fanatiker«. Dada Zürich und das Cabaret Voltaire. Mit Robert Hunger-Bühler, Michael Lentz, Adrian Notz, Raoul Schrott, Christian Uetz, Stefan Zweifel. 28 Min.
2. Warum Dada kein Ismus ist. Mit Beat Wyss. 2 Min.
3. Wer erfand eigentlich Dada? Mit Stefan Zweifel. 5 Min.
4. Mona Lisa mit Schnurrbart. Andre Breton als Papst. MitTobia Bezzola. 15 Min.
5. Eigene Wege: Max Ernst und Kurt Schwitters. Mit Beat Wyss. 5 Min.
6. »Dada siegt!« MitTobia Bezzola. 3 Min.
7. Maschinengewehrlyrik. Mit Robert Hunger-Bühler. 7 Min.
8. Widersinn aus dem Setzkasten. Mit Michael Lentz. 3 Min.
9. »Ein aufheulendes Auto ist schöner als die Nike von Samothrake.« Mit Beat Wyss. 6 Min.
10. Hugo Ball sucht Rettung bei Kandinsky. Mit Beat Wyss und Stefan Zweifel. 5 Min.
11 Pariser Provokationen. Mit Tobia Bezzola. 10 Min.
12. Phallischer Infarkt. Mit Beat Wyss und Stefan Zweifel. 3 Min.
13. Sexualität alsTabubruch. Mit Beat Wyss und Stefan Zweifel. 2 Min.
14. Kunst-Grosswetterlage um 1916. Mit BeatWyss. 6 Min.
15. Nein ohne Ende: Gugus Dada. Mit Stefan Zweifel. 7 Min.
16. Dadas Kern: Die Irritation. Mit Beat Wyss. 3 Min.
17. »Die Erbsünde der Populärkultur«. Mit Beat Wyss. 6 Min.
18. »jolifanto bambla ö falli bambla«. Mit Robert Hunger-Bühler. 2 Min.
19. »Nichte«. Mit Christian Uetz. 5 Min

Teil 2: Der Griff ins Schwarze – Dada / Futurismus
1. Der Pfiff aufs Ganze. Kurzfilm. 5 Min.
2. Hirne im Dreivierteltakt. Dada und Lenins Knie. Mit Bazon Brock. 5 Min.
3. »Nicht Dada ist Nonsens, sondern das Wesen unserer Zeit ist Nonsens.« 4 Min.
4. »MeineTränen in der Waschmaschine«. Mit Christoph Marthaler. 4 Min.
5. Kein Hund ist da. Kurzfilm. 1 Min.
6. Bumm Dada. Kurzfilm. 4 Min.
7. Wie alt ist das »Prinzip Dada«? Mit Bazon Brock. 4 Min.
8. Um Trauer zu verstehen. 2 Min.
9. Lyrische Chemie / Le cceur »ä gaz«. 3 Min.
10. »Gorgonisiert euch!« Mit Bazon Brock. 2 Min.
11. Sphärenmusik. 2 Min.
12. »Der Gegenpol von Sinn ist nicht Unsinn, sondern verdrehter Sinn.« 3 Min.
13. Aus dem Maschinenraum der Kunst. Mit Harald Falckenberg. 6 Min.
14. Hitler gegen Dada / Dada gegen Hitler. 8 Min.
15. Protego, ergo sum. Mit Bazon Brock. 2 Min.
16. »Klotzig«. Daniel Rubenstein spielt Musik der Novembergruppe 1918 Berlin. 2 Min.
17. Permanente Transformation. Mit Bazon Brock. 4 Min.
18. »Phantastische Gebete«. Mit Rhythmen von Hans Richter. 3 Min.

Credits

Regie: Heinz Bütler, Alexander Kluge

Produktion: NZZ Format, Kairos Film, dctp
Produktionsland: D, CH
Produktionsjahr: 2011

Pressestimmen

»In diesem Land der Rohköstler und Joghurtfanatiker, in der freien Schweiz, wo die Kühe wie Menschen und die Menschen wie Kühe sind, hier wurde eines Tages Dada geboren. Von Tristan Tza ra, einem der Gründer, stammt – neben dieser Geburtsgeschichte – auch eine weitere, welche den Namen betrifft. Ein Mörder sei durchs Café gelaufen, die Polizei hinterher, da habe er geschrieen: Da Da ist er. Solche Geschichten – neben vielfältigen Analysen – werden von diversen, ausschliesslich männlichen Dada-Spezialistenanschaulich serviert. Und die Spezialistinnen? Jolifanto bambla ô falli bambla!« Kunstbulletin

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: nur D, A

Länge: 180
Bild: PAL, Farbe, 16:9, 4:3
Ton: Dolby Digital 2.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Eine Reise durch das Leben und Werk von Dr. Gerda Lerner Regie: Renata Keller

Als bahnbrechende feministische Historikerin, Autorin und soziale Reformerin ist Gerda Lerner zweifellos eine der inspirierendsten Frauenpersönlichkeiten des 20. Jahrhunderts. Sie emigrierte vor den Nazis in die USA, war frühzeitig in der Bürgerrechtsbewegung engagiert, schrieb 1972 die überfällige Studie „Schwarze Frauen im weißen Amerika“, 1986 „Die Entstehung des Patriarchats“ und begründete so die Frauen Geschichtsschreibung. Der Film wirft einen detaillierten Blick auf das persönliche, berufliche und politische Leben Gerda Lerners und geht der Frage nach: Wie kann uns das Wissen über unsere eigene Geschichte dazu inspirieren, eine bessere Zukunft zu gestalten? Ausgehend von den revolutionären Errungenschaften der Frauen im 20. Jahrhundert wirft der Film auch einen Blick in die Zukunft und geht der Frage nach: Wo stehen die Frauen heute? Und was ist der nächste Schritt?

http://www.womenneedtoclimbmountains.com/
http://www.gerdalerner.com/

Gerda Lerner
(Geburtsname: Gerda Hedwig Kronstein)
geboren am 30. April 1920 in Wien, gestorben am 2. Januar 2013 in Madison, Wisconsin (USA)
Die »Godmother of women‘s history«, wie die New York Times zitierte, ist weit über das universitäre Feld bekannt und hat ihre Tätigkeit für die »Anderen«, jene am Rand der Gesellschaft, immer als eminent politisch angesehen. Die historische Benachteiligung von Frauen ist nur eine, aber eine bedeutende Form der Diskriminierung, da Frauen die Gruppe von Menschen sind, die am längsten als »Andere« stigmatisiert wurden.
Lerner, die als Kind jüdischer Eltern geboren wurde, musste vor den Nationalsozialisten mit ihrer Familie ins Exil flüchten und hat erst in den USA zu einer anerkannten Bürgerin und Wissenschaftlerin werden können. Ihr gelang es 1972 den ersten Studiengang und 1980 ein Doktorratsstudium für Frauengeschichte in den USA zu etablieren. Lerner ist es gelungen den Frauen, über die sie schrieb, eine Stimme zu geben. Ihr ist es früher als anderen klar gewesen, dass gesellschaftliche Benachteiligungen komplex sind und Ausbeutung, Unterdrückung und Benachteiligung Ergebnisse historischer Prozesse sind. Ende April 2012 willigt sie ein, den Dokumentarfilm über sich drehen zu lassen und verbringt einige Tage mit Renata Keller, der Regisseurin. Am 2. Januar 2013 stirbt Gerda Lerner in ihrem Heim in Madison. Ihr wissenschaftlicher Nachlass wird von der Schlesinger Library der Harvard Universität betreut.

Die Regisseurin bietet auch Kurse und Workshops zum Film an.
Mehr Information: www.womenneedtoclimbmountains.com

Schriften von Gerda Lerner:
• Feuerkraut. Eine politische Autobiographie. Czernin, Wien 2009
• Zukunft braucht Vergangenheit. Warum Geschichte uns angeht. Helmer, Königstein/Taunus 2002
• Die Entstehung des feministischen Bewußtseins. Vom Mittelalter bis zur ersten Frauenbewegung (= Frauen und Geschichte. Bd. 2). Aus dem Englischen von Walmot Möller-Falkenberg. Campus-Verlag, Frankfurt am Main u.a. 1993
• Die Entstehung des Patriarchats (= Frauen und Geschichte. Bd. 1). Campus-Verlag, Frankfurt am Main u. a. 1991
• 1979 Frauen finden ihre Vergangenheit. Grundlagen der Frauengeschichte. Campus-Verlag, Frankfurt am Main u. a. 1995
• Ein eigener Tod. Der Schlüssel zum Leben. Böhme und Erb, Düsseldorf 1979
• The Grimké sisters from South Carolina. Rebels against slavery. Houghton Mifflin, Boston 1967 (Englisch)

Extras

Bonusfilme

Über Zeit und Verbundenheit
Kathryn Skish Sklar, Professorin der Geschichte, Binghamton University

Mit Gerda Lerner in Österreich
Bonnie Johnson, Professorin der Geschichte, City University, New York

Die Rolle der Frauen jetzt
Robin Morgan, Feministin, Aktivistin und Schriftstellerin

Gerda Lerner liest ihr Gedicht: Ein Lob des Alters

Hildegard von Bingen
Schwester Philippa Rath OSB, PR und Kommunikation, Hildegard von Bingen Kloster

Inhaltsübersicht

Kapitel
1 Einführung
2 Jugend
3 Bürgerkrieg in Wien
4 Politik der Straße
5 Emigration in the USA
6 Heirat und soziale Gerechtigkeit
7 Die Rolle der Männer und Frauen
8 Der Beginn der Frauengeschichtsschreibung
9 Hildegard von Bingen und Betty Friedan
10 Schwarze Frauen im Weißen Amerika
11 Frauen haben eine Geschichte!
12 Warum Frauen Berge besteigen sollten
13 Die Kreation des Patriachats
14 Die Auswirkung des Patriachats auf Männer
15 Die eigene Stimme finden
16 Die Feier und die Fragen

Credits

Kamera: Gennaro Ambrosino, Tamas Ujiaki, Renata Keller,
Musik: Fabian Koppri
Regie: Renata Keller
Schnitt: Beatrice Madach

Produktion: Vertical Impulse
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016

Pressestimmen

“Der Filmregisseurin gelingt durch die Intensität der Dialoge und der gewählten Ausschnitte ein detailliert gezeichnetes Bild von Leben und Werk einer historischen Persönlichkeit, die unser einseitig patriarchalisches Weltbild in seinen Fundamenten grundlegend erschüttert hat.” MUNDUS

“Im Alter von 92 Jahren stimmte die 1920 als Gerda Hedwig Kronstein geborene Historikerin Gerda Lerner doch noch zu, einen Dokumentarfilm über sich drehen zu lassen. Sichtbar wird darin eine kraftvolle Persönlichkeit, die als politisch wirkende Frau schreibend und engagiert den feministischen Diskurs prägte.
Trotzdem die Regisseurin viele Details aus Gerda Lerners Leben zusammen trägt, wirkt der Film nie überladen. Auch lässt sie die emotionalen Momente stehen, in denen die Historikerin zögernd, und dabei mutig ihre Zerbrechlichkeit unterdrückend, auf die Nachfragen zu ihrer Kindheit und Jugend antwortet.” Aviva

“Lerner und Keller treten in Dialog miteinander, wobei Lerner der Jüngeren rät, der Welt selbstbewusst, selbstreflektiv und mutig zu begegnen. “Niemand ‘gab’ uns etwas. Das Frauenwahlrecht wurde uns nicht gegeben. Es dauerte 72 Jahre ununterbrochener Basisarbeit, bis wir es hatten. Gegen konstanten Widerstand.”" 3sat

Renata Keller: Warum ich selbst Berge besteige
Schon als Kind habe ich mich gefragt, was es bedeuten würde, aus eigenen Augen zu schauen. Ich hatte dieses leise Gefühl, dass das möglich sein kann, obwohl in der Erziehung, Schule und im sozialen Umfeld mir immer wieder klar wurde, dass nicht nur ich, aber auch die Erwachsenen um mich herum, sich anpassten, sie oft das sagten, was andere hören wollten oder nicht wirklich die Wahrheit aussprachen.
Ich habe diese Beobachtungen bis in mein Erwachsensein mitgetragen und bin auch ganz früh auf eine Sinnessuche gegangen. Diese hat mich auch dazu gebracht, das Wirken der Frauen im Unterschied zum Wirken der Männer nochmals klarer zu sehen – die Spiele, die wir spielen, die Unfreiheit untereinander. Und ich kam bald zum Schluss, dass wir beide – Männer und Frauen – eine neue Rollenklärung brauchen, die uns zu authentischen Menschen macht. Das bedeutet, alle unseren gesellschaftlichen Strukturen zu hinterfragen – aber sich NICHT zu polarisieren, sondern aus sich selbst zu schöpfen.
Vor fünf Jahren lernte ich die Arbeit von Gerda Lerner kennen und war begeistert. Sie war und ist für mich ein Beispiel einer Frau, aber auch einfach eines Menschen, die für sich selbst gedacht hat und sich nie hat kategorisieren lassen, weder als Frau, als Mutter, als Wissenschaftlerin noch als Feministin. Ihre Grundhaltung in ihren historischen Forschungen der Entwicklung des Patriarchates war: Wir haben diese Welt gemeinsam gestaltet und wir sind verantwortlich, unsere Zukunft gemeinsam zu gestalten. Dazu müssen aber Frauen auch ihre eigene Geschichte kennenlernen, gelöst von den patriarchalischen Augen, die unsere Welt definiert haben – mit neuem Blick auf unsere Geschichte und auf unser Leben schauend. Wir alle brauchen Helden, vor allem wir Frauen brauchen Heldinnen. Gerda Lerner wurde zu meiner Heldin. Sie war nicht nur eine aktive, engagierte Zeitzeugin des 20. Jahrhunderts, sie hatte auch die Gabe, selbst-autorisiert über die politischen und menschlichen Krisen dieser Zeit zu reflektieren und hat die Komplexität des Menschseins nicht gescheut und für eine gerechtere Welt gekämpft.
Dank ihr habe ich gelernt, was es bedeutet, Berge zu besteigen – metaphorisch und real.

Filmempfehlung: Warum Frauen Berge besteigen sollten
Dr. Sabine Arndt-Baerend
Oberstufenkoordination Freie Waldorfschule Chiemgau, Prien
Wir haben den Film „Warum Frauen Berge besteigen sollten“ im Rahmen eines Projekttages mit der ganzen Oberstufe unserer Schule angesehen. In einer Vorbesprechung haben wir die Schüler in das Leben dieser herausragenden engagierten Zeitzeugin des 20. Jahrhunderts eingeführt. Der Film ist besonders gut für die heutigen Jugendlichen geeignet, weil er Gerda Lerners Einsatz für soziale Veränderung und den Kampf der Frauen um die Entdeckung ihrer eigenen Geschichte im Fokus hat. Wer anfänglich denkt, das Thema ist mehr für das weibliche Geschlecht geeignet, der wird schnell eines besseren belehrt, hier werden „Mädchen“ wie „Jungen“ gleichermaßen angesprochen und erreicht. Gerade in einer Zeit, wo es immer weniger Zeitzeugen gibt, werden wir für die Zukunft mehr auf das Medium „Film“ angewiesen sein, das uns wie an diesem Beispiel deutlich wird, einen hervorragenden Einblick gibt in die verschiedenen Stationen des Lebens einer Holocaustüberlebenden mit Emigration in die USA bis zu ihrer beruflichen Laufbahn als einer feministischen Leitfigur des 20. Jahrhunderts.
Angesichts der politischen Entwicklung in unseren Tagen ist es für Schülerinnen und Schüler von unschätzbarem Wert sich mit einer Persönlichkeit wie G.L zu beschäftigen, vor allem auch, weil der Film der Frage nachgeht, „wie kann uns das Wissen über unsere eigene Geschichte dazu inspirieren, eine bessere Zukunft zu gestalten“. Alles in allem Diskussions- und Unterrichtsthemen, die sowohl im Geschichts- als auch im Sozialkundeunterricht weiterbearbeitet werden können bzw. müssen.

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Why Women Need to Climb Mountains
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englisch, spanisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Lilo Mangelsdorff

“Am liebsten wäre ich selbst Musik!”

Barbara Hellers Kompositionen zählen zur sogenannten „Neuen Musik“, sprengen das Genre jedoch mit großer sinnlicher Qualität und herber Schönheit. Ihr breites Werk umfasst sowohl Kompositionen der Klassischen Moderne wie auch grafische Notationen und experimentelle akustische Installationen.

Im Mittelpunkt des Films steht Hellers kreativer Schaffensprozess und ihr persönlicher Ausgangspunkt für die Kompositionen, in denen sich Klänge und Phänomene aus ihrem unmittelbaren Umfeld mit ihrer inneren Verfassung verbinden. Dieser Prozess wird in kongenialen Bildern sinnlich erfahrbar.

Beleuchtet werden auch wichtige Stationen ihrer künstlerischen Entwicklung von der Pianistin zur Komponistin, einige Wegbegleiter kommen zu Wort. Barbara Heller begründete das „Archiv Frau und Musik“ mit, das die vergessenen Werke von Komponistinnen der Öffentlichkeit zugänglich macht.

Neben dem Blick auf das künstlerische Schaffen Hellers verweist der Film auf die Restriktionen, denen musizierende Frauen noch im 20. Jahrhundert unterworfen waren.

„Es ist eine Sucht, du suchst einen Klang. Ich bin ja keine Musikerin, ich bin eine Hörerin. Die Hörlust ist mein Antrieb.“

Mitwirkende

Barbara Heller

Mary Ellen Kitchens, Dirigentin – Chorleiterin,
Vorstandsmitglied Internationaler Arbeitskreis Frau und Musik e.V.

Irith Gabriely, Klarinettistin

Dr. Rainer Mohrs, Lektor im Verlag Schott Music

Klavierspiegelung
Die Kinder beim Kompositions-Workshop des Piano-Podium e.V. Karlsruhe:
Georg Hartung, Konrad Hartung, David Heinz, Boris Khlopovskiy,
Tim Krome, Uljana Tabatschnik, Benedikt Zimmer, Sebastian Zimmer

Interpreten und Musikwerke

Barbara Heller spielt
Anschlüsse (Ausschnitte)
von Barbara Heller

Wellen (Ausschnitt)
von Barbara Heller aus: Klangspuren Bd. 1,

Wolkenhimmel (Ausschnitt)
von Barbara Heller aus: Fliegender Vogel,

Wenn Töne auf Bananenstauden wachsen würden (Ausschnitt)
von Barbara Heller / Nikolaus Heyduck
aus der CD Tonzeichen,

Barbara Heller (Klavier)
Eine Welle kehrt um
von Barbara Heller
Tonkassettenaufnahme, Privatarchiv Barbara Heller

Sontraud Speidel (Klavier)
Klaviersuite (Ausschnitt)
von Barbara Heller
aus der CD Schwarze Tasten Weiße Tasten,

Irith Gabriely (Klarinette) und Barbara Heller (Klavier) spielen
Früher oder später (Ausschnitte)
von Barbara Heller

Barbara Heller spielt
Gute Laune (Ausschnitt)
von Barbara Heller

Dr. Rainer Mors spielt
Märchen aus 1001 Nacht
von Barbara Heller

Teilnehmer beim Barbara-Heller-Klavierwettbewerb Karlsruhe spielen aus
Klangspuren Band 1 und 2 von Barbara Heller die Stücke
Schneller Walzer – gespielt von Raul Pankeyev,
Die zwei Daumen )Ausschnitt) – gespielt von Benedikt Zimmer,
Die Nähmaschine (Ausschnitt) – gespielt von Joelle Plesko,
Die Kathedrale (Ausschnitt) – gespielt von Julia Susanne Schneider,

Margrit Zimmermann (Klavier)
Furore – ein Traum (Ausschnitt)
von Barbara Heller

Irith Gabriely (Klarinette) und Hans-Joachim Dumeier (Orgel) spielen
Choral für Elke Mascha Blankenburg (Ausschnitt)
von Barbara Heller

Helga Wähdel (Geige) und Barbara Heller (Klavier)
Lalai – ein Schlaflied zum Wachwerden? (Ausschnitt)
von Barbara Heller

Hörstationen (Ausschnitt)
von Barbara Heller / Nikolaus Heyduck
Aufnahme Privatarchiv Barbara Heller

Veronica Kraneis (Flöte) und Margrit Zimmermann (Klavier)
La Palmera (Ausschnitt)
von Barbara Heller
aus der CD La Palmera,

Margrit Zimmermann (Klavier)
Furore – ein Traum (Ausschnitt)
von Barbara Heller
aus der CD La Palmera,

Johannes Fischer (Blockflöten)
Gute Laune + Glücklicher Moment
von Barbara Heller
aus der CD Hundertmelodienbuch,

Babette Andruk, Xenia Reifschneider (Violine I und II),
Klaus Opitz (Viola), Angela Elsässer (Cello)
La Caleta (Ausschnitt)
von Barbara Heller
privater Konzertmitschnitt, Privatarchiv Barbara Heller

Barbara Heller spielt
Aufstieg in den Turm (Ausschnitt)
Der Turmbau (Ausschnitt)
von Barbara Heller, aus: Fünf-Finger-Turm

Dennis Kozarow spielt
Der Turmbau (Ausschnitt)
von Barbara Heller

Die grafischen Kompositionen
„Kartenspiele“ und „Ton-Zeichen“
sind im Furore Verlag erschienen

Während des Abspanns:
Barbara Heller spielt
Tre Lettere Scarlattine (Ausschnitt)
von Barbara Heller,
Aufnahme Privatarchiv Barbara Heller

Extras

Bonusfilm: „Namen komponieren“ (10:34 Min.)
Rosetten (Grafische Notationen) von Barbara Heller
Fotogalerie

Inhaltsübersicht

1 Anfangen – Aloisia Assenbaum Rose – Komponieren mit Kindern – Klangsuche
2 Gomera 1 – Tonzeichen
3 Kindheit-Jugend-Heirat – Arbeitskreis
4 Trio mit Irith – Entscheidung Komponistin – Froher oder Später
5 Schott music und B.Heller Klavierwettbewerb
6 Elke Mascha Blankenburg – Furore Verlag Renate Matthei – Choral
7 Lalai – Hörstationen mit Nikolaus Heyduck
8 Gomera 2 – La Palmera – 100 Melodienbuch – Rosetten
9 Grafische Kompositionen – Ferienkurse – Zweifel
10 Gomera 3 – La Caleta – Im nächsten Leben Komponistin – Fliegender Vogel
11 Fünf Finger Turm – Turmbau
12 Zitate – Workshop mit Kindern – Ende

Credits

Regie: Lilo Mangelsdorff

Produktion: Cinetix
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016

Pressestimmen

“Ein Portrait, leicht und wertvoll wie ein Sommerwind, das einen intimen Einblick in das vielfältige Leben der Musikerin und Komponistin Barbara Heller gibt. Und eine Dokumentation, die Lust macht auf musikalischen Hörgenuss, sowie das Nachdenken über dessen sozialen Entstehungsprozess.” Aviva

“Im Mittelpunkt des Films steht Hellers Schaffensprozess: wie aus sehr persönlichen Ausgangspunkten Kompositionen erwachen.” Marburger Express

“Tiefe Einblicke in das Verständnis von Musik.” Badische Neues Nachrichten

“Bilder einer Komponistin.” Rhein Main Presse

“Diese Klangwelten machen den anspruchsvollen Film zu einem raren akustischen Erlebnis moderner Musik.” Programmkino.de

“Dreifach beeindruckend durch das Leben und Werk der Komponistin als auch durch die subtile Annäherung der Filmemacherin.” P Stadtmagazin

“Handelt von der umfangreichen musikalischen Arbeit Hellers und zugleich von den Schranken, mit denen Frauen zu kämpfen hatten, die sich im 20. Jahrhundert in der Musik frei ausdrücken wollten.” Gießener Allgemeine

“Tänzelnde Noten!” EPD Film

“Ihre Musik ist zwar eindeutig modern, doch fehlt ihr die intellektuelle Spröde und Gespreiztheit, die viele andere moderne Komponisten kennzeichnet.” Gießener Anzeiger

""Unterwegs in der Musik" verzichtet auf erklärende Off-Kommentierungen und Informationen per Einblendung, hat diese aber auch gar nicht nötig. Die entwaffnend kluge, hellwache und sympathische Porträtierte spricht mit ihrem Verhalten vor der Kamera – so, wie sie sich gibt – für sich selbst: unverstellt, nicht gekünstelt und jederzeit wissbegierig erscheint Heller, die sich von Mangelsdorff auch bei sehr intimen, persönlichen Momenten über die Schulter schauen und mit der Kamera begleiten lässt." Spielfilm.de

“Neben der faszinierenden und facettenreichen Persönlichkeit Hellers ist es immer wieder die Musik der Künstlerin, die den Film bestimmt. Ob live am Klavier gespielt oder Aufnahmen vom Band: Die Vielfalt von Barbara Hellers Schaffen offenbart sich in allen Klangfarben, sodass man als Zuschauer sowohl visuell als auch auditiv mit ihrem Werk eine Verbindung schaffen kann.” FBW Begründung

“Man erfährt eine Menge aus diesem Komponistenleben und bekommt in gut 80 Minuten eine Ahnung von der Vielfalt der Klänge und Kompositionsmethoden, die Barbara Heller für sich entwickelt hat, abseits aller Schulen. Die Regisseurin arrangiert eine Entdeckungsreise im Gespräch, sie meidet jeden Off-Kommentar, lässt nur wenige Weggefährten zu Wort kommen.” Darmstädter Echo

Länge: 83
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Peter Liechti

Ein radikaler Film über ein radikales Thema: Ein Mann geht eines Sommers in den Wald. Mit sich führt er ein Radio, Batterien, ein Mittel gegen Magenschmerzen, ein Notizbuch, Kerzen und eine durchsichtige Plastikplane. An einer abgelegenen Stelle errichtet er eine Hütte aus Ästen und Plastik. Der Mann will sterben, er hört auf zu essen. Einen Monat, denkt er, wird es brauchen, bis er tot ist. Was er erlebt, sieht und empfindet, verzeichnet er im Tagebuch. Regenwasser sammeln, Radio hören, der letzte Stuhlgang, alle Details werden notiert. Seine Leiche wird erst im Winter gefunden, mumifiziert, da er zum Zeitpunkt des Todes vollständig abgemagert war.

»Der Ausgang der Geschichte ist bekannt, und doch fiebert man mit dem Hungernden mit. Der Sog, den der Film entwickelt, ist der des Rauschs, in dem das Ich sich auflöst. Damit ist DAS SUMMEN DER INSEKTEN reinstes Kino.« Süddeutsche Zeitung

Credits

Regie: Peter Liechti

Produktionsland: CH
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Der Sog, den der Film entwickelt, ist der des Rauschs, in dem das Ich sich auflöst. Damit ist Das Summen der Insekten reinstes Kino.« (Süddeutsche Zeitung)

»Der Zuschauer bekommt so eine Ahnung davon, wie ein Nahtoderlebnis aussehen könnte.
Ein großes Wagnis, ein cineastisches Juwel!« (Filmecho Filmwoche)

»Peter Liechtis Film ist ein Meisterwerk voller Schönheit und Grausamkeit, das sich zwischen allen Stühlen und Genres bewegt – ein schlichtweg unerhörter, noch nie gesehener Film, eine Grenzerfahrung von unglaublichem Ausmaß.« (Joachim Kurz, kino-zeit)

»Was für den Sterbenden zur radikalen Begegnung mit sich selbst als Kreatur wird, verwandelt sich als kontemplative Erkundung einer letzten Grenze zur stillen Reflexion über den Willen zum Dasein.«
(Josef Lederle, film-dienst)

Auszeichnungen

Europäischer Dokumentarfilmpreis 2009, Prix ARTE
Millenium Award 2009, Planete Doc Review Film Festival, Warschau
Camera-Stylo Award 2009, RIDM, Montréal
Zürich Film Award 2009, Zürich
Swiss Film Award 2010 für Beste Filmmusik (Norbert Möslang)
Nominiert für den Swiss Film Award 2010
Nominiert für den Spotlight Award 2010, CINEMA EYE HONORS, NYC
Cinema Eye Award, New York, 2011 (für den Komponisten Norbert Möslang)

FSK Infoprogramm
Vertriebsgebiet: nur D, A

Länge: 87
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby SR-D (5.1)
Sprache: Deutsch, Englisch
Untertitel: englische und französische Untertitel


Rubrik: Dokument, Filmessay

Krieg als Experimentierfeld für die Rüstungsindustrie Regie: Yotam Feldman

Gewehre, die um die Ecke schießen, ferngesteuerte Aufklärungsroboter, modernste Kampfdrohnen oder der Iron Dome zur Abwehr von Raketenangriffen: innovatives Kriegsgerät sind Israels Antwort auf sein großes Schutzbedürfnis. Der (nach der BRD) viertgrößte Waffenexporteur der Welt lebt seit Jahrzehnten in stetig aufflammender Kriegsgefahr – und das höchst profitabel.

Zukunftsweisende Spezialentwicklungen, im tatsächlichen Kampf erprobt und verbessert, avancieren zu internationalen Verkaufsschlagern. Regisseur Yotam Feldman begleitet die führenden Köpfe der israelischen Waffenindustrie zu Diplomatenempfängen und auf Rüstungsmessen, besucht Entwickler und Produzenten: höchst profitable Folgen einer beständigen Bedrohung.

Extras

Trailer

Inhaltsübersicht

Vorspann
1 Cornershot und die neue Art der Kriegsführung
2 Häuserkampf in Theorie und Praxis
3 Dasökonomische Potential
4 Leo Gleser, ISDS-Training
5 Der Krieg als mathematische Formel
6 In Brasilien
7 Das Versuchslabor
8 Abspann

Credits

Kamera: Philippe Bellaiche
Regie: Yotam Feldman
Schnitt: Tal Shefi, Ron Goldman

Produktion: Gumfilms, Yoav Roeh, Aurit Zamir
Produktionsland: IL
Produktionsjahr: 2013

Pressestimmen

»Ein erstaunlich investigativer Dokumentarfilm!« Neue Zürcher Zeitung

»Yotam Feldman hat einen Dokumentarfilm über Israels Waffenindustrie gedreht. THE LAB hat er ihn genannt, das Labor, weil die Palästinensergebiete auch ein Labor seien, in dem neue Waffen getestet und dann exportiert werden können.« (Süddeutsche Zeitung)

»Die Israelische Waffenindustrie hat einen großen Wettbewerbsvorsprung gegenüber vielen ihrer Konkurrenten. Sie hat die Möglichkeit, High-Tech-Produkte auf den Markt zu bringen, die im Gefecht getestet wurden.« (hintergrund.de)

»Rüstungsgüter mit dem Label ‘battle tested’ gehen weg wie warme Semmeln.« (hintergrund.de)

»THE LAB zeigt, dass jede israelische Militäroperation im Gazastreifen und im Westjordanland auch ein Werbefeldzug ist für Israels Waffenindustrie.« (Süddeutsche Zeitung)

»Seit dem 11. September kauft alle Welt bei uns, weil unsere Waffen und Systeme alle schon getestet sind.« Shimon Naveh, israelischer Armee-Philosoph

»Zum Geschäftserfolg tragen die seit Jahrzehnten andauernden Konflikte zwischen Israel und seinen Nachbarn durchaus bei – was Vertreter von Industrie, Militär und Wissenschaft überraschend freimütig einräumen. ‘Die im Gefecht erwiesene Leistung ist eines der besten Verkaufsargumente für israelische Militärtechnologie’, sagt Wirtschaftsprofessor Peled. Das Prädikat ‘combat proven’ beschert Gewehren, Drohnen und Raketen aus Israel überall auf dem Globus reißenden Absatz. (…)
Der zwanglose Umgang mit allem Militärischen wird in Israel keineswegs als problematisch gesehen. Zwar ruft die enge Verbindung zwischen Militär und Industrie zuweilen Kritiker auf den Plan, wie etwa den israelischen Journalisten und Regisseur Yotam Feldman. Sein Film THE LAB hat vergangenes Jahr für einigen Wirbel gesorgt. Die provokante These: Gaza und die Westbank seien Israels Waffenlabore, die Palästinenser die Versuchskaninchen, und der Krieg sei von einer Belastung zum hochprofitablen Geschäft mutiert.« – DER SPIEGEL

Gewehre, die um die Ecke schießen, sogenannte »Cornershots«, gehören zu den profitablen Spezialentwicklungen der israelischen Rüstungsindustrie. Von der Armee wurden sie bereits im Häuserkampf erprobt, bevor sie zu internationalen Verkaufsschlagern avancierten – Israel ist inzwischen zum viertgrößten Waffenexporteur aufgestiegen. Regisseur Yotam Feldman ist dabei, wenn die führenden Köpfe der todbringenden Industrie Diplomaten aus aller Welt empfangen und Rüstungsmessen besuchen, wenn Militärphilosophen den Überbau erdenken und die brasilianische Polizei sich daran ein Vorbild nimmt. Seine scheinbare Neutralität erlaubt es ihm, jenen Händlern und ihrer Logik erschreckend nahezukommen. Das dürfte auch für deutsche Staatsbürger aufschlussreich sein. Schließlich steht die Bundesrepublik auf Platz drei der weltweiten Rangliste.
(Lars Peter Meyer, DOK Leipzig)

Auszeichnungen

Preise (Auswahl):
Best debut film (“Mayor of Tel Aviv-Yafo Award for Debut Film”), DocAviv 2013
Nominierung für den Filmpreis “Leipziger Ring” (DOK Leipzig 2013)

Festivals (Auswahl):
Vision du Reel 2013, Switzerland
DocAviv 2013, Israel
DOK Leipzig 2013
International Documentary Film Festival Amsterdam 2013
Traverse City Film Festival, USA
Montpellier Mediterranean Film Festival, Frankreich
Jewish International Film Festival Melbourne, Australien
Antenna Documentary Festival Sydney, Australien

FSK: Info

Originaltitel:
Ha-Ma'Abada

Länge: 58
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Hebräisch
Untertitel: deutsche Untertitel, englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Reportage

Regie: Julia Albrecht, Busso von Mueller

Die Geschichten von vier Menschen im heutigen Shanghai.

Yuan arbeitet als Tagelöhner auf einer Großbaustelle am Rande Shanghais; Liu Wei war als Kind Rotgardist in der Kulturrevolution und musste später noch 100 Mal seinen Glauben verlieren; Hebe hat noch die Ideale Maos im Kopf, sucht aber nach dem Erlebnis des »Tiananmen-Incidents« 1989 jetzt als Geschäftsfrau nach neuen Möglichkeiten; der deutsche Architekt Johannes Dell aus dem Stadtplanungsbüro Albert Speer & Partner − ein neuer Typus des »Wissensnomaden« − plant in China die zukünftigen Städte.

Alltagsbeobachtungen verweben sich mit Erinnerungsbildern. In stetigem Übergang zwischen den verschiedenen Welten dieser so unterschiedlichen Geschichten erzählt SHANGHAI FICTION von einer nicht nur chinesischen Gegenwart. Wie sieht unsere Welt aus, nachdem die kollektiven Träume von der »Erlösung der Menschheit« untergegangen sind?

Extras

1. Szenen aus frühen Versionen
2. Szenen, die in China herausgekürzt wurden

Inhaltsübersicht

1. Prolog ‒ Hieroglyphen an der Wand
2. Yuan oder Die Arbeit und das bessere Leben
3. Johannes Dell oder Der Architekt, die Bauherren und die neue Stadt
4. Yuan, ein Jahr früher
5. Liu Wei und seine alte Mütze
6. Liu Weis Reise von der Gegenwart in die Erinnerung. Kulturrevolution
7. Liu Weis Vater oder Von der Revolution zur Gegenwart
8. Liu Wei trifft Johannes Dell oder Zurück zur Zukunft
9. Yuan oder Das Dorf und die Liebe
10. Yuans Abend
11. Hebe Ting oder Das Geschäft und das Glück
12. Hebe Tings Labyrinth
13. Liu Wei trifft Johannes Dell oder Gott und die Leere
14. Johannes Dells oder Die Reise eines Wissensnomaden
15. Johannes Dell und der Autopark oder In der Wüste wachsen keine Bäume
16. Liu Wei, der Tiananmenplatz und das Ende der Utopien
17. Yuan oder Wer Scham empfindet, überlebt nicht
18. Yuan, keine Arbeit und kein besseres Leben.
19. Liu Wei und die Utopie
20. Epilog – Yuan oder Die Revolte und McDonalds’

Credits

Buch: Julia Albrecht
Kamera: Busso von Mueller
Regie: Julia Albrecht, Busso von Mueller
Schnitt: Julia Albrecht

Kooperation: ZDF, 3sat
Produktion: Busso von Müller, schoenfilm
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Selten rückt einem China so nahe – ein ungewöhnlicher Dokumentarfilm.« FAZ

»eindrucksvolle Dokumentation verschiedener Lebensentwürfe in Shanghai« – Applaus Kulturmagazin

»Den Filmemachern gelingt es, auf bestechende Weise verlorengegangene gesellschaftliche

Utopien mit der Vereinzelung in der heutigen globalisierten Welt zu verbinden«
- Begründung zur Verleihung des Goethepreises

Auszeichnungen

Ausgezeichnet mit dem Dokumentarfilmpreis 2009 des Goethe Institutes

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 133
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital 5.1 + Stereo
Sprache: mehrsprachige Originalfassung, Chinesisch, Englisch, Deutsch
Untertitel: Dt., Dt. komplett, Engl., Frz., Sp., Ital., Port., Chin.(vereinfacht)+ Chin. (taditionell)
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Jolanta Dylewska

Polnische Juden, die in die USA ausgewandert waren, besuchten in den 1930er Jahren ihre Verwandten in Polen. Ihre Filmaufnahmen sind die einzigen Dokumente der vernichteten Welt der polnischen Juden.

Auf ihrer Flucht vor Pogromen oder der Pest kamen die Juden nach Polen. Hier wurden sie freundlich empfangen. Da sagten sie auf Hebräisch: PO-LIN – hier bleiben wir – und gaben so Polen seinen jüdischen Namen.

Die polnischen Schtetl in den 1930er Jahren, – das war eine andere Welt. Polen und Juden lebten Seite an Seite, das gemeinsame Leben war Normalität. Geblieben sind davon nach dem Krieg nur verstreute Ruinen, Erinnerungen, Lieder und Fotos. Jolanta Dylewska sammelte Amateuraufnahmen, verband sie mit authentischen Texten und schaffte so etwas, was jahrzehntelang für unmöglich gehalten wurde: Die starr gewordenen Bilder der Erinnerung lernten wieder laufen. Der Film mit Hanna Schygulla als Erzählerin dokumentiert, wie die galizischen Juden in der Zwischenkriegszeit lebten, wie sie arbeiteten, feierten und beteten. Damit gelang Dylewska ein wunderbares Porträt einer Kultur, die bald danach ausgelöscht wurde.

Extras

Erzählt von Hanna Schygulla

Credits

Darsteller: Mit der Stimme von Hanna Schygulla
Regie: Jolanta Dylewska

Produktion: Klaus Schmutzer
Produktionsland: PL
Produktionsjahr: 2008

Pressestimmen

„Das Schtetl wird lebendig!“ Die Welt

“Ein einzigartige vitales Bild von der Welt galizischer Juden. Das war eine andere Welt voller Toleranz, Mitmeschlichkeit, Verständnis.” Voice

“Bewegende Dokumente einer Normalität kurz vor dem Abgrund des Holocaust!” Hannoversche Allgemeine Zeitung

“Eindrucksvolle DVD!” Damals

“Ungewöhnlich ist dieser Film, weil er sich weniger auf Geschichtsbücher und Statistiken verlässt, sondern auf jene Art der Erinnerung, wie sie familiär weitergegeben wird – die Erinnerung aus der konkreten Anschauung, aus der „Mikroperspektive“, wie man akademisch sagen würde: Amateurfilme amerikanischer Juden auf Heimatbesuch aus den Jahren 1929 bis 1937 werden hier verknüpft mit Erzählungen letzter Zeitzeugen, die als Kinder noch das Miteinander von Juden und Polen erlebt haben.” Berliner Zeitung

“Dokumentarfilme über den Massenmord der Nazis an den Juden gibt es in grosser Zahl. Ganz im Gegensatz dazu ist Filmmaterial über jüdisches Leben in den Jahren zuvor in Polen – wo vor Ausbruch des Zweiten Weltkriegs mehr Juden lebten als in jedem anderen Land Europas – eine absolute Rarität. Es ist nur einigen in die USA ausgewanderten polnischen Juden zu verdanken, dass es überhaupt Bilder davon gibt. Ausgestattet mit Film- und Fotokameras, dokumentierten diese erfolgreichen Auswanderer bei Besuchen in ihrer alten Heimat den Alltag in den Schtetln Polens, zeigten ein Leben, das sie zurückgelassen hatten. Eine Auswahl aus diesen einzigartigen Dokumenten, entstanden zwischen 1929 und 1937, hat die 1958 geborene polnische Regisseurin und Kamerafrau Jolanta Dylewska unter dem Titel «Po-lin» (hebräisch: «hier bleiben wir») zum Porträt einer Kultur gestaltet, die wenige Jahre später vernichtet wurde.” Neue Zürcher Zeitung

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: GAS

Länge: 85
Bild: PAL, Farbe + s/w, 4:3
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch Polnisch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Playing the City 3

Herausgeber: Schirn Kunsthalle Frankfurt Kurator: Matthias Ulrich

PLAYING THE CITY – die Dritte. Wie in den beiden Jahren zuvor ging die Kunst erneut auf die Straße! Mehr als 15 internationale Künstlerinnen und Künstler eroberten vom 11. bis 25. August 2011 mit Aktionen, Performances und Installationen die Frankfurter Innenstadt. Im Mittelpunkt von PLAYING THE CITY 3 stand erneut der öffentliche Raum als Ort für künstlerische Aktivitäten, die auf unterschiedliche Weise die Stadt und ihre Bewohner involvieren. Täglich fanden neue partizipatorische Projekte von Künstlerinnen und Künstlern statt. In Form von politischen Kundgebungen, Demonstrationen oder eigens von Künstlern organisierten Märkten und Ständen wurde die Diskussion über den kollektiven, freien und gestaltbaren Raum, seine Grenzen und nicht zuletzt die Partizipation seiner Bewohner fortgesetzt.

Extras

Mit Booklet mit Infos zu allen Aktionen von Matthias Ulrich

Inhaltsübersicht

Mit Aktionen/Atbeiten der Künstler_innen:
Upper Bleistein
Tim Etchells art flavours
Tim Etchells ways out
Levent Kunt
Tania Bruguera
Minerva Cuevas
Jacob Dahlgren
Christian Jankowski
Silke Eva Kästner
Eileen Perrier
Sans Facon
Aleksandra Mir
San Keller
Il-Jin Atem Choi Feat. Becker Schmitz und Holger Kurt Jäger
Kommando Agnes Richter

Credits

Herausgeber: Schirn Kunsthalle Frankfurt
Kamera: Ursula Schmidt
Kurator: Matthias Ulrich

Pressestimmen

»Die Kunstaktion der Frankfurter Ausstellung „Playing the City“ aus dem vergangenen Frühjahr sind jetzt auf DVD erschienen – ein wunderbares Lehrstück über das Wesen des Städtischen.«
Bauwelt, 1.10.2009

»Es wird kaum einem Besucher gelungen sein, alle Arbeiten zu erleben, selbst wenn er Zeit gehabt hätte, sich zwei Wochen lang mit nichts anderem zu beschäftigen als Playing the City. Glücklicherweise aber sind sämtliche Aktionen filmisch dokumentiert und nun als DVD erschienen. […]der gut zweistündige Zusammenschnitt bietet gemeinsam mit dem Begleitbüchlein einen exzellenten Überblick über mögliche Antworten auf die immer wieder gestellten Fragen: Was macht öffentlichen Raum aus? Wie erleben wir Stadt? Was macht Stadt mit uns?« Bauwelt, 1.10.2009

,FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 160
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, teilw. Englisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Herausgeber: Matthias Ulrich, Max Hollein

20 Tage lang eroberte PLAYING THE CITY 2 Straßen und Plätze, öffentliche Verkehrsmittel und Einrichtungen der Stadt Frankfurt und verwandelte sie in eine große Bühne für die Kunst. Mehr als 20 internationale Künstlerinnen und Künstler zeigten verschiedenste Aktionen, Performances und Installationen.

Nach dem Erfolg des Projektes PLAYING THE CITY 1 im Jahr 2009 besetzte PLAYING THE CITY 2 erneut den öffentlichen Raum, stellte Fragen nach dessen Grenzen und aktivierte die Passanten. Überall in der Stadt fanden zufällige und sehr überraschende Konfrontationen statt und luden jeden dazu ein, Kunst direkt zu erleben und daran teilzunehmen. Kunst als Idee und Resultat sozialer Arbeit.

Mit den Künstlern:
Nina Beier, Clarina Bezzola, Julien Bismuth, Clegg & Guttmann, Cosalux, Christoph Faulhaber, For Use/Numen, Swetlana Gerner, jördis hille, christoph von löw, Josef Loretan, Jan Lotter, Annika Lundgren, Lee Mingwei, Ivan Moudov, Anny und Sibel Öztürk, Paola Pivi, Plural Art Collective, Reactor, annika ström, Leonid Tishkov, Gavin Turk, Vanja Vukovic

Extras

Mit ausführlichem Booklet mit Informationen zu allen Künstre/inne/n und Aktionen

Inhaltsübersicht

FOR USE/NUMEN TAPE INSTALLATION, 2010
IVAN MOUDOV GARBAGE II, 2010
LEONID TISHKOV PRIVATE MOON, 2004/2010
NINA BEIER PERFORMER PERFORMING PERFORMANCE, 2009/2010
LEE MINGWEI MONEY FOR ART, 1994–2010
CHRISTOPH FAULHABER NEW YORK, NY 10047/48, 2010
CLARINA BEZZOLA DER GLÜCKLICHE TOD INS LEBEN UND DIE GEBURT INS JETZT, 2007/2010
CLEGG & GUTTMANN OPEN DEBATE STATION, FRANKFURT, 2010
JULIEN BISMUTH UNTITLED (STILLLEBEN), 2010
PAOLA PIVI IMAGINE BY JOHN LENNON, 2010
JOSEF LORETAN VELOGLOCKEN, 2010
COSALUX PLATZ NEHMEN, 2010
JAN LOTTER JET, 2005–2010
REACTOR BIG LIZARD’S BIG IDEA, 2009/2010
GAVIN TURK CLAY WORKSHOP, 2010
ANNY UND SIBEL ÖZTÜRK feat. THORSTEN GREINER, SOUND OF THE CITY, 2010
VANJA VUKOVIC I AM YOUR CAMERA MY DEAR, 2010
ANNIKA LUNDGREN THE STOCK IS RISING, 2010
0 CHRISTOPH VON LÖW SPY VIEW, 2010
SWETLANA GERNER STAND DER DINGE, 2010
PLURAL ART COLLECTIVE feat. junge deutsche philharmonie, MUSIKMASCHINE, 2010
JÖRDIS HILLE PUBLIC-WALKING-TALKING-MOBILE, 2010
ANNIKA STRÖM OH, I WANT SO MUCH TO DO A PIECE OF PUBLIC ART WORK HERE, 2010

Credits

Filme: Ursula Schmidt
Herausgeber: Matthias Ulrich, Max Hollein (Schirn Kunsthalle Frankfurt)

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Uns als Teil eines Ganzen fühlen ist ein Wunsch, den wir Menschen alle in uns haben.« Clarina Bezzola

, FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 160
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, teilw. Englisch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Herausgeber: Schirn Kunsthalle Frankfurt, Matthias Ulrich, Max Hollein

Wie beteiligt sich die Öffentlichkeit am politischen Gespräch? Woraus besteht die öffentliche Meinung? Was versteht man unter öffentlichem Raum? Im Kunstdiskurs spielt die Bedeutung des Gesellschaftlichen eine zentrale Rolle. Begriffe wie Partizipation, Kollaboration, Social Turn oder Communitybased Art haben in den letzten Jahren sowohl die Produktion als auch die Rezeption von Kunst merklich beeinflusst.

Playing the City 1 ist der Versuch, den öffentlichen Raum als einen kollektiven, freien und gestaltbaren Raum zu öffnen. 23 internationale Künstler und Künstlergruppen machten die Innenstadt Frankfurts im Frühjahr 2009 zum Ort zahlreicher Aktionen, die von Performances bis zu Guerillaaktionen reichten.

Mit den Künstlern: raumlabor, Nasan Tur, Tino Sehgal, Tony Hunt & Christian Pantzer, Ulf Aminde, Dara Friedman, Dora Garcia, Rirkrit Tiravanija, Sharon Hayes, Robert Ladislas Derr, Cezary Bodzianowski, Allan Kaprow, MOMUS, Dora Garcia, Wiebke Grösch & Frank Metzger, Leopold Kessler, Artists Anonymous, A Wall Is A Screen, Yolande Harris, Bernhard Schreiner, Roman Ondák, Silke Wagner

Extras

Mit einem Booklet mit Texten von Matthias Ulrich.
Deutsch/Englisch, 36 Seiten, 27 Farbabbildungen

Inhaltsübersicht

RAUMLABOR Küchenmonument, 2006, 2’57’’
RIRKRIT TIRAVANIJA Demonstration Drawings, 2007– 2009
NASAN TUR Backpacks, 2006, 3’20’’
(TINO SEHGAL Diese Beschäftigung, 2005, nicht als Film vorhanden, die Performance darf lt. Künstler nicht nachträglich abgebildet werden)
TONY HUNT DANIEL KOHL, CHRISTIAN PANTZER Consume Bar, 1991–2009, 1’59’’
DARA FRIEDMAN You can’t always get what you want, 2009, 3’45’’
ROBERT LADISLAS DERR Chance: Frankfurt, 2009, 4’47’’
CEZARY BODZIANOWSKI W prawym górnym rogu, 2009, 3’21’’
ALLAN KAPROW Fluids, 1967/2009, 2’53’’
MADS LYNNERUP If you see anything interesting, 2007/2009, 2’50’’
MOMUS The unreliable Tour Guide, 2009, 12’15’’
WIEBKE GRÖSCH & FRANK METZGER News from Home, 2009, 2’32’’
ULF AMINDE Schamdreck, 2009, 11’40’’
LEOPOLD KESSLER Ghost Terrace, 2009, 3’05’’
SHARON HAYES Love Address, 2009, 3’20’’
ARTISTS ANONYMOUS Ohne Titel (Demonstration), 2009, 3’04’’
A WALL IS A SCREEN Frankfurt, 2009, 3’28’’
YOLANDE HARRIS Sun Run Sun: Satellite Sounders, 2008/2009, 3’28’’
BERNHARD SCHREINER Public Sound Feedback (The invisible Generation), 2009, 3’01’’
ROMAN ONDÁK Guided Tour (Follow Me), 2002/2009, 14’09’’
SILKE WAGNER Ohne Titel, 2009, 2’56’’
ELIZABETH WURST Sperrmüll Performance, 2008/2009, 16’45’’
DORA GARCÍA William Holden in Frankfurt, 2009, 24’00’’

Credits

Herausgeber: Schirn Kunsthalle Frankfurt, Matthias Ulrich, Max Hollein
Kamera: Ursula Schmidt
Mitwirkende: raumlabor, Nasan Tur, Tino Sehgal, Tony Hunt & Christian Pantzer, Ulf Aminde, Dara Friedman, Dora Garcia, Rirkrit Tiravanija, Sharon Hayes, Robert Ladislas Derr, Cezary Bodzianowski, Allan Kaprow, MOMUS, Wiebke Grösch & Frank Metzger, Leopold Kessler, Artists Anonymous, A Wall Is A Screen, Yolande Harris, Bernhard Schreiner, Roman Ondák, Silke Wagner
Schnitt: Ursula Schmidt

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Auf die Frage, wie man Menschen von der Straße zur Kunst bringt, hat die Frank­furter Schirn-Kunsthalle eine einfache Ant­wort gefunden: Man bringt die Kunst auf die Straße.« ART Kunstmagazin

»Wer sich die Zeit nimmt, die Aktionen aller 23 Künstler anzuschauen, für den scheint plötzlich so deutlich wie nie zuvor auf der Hand zu liegen, was öffentlicher Raum tatsächlich für den Einzelnen jeden Tag bedeutet: mit den vielfältigsten Einflüssen konfrontiert zu werden und sich mit ihnen auseinanderzusetzen, das Verhältnis zwischen Anonymität und Vertrautheit auszubalancieren – ständiges Kommunizieren, Agieren und Reagieren. Öffentlicher Raum ist anstrengend. Und unglaublich aufregend.« – Bauwelt

FSK: Infoprogramm

Länge: 130
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, teilweise Englisch
Regionalcode: codefree
,
Rubrik: Dokument

Regie: Pierre-François Gaudry

„Planet Mensch“ zeigt den menschlichen Körper von einer ganz anderen, ungewohnten Seite: Steppenlandschaften auf der Haut, tiefe Dschungel aus Haargeflecht, Säureseen im Magen und feuchte Höhlensysteme im Darm.

Auf dem Planeten Mensch bilden außergewöhnliche Landschaften und faszinierende Mikroorganismen ein ausgeklügeltes Ökosystem. Den Körper des Menschen kann man daher auf die gleiche Art erforschen wie die Naturgebiete der Erde – und erhält ein gänzlich neues Bild von ihm. Die mikroskopische Filmsafari spürt den verschiedenen Lebensformen im und auf dem menschlichen
Körper nach, nützlichen wie lebensnotwendigen aber auch schädlichen. Die Anzahl der Bakterien, die der menschliche Körper beherbergt, ist größer als die der Zellen, aus denen er besteht. Jeder Mensch steht in ständiger Interaktion mit unzähligen Mikroorganismen. Franck Courchamp, Ökologe und Forschungsdirektor der französischen Forschungsorganisation CNRS, begleitet die dokumentarische Expedition, die den Körper des Menschen mit dem Planeten vergleicht,
den er bewohnt.

Extras

Making-of

Inhaltsübersicht

1. Der Planet Mensch

2. Teil 1: Auf der Haut
3. Die Haut
4. Demodex Folliculorum
5. Läuse
6. Flöhe
7. Blutsaugende Parasiten

8. Teil 2: Unter der Haut
9. Endoparasiten
10. Darm und Darmflora
11. Parasitäre Würmer
12. Das Immunsystem
13. Die Hypothek „alter Freunde“
14. Würmer gegen Autoimmunerkrankungen
15. Die Viren
16. Was an uns ist dann noch menschlich?

Credits

Regie: Pierre-François Gaudry

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2014

Pressestimmen

“Beeindruckt mit makroskopischen Aufnahmen von furchterregenden Urzeitmonstern (Milben und Läuse), tropischen Urwäldern (Pilze) und reißenden Flüssen (Blutadern). Wir erfahren, welche unglaubliche Beschleunigungskraft auf hüpfende Flöhe wirkt und warum die Haarbalg-Milbe Demodex folliculorum, die sich von unserem Talg ernährt, bald nach der Mahlzeit sterben muss. Eine absolut faszinierende Expedition!” Morgenpost

“Eine mikroskopische Filmsafari, die das Allgegenwärtige sichtbar macht – Bilder, die Sie so wahrscheinlich noch nie gesehen haben.” Börsenblatt des deutschen Buchhandels

“Der interessanteste Planet liegt nicht in einer fernen Galaxie, sondern ist ganz nah: der menschliche Körper.” Morgenpost

“Ein wirklich faszinierender Film – unbedingt ansehen. Ein Meisterwerk!” Naturheilpraxis.de

“Betrachtet man den menschlichen Körper als Planeten, wie es schon der Titel andeutet, kann man bei der entsprechenden Vergrößerung ein ausgeklügeltes mikrobiologisches System mit außergewöhnlichen Landschaften und faszinierende Mikroorganismen beobachten. Filmemacher und zitierte Wissenschaftler, meist Biologen, erforschen den Körper des Menschen wie Geologen und Geographen die Naturgebiete der Erde. Aber nicht nur die spektakulären Ansichten mit außergewöhnlichen Perspektiven begeistern, nebenbei lässt sich auch noch vieles lernen bei der mikroskopischen Filmsafari im und auf dem menschlichen Körper.” Kinofilmer

“Die Dokumentation ist zweigeteilt. Im ersten Teil wird zunächst die Haut als unser größtes Organ vorgestellt. Sie ist die Schutzhülle des menschlichen Körpers, über sie erfolgt der Kontakt mit der Umgebung. Der zweite Teil geht dann im wahrsten Sinne unter die Haut und widmet sich der Darmflora mit nützlichen und weniger nützlichen Organismen.” Digitalvd

FSK: Infoprogramm
Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsche Fassung, Französische Fassung
Regionalcode: Zone 2
Rubrik: Dokument

Herausgeber: Annegret Richter

Amüsante und nachdenkliche Geschichten über tierisch gute Freundschaften, biegsame Friseure, lustige Hexen, sportliche Herausforderungen und die Bedeutung von Umweltschutz: Für alle, die ihren Kindern gern einen guten Filmgeschmack auf den Weg geben möchten, gibt es hier nun eine weitere DVD mit Animationsfilmen aus dem beliebten Kinderprogramm von DOK Leipzig.
Präsentiert wird eine Auswahl der schönsten und besten internationalen Beiträge ohne Sprache, die in den letzten Jahren beim Leipziger Festival zu sehen waren. Diese DVD bietet die Gelegenheit, jederzeit ein großartiges Kinderfilmprogramm zu sehen, wie es sonst nur auf Festivals gezeigt wird. Eltern und Kinder können sich gemeinsam die liebevoll hergestellten Trickfilme aus Ländern wie Spanien, Lettland, Ungarn und Mexiko anschauen und sich von ihnen verzaubern lassen.

Mit den Filmen:
Grand Prix
Wollige Stadt – wollige Haare
Fred und Anabel
Der Hexenknopf
Der elastische Friseur
Hase und Hirsch
Ralle und Bolle – Die neue Waschmaschine
Eskimo
Gerüchte
Jiro und Miu

Inhaltsübersicht

Der Hexenknopf (Raganas Poga)
Lettland 2006, 8:00 Min.
R: Nils Skapans

Wollige Stadt – Tagträumer
(Woolly Town – Woolly Head)
Großbritannien 2005, 5:00 Min.
R: Vera Neubauer

Fred und Anabel
Deutschland 2014, 7:00 Min.
R: Ralf Kukula

Grand Prix
Spanien 2011, 8:00 Min.
R: Anna Solanas, Marc Riba

Der elastische Friseur
(Elastinen parturi)
Finnland 2005, 5:22 Min.
R: Milla Nybondas

Hase und Hirsch (Nyuszi és Őz)
Ungarn 2013, 16:17 Min.
R: Péter Vácz

Ralle und Bolle –
Die neue Waschmaschine
Deutschland 2012, 8:00 Min.
R: Winfried Bellmann,
Doreen Schweikowski

Eskimo (Eskimal)
Mexico 2011, 8:00 Min.
R: Homero Ramirez Tena

Gerüchte (Rumours)
Belgien/Frankreich 2011,
7:30 Min.
R: Frits Standaert

Credits

Herausgeber: Annegret Richter

Produktionsjahr: 2005 - 2014

Pressestimmen

»Wer zumindest für siebzig Minuten einigermaßen sicher gehen will, dass seine Kinder etwas Ordentliches sehen, der kann zu einer Trickfilm-DVD des Leipziger Dok-Filmfestivals greifen.« Frankfurter Allgemeine Zeitung

“Diese DVD gehört also, genau wie ihr Vorgänger „Anima für Kids“ in jeden Haushalt, in dem kleine Kinder leben – auf das die Kleinen zu Kurzfilmfans und später zu glücklichen Kinogängern werden!” Filmstarts

FSK: o.A.
Vertriebsgebiet: GAS

Länge: 73
Bild: PAL, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: non verbal, ohne Sprache
Regionalcode: codefree

Rubrik: Kinderfilm
Genre: Animation/Trickfilm

Regie: Michael Krause

Nikola Tesla (1856–1943) beflügelt wie kein anderer moderner Erfinder die Fantasie der Menschen. Um 1900 legten seine Erfindungen die Grundlage für die zweite industrielle Revolution: Die Wechselstromtechnologie, das Radio, die Fernsteuerung. Sein »Welt-System« der freien Energieübertragung, die »Raumenergie«, hätte die Energieprobleme umweltfreundlich lösen sollen und mutet an wie ein Konzept für das 21. Jahrhundert.

Der Dokumentarfilm NIKOLA TESLA – VISIONÄR DER MORDERNE zeigt auf, wie Teslas Ideen und Visionen bis heute überlebt haben.

Regisseur Michael Krause folgt Teslas Spuren auf dem Balkan, in den USA und in Kanada, wo der Avantgardist nach seinen ersten großen Erfindungen zum Spielball der Großindustrie wurde. Seine grandiosen Ideen wurden zwischen Investoren, Unternehmern und Konkurrenten aufgerieben. Tesla scheiterte auch finanziell. Der Film zeigt wichtige Stationen in Teslas Leben auf, trifft emsige Forscher und glühende Fans. Denn vielleicht können Teslas Konzepte sogar einen Weg aus der globalen Energiekrise aufzeigen.

Extras

Musicclip: Nikola Tesla You‘re a Man out of Time; Tesla Show

Inhaltsübersicht

1 Einführung
2 Budapester Vision
3 Chicagoer Weltausstellung
4 worldwide wireless
5 Der belächelte Erfinder
6 Teslas Wiederentdeckung
7 Freie Energie

Credits

Regie: Michael Krause
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Nikola Tesla

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

»Dass Tesla mit seinen Erfindungen seiner Zeit ein großes Stück voraus war, schildert Michael Krause und liefert ein umfassendes Bild vom Leben und Wirken Nikola Teslas.« Frankfurter Allgemeine Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 52 + Extras
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch, Englisch
Regionalcode: codefree


Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Bonusfilm: Mädels über Jungs über Mädels Regie: Antonia Lerch

»Nach der Hochzeit« erzählt die Geschichte einer Frau, die »Berlin« heißt. Ihre Eltern kamen 1970 als türkische Arbeitsimigranten nach Deutschland und gaben ihr den Namen der Stadt, in der sie geboren wurde. Berlin hat einen deutschen Pass, aber wie eine Deutsche fühlen oder denken kann sie nicht. Mit knapp 40 Jahren ist sie fest entschlossen, ihr Leben zu ändern. Nach der Trennung von ihrem Mann, träumt sie von einem Neuanfang.

Berlin arbeitet in einem großen Krankenhaus in Berlin-Kreuzberg. Sie ist jetzt Leiterin der Aufnahmeabteilung. Als junge Frau hatte sie als Rezeptionistin in der Rettungsstelle angefangen. Damals war sie 23 Jahre alt, lebte zusammen mit Eltern und Geschwistern, streng behütet und bewacht. Sie träumte davon, »einen Deutschen zu heiraten, oder einen Mann, den ich liebe«. Aber nach dem Willen ihres Vaters, eines streng gläubigen Alewiten, sollte sie einen Türken heiraten, einen der auch der gleichen Religionsgemeinschaft angehörte. Berlin gab dem Drängen nach und heiratete den Mann, der den Vorstellungen der Familie entsprach. Kurze Zeit später kam ihr Sohn Cem auf die Welt. Nach neun Jahren Ehe trennte sie sich von ihrem Mann – gegen den Willen ihrer Familie – und zog mit ihrem Sohn in eine kleine Wohnung. Nach jahrelangem Zögern reichte sie schließlich die Scheidung ein.

Jetzt will Berlin ein neues Leben anfangen, aber wie vor 17 Jahren steht sie vor dem gleichen Dilemma wie damals vor ihrer Hochzeit. Einerseits will sie die familiäre Bande nicht zerstören, andererseits ist sie nicht länger bereit, die Regeln der Familie zu akzeptieren. Berlin möchte endlich ihre eigenen Pläne verwirklichen, sich beruflich und privat neu orientieren. Sie geht zu Tanzkursen und träumt davon, einen Teeladen zu eröffnen. Dafür wäre sie sogar bereit, ihre gutbezahlte Stelle im Krankenhaus aufzugeben. Und sie ist auch auf der Suche nach einem neuen Mann – gleich welcher Religion oder Nationalität. Sie möchte wieder heiraten und wünscht sich ein zweites Kind. Ihre Pläne stoßen in der Familie auf heftigen Widerstand. Einen Mann aus einer anderen Religionsgemeinschaft würden die Eltern nicht akzeptieren. Berlin begibt sich selbstbewusst in die Auseinandersetzung mit Geschwistern und Freundinnen und versucht, ihren eigenen Weg zu finden.
Antonia Lerch hat Berlin über ein Jahr mit der Kamera begleitet und Momentaufnahmen dieser neuen Entwicklung festgehalten. Wird Berlin dem Druck der Familie wieder nachgeben, wie vor 17 Jahren? Oder wird sie endlich den ersten Schritt wagen, um endlich so zu leben, wie sie will?

Anknüpfend an ihren Film »Vor der Hochzeit«, den sie Mitte der 90er Jahre drehte, nimmt Antonia Lerch 17 Jahre später den Faden wieder auf und lässt Berlin und ihre Geschwister in »Nach der Hochzeit« erneut zu Wort kommen. Auf diese Weise ist eine Langzeitdokumentation entstanden, die das Erwachsenwerden einer jungen Frau mitten in unserer Gesellschaft erzählt und gleichzeitig die Widersprüche in den Lebensgeschichten derer deutlich macht, die in Deutschland geboren sind, aber dazu erzogen wurden, die muslimischen Traditionen ihrer türkischen Eltern zu bewahren.

Über die Regisseurin:
Antonia Lerch lebt seit Mitte der 70er Jahre als freie Filmemacherin in Berlin.
Bei der überwiegenden Zahl ihrer Filme zeichnet sie für Buch, Regie, Kamera und Schnitt verantwortlich. Mit dem abendfüllenden Dokumentarfilm »Letzte Runde« (ZDF/Arte, 94 Min.) war sie 1994 Teilnehmerin der documenta X in Kassel. Weitere Filme (Auswahl): »Nach der Hochzeit (ZDF/3sat, 2013, 63 Min.) »Traum des Regenwurms« (ZDF/3sat, 2006, 60 Minuten), »Mein liebstes Gehirn« (ZDF/Arte, 2002, 70 Min.), »List und Liebe« (ZDF/Arte, 1999, 86 Min.), »Vor der Hochzeit« (ZDF, Das Kleine Fernsehspiel, 1996, 87 Min.), »Sieben Freundinnen« (ZDF, Das Kleine Fernsehspiel, 1994, 93 Min.), »3 Fotografinnen: Ilse Bing, Grete Stern, Ellen Auerbach« (ZDF, 1993
, 180 Min.), »Nachtschichten« (ZDF/Arte, 1992, 57 Min.)

Extras

Bonusfilm: Mädels über Jungs über Mädels (58 Min.)

Inhaltsübersicht

1. Arbeitsalltag
2. Kulturelle Prägungen
3. Identitätsfragen
4. Die Frage der Staatsangehörigkeit
5. Religiöse Differenzen
6. Familienbindungen
7. Erziehungsschwierigkeiten
8. Kinderwunsch
9. Poesie
10. Abspann

Credits

Regie: Antonia Lerch

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2013

Pressestimmen

“Ein komplexes wie filmisch stimmiges Abbild des Dilemmas, in dem sich viele Migranten der zweiten Generation befinden.” NZZ

“Produziert hat beide Filme Harun Farocki – der im Juli verstorbene grosse deutsche Cineast zeigt hier einmal mehr seine Vielseitigkeit.” NZZ

“Antonia Lerch hat als Regisseurin die besondere Fähigkeit, eine Situation herzustellen, in der alle Beteiligten so unbefangen reden, als sei keine Kamera in der Nähe.” (wolfsiehtfern.de)

“17 Jahre zwischen zwei Filmen ließ sich Antonia Lerch Zeit – und hat nun ein Meisterwerk abgeliefert. NACH DER HOCHZEIT ist ein toller Dokumentarfilm über eine Türkin, die zwischen Familie und selbstbestimmten Leben ihren Weg sucht.” (dokumentarfilm.info)

“Es geht um einen Lebensentwurf, um Traditionen, um Erwartungshaltungen – und um Träume. Zu sehen ist, dass Berlin sich in ihrer Persönlichkeit stark entwickelt hat. Es bleibt ihr zu wünschen, dass sie ihren Lebenstraum nun auch wirklich umsetzen kann – Teil 3 (vielleicht mit dem Titel „Die wahre Hochzeit“) würde man zu gerne sehen.” (Focus)

“Antonia Lerch gelingt mit diesem Film eine tolle Beobachtung über das Leben einer Frau, die zwischen Familie und eigenem Leben, zwischen Tradition und Selbstbestimmung ihren eigenen Weg sucht. Da stimmt alles: die Rückblenden sind stimmig gesetzt, die Protagonisten ignorieren die Kamera und lassen uns an ihren intensiven Gesprächen teilhaben und die Regisseurin weiß, wo sie Pausen setzen muss. Mit am stärksten sind die leisen Szenen: wenn Berlin mit einem Tanzlehrer Schritte einübt. Die Hoffnung auf Neues ist in diesen Szenen am eindringlichsten.” (dokumentarfilm.info)

“NACH DER HOCHZEIT ist ein Film geworden, der fast nur aus Gesprächen besteht und manchmal kommt man sich ein wenig vor wie in Filmen von Eric Rohmer. Man wird allmählich reingezogen ins Palaver, beginnt zuzuhören, auf die Zwischentöne zu achten. Beziehungen zwischen Menschen ändern sich, Ansichten kehren sich in ihre Gegenteil, Wünsche werden nicht kleiner sondern größer. Entwicklungen werden sichtbar und man beginnt mit den Protagonisten zu hoffen, ihre Pläne mögen sich erfüllen.” (wolfsiehtfern.de)

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 63 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt, Langzeitdokumentation

Regie: Thomas Gonschior, Christa Spannbauer

»In uns, die wir aus Auschwitz zurückgekommen sind, ist die Lebenskraft sehr tief. Wir wissen, wie teuer das Leben ist.« Éva Pusztai

Als Überlebende von Auschwitz waren Esther Bejarano, Jehuda Bacon, Éva Pusztai und Greta Klingsberg einem der schwersten Angriffe auf die Menschlichkeit in der Geschichte der Zivilisation ausgesetzt. Wie gelang es ihnen, diesen Angriff als Mensch zu überstehen? Was gab ihnen die Kraft zum Leben, Überleben und Weiterleben?

In diesem Film treffen wir auf vier außergewöhnliche Menschen von beeindruckendem Lebensmut, unzerstörter Hoffnung und tiefer Mitmenschlichkeit. In ihren Erfahrungen verdichten sich grundlegende Erfahrungen des Menschseins: Was können uns die Überlebenden von Auschwitz lehren über die Widerstandskraft des Menschen und die unzerstörbare Würde des Menschseins?

Neben dem unermesslichen Leiden des Holocaust gibt es noch etwas anderes: den Triumph der Menschlichkeit über die Unmenschlichkeit, der sich in einer großen Liebeserklärung an das Leben kundtut.

Im Europa Verlag ist das Buch zum Film erschienen:
https://www.europa-verlag.com/Buecher/1402/MutzumLeben.html

Handreichung für den Unterricht zum Film und Buch MUT ZUM LEBEN
Das 80-seitige, von drei erfahrenen Lehrkräften erstellte Unterrichtsmaterial enthält viele methodische Anleitungen, Fragen und Arbeitsblätter für den Unterricht und stellt einen zeitgemäßen Beitrag zur Holocaust Education dar.
Angesichts der aktuellen Herausforderungen, mit denen sich unsere Gesellschaft konfrontiert sieht – insbesondere die zunehmende Akzeptanz des Rechtspopulismus und die Zunahme der Fremdenfeindlichkeit – ist eine Auseinandersetzung mit der Geschichte des Nationalsozialismus wichtiger denn je. Indem junge Menschen dazu ermutigt werden, die Vergangenheit zu begreifen, lernen sie, Zukunft zu gestalten und Verantwortung zu übernehmen. Esther Bejarano: “Zeigt Zivilcourage. Helft einander. Schaut nicht weg, wenn Unrecht geschieht.”

Die Handreichung ist für 10 € unter der folgenden Kontaktadresse beziehbar:

Kinderlehrhaus e.V.

Wilhelmstraße 46

D – 45661 Recklinghausen

info@kinderlehrhaus.de

Jetzt im Gütersloher Verlagshaus: Das Buch von Jehuda Bacon, Manfred Lütz
“Solange wir leben, müssen wir uns entscheiden.” – Leben nach Auschwitz
https://www.randomhouse.de/Buch/Solange-wir-leben,-muessen-wir-uns-entscheiden./Jehuda-Bacon/Guetersloher-Verlagshaus/e480988.rhd

Extras

Jetzt seperat liefer- und beziehbar:

Handreichung für den Unterricht zum Film und Buch MUT ZUM LEBEN

Das 80-seitige, von drei erfahrenen Lehrkräften erstellte Unterrichtsmaterial enthält viele methodische Anleitungen, Fragen und Arbeitsblätter für den Unterricht und stellt einen zeitgemäßen Beitrag zur Holocaust Education dar.

Angesichts der aktuellen Herausforderungen, mit denen sich unsere Gesellschaft konfrontiert sieht – insbesondere die zunehmende Akzeptanz des Rechtspopulismus und die Zunahme der Fremdenfeindlichkeit – ist eine Auseinandersetzung mit der Geschichte des Nationalsozialismus wichtiger denn je. Indem junge Menschen dazu ermutigt werden, die Vergangenheit zu begreifen, lernen sie, Zukunft zu gestalten und Verantwortung zu übernehmen.

Zusammen mit Buch und Film will die Handreichung Jugendlichen Mut machen zur Zivilcourage und zur Mitmenschlichkeit. In den vier porträtierten couragierten Überlebenden des nationalsozialistischen Unrechtsregimes finden sie überzeugende Vorbilder, die sie darin bestärken, sich gegen jede Form von Ausgrenzung und Intoleranz einzusetzen. So fordert die 90-jährige Sängerin Esther Bejarano: “Zeigt Zivilcourage. Helft einander. Schaut nicht weg, wenn Unrecht geschieht.”

Die Handreichung ist für 10 € unter der folgenden Kontaktadresse beziehbar:

Kinderlehrhaus e.V.

Wilhelmstraße 46

D – 45661 Recklinghausen

info@kinderlehrhaus.de

Inhaltsübersicht

1. Begegnungen (Intro)
2. Damit so etwas nie wieder geschieht (Esther Bejarano mit Rolf Becker in Berlin)
3. Schwere Erinnerungen (Éva Pusztai-Fahidi in Budapest)
4. Was beim Überleben geholfen hat (Auf dem jüdischen Friedhof Berlin-Weissensee)
5. Vom Bewahren der Menschlichkeit (Yehuda Bacon und Greta Klingsberg in Yad Vashem)
6. Für die Jugend (Esther Bejarano und die Rapper)
7. Versöhnung möglich machen (Éva Pusztai-Fahidi in der Deutschen Botschaft)
8. Vom Wert des einfachen Lebens (Greta Klingsberg im Garten)
9. Die Frage nach Gut und Böse (Yehuda Bacon über den Dächern Jerusalems)
10. Sag nein! Widerstand heute (Esther Bejarano und Konstantin Wecker im Konzert)
11. Den Weg gemeinsam geh’n (Die Kinderoper Brundibár)
12. Wir leben trotzdem! (Schlussbotschaften)

Credits

Buch: Thomas Gonschior, Christa Spannbauer
Gesang: Miklós Sebestyen
Kamera: György Boros (H.S.C.), Philip Vogt, Mathias Casertano, Johannes Gulde
Mitwirkende: Esther Bejarano, Jehuda Bacon, Éva Pusztai, Greta Klingsberg, Konstantin Wecker
Musik: Masha Khotimski, Fionnuala Devlin (›Variation on a waltz‹)
Regie: Thomas Gonschior, Christa Spannbauer
Ton: Konstantin Kirilow, Mathias Casertano, Gabor Putyora, Zoltan Ravasz
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Konstantin Wecker, Esther Bejarano

Produktion: Thomas Gonschior
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2013

Pressestimmen

»Die Begegnungen mit diesen weisen alten Menschen waren wegweisend für mein eigenes Leben. Sie haben mir die Einzigartigkeit und Kostbarkeit des Lebens vor Augen geführt. Und vor allem
haben sie mich gelehrt, was Dankbarkeit ist.« KGS Berlin

»In eindrücklicher Weise bezeugen die vier Porträtierten, dass es neben dem unermesslichen Leiden des Holocaust auch noch etwas anderes gibt: den Triumph der Menschlichkeit über die Unmenschlichkeit, der sich in einer großen Liebeserklärung an das Leben kundtut.«
– Main Post, 19.06.2013

»Der Film macht das beeindruckende Potenzial von Menschen sichtbar, die sich dem Schrecken der Vergangenheit stellten, ihn mutig durchschritten haben und bis heute dafür eintreten, dass nie wieder ein Mensch erleben muss, was ihnen widerfahren ist.« - Kessener Stadtmagazin, Dezember 2012

»Die Botschaft: Auch unter unvorstellbaren Lebensbedingungen können Empathie,
Würde und die Kraft des Widerstands bewahrt werden.« – Deutsches Ärzteblatt

»Die Zeitzeugen des Dritten Reichs sterben allmählich aus. Überlebende der Vernichtungslager
gibt es ohnehin noch viel weniger. Die Erinnerung an ihre Schicksale, soweit sie dokumentiert
sind, wird bleiben. Eindrucksvoller als schriftliche Zeugnisse und Fotos in Gedenkstätten
ist das lebendige Erleben dieser starken Persönlichkeiten. Sie sind noch in der Gesellschaft
aktiv, halten Vorträge, absolvieren Auftritte, werden öffentlich geehrt, doch das wird
zu Ende gehen. Gut, dass sie im Film erhalten bleiben.« connection spirit

»Christa Spannbauers und Thomas Gonschiors Film ist ein Dokument der ungeheuren Anstrengung, mit einem traumatisierten Leben zu leben. … Esther Bejarano,
Eva Pusztai-Fahidi, Greta Klingsberg und Yehuda Bacon … waren dem Prozess einer von Vernichtung bedrohten, tiefen Erschütterung ausgesetzt. Sie waren danach gezwungen, Formen der Selbstregulation und der Modulation ihrer schweren Traumatisierungen zu finden, sie auszuhalten und für die eigene Lebenssituation einen tragfähigen Entwurf zu finden. Das
ist ihnen auf eine kreative und berührende Weise gelungen. Esther Bejarano, Eva Pusztai-Fahidi, Greta Klingsberg und Yehuda Bacon konnten nach ihrem Überleben leben. Christa Spannbauers und Thomas Gonschiors Arbeit ist ein sehr bewegender Film.« Psychologie heute

Prof. Dr. Gerald Hüther, Hirnforscher
»Wir brauchen den Mut, uns gegen jede Form von Unmenschlichkeit zu wehren. Und wir brauchen die Zuversicht, dass Mitgefühl und Nächstenliebe stärker sind als Macht und Unterdrückung. Beeindruckender und berührender als in diesem Film lässt sich dieses Gefühl von Mut und Zuversicht kaum wecken. Vier Zeitzeugen, die durch die Hölle der Unmenschlichkeit gegangen sind, machen auf eindringliche Weise deutlich, was es heißt, Mensch zu sein.«

Prof. Dr. Johannes Tuchel, Historiker, Leiter der Gedenkstätte Deutscher Widerstand
»Ein neuer, hoch aktueller Zugang zum Thema Holocaust, der dem scheinbar schon oft Erzählten und dennoch Einzigartigen eine wertvolle und faszinierende Facette hinzufügt: die Möglichkeit zu Lebensmut und Lebenswillen, zu Empathie, zur Wahrung der Würde des Menschen und zur Kraft des Widerstands, die der Einzelne selbst unter unvorstellbaren Lebensbedingungen bewahren
und entwickeln kann.«

Prof. Dr. Arno Gruen, Psychoanalytiker und Psychologe
»Der Film von Christa Spannbauer und Thomas Gonschior über die Überlebenden des Todeslagers von Auschwitz ist äußerst wichtig, da er auf etwas zielt, das in der Holocaust-Literatur bisher weitgehend außer Sicht gehalten wurde: was zum Überleben entscheidend beitrug waren Mitgefühl und die menschliche Würde, die aus dem Mitgefühl emporstieg. Der Film untermauert dies.«

Konstantin Wecker, Poet und Sänger
»In diesem Film stehe ich gemeinsam mit Esther Bejarano auf der Bühne und singe mit ihr Lieder aus dem Widerstand. Esther ist ein großes Vorbild für mich.
Sie hat eine faszinierende Ausstrahlungskraft und gehört zu den Menschen,die mir immer wieder Mut machen. Ebenso wie sie bin ich davon überzeugt, dass es nach Auschwitz wichtiger denn je ist, Lieder zu singen und Gedichte zu schreiben. Und sich damit für eine menschlichere Welt einzusetzen. Und genau deshalb ist dieser Film von Christa Spannbauer und Thomas Gonschior so wichtig «

(Michael Schornstheimer für Deutschlandradio Kultur DVD-Tipp)
»Was alle vier Auschwitz-Überlebende miteinander verbindet: Sie strahlen eine eindrucksvolle Wärme und Güte aus.«

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 60 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Mit Gift und Genen Regie: Marie-Monique Robin

Monsanto erforscht, produziert und verkauft gentechnisch verändertes Saatgut. Als Chemieproduzent für Saccharin und Koffein 1901 gegründet, gelangte Monsanto als Hersteller des im Vietnamkrieg exzessiv eingesetzten Herbizids Agent Orange zu trauriger Berühmtheit. Monsantos Hormon zur Steigerung der Milchleistung Posilac wird in den USA bei einem Drittel aller Milchkühe eingesetzt, in der EU und in Kanada ist es verboten. Monsanto ist mit Niederlassungen in 46 Ländern weltweiter Marktführer auf dem Gebiet der Biotechnologie. 90 Prozent der heute angebauten gentechnisch veränderten Organismen, unter anderem Soja, Raps, Mais und Baumwolle, sind Monsanto-Patente. Die Praktiken des Konzerns stehen weltweit in der Kritik der Betroffenen und Globalisierungsgegner.

»Sie wollen alles Saatgut kontrollieren und machen alle Lebensmittel zu ihrem Eigentum«, sagt ein Bauer in MONSANTO, MIT GIFT UND GENEN. Besonders drastisch geschieht dies beim Baumwollanbau in Indien. Hier hat Monsanto fast alle Saatgutfirmen aufgekauft. Die Bauern können nur noch die viermal so teure, gentechnisch veränderte BT-Baumwollsaat von Monsanto beziehen. Die ist gegen einige Schädlinge resistent, dafür werden die Pflanzen jedoch von neuen, bisher unbekannten Krankheiten befallen. Um sich das Saatgut überhaupt leisten zu können, müssen die Bauern Kredite aufnehmen. Fällt die Ernte schlecht aus, sind sie pleite. Jedes Jahr begehen hunderte von ihnen deswegen Selbstmord. Die dortigen Agrarwissenschaftler sprechen von einer Katastrophe – und auch die ist eine indirekte Folge der vermeintlich so segensreichen grünen Gentechnik.
Auch den US-Sojaanbauern spielte der Konzern übel mit: Wie einer im Film es ausdrückte, »verbreitet Monsanto Angst und Schrecken unter den Farmern«. Da es sich bei den Genpflanzen um patentiertes Saatgut – eine Art Kopierschutz – handelt, dürfen die Bauern nichts von der Ernte zurückbehalten, um es im nächsten Jahr auszusäen. Rüde werden sie von Monsanto deswegen mit Prozessen überzogen. Um ihre Felder zu kontrollieren, hat Monsanto sogar eigens eine »Gen-Polizei« geschaffen oder bietet gleich so genanntes Hybrid-Saatgut an, das nach der Ernte nicht erneut zur Aussaat verwendet werden kann. So werden jährliche Nachkäufe von Saatgut gesichert. Seine marktbeherrschende Position baute das Unternehmen seit 1999 mit Zukäufen für mehr als 13 Milliarden US-Dollar für Saatgutfirmen sowie bedeutende Patente auf gentechnische Methoden und Gene. Überall auf der Welt gibt es mittlerweile transgene Organismen von Monsanto. Aber noch nie hat ein agro-industrielles Patent so sehr die Gemüter erhitzt.

Der Dokumentarfilm stützt sich auf unveröffentlichte Dokumente und Stellungnahmen von Geschädigten, Wissenschaftlern, Vertretern von Bürgerinitiativen, Rechtsanwälten, Politikern sowie Vertretern der staatlichen Food and Drug Administration (FDA). Drei Jahre hat Regisseurin Marie-Monique Robin in Nord- und Südamerika sowie in Europa und Asien recherchiert, mit Bauern in Indien, Mexiko und Paraguay gesprochen, um die Geschichte des heute mächtigsten Samenherstellers der Welt zu rekonstruieren. Das von Werbekampagnen bediente Image des sauberen und umweltfreundlichen Konzerns der »Wissenschaft des Lebens« bekommt tiefe Risse. Dürfen Grundlebensmittel Ziel einer gnadenlos nach Monopol und Marktführerschaft strebenden Unternehmenspolitik sein?

Credits

Buch: Marie-Monique Robin
Musik: Olivierl Aurio
Regie: Marie-Monique Robin
Ton: Jerome Boiteau (sound re-recording mixer)

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2007

Pressestimmen

»Fazit: Diesen Film sollte wirklich JEDER gesehen haben.« (Sein)

»Beeindruckend direkter Film!«
- taz

»Die Regisseurin Marie Monique Robin hat in einem Film das rücksichtslose Handeln Monsantos aufgedeckt. Drei Jahre lang heftete sich Robin an die Fersen des Konzerns, sprach mit ehemaligen Mitarbeitern, suchte überall nach Informationen, interviewte betroffene Bauern und deckte Unglaubliches auf. Um solch einen Film zu drehen, braucht man sehr viel Mut. Marie Monique Robin hatte ihn.«
- greenpeace4kids.de Empfehlung der Begutachtungskommission des Landesmedienzentrums Baden-Württemberg für den Einsatz im Unterricht: »Biologie, Fächerverbund Naturwissenschaftliches Arbeiten, Fächerverbund Materie – Natur – Technik, Chemie: Bei der DVD handelt es sich um ein Firmenportrait, das das sehr ambivalente Unternehmen Monsanto vorstellt. In einzelnen Sequenzen werden verschiedene Produkte, ihr Einsatzbereich und die Gefahren, die von ihnen ausgehen, beleuchtet… Der Film schafft Gesprächsanlässe sowohl zu Aspekten der Umwelt- und Gesundheitsgefährdung durch Produkte der chemischen Industrie als auch zur Verflechtung von Politik und Wirtschaftsunternehmen. Obwohl es sich nicht um eine didaktisch aufbereitete DVD handelt, ist sie inhaltlich gut gemacht. Das Medium kann sowohl in den höheren Klassen der S I als auch in der Oberstufe besonders im projektorientierten Unterricht eingesetzt werden.«

FSK: Infoprogramm
Originaltitel:
Le Monde selon Monsanto
Länge: 109
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Christoph Heller

»Du bekommst eine E-Mail mit Fotos und dann sagt Dir jemand, den Du nicht kennst, er sei Dein Bruder und die Leute auf den Fotos Deine Eltern.«

MEIN VATER. MEIN ONKEL erzählt die Geschichte von Sinan, der – in Deutschland aufgewachsen und sozialisiert – nach 26 Jahren seine leibliche Familie aus dem Irak in den Vereinigten Arabischen Emiraten kennen lernt. Eine Vaterrolle fehlte Sinan sein Leben lang, nun scheint sie greifbar nahe. Plötzlich wird er mit der Liebe, aber auch den Erwartungen seiner leiblichen Familie und einer ihm bisher fremden Kultur konfrontiert.

Extras

Interview mit dem Regisseur
Trailer, Fotogalerie

Inhaltsübersicht

Sinans Familiengeschichte
Bruni
Vorbereitung auf Dubai
Fragen an Sinan
Geschichte der Adoption
Die Brüder
Arabische Kultur
Familienbetrieb
Abschied
Abspann

Credits

Kamera: Manuel Kinzer
Mitwirkende: Sinan Al-Kurikchi, Khaldon Al-Noori, Mudhar Al-Noori, Omar Al-Noori, Brunhild Dommermuth, Maysoon Kurikchi
Musik: Christof Vonderau
Regie: Christoph Heller
Schnitt: Sophia Kambaki
Ton: Marko Weichler

Produktion: Bonsai Film, dffb
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Die Filmemacher stellen sich der Komplexität, die Biographien voller Brüche mit sich bringen. Und geben der oft theoretisch geführten Debatte um Integration menschliche Gesichter.« Stefan Keim, WDR 3 Resonanzen

»Spannende Doku über die Wurzeln eines Mannes.« Zitty 03/2011

»Ein faszinierender Trip…spannend…hautnah.« (zitty, Martin Schwarz)

»…sehr feinfühlig, mit viel Witz und Respekt erzählt…sehr einsichtsreich…« (Knut Elstermann, Radio Eins)

»…sehr bewegendes Doku-Debüt…« (Blickpunkt Film)

»…sehr eindrücklich…« (kino-zeit.de, Claire Horst)

»…eine bewegende Familienzusammenführung…« (programmkino.de, Dorothee Tackmann)

Auszeichnungen

Dubai International Film Festival
DOK Leipzig
Zürich Film Festival

FSK: 0
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 80 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: mehrsprachige OV (Deutsch/Englisch/Arabisch)
Untertitel: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Philipp Enders

Auf der Suche nach dem verlorenen Geld:

€ 3500, die Ersparnisse von Filmemacher Philipp Enders, sind weg. Sein Bankberater kann ihm keine plausible Erklärung für das Scheitern der angeblich sicheren Geldanlage liefern. So macht er sich selbst auf die Suche, geleitet von einer mobilen App. Er landet nicht nur in der Europäischen Zentral Bank und bei der Börse, sondern auch in einer spanischen Bauruine oder im „Evolution Store“ mitten in New York City. Auf seiner Reise begegnet er Geld-Experten, Kulturwissenschaftlern, Day-Tradern, Bankdirektoren, Börsenmaklern oder Verhaltensökonomen. Seine App hilft ihm, komplexe Phänomene wie Derivatehandel, Inflation, Goldstandard, Leitzins – anschaulich animiert und in verdaulichen Häppchen aufbereitet – zu verstehen. MAMMON erzählt mit einem Augenzwinkern von den Mechanismen, die hinter dem „schnöden Mammon“ stecken.

Mit:
-Tomáš Sedláček, Philosoph und Ökonom
-Christina von Braun, Kulturwissenschaftlerin, Humboldt-Universität Berlin
-Oğuz Tekin, Professor für Archäologie und Münzkunde
-Dr. Eric Becker, Metallurge
-Guntram Wolff, Dr. der Wirtschaftswissenschaften
-Benoît Cœuré, Direktoriumsmitglied der Europäischen Zentralbank
-Dirk Müller, Börsenmakler und Buchautor
-Philipp Schröder, Aktienhändler und Tradingcoach
-Mark Davis, Professor für Soziologie, Universität Leeds
-Robert H. Frank, Verhaltensökonom und Professor für Wirtschaftswissenschaften, Cornell University
-Frei Betto, Dominikaner und Befreiungstheologe
-Christian Felber, Aktivist und Initiator der Gemeinwohlökonomie-Bewegung
-Julio Gisbert, Buchautor und Experte für alternative Währungen
-Giacomo Corneo, Professor für Wirtschaftswissenschaften und Autor des Buches „Bessere Welt“

Extras

Mammon – Ein Reise durch das Geldsystem
22 Clips zu den Themen:
1. Die Anfänge des Geldes
2. Geld heute
3. Die Preise
4. Spekulation – Das Spiel mit den Märkten
5. Geld und Gesellschaft

Die Anfänge des Geldes
Wie alles begann
Warum wir mit Papier bezahlen
Der Goldstandard
Warum wir dem Geld vertrauen

Geld heute
Aktuelle Formen des Geldes
Bitcoin für Anfänger
Wie Geld gemacht wird
Die Zinsen

Die Preise
Die freie Preisbildung
Inflation und Deflation
Die Fehler der klassischen Ökonomie

Spekulation – Das Spiel mit den Märkten
Der Hochfrequenzhandel
Die Psychologie der Märkte
Die Spekulation mit Derivaten
Die Spekulationsblase
Die Moral der Märkte

Geld und Gesellschaft
Die Ungleichverteilung des Vermögens
Kapitalismus bitte in Maßen!
Sind wir bloß Konsumenten?
Die etwas andere Geschichte des Geldes
Ein anderes Wirtschaftssystem
Kann Geld glücklich machen?

Trailer
PDF: Interview mit Philipp Enders

Inhaltsübersicht

1: Wo ist mein Geld?
2: Die Anfänge einer wunderbaren Erfindung
3: Der Glanz des Goldes und das Papiergeld
4: Alles erfunden: Geldschöpfung heute
5: Der Preis des Geldes: Zinsen
6: Die Börse und der Aktienhandel
7: Verzocktes Geld und seine Folgen: Die Blase
8: Ökonomische Fehlgriffe: Bosheit oder Erbfehler?
9: Fluch und Segen des globalen Kapitalismus
10: Wozu Wirtschaften wir überhaupt?
11: Alternativen zum schnöden Mammon
12: Etwas muss sich ändern!

Credits

Buch: Philipp Enders
Regie: Philipp Enders

Produktion: augenschein Filmproduktion
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2014

Pressestimmen

„Augenzwinkernd und bissig.“ Filmdienst

“Ich kann die Dokumentation empfehlen, wir wurden gut unterhalten und haben einiges gelernt.” DVD-sucht

“Philipp Enders begibt sich in seiner auf DVD erschienenen Doku “Mammon. Per Anhalter durch das Geldsystem” auf die Suche nach seinem verlorenen Geld zu begeben. Enders nämlich verlor 3.500 Euro Erspartes. Der Finanzberater: “Sie wissen ja, dass der Wert Ihres Produktes, ein strukturiertes Produkt leicht sinkt. Dass der Wert Ihres Produktes, ja, verloren ging.”
So gräbt sich der Filmemacher, getrieben von der Frage “Wo ist mein Geld?” durch das Finanzsystem, besucht die Europäische Zentralbank oder die Frankfurter Börse, begegnet Geld-Experten, Bankdirektoren und Börsenmaklern, erklärt Inflation, Goldstandard, Leitzins oder Derivate-Handel, garniert das Ganze mit anschaulichen Animationen, um am Ende bei den spanischen Familien zu landen, die bei der Finanzkrise ihr Haus verloren. Die meinen:
“Am Ende stehen die einfachen Leute ohne irgendwas da. Die, die vorher schon Geld hatten, haben immer noch welches. Und die, die vorher schon wenig hatten, haben jetzt nichts mehr. Das war also keine Krise, das war Diebstahl.” Deutschlandfunk

FSK Infoprogramm

Länge: 85
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsche + englische Fassung
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Hans-Dieter Grabe Herausgeber: Klaudia Wick für die STIFTUNG DEUTSCHE KINEMATHEK

In seiner ZDF-Reihe LEBENSERFAHRUNGEN fand Hans-Dieter Grabe von 1970 bis 2017 in 33 Filmen Gesprächspartner, die von Grenzerfahrungen berichten, von Unrecht, Verletzung, Schmerz und Tragik. Er begleitete Gustav Heinemann, der es als erster Bundespräsident auf sich nahm, von Deutschland im Zweiten Weltkrieg überfallene Länder zu besuchen, brachte die Krankenschwester zum Sprechen, die den Kindermörder Jürgen Bartsch geheiratet hatte, stand am Sterbebett einer an Krebs erkrankten dänischen Adoptionsvermittlerin, hörte Mauerflüchtlingen zu, die an der Bernauer Straße die Flucht von Ost- nach Westberlin gewagt hatten, ließ den vermeintlichen Terroristen und Spaßanarchisten Fritz Teufel, eine Schlüsselfigur der 1968er Bewegung, ausführlich Staat und Justiz kritisieren, machte die seelischen Verwundungen der Bergmänner von Lengede sichtbar, die 14 Tage lang in 60 m Tiefe verschüttet waren. Grabe geht dahin, wo das Hinsehen und das Zuhören schmerzen, macht erkennbar, was viele nicht sehen und hören wollen. Darin liegt seine ungebrochene, zeitlose Bedeutung.

Hans-Dieter Grabe
Geboren 1937 in Dresden. 1945, nach der Zerstörung Dresdens durch Bomben, Umzug nach Cottbus. Dort Schulbesuch bis 1955. 1955 bis 1959 Studium an der Deutschen Hochschule für Filmkunst in Potsdam-Babelsberg. 1960 bis 1962 freier Mitarbeiter beim Fernsehen des Bayerischen Rundfunks. Anschließend bis 2002 als Redakteur beim ZDF Autor und Regisseur von Magazinbeiträgen und 62 langen gesellschaftspolitischen und zeitgeschichtlichen Dokumentarfilmen.
Seit 1992 Mitglied der Akademie der Künste Berlin. Hans-Dieter Grabes Arbeiten wurden vielfach ausgezeichnet. U.a. Bundesverdienstkreuz, dreimal Adolf-Grimme-Preis, Deutscher Fernsehpreis, Deutscher Kritiker-Preis für das Gesamtwerk, Friedensfilmpreis der Berlinale, dreimal Preis der Deutschen Filmkritik, zuletzt für “Raimund – ein Jahr davor”. Weiter gehende Informationen zu allen Filmen finden sich im beigegebenen PDF Booklet.

1970 Es gibt schwierige Vaterländer, eins davon ist Deutschland (Gustav Heinemann)
1976 Gisela Bartsch oder Warum haben Sie den Mörder geheiratet?
1978 Simon Wiesenthal oder ich jagte Eichmann
1979 Tytte Botfeldt: Aufs Sterben freu‘ ich mich
1979 Das Wunder von Lengede oder Ich wünsch‘ keinem, was wir mitgemacht haben
1981 Bernauer Straße 1 bis 50
1982 Fritz Teufel oder Warum haben Sie nicht geschossen?
2013 Raimund – ein Jahr davor
2017 Anton und ich

Extras

PDF Booklet

Grußwort
Klaudia Wick, Deutsche Kinemathek
Die Filme
1970 Es gibt schwierige Vaterländer, eins davon ist Deutschland (Gustav Heinemann)
1976 Gisela Bartsch oder Warum haben Sie den Mörder geheiratet?
1978 Simon Wiesenthal oder Ich jagte Eichmann
1979 Tytte Botfeldt: Aufs Sterben freu‘ ich mich
1979 Das Wunder von Lengede oder Ich wünsch‘ keinem, was wir mitgemacht haben
1981 Bernauer Straße 1 bis 50
1982 Fritz Teufel oder Warum haben Sie nicht geschossen?
2013 Raimund – ein Jahr davor
2017 Anton und ich

Die Arbeit mit meinen Filmen
Hans-Dieter Grabe in eigenen Worten

Alle Filme aus der Reihe LEBENSERFAHRUNGEN

Inhaltsübersicht

1970 Es gibt schwierige Vaterländer, eins davon ist Deutschland (Gustav Heinemann)
1976 Gisela Bartsch oder Warum haben Sie den Mörder geheiratet?
1978 Simon Wiesenthal oder Ich jagte Eichmann
1979 Tytte Botfeldt: Aufs Sterben freu‘ ich mich
1979 Das Wunder von Lengede oder Ich wünsch‘ keinem, was wir mitgemacht haben
1981 Bernauer Straße 1 bis 50 oder Als uns die Haustür zugenagelt wurde
1982 Fritz Teufel oder Warum haben Sie nicht geschossen?
2013 Raimund – ein Jahr davor
2017 Anton und ich

Credits

Buch: Hans-Dieter Grabe
Herausgeber: Klaudia Wick für die STIFTUNG DEUTSCHE KINEMATHEK
Regie: Hans-Dieter Grabe

Produktion: ZDF
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1970 - 2017

Pressestimmen

„Gesehen haben wir an diesem Abend einen der eindrucksvollsten Menschen auf dem an elektronischen Kunstfiguren so überreichen Bildschirm. Einen Menschen, der sich gegen sein Unglück stemmt, einen, der dem Unglück ein wenig Glück abzutrotzen versucht.“ FAZ

„Selten noch hatte man das Gefühl, auf dem Bildschirm mit einer so dichten Realität unausweichlich konfrontiert zu werden.“ Stuttgarter Zeitung

„Dieser Film war eine unerwartete Reise in das Innere anderer Menschen. Er vermittelte eine Nähe, die ohne Sentimentalität rührte und heftiges Mitgefühl auslöste. Auf diese Weise gibt Fernsehen seine entfremdende Wirkung auf und ist lebendig und wahr.“ Süddeutsche Zeitung

„An der journalistischen Qualität dieses Dokuments gibt es nicht den geringsten Zweifel. Ein „ungewöhnliches Dokument“? Ohne Frage ja, da es den Zuschauer aus seiner Konsumenthaltung herauslockt und ihm die Auseinandersetzung mit dem Geschehen aufzwingt.“ Badische Zeitung

„Ich bin am Fernseher vor einem Film sitzen geblieben, der mir ein ganz neues Bild für das Leben geliefert hat.“ SWR

“Dank seiner Konzentration aufs Wesentliche entwickelt Hans-Dieter Grabe den von ihm sogenannten „Gesprächsfilm“, eine Wortwahl, die heute, zur Zeit des Primats von Visualität, Unterhaltung und Formatierung, geradezu archaisch anmutet. Ein „Gespräch“ ist bei diesem Filmemacher jedoch nie eine Unterhaltung, ein Interview, ein Abfragen von Statements oder ein Palaver wie in der Talkshow. Wenn Grabe in seinen Arbeiten immer wieder den „sprechenden Menschen“ in den Fokus nimmt, dann entwickelte er damit eine Form, die dem Medium Fernsehen auf überraschende Weise gerecht wurde.” Medienkorrespondenz

“Hans-Dieter Grabe ist einer der großen Dokumentaristen der Bundesrepublik. Seine Filme sind bewegende Zeitzeugnisse.” Hans Helmut Prinzler

Auszeichnungen

PREIS DER DEUTSCHEN FILMKRITIK 2015 für “Raimund – ein Jahr davor”

FSK: Infoprogramm

Länge: 455
Bild: PAL, Farbe + S/W
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Seemannsgeschichten von der Kaiserzeit bis zur Gegenwart Regie: Eberhard Fechner

Elf gestandene Männer, die meisten weit über achtzig. Vier waren zuletzt Kapitäne, andere Schiffsingenieur, Schiffskoch, Segelmacher, Schiffszimmermann und Heizer. Alle um die Jahrhundertwende geboren, machen sie große und kleine Fahrten, heiraten, werden befördert oder auch mal gefeuert. Sie bekommen zu Lande und auf See den Druck von Krieg, Hunger, Inflation und später des Naziregimes zu spüren. Sie fahren zwischen Kiel und England oder rund um die Welt, Kreuzfahrten mit der „Hanseatic“, aber auch Windjammer, Fahrt um die Magellanstraße. „Dat’s min Schipp, hieß es früher“, sagt der Zimmermann traurig. „Heute hört das alles auf. Containerschiffe und keine Kameradschaft. Jetzt fährst du zur See, dass du nur aufs Knöpfchen drückst.“ Melancholie über einen verlorenen Beruf.

47 000 Meter Material, das sind mehr als siebzig Stunden, verdichtet Eberhard Fechner zu drei Stunden konzentriertem Film: LA PALOMA – elf Lebensläufe über einen Zeitraum von 90 Jahren.

Mit:
Herbert Stephan, Kapitän
Erich Goering, Schiffsingenieur
Otto v. Essen, Kapitän
Paul Rauch, Schiffskoch
Leonhard Daubenmerkel, Kapitän
Paul Frackowiak, Segelmacher
Arnold Fürst, Obersteward
Emil Memmen, Kapitän
Heinrich Bick, Schiffsingenieur
Walter Wolff, Schiffszimmermann
Dr.Karl Helbig, Heizer und Geograph

Inhaltsübersicht

Teil 1
1. Vorstellung
2. Im Kaiserreich
3. Lehrjahre
4. Auf großer Fahrt
5. Rolling Home
6. Wieder auf der Stuhlbank
7. Unterm Hakenkreuz
8. Abspann

Teil 2
1. Vorstellung
2. 1940 – 1943
3. 1943 – 1945
4. Abgemustert
5. Wieder an Bord
6. Die letzten Experimente von Dr. Helbig
7. Im Ruhestand
8. Abspann

Credits

Buch: Eberhard Fechner
Regie: Eberhard Fechner

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1989

Pressestimmen

“In „La Paloma“ entsteht aus den Geschichten, den Gesichtern, der Diktion von elf Seemännern ein hinreißendes Panorama der Seefahrt. Obwohl der begnadete Interviewer sie zu Hause besucht,
„inszeniert“ er sie dort jedoch nicht.” Der Tagesspiegel

„Das Fernsehereignis dieser Woche: Elf alte Seeleute erzählten dem Großmeister der TV-Dokumentation, Eberhard Fechner, ihr Leben.“ DER SPIEGEL

“Um deutsche Geschichte und viel Melancholie geht es n dem dreistündigen LA PALOMA, in dem Eberhard Fechner, der diese Kunst wie kein Zweiter beherrschte, 70 Stunden Filmmaterial zu elf Lebensläufen über einen Zeitraum von 90 Jahren verdichtete.” NWZ

“Keiner beherrschte so wie er die Kunst, Zeitgeschichte quasi mit der Kamera „aufzuschreiben“: Eberhard Fechner (1926-1992) rekonstruierte minutiös individuelles Leben, um es in ein erhellendes Verhältnis mit „großer“ Geschichte zu setzen. Geduldig hörte er dabei den Menschen zu und fragte im richtigen Moment nach, um aus ihren Erinnerungen längst Verdrängtes, Verborgenes und auch Widersprüchliches hervorzulocken.” Film Dienst

“Fechner ist der profilierteste Fernseh Regisseur in diesem Lande: ein sensibler Chronist, besessener Arbeiter, Erfinder eines filmischen Genres, für das bis heute keine erschöpfende Bezeichnung existiert. Seine Filme sind Montage, Interview, Augenzeugenbericht, Sozialreportage, Gespräch, Dialog, Essay – von allem ein wenig und viel mehr. Seine Lebensbeschreibungen in Bildern sind Literatur mit anderen Mitteln. Sie sind vor allem nicht einfach Dokumentation, denn das Dokumentarische daran besteht lediglich in authentischen Photos, Ton- und Filmaufnahmen.

Aus dem Material monatelang gesammelter Gespräche und Aussagen fügt Fechner in komplizierter Architektur und haarfeiner Seziertechnik ein Mosaik, das Zeitgeschichte und Biographien minuziös und kunstvoll verschränkt. Daß diese filmischen Kompositionen so oft als bloße „Dokumentationen“ mißverstanden worden sind, liegt am bestechend einfachen Erzählstil des Regisseurs – klar, unaffektiert, ohne das Pipapo künstlerischer Selbstbespiegelung." Die Zeit

FSK: Infoprogramm

Länge: 180
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Heinz Peter Schwerfel

Der Künstler Jannis Kounellis behauptet von sich, er sei Maler. Doch gemalt hat er schon seit über vierzig Jahren nicht mehr. Stattdessen baut Kounellis in oft wochenlangem Kampf mit Raum und Materie dreidimensionale Bilder, die auf den Betrachter zustürmen, ihn im Werk verschwinden lassen, verschlucken, mitnehmen auf spektakuläre Reisen in die Kunst.

Zusammen mit Interviews und Besuchen im römischen Atelier oder dem Ferienhaus auf der Insel Hydra werden zwei solcher Reisen in den vorliegenden Filmen dokumentiert, absolute Schlüsselausstellungen innerhalb der fünfzigjährigen Karriere eines der wichtigsten Künstlers der Gegenwart. Die erste Ausstellung fand vor fünfzehn Jahren auf einem Frachtschiff im Hafen seiner Geburtsstadt Piräus statt, die Rückkehr eines zeitgenössischen Odysseus nach langen Jahrzehnten des freiwilligen Exils. Die zweite im Jahre 2001 in einer verlassenen Kathedrale mitten in Mexico City, wo Kounellis mit lokalem Basaltstein, Stahlträgern, Möbeln, Messern, Glas und Blumen eine gewaltige Prozession mit Alltagsmaterialien aus Natur und Zivilisation installierte.

Extras

AUSSTELLUNGEN
08.11.2007-24.02.2008: Jannis Kounellis “Labyrinth”
Neue Nationalgalerie, Berlin

ab 12.12.2007: Grafische Arbeiten von Jannis Kounellis
Europäisches Zentrum der Künste Hellerau, Dresden

Credits

Regie: Heinz Peter Schwerfel
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Jannis Kounellis

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2001

Länge: 46
Bild: PAL, Farbe, 16:9 / 4:3
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, Italienisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Mitschnitt der Gastvorlesung der promovierten Juristin und streitbaren, scharfsinnigen Autorin Juli Zeh im Sommersemester 2013 an der Frankfurter Goethe-Universität. Unter dem Titel TREIDELN spricht Zeh über Bedingungen und Grundlagen ihrer literarischen Arbeit und entwirft eine »Anti-Poetologie«.

Poetik, so sagt Juli Zeh, ist etwas für »Quacksalber, Schwächlinge, Oberlehrer, Zivilversager und andere Scharlatane«. Schreiben lebt von der »Poetikfeindlichkeit«, ist nämlich ein »verschriftlichtes Selbstgespräch «. »Poetik klingt immer so, als wüsste der Autor, was er da tut – dabei weiß er bestenfalls, was er GETAN HAT.« Denn: »Ein Ereignis ist nicht das, was passiert ist, sondern das, was erzählt werden kann.«

Inhaltsübersicht

DVD 1
11. JUNI 2013
BEGRÜSSUNG
KAPITEL 1.1 1.2. 1.3
18. JUNI 2013
KAPITEL 2.1 2.2 2.3

DVD 2
25. JUNI 2013
KAPITEL 3.1 3.2 3.3
2. JULI 2013
KAPITEL 4.1 4.2 4.3
9. JULI 2013
KAPITEL 5.1. 5.2. 5.3

Pressestimmen

»Entwirft Literatur derart faszinierende Zwischenräume zum Denken und Vorstellen, dann erklärt sich die Poetik wie von selbst. Wunderbar!« Film-Dienst

»Seit 1959 gibt es die Poetikvorlesung, aber auf so kluge Weise unverkopft wie Juli Zeh hat noch
niemand gesprochen.« (Frankfurter Allgemeine Zeitung)

»Seit vier Jahren schreibt mir jeder Veranstalter, der mich zu einer Lesung einlädt, dass Herta Müller auch schon da war. Mühelos könnte ich ein Bewegungsprofil von Herta Müller erstellen. Sie war wirklich schon überall. Die Veranstalter gehen davon aus, dass ich auch einmal dagewesen sein will, wo Herta Müller schon war.« – Juli Zeh

»Die promovierte Juristin Julie Zeh überzeugt und unterhält mit ihrer unverkopften, klugen Erzählung. 320 Minuten Poetik. Wenn es sie denn gibt.« – NDR Kultur Literaturredaktion

FSK: Infoprogramm

Länge: 320
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Mitschnitt einer Vorlesung

Regie: Dieter Reifarth

„Die Tortur ist das fürchterlichste Ereignis, das ein Mensch in sich bewahren kann. Wer der Folter erlag, kann nicht mehr heimisch werden in der Welt.“

Jean Améry ist 31 Jahre alt und Mitglied der belgischen Widerstandsbewegung, als er am 23. Juli 1943 beim Verteilen antinazistischer Flugblätter in Brüssel verhaftet wird. Nach seiner Folter im berüchtigten Fort Breendonk, einem Auffanglager unter SS-Verwaltung, wird er lebenslang von den Spuren des seelischen „Feuermals", vom Verlust des „Weltvertrauens“ gezeichnet bleiben.

Seine Schilderung der Geschehnisse, Verhör und Folterung, sind karg, bar jeder sprachlichen Dramatik. Sein Interesse richtet sich weniger auf die Praktiken der Folterknechte als vielmehr auf jene unauslöschlichen Spuren, die sie bei dem Gemarterten hinterlassen. „Die Tortur“ erscheint im Frühjahr 1966 mit vier weiteren Essays in „Jenseits von Schuld und Sühne – Bewältigungsversuche eines Überwältigten“.

Zuvor liest Jean Améry seinen Text für das SDR Radio. Seine Stimme klingt sanft, facettenreich, holprig und unverstellt. Diese beschwörende Narration bildet das akustische Fundament für die atmosphärischen Aufnahmen der Orte und Ereignisse. Ein verstörender Filmessay zwischen Gegenwart und musealem Erinnern, fern jeder Fiktionalisierung.

Als Ergänzungen „Die Festung Derloven“, gelesen von Jochen Nix sowie „Jean Améry – Betrachtungen“ von Irène Heidelberger-Leonard, Autorin der Biografie „Jean Améry – Revolte in der Resignation“ und Herausgeberin der Werkausgabe von Jean Améry bei Klett-Cotta.

»Im Kapitel „Die Tortur“ des Buches „Jenseits von Schuld und Sühne“ heißt es in Anlehnung an ein Zitat von Marcel Proust Nichts ereignet sich in der Tat so, wie wir es erhoffen, noch so, wie wir es befürchten. In dem Zusammenhang in dem dieser Satz steht, dem der Verhaftung und Folterung durch die Gestapo, meint er die befürchtete körperliche Erniedrigung. Er meint diese Erniedrigung als eine bloß vorgestellte, imaginierte. Der Schock, den der erste konkrete Schlag bewirkt, sagt, daß der reale Vorgang nicht mehr oder weniger fürchtenswert ist, sondern ganz anders. Die Einsicht, die den Geschlagenen überfällt, heißt, daß er ausgeliefert und hilflos ist. Hilflos und ausgeliefert wird er zum Objekt. Das Hineingeprügeltwerden in diesen Objektcharakter zersetzt nicht nur die Selbstachtung, es entzieht ihm das Bewußtsein, er selber zu sein, wie wenn man aus einem Schubfach das Bodenbrett herausbricht. Was immer man hineinlegt, fällt nun durch.« Helmut Heißenbüttel

»Der Schock des Gefolterten besteht darin, daß er gegen seinen Willen der Gewalt unterworfen, ins Komplott von Täter und Opfer gezwungen wird. Er erfährt sich als hilflos, als ausgeliefert, als bloßes Objekt des Anderen. Und diese Erkenntnis oder Erfahrung, nur noch Objekt zu sein, hebt sein Ich-Gefühl, sein Bewußtsein von sich selbst aus den Angeln, läßt die eigene Identität einstürzen und mit ihr das ursprünglich gegebene Weltvertrauen. (…) Der einmal erfahrene Schrecken bestimmt fortan das Lebensgefühl. „Das der Mitmensch als Gegenmensch erfahren wurde,“ schreibt Améry in Jenseits von Schuld und Sühne, „bleibt als gestauter Schrecken im Gefolterten liegen: Darüber blickt keiner hinaus in eine Welt, in der das Prinzip Hoffnung herrscht.“« Hanjo Kesting

»Viel später las sie zufällig einen Essay Über die Tortur von einem Mann mit einem französischen Namen, der aber ein Österreicher war und in Belgien lebte, und danach verstand sie was Trotta gemeint hatte, denn darin war ausgedrückt, was sie und alle Journalisten nicht ausdrücken konnten, was auch die überlebenden Opfer, deren Aussagen man in rasch aufgezeichneten Dokumenten publizierte, nicht zu sagen vermochten. Sie wollte diesem Mann schreiben, aber sie wußte nicht, was sie ihm sagen sollte, warum sie ihm etwas sagen wollte, denn er hatte offenbar viele Jahre gebraucht, um durch die Oberfläche entsetzlicher Fakten zu dringen, und um diese Seiten zu verstehen, die wenige lesen würden, bedurfte es einer anderen Kapazität als des einen kleinen vorübergehenden Schreckens, weil dieser Mann versuchte, was mit ihm geschehen war, in der Zerstörung des Geistes aufzufinden und auf welche Weise sich wirklich ein Mensch verändert hatte und vernichtet weiterlebte.« Ingeborg Bachmann, Drei Wege zum See

»Stellenweise von offenen Schwären überzogen, aus denen der rohe Schotter hervorbrach, und verkrustet von guanoartigen Tropfspuren und kalkigen Schlieren, war die Festung eine einzige monolithische Ausgeburt der Häßlichkeit und der blinden Gewalt. (…) Die Erinnerung an die vierzehn Stationen, die der Besucher in Breendonk zwischen Portal und Ausgang passiert, hat sich in mir verdunkelt im Laufe der Zeit, oder vielmehr verdunkelte sie sich, wenn man so sagen kann, schon an dem Tag, an welchem ich in der Festung war, sei es, weil ich nicht wirklich sehen wollte, was man dort sah, sei es, weil in dieser nur vom schwachen Schein weniger Lampen erhellten und für immer vom Licht der Natur getrennten Welt die Konturen der Dinge zu zerfließen schienen. Selbst jetzt, wo ich mich mühe, mich zu erinnern, (…) löst sich das Dunkel nicht auf, sondern verdichtet sich bei dem Gedanken, wie wenig wir festhalten können, was alles und wieviel ständig in Vergessenheit gerät, mit jedem ausgelöschten Leben, wie die Welt sich sozusagen selbst ausleert, indem die Geschichten die an unzähligen Orten und Gegenständen haften, welche selbst keine Fähigkeit zum Erinnern haben, von niemandem je gehört, aufgezeichnet oder weitererzählt werden (…).« W. G. Sebald, Austerlitz

Im März 1965, kurz nach der Tonaufnahme der „Tortur“ schreibt Améry an seinen Redakteur Helmut Heißenbüttel: „Ich selbst bin wie stets in solchen Fällen mit mir recht unzufrieden. Ich bin kein guter Sprecher (…).“ Heißenbüttel antwortet: „Besser als Sie es getan haben, kann man eine solche Sache nicht lesen. Das, was die Qualität Ihrer Arbeit ausmacht, die unmittelbare Verschränkung von persönlicher Erfahrung und objektiver Analyse, kann, so denke ich, nur der einem Zuhörer nahebringen, der diese Dinge erlebt und geschrieben hat. Das ist bei Ihnen so überzeugend wie nur möglich geschehen.“

» (…) Hierzu gehört ein literarischer Text, den Améry unmittelbar nach 1945 geschrieben hat um ihn seinem Roman Die Schiffbrüchigen einzufügen: Die Festung Derloven. Was Améry im Essay über die Tortur als eigene Erfahrung reflektiert, wird hier noch als ein Erlebnis der Romanfigur Eugen Althager erzählt. (…) Während die Tortur auf diese Weise in den epischen Details und in der Zeitform des Romans, der „tiefsten Vergangenheit“, als bloße Episode in den Zusammenhang einer großen Liebe integriert werden soll, aber im Erzählen selbst den Zusammenhang bereits sprengt, wird sie – zwanzig Jahre später – in den gedanklichen Gegensätzen, die der Essay entfaltet, als zentrale Erfahrung des Irreduktiblen und eigentlich nicht Erzählbaren vergegenwärtigt. (…) Améry verzichtet nunmehr auf die Fiktion und meidet die Anlehnung an literarische Verfahren, er bleibt essayistisch und stellt sich der Paradoxie: Denn die Intensität in der Erinnerung des Leides erreicht Améry ja gerade dadurch, daß er die Schwierigkeit, ja Unmöglichkeit, das Leid zur Darstellung zu bringen, zum Thema macht.« Gerhard Scheit, Jean Améry – Werke, Bd. 2

»Wo Améry seine Fremdheit, den Verlust des „Weltvertrauens“, seine gesellschaftliche Isolation und seine existentielle Verbannung analysiert, sprengt er meiner Meinung nach die eng gesteckten Grenzen seines Buches und spricht einfach vom Zustand des Menschen. Der Überlebende ist lediglich ein äußerst tragischer Protagonist dieses Epochenzustands, der den Kulminationspunkt dieses Zustandes erlebt und erlitten hat: Auschwitz, das wie eine schreckliche Weltvision eines umnachteten Geistes hinter uns am Horizont aufragt und dessen Silhouette, wie weit wir uns auch entfernen, nicht schwindet, sich vielmehr auszudehnen und zu wachsen scheint. Heute wissen wir: Das Überleben ist nicht nur das persönliche Problem der Überlebenden, die langen, dunklen Schatten des Holocaust legen sich über die gesamte Zivilisation, in der er geschah und die mit der Last und den Folgen des Geschehenen weiterleben muß.« Imre Kertész, Der Holocaust als Kultur, 1992

»Damals, als ich in so fünf bis sechs verschiedenen deutschen KZ-Lagern von Kälte und Prügel versehrt einen Tag erwartet hatte, dem anzubrechen nie beschieden war, mußte der berühmt-berüchtigte „qualitative Sprung“ sich ereignet haben. Es gab seither keine Jasage mehr: das Reich des Todes hatte sich aufgetan in der Welt. Man überlebte nicht. Nur Lemuren waren aus dieser Nacht aufgestiegen. Oder, wie es im Lefeu heißt: man hatte kein Recht, das Überstehen zu überstehen.« Jean Améry, Lefeu oder Der Abbruch

»Im zweiten Aufsatz ist von der Tortur die Rede, die als eine besondere Form des Körper- und Schmerzerlebnisses phänomenologisch dargestellt wird und den Körperschmerz der Tortur, der von anderen verursacht wird und durch keine Hilfserwartung gelindert werden kann, gegen jede Art von Schmerz abgrenzt.« Jean Améry, Kurze Darstellung des Buchinhalts, 1967

»Die Rückbesinnung auf die klassische Aufklärung ist das intellektuelle und soziale Gebot der Stunde.
Das Licht der klassischen Aufklärung war keine optische Täuschung, keine Halluzination. Wo es zu verschwinden droht, ist das humane Bewußtsein eingetrübt.« Jean Améry, 1977

Extras

„Die Festung Derloven“ 56`12
Jean Améry – Betrachtungen“ 35‘12

Vier Radio Lesungen von Jean Améry:
„Jenseits von Schuld und Sühne“
1. Audiofile „An den Grenzen des Geistes“ 58‘37
2. Audiofile „Wieviel Heimat braucht der Mensch“ 58,52
3. Audiofile „Ressentiments“ 58‘26
4. Audiofile „Über Zwang und Unmöglichkeit Jude zu sein“ 58‘15

Inhaltsübersicht

Film
„Die Tortur“ 58’38
„Die Festung Derloven“ 56`12
Jean Améry – Betrachtungen“ 35‘12

DIE TORTUR
Kapitel
01. Fort Breendonk
02. Tortur
03. Verhaftung und Verhör
04. Der erste Schlag
05. Weltvertrauen und Körperschmerz
06. Das „Auffanglager“ Breendonk
07. Die Folter
08. Die Peiniger
09. Verdrängt man ein Feuermahl?
10. Widerstandskraft
11. Abspann

DIE FESTUNG DERLOVEN
01. Derloven (Breendonk)
02. Eugen Althager
03. Die Tortur
04. Odette
05. Die Zelle
06. Die Hinrichtung
07. Abspann

JEAN AMÉRY – BETRACHTUNGEN
01. Derloven / Tortur
02. Brief ins Ungewisse
03. Odette
04. „Jenseits von Schuld und Sühne“
05. Ressentiments
06. Jude sein
07. Selbstmisstrauen
08. Der Name
09. Existentielle Gleichgewichtsstörung
10. Freitod
11. Abspann

Vier Radio Lesungen von Jean Améry:
„Jenseits von Schuld und Sühne“
1. Audiofile „An den Grenzen des Geistes“ 58‘37
2. Audiofile „Wieviel Heimat braucht der Mensch“ 58,52
3. Audiofile „Ressentiments“ 58‘26
4. Audiofile „Über Zwang und Unmöglichkeit Jude zu sein“ 58‘15

Credits

Buch: Jean Améry
Regie: Dieter Reifarth

Produktion: strandfilm
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2018

Pressestimmen

“Dem Einfrieren der Geschichte wirkt der Film entgegen, der die analytische Kraft und Wut des Textes unangetastet lässt, jedoch mit visuellen Eindrücken der Gegenwart koppelt. Man sieht Menschen, die sich individuell mit dem Ort auseinandersetzen, alleine, in Gruppen, die sich frei durch die Anlage bewegen, wodurch die von Améry beschriebene Unfreiheit und Hilflosigkeit mit noch größerer Wucht wirkt.” Jungle World

“Der von Améry selbst in wechselvollem Timbre für das Radio eingesprochene Text bildet die Grundlage des Films von Dieter Reifarth; die teils gegegnwärtigen, teils historischen Aufnahmen der Orte, der Schergen und ihrer Instrumente ordnen sich dem Text unter. Die Grenzen des Sagbaren, Améry hat sie in seinen Texten verschoben. DIE TORTUR hilft, die Antennen gegenüber autoritärem Machtstreben nachzujustieren.” RAY

“Der Schriftsteller Jean Améry findet in seinem sanften Tonfall Worte, die seine zwei Jahre in Nazi-Gefangenschaft zu illustrieren vermögen. Regisseur Dieter Reifarth bebildert das erschütternde Analysieren und Begreifen, indem er am schwarzgrauen, narbigen Stein entlangfährt, dunkle Korridore, in den Stein geritzte Botschaften: „Courage“ und „Victoire!“ zeigt. Die Botschaft: Nie mehr Diktatur!” Hannoversche Allgemeine Zeitung

“Reifarth ist für den Film an den dunklen Ort der Folter gereist. Wer seinen in der Festung Breendonk entstandenen Bildern folgt, wird sich indessen bald bewusst, dass es nicht das Unheimliche des authentischen Ortes ist, sondern der in äußerst sachlichem Ton vorgetragene Text Amérys über die unüberwindbaren Konsequenzen der Folter, der den Filmessay zu einer aktuellen politischen Stellungnahme macht… Indem der Filmemacher auf Améry vertraut und die Erzählung des Überlebenden den am authentischen Folterort entstandenen Bildern hörbar zu Grunde legt, gelingt es Dieter Reifahrt, das Unerhörte greifbar nahe zu bringen: „Es wird aufgeheult unter der Tortur. Vielleicht in dieser Stunde, in dieser Sekunde.“ Der existenzielle Schmerz, den Améry als persönliche Erfahrung ungeheuer sachlich reflektiert, steigert sich in der Isolation der Festung, durch deren düstere Foltertrakte seine Erzählung die Zuschauer_innen des Films mit fast unerträglich sanfter Stimme begleitet, nicht mehr.” Fritz Bauer Blog

“Dieter Reifarths berührender Filmessay „Die Tortur“ folgt Amérys Diktum „Wer der Folter erlag, kann nicht mehr heimisch werden in der Welt“und zeigt ein zentrales Kapitel aus dem Leben des Autors. Nach seiner Folter im berüchtigten Fort Breendonk, einem Auffanglager unter SS-Verwaltung, wird er lebenslang von den Spuren des seelischen „Feuermals“, vom Verlust des „Weltvertrauens“ gezeichnet bleiben. Als Bonus gibt es „Die Festung Derloven“, gelesen von Jochen Nix, sowie „Jean Améry – Betrachtungen“ von Irène Heidelberger-Leonard und eine vierstündige
Lesung von Amérys Essays.” Neue Wetzlarer Zeitung

„Die Tortur ist das fürchterlichste Ereignis, das ein Mensch in sich bewahren kann.“
„Es wäre ohne alle Vernunft, hier die mir zugefügten Schmerzen beschreiben zu wollen…“„Wer der Folter erlag, kann nicht mehr heimisch werden in der Welt. Da gibt es kein »Verdrängen«. Verdrängt man denn ein Feuermal? Man mag es vom kosmetischen Chirurgen wegoperieren lassen,
aber die an seine Stelle verpflanzte Haut ist nicht die Haut, in der einem Menschen wohl sein kann.“
Jean Améry

FSK: Infoprogramm

Länge: 58
Bild: PAL, S/W, 16:9
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische, französische, niederländische Untertitel (bei DIE TORTUR)
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Drama

Wir die Fräulein vom Schloss Regie: Eberhard Fechner

Gräfinnen, Baroninnen, Freifrauen:
IM DAMENSTIFT
Wir die Fräulein vom Schloss

Auf Schloß Ehreshoven – eine halbe Stunde von Köln entfernt – leben 16 Gräfinnen, Baroninnen und Freifrauen im Alter von 76 bis 88 Jahren. Das Wasserschloss mit seinem alten Park wurde 1920 von der letzten Erbin als Stiftung vermacht. Unbemittelte, unverheiratete, adlige Damen katholischen Glaubens wird dort ein ruhiger, standesgemäßer Lebensabend ermöglicht, sofern ihre Familien im Gotha verzeichnet sind.

Die Erinnerungen der alten Damen spiegeln die deutsche Gesellschaft in Glanz und Elend vom Kaiserreich bis heute. Alle erzählen auch vom Verlust, vom Tod der Nächsten, dem Verlust der Heimat, dem Abschied von Landhäusern, Schlössern, vom Besitz. Sensibel aufgezeichnet treten diesem Kontext zugleich die Charakteristika des deutschen Adels zutage: Wenig Larmoyanz und Bitterkeit im Damenstift, allenfalls gefasste Resignation oder Melancholie. Über allem liegt eine Heiterkeit, die nicht nur Teil des antrainierten „comme il faut“ ist, sondern vor allem die abgeklärte Gelassenheit alter Menschen.

Mit:
Josephine Gräfin Deym
Jannet Gräfin Eltz geb. Stevenson
Sabine Gräfin Hardenberg
Nadine Freifrau von Korb-Weidenheim
Maria Freifrau von Korff
Ludwine Gräfin Magnis
Adelheid Gräfin Oppersdorff
Nathalie Freifrau de Pont
Gerda von Randow
Marie-Agnes Gräfin Strachwitz
Cäcilia Gräfin Westphalen
Hugoline Gräfin Westphalen
Marie- Louise von Zastrow
Benedikta von Papen.

Inhaltsübersicht

Kapitel
1. Eine adelige Kundschaft
2. Kindheit und Jugend
3. Ende der Aristokratie
4. Zeit des Nationalsolzialismus
5. Flucht und Vertreibung
6. Gesellschaftliches Miteinander
7. Alltag im Stift
8. Abspann

Credits

Buch: Eberhard Fechner
Regie: Eberhard Fechner

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 1984

Pressestimmen

“Die Lebenserinnerungen von Zeitzeugen der beiden Weltkriege haben den 1992 verstorbenen Eberhard Fechner besonders interessiert. So hat er 1984 sechzehn hochbetagte adelige Damen interviewt, die zusammen in einem Stift leben.” SWR2

“Dieses Dokumentarfilm-Juwel ist lebendiger Geschichtsunterricht. Es sind Geschichten aus Pommern und Schlesien, sie handeln von Vertreibung und dem Krieg, der all diesen Frauen den Besitz raubte und oft auch die Liebe. Im Damenstift fanden sie dann Solidarität in ihrer Besonderheit. Denn auf ihre Herkunft sind alle stolz.” Rheinische Post

“Keiner beherrschte so wie er die Kunst, Zeitgeschichte quasi mit der Kamera „aufzuschreiben“: Eberhard Fechner (1926-1992) rekonstruierte minutiös individuelles Leben, um es in ein erhellendes Verhältnis mit „großer“ Geschichte zu setzen. Geduldig hörte er dabei den Menschen zu und fragte im richtigen Moment nach, um aus ihren Erinnerungen längst Verdrängtes, Verborgenes und auch Widersprüchliches hervorzulocken.
„Im Damenstift“ (1984) stellt ältere Frauen vor, die als Adelige in einer Welt aufwuchsen, als ihre Abkunft noch von großer Bedeutung war. Nun leben sie, die katholischen Glaubens sind, unverheiratet blieben und mittellos wurden, dank einer Stiftung Mitte der 1980er-Jahre in einem Schloss in der Nähe von Köln. Manches verbindet die stets fein gekleideten Gräfinnen, Baroninnen und Freifrauen vor der Kamera, vor allem die Erinnerung an eine Vergangenheit, die eine feste Struktur und Ordnung hatte.” Film Dienst

“Humorvoll berührende Doku!” Vogue

“Fechner ist der profilierteste Fernseh Regisseur in diesem Lande: ein sensibler Chronist, besessener Arbeiter, Erfinder eines filmischen Genres, für das bis heute keine erschöpfende Bezeichnung existiert. Seine Filme sind Montage, Interview, Augenzeugenbericht, Sozialreportage, Gespräch, Dialog, Essay – von allem ein wenig und viel mehr. Seine Lebensbeschreibungen in Bildern sind Literatur mit anderen Mitteln. Sie sind vor allem nicht einfach Dokumentation, denn das Dokumentarische daran besteht lediglich in authentischen Photos, Ton- und Filmaufnahmen.

Aus dem Material monatelang gesammelter Gespräche und Aussagen fügt Fechner in komplizierter Architektur und haarfeiner Seziertechnik ein Mosaik, das Zeitgeschichte und Biographien minuziös und kunstvoll verschränkt. Daß diese filmischen Kompositionen so oft als bloße „Dokumentationen“ mißverstanden worden sind, liegt am bestechend einfachen Erzählstil des Regisseurs – klar, unaffektiert, ohne das Pipapo künstlerischer Selbstbespiegelung." Die Zeit

“Sie sprechen vor der Kamera meist heiter und entspannt, gelegentlich auch melancholisch über persönliche Erfahrungen, Verluste und Abschiede, auch über die Privilegien des Adels. Sie spielen zusammen Karten, essen, beten und hören sich zu. Die 90 Minuten des Films vergehen wie im Fluge. Man wird einige der Damen, die alle nicht mehr am Leben sind, nicht so schnell vergessen.” Hans Helmut Prinzler

“Ihre Erinnerungen handeln von Verlust und Abschied, zeigen aber auch die deutsche Gesellschaft im Glan zund Elend vom Kaiserreich bis in die achtziger Jahre. An die Stelle von adliger Larmoyanz und Bitterkeit treten Resignation, Melancholie und Heiterkeit, die abgeklärte Gelassenheit alter Menschen.” NWZ

“Der Dokumentarfilm von Eberhard Fechner nimmt den Zuschauer tatsächlich mit in eine andere Zeit. Eine Zeit, in der die Erinnerungen an glanzvollere Tage mal mit Melancholie, mal mit einer ordentlichen Portion Selbstironie am Leben gehalten wurden.” SWR 2

“Fechner, das ist diesen Erzählungen anzumerken, war ein begnadeter Interviewer, er konnte Vertrauen schaffen und wurde mit Aufrichtigkeit belohnt. Keine Posen, keine Masken, kein Misstrauen und keine Angst schieben sich zwischen das Erlebte und die Schilderung; und begreiflich wird mit einem Male auch die Kraft, die der mündlichen Überlieferung als einer historiographischen Tradition innewohnt.” Berliner Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Hans im Glück

Regie: Peter Liechti

Ein Roadmovie für Fußgänger und angehende Nichtraucher

Die Geschichte von einem, der auszieht, das Rauchen loszuwerden…
Dazu unternimmt er einen Fußmarsch von Zürich, seinem jetzigen Wohnort, nach St. Gallen, der Stadt, wo er aufgewachsen ist. Er hat sich vorgenommen, diese Strecke – auf immer wieder anderen Routen – so oft zu wiederholen, bis das Ziel erreicht ist. Durch das rituelle Abschreiten der Landschaft und das strikte Rauchverbot, das er sich unterwegs auferlegt, erhofft er sich am Ende die Befreiung von seinem Laster.
Alle Bilder, »Erkenntnisse« und Erinnerungen, die er auf seinen Nichtraucher-Märschen erwandert, bilden schließlich den Fundus zu dieser Heim-Suchung eines Rauchers: eine filmische Himmel- und Höllefahrt quer durchs Vaterland – mit gelegentlichen Abstechern weit über die Grenzen hinaus. HANS IM GLÜCK ist ein Roadmovie für Fußgänger. Eine Widmung an alle Raucher und anderen Abhängigen, an alle Pechvögel und (trotzdem) Anständig-Gebliebenen – und natürlich an den Hans im Glück.

Mit der «Scheisse-Gedicht-Lesung» von Dieter Roth (Video U-matic) und der «Aktion mit einem Hocker» von Roman Signer (Super-8) aus dem Film «Sommerhügel» von Peter Liechti

Extras

Kapiteleinteilung, Trailer

Credits

Buch: Peter Liechti
Kamera: Peter Liechti
Künstlerische Aktionen: Roman Signer Dieter Roth
Regie: Peter Liechti
Schnitt: Tania Stöcklin

Produktion: Peter Liechti
Produktionsland: CH
Produktionsjahr: 2003

Pressestimmen

»So entschieden und klug hat bisher wohl noch keiner im Schweizer Film ich gesagt, so poetisch und witzig haben sich Anschauung und Reflexion noch selten verbunden.« Neue Züricher Zeitung

»Ein ebenso bildstarker wie musikalischer, ein ebenso kluger wie im besten Sinn eigenwilliger Film.« Wochenzeitung

»Seit das Rauchen kein Problem mehr ist, wird mir das Denken zum Problem. Kaum hör’ ich auf mit dem Rauchen, fang ich schon an mit dem Denken. Wo früher das Denken limitiert war, da denk’ ich heute völlig ungebremst drauflos. Das bedeutet nicht größere Denkschärfe oder Denktiefe, vielmehr ist es eine Art gedankliches Hyperventilieren. Schon gegen Mittag hat sich mein Denken im Grunde erschöpft bei dieser Gedankenraserei – dann geht’s aber den ganzen Tag noch weiter.«
- Peter Liechti

3Sat-Filmpreis für den besten deutschsprachigen Dokumentarfilm

Auszeichnungen

3sat-Filmpreis für den besten deutschsprachigen Dokumentarfilm

FSK: FSK: ab 12
Vertriebsgebiet: nur D, A
Länge: 90
Bild: PAL, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: OV in Deutsch/Schweizerdeutsch
Untertitel: Deutsch, Französisch, Englisch, Spanisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Filmessay

Regie: Peter Raymont

Anlässlich des 20. Jahrestags des Völkermords in Ruanda im April 2014 erscheint diese erschütternde Dokumentation über das seinerzeitige Scheitern der UN-Mission und ihres Kommandanten Dallaire erstmals im deutschsprachigen Europa.

Auf dem preisgekrönten, gleichnamigen Buch basierend erzählt HANDSCHLAG MIT DEM TEUFEL
die tragische Geschichte von General Roméo Dallaire, der 1994 als Kommandant der UN-Friedensmission in Ruanda gezwungen war, machtlos mit anzusehen wie in weniger als 100 Tagen über 800.000 Tutsis und moderate Hutus ermordet wurden während die Internationale Gemeinschaft untätig wegsah und Unterstützung verweigerte. Der immense psychologische Druck, vollkommen hilflos einem Völkermord mitanzusehen, hinterließ auch nach der gescheiterten Mission
grausamen Spuren in Dallaires Leben.

Die Aufnahmen entstanden während Roméo Dallaires erster Rückkehr nach Ruanda im April 2004 neben denen Originalmaterial 1994 verwendet wurde.

Credits

Mitwirkende: Roméo Dallaire, Paul Kagame (Präsident von Rwanda), Bill Clinton (Archivmaterial), Hillary Clinton (Archivmaterial), O. J. Simpson (Archivmaterial)
Nach der gleichnamigen Autobiografie von: Roméo Dallaire
Regie: Peter Raymont

Produktion: White Pine Pictures
Produktionsland: CAN
Produktionsjahr: 2004

Pressestimmen

»Ein fesselnder und bewegender Film, der schwierige Fragen hinterlässt. Haben sich die westlichen Supermächte ihrer Schuld gestellt?« – The Guardian

»Das respektvolle Portrait eines selbstbewussten und nachdenklichen, jedoch durch und durch erschütterten Mannes, mehr Philosoph als Krieger …« – New York Times

»Der jetzt erstmals im deutschsprachigen Raum als DVD veröffentlichte Film zeigt einen so scharfsinnigen Analytiker der damaligen Geschehnisse wie untypischen Berufssoldaten von grosser moralischer Integrität, der sich bis heute nicht verzeihen kann, es damals nicht geschafft zu haben, dass die Weltgemeinschaft auf seine Hilferufe reagierte.« – NZZ

»Zu Beginn des Films mag man noch das mulmige Gefühl haben, dass hier ein weißer UN-General als Held gefeiert wird, während die wirklichen Opfer bloß als Staffage dienen.
Aber das Gegenteil ist der Fall. Dem kanadischen Filmemacher Peter Raymont gelingt es mit seinem Porträt, den Völkermord in Ruanda aus der üblichen Folklore von Stammeskonflikten herauszuholen. Er benennt Verantwortliche, Schuldige und Ursachen.« – Deutschlandradio Kultur, Michael Schornstheimer

»Ein schon alleine wegen seiner politischen Brisanz definitiv sehenswerter und schockierender Film.« -filmgazette

»In flüssiger Montage von aktuellem und historischem Material werden das Ausmaß des Versagens der Völkergemeinschaft deutlich sowie die Spuren sichtbar, die die erzwungene ohnmächtige Zeugenschaft in Dallaire hinterließen.« – Alexandra Seitz, ray

Auszeichnungen

Emmy für den besten Dokumentarfilm

2004 Toronto International Film Festival, Canada
Won Canada’s Top Ten Award

2005 Full Frame Documentary Film Festival, USA
Nominated for Grand Jury Award for Best Documentary

2005 Banff Television Festival, Canada
Won Banff Rockie Award for Best Feature Length Documentary
Won Award for Best Canadian Program

2005 Directors Guild of Canada
Won DGC Team Award for Outstanding Team Achievement in a Documentary

2005 Gemini Awards, Canada
Won Gemini Award for Best Picture Editing in a Documentary
Nominated for Gemini Award for Best Direction in a Documentary Program
Nominated for Gemini Award for Best Photography in a Documentary
Nominated for Gemini Award for Best Sound in a Documentary

2005 Sundance Film Festival, USA
Won Audience Award for World Cinema Documentary
Nominated for Grand Jury Prize for World Cinema – Documentary

2005 Philadelphia Film Festival, USA
Won Jury Award for Best Documentary

FSK: Infoprogramm

Originaltitel:
Shake Hands With The Devil

Länge: 91 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Digital 2.0
Sprache: englisch-französische Originalfassung
Untertitel: deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Schweden und die Opfer der Shoah Regie: Magnus Gertten

Geschichten von Menschen, deren Leben mit der Ankunft in Malmö neu begann – und denen es gelang, die Schatten des Holocaust hinter sich zu lassen.

April 1945. Ein Kameramann des schwedischen Roten Kreuzes filmt die Ankunft eines Flüchtlingsschiffs im Hafen von Malmö. An Bord sind Überlebende aus deutschen Konzentrationslagern, todkrank, ausgehungert, traumatisiert. Sie können – so zeigen es die erschütternden Bilder – noch gar nicht glauben, dass sie nun in Freiheit sind. Regisseur Magnus Gertten, der die alten Filmrollen gefunden hat, vertieft sich in die Passagierlisten. Gibt es noch Lebende, Zeitzeugen, Helfer von damals? Er findet drei von ihnen, die damals Kinder waren, sowie Freiwillige des Roten Kreuzes. Dies ist kein Film über Kriegserinnerungen, sondern vor allem über die Bedeutung gegenseitiger Hilfe, ohne die es keinen »Hafen der Hoffnung« gäbe.

Inhaltsübersicht

1. Vorspann
2. Ankunft im Hafen
3. Erste Hilfe
4. Das schöne Schweden
5. Neue Freundschaften
6. Familienrisse- und gründungen
7. Vermisste Angehörige
8. Die Suche nach Vermissten
9. Die Überlebenden heute
10. Abspann

Credits

Buch: Magnus Gertten, Jesper Osmund
Kamera: Jon Rudberg
Mitwirkende: Irene Krausz-Fainmann, Ewa Kabacinska, Stig Kinnhage, Joe Rosenberg, Bo Fröberg
Musik: Magnus Jarlbo
Regie: Magnus Gertten
Schnitt: Jesper Osmund

Koproduktion: Bow & Axe Entertainment, EIKON Media GmbH
Produktion: Auto Images AB
Produzenten: Lennart Ström, Marek Nowowiejski, Ulli Pfau
Produktionsland: SE
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

“HAFEN DER HOFFNUNG ist ein heller, leichter Film geworden, originell in der Machart (mit teilweise animierten Fotos), fast literarisch in der Erzählweise und mit einem eindringlichen Plädoyer aller Zeugen für jene ‘Normalität’, die spätere Generationen als ‘spießig’ verunglimpft haben.” – Berliner Zeitung, Jan Brachmann

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Originaltitel:
Harbour of Hope
Länge: 75 Min.
Bild: PAL, Farbe + s/w, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: deutsche Voice-over-Fassung
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Reportagen aus der schönen neuen Welt Regie: Pagonis Pagonakis

Günter Wallraffs verdecktes Vorgehen deckte zahlreiche Missstände auf: Mal war er als türkischer Leiharbeiter oder als gnadenloser Bild-Reporter unterwegs, dann schlüpfte er in die Rolle eines Rüstungsfabrikanten oder einer McDonald’s-Servicekraft.

Jetzt ist das Vorbild einer ganzen Generation von investigativen Journalisten wieder unterwegs:

Als Michael G. recherchiert er den Alltag in deutschen Callcentern: BEI ANRUF: ABZOCKE. Der Callagent gibt sich als »Deutscher Jugendschutz« aus, Restaurant- und Imbissbudenbesitzern werden so überteuerte Jugendschutztafeln angedreht. Anderen verspricht man mit Systemlotto das Blaue vom Himmel: tagtäglich werden mehr als 900.000 Bürger mit Werbeanrufen belästigt – Tendenz steigend. Die neuen Mitarbeiter der Callcenter werden dabei oft vom ahnungslosen Jobcenter vermittelt …

WO ARBEIT WEH TUT: Auch zu einer Hunsrücker Großbäckerei kommen viele Arbeitskräfte auf Empfehlung des Jobcenters. Der Lieferant des Discounters Lidl presst das Äußerste aus Mensch und Maschine heraus: Sicherheitsbestimmungen werden regelmäßig verletzt, Überstunden und Feiertage bleiben unbezahlt, die hygienischen Zustände sind miserabel: Regelmäßig sind Prozesse vor den Arbeitsgerichten anhängig …

UNTER NULL: In den kältesten Nächten des Jahres macht Wallraff Platte, schließt sich den Obdachlosen an, schläft bei minus 15 Grad in Hauseingängen oder in z. T. üblen Obdachlosenheimen in verschiedenen deutschen Großstädten. Er spürt auf, wie institutionelle Einrichtungen mit der Not gestrauchelter Menschen Geschäfte machen …

Wallraffs legendäre Vorgehensweise – im Schwedischen bezeichnet seitdem das Verb »wallraffa« das investigative Recherchieren mit falscher Identität – steht immer im Dienst der Armen und Wehrlosen. Als ein Robin Hood oder Zorro der Gegenwart erhebt er seine Stimme für jene, die im öffentlichen Raum keine haben. Dass diese Arbeit weiterhin notwendig ist, belegen diese spannenden, aufklärenden Filme.

Inhaltsübersicht

Wo Arbeit wehtut (29’52’’)
1 Die Verwandlung
2 Erster Arbeitstag
3 Lohn und Gehalt
4 Arbeitssicherheit
5 Der Betriebsrat
6 Überwachung und Hygiene
7 Nachspiel

Bei Anruf Abzocke (43’50’’)
1 Die Verwandlung
2 Call On in Köln
3 ZIU in Mühlheim
4 Verkaufsgespräche
5 Schwarze Schafe
6 Psychologie
7 CallNow in Hürth
8 Die Verkäufer
9 Politisches Nachspiel

Unter Null (44’20’’)
1 Das Johanneshaus
2 Weihnachten in Köln
3 Petrusheim in Weeze
4 Silvester in Frankfurt
5 Heilige Drei Könige in Köln
6 Der Bunker in Hannover
7 Die Suche nach dem Ausweg
8 Fazit

Credits

Buch: Pagonis Pagonakis
Regie: Pagonis Pagonakis
Schnitt: Julia Wiegand, Michael Bernstein

Produktion: Köln Captator Film GmbH
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Kein deutscher Journalist, Rudolf Augstein ausgenommen, hat die Nachkriegsgesellschaft so verändert wie Wallraff.« Süddeutsche Zeitung

»Die beschriebenen Missstände sind so verbreitet, dass dagegen ankämpfende Stimmen gar nicht laut genug sein können.« Deutschlandradio

»Günter Wallraff ist wieder unterwegs gewesen – und zwar dort, wo die Arbeit zum Leben nicht mehr reicht: im Callcenter, als Niedriglöhner in einer Brötchenfabrik, als Obdachloser. Die erschreckenden Ergebnisse seiner Recherchen sorgen sicher für genügend Sprengstoff.« Börsenblatt

»Reportagen, die selbst Gutinformierte noch erschüttern können« – Hamburger Morgenpost

»Er geht dahin, wo’s wehtut: Wallraff bleibt wichtig.« – TV Spielfilm

»Ob es nun geschlossene Obdachlosen-Unterkünfte oder offizielle Geschäftsstellungnahmen der Kette Lidl sind, Wallraffs Recherchen werden ernst genommen und haben eine Macht. Und die hat, ohne hier pathetisch werden zu wollen, ja jede Stimme. Denn jeder kann die Erkenntnisse dieser DVD in sein Leben und sein Umfeld tragen und zumindest daraus lernen. Das macht sie wertvoll.« – SCHNITT

»… das gewohnt erschütternde Szenario, wie man es von Wallraff kennt. Angucken!« – Landeszeitung für die Lüneburger Heide

Länge: 117
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
FSK Infoprogramm
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt, investigative Reportage

Regie ‏ : ‎ Monika Grassl

In Ghana eröffnet die erste und einzige Flugschule für Mädchen. Die Schülerinnen kommen vom Land, haben keinen Zugang zu Bildung und wirkten chancenlos. Jetzt steht ihnen der Himmel offen, ein anderes Leben scheint greifbar. Jetzt steht ihnen scheinbar der Himmel offen und die Möglichkeit auf ein anderes Leben ist zum Greifen nahe. Voller Freude und Dankbarkeit treten die Mädchen die Ausbildung des Engländers Jonathan an. Doch schon bald zeigen sich Jonathans rigide Ausbildungsmethoden. Er arbeitet mit ganz eigenen Vorstellungen. Die jungen Frauen werden vor eine schwierige Entscheidung gestellt.

Monika Grassl präsentiert in ihrer überraschenden Dokumentation beeindruckende junge Frauen, die lernen, nicht nur für ihre Zukunft sondern auch für sich selbst zu kämpfen. Der Dokumentarfilm-Gewinner des Festival Max-Ophüls-Preis zeigt, wie komplex und facettenreich “Hilfe zur Selbsthilfe” sein kann und unterwandert am Ende sämtliche Erwartungen.

Monika Grassl wurde 1981 in Wien geboren. Sie studierte Publizistik- und Kommunikationswissenschaft an der Universität Wien und Medienmanagement an der Fachhochschule St. Pölten, wo sie sich auf Dokumentarfilme spezialisierte. Von 2008-2016 studierte sie Regie/Dokumentarfilm an der Filmakademie Baden-Württemberg. GIRLS DON’T FLY – TRÄUME VOM FLIEGEN war ihr dortiger Abschlussfilm.

Die Reihe „Femmes Totales – Filme von Frauen“ wurde ins Leben gerufen, um zeitgenössische Filme von Frauen stärker in den Fokus zu rücken. Obwohl es selbstverständlich sein sollte, schaffen es dennoch viel zu wenige Filme von Filmemacherinnen ins Kino. Die Gründe reichen von Förderstrukturen, Vorurteilen bis hin zur Annahme, dass weibliche Regisseure nicht mit Millionenbudgets umgehen könnten. Dass all das Unsinn ist, beweist die vielfältige Auswahl von „Femmes Totales“! Gleich ob fesselnde Dokumentation, nervenaufreibender Thriller, satirische Komödie oder ergreifendes Drama – „Femmes Totales“ präsentiert großes Kino. Von Frauen. Aus aller Welt. Für alle.

Pressezitate:
„Entschlossene, beeindruckende Doku über zwei Welten die aufeinander prallen: afrikanische Entschlossenheit und Motivation sowie europäische Härte und harter Drill.“ (Spielfilm.de)
„Stimmungsvolle Bilder der Mädchen mit all ihren Illusionen bleiben in Erinnerung. (…) die stille Rebellion, wie sie der Film zeigt, ist auch ein Stück Emanzipation.“ (ORF)
„Bemerkenswert!“ (Wiener Zeitung)
„Die Ambivalenz der westlichen Entwicklungshilfe wird fast beiläufig Thema dieses großartigen Debütfilms von Monika Grassl. Dramaturgisch elegant gelingt ihr der Bogen von der
berührenden Geschichte der afrikanischen Mädchen zu den großen Themen der Gegenwart." (Begründung der Jury Max Ophüls Preis, Bester Dokumentarfilm)

Bonusmaterial:
Trailer Film; Filmtrailer zur Femmes Totales Reihe; Laufzeit Bonusmaterial ca. 12 Min.;

Rezension

„Entschlossene, beeindruckende Doku über zwei Welten die aufeinander prallen: afrikanische
Entschlossenheit und Motivation sowie europäische Härte und harter Drill.“ Spielfilm.de

„Stimmungsvolle Bilder der Mädchen mit all ihren Illusionen bleiben in Erinnerung. (…) die stille
Rebellion, wie sie der Film zeigt, ist auch ein Stück Emanzipation.“ ORF

„Bemerkenswert!“ Wiener Zeitung

„Die Ambivalenz der westlichen Entwicklungshilfe wird fast beiläufig Thema dieses großartigen
Debütfilms von Monika Grassl. Dramaturgisch elegant gelingt ihr der Bogen von der
berührenden Geschichte der afrikanischen Mädchen zu den großen Themen der Gegenwart."
Begründung der Jury Max Ophüls Preis, Bester Dokumentarfilm

FSK 0

Länge: 101
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital 5.1, Dolby Stereo 2.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree


Rubrik: Dokument

Regie: Bernhard Sallmann

Theodor Fontane (1819-1898) bereiste als Journalist über Jahrzehnte die Berliner Umgebung. Seine Bücher “Wanderungen durch die Mark Brandenburg” enthalten sehr reiche und entlegene kulturgeschichtliche, ethnographische und biographische Quellen. Bernhard Sallmann entnimmt daraus Passagen, die er mit der heutigen Gestalt der Mark Brandenburg konfrontiert. So entstehen betörende Stillleben, die sich zu einer poetischen und filmischen Landvermessung verdichten – mit Mut zur Entschleunigung, dem Vergnügen an Konzentration und Kontemplation. Aus der epischen Linienführung der Elemente “Text” und “Ort” ergibt sich so ein vielfältiges und vielsagendes Gespräch des 19. Jahrhunderts mit unserer Gegenwart: nicht frei von Momenten des Staunens, des Affekts und der Affirmation. Es ist, wie es war, aber doch ganz anders – wo heute Zugvögel nisten, wurde früher unter sehr harten Bedingungen Torf gestochen, wo heute die Bundesregierung hoch umzäunt ihre Gäste empfängt, lebte früher eine vom König ins Abseits geschobene Figur.

TANGENTIALE Themen Texte Kino
Punkt 8 Wort, Bild und Imagination
Landschaft als Werk von Menschenhand. Bernhard Sallmann lässt in „Rhinland. Fontane“ den Meister selbst zu Wort kommen und zeigt Bilder, die Raum lassen für Gedanken, die auf Wanderschaft gehen.
Ein Essay von Uwe Rada
anlässlich des Films RHINLAND. FONTANE von Bernhard Sallmann – Krokodil Film Verleih

Wenn ich im Regionalexpress nach Prenzlau aus dem Fenster schaue, mit dem Fahrrad an der Oder unterwegs bin oder mit dem Auto im Ruppiner Land, bin ich auch noch Jahrzehnte nach meiner ersten Begegnung mit der Mark überwältigt. Eine Landschaft im Überfluss breitet sich vor mir aus, ganz das Gegenteil von dem, was wir in den dicht geknüpften Siedlungsteppichen zu sehen bekommen, in denen Landschaft oft nicht mehr ist als Abstandsgrün zwischen Städten und Industriegebieten. Nicht die Städte werfen in Brandenburg ihre Netze aus, sondern Wälder, Seen, Kulturlandschaften, so dass der Mensch, vor allem der aus der Stadt, schnell demütig wird. Die Mark als Trostlandschaft für den geplagten Städter. Das ist unser Bild auf die Landschaft, das Gründerzeit und Industrialisierung hervorgebracht haben. Und auch Theodor Fontane war da nicht ganz unschuldig. In seinen „Wanderungen“ erfand er die Mark als touristische Marke, und so sehen wir sie bis heute: blaue Seen, grüne Wälder, ehrwürdige Herrensitze. Landschaft und Geschichte. Geschichtslandschaft.

Gleichzeitig aber weiß ich, dass dieses Bild falsch ist, und manchmal kann man es sogar sehen. Im Oderbruch sind es die planmäßig angelegten Dörfer, die davon zeugen, dass die Landschaft von Menschenhand gemacht ist, keine Idylle, sondern ein den Sümpfen der Oder abgerungenes Stück Land für Kolonisten, die ihr Kommen nicht zu bereuen brauchten, wie Fontane wusste: “Man streute aus und war der Ernte gewiss. Es wuchs ihnen zu. Alles wurde reich über Nacht.” Vor der großen Trockenlegung im 18. Jahrhundert lebten im Oderbruch slawische Fischer. Fontane muss ihr Schicksal sehr berührt haben, deshalb zitierte er mehr als hundert Jahre später aus alten Berichten. Der Wandel der Landschaft war ihm bewusst. Das Landschaftsbild der Mark ist auch das Ergebnis großer ökonomischer Umwälzungen.

Als ob es dazu eines Beweises bedurft hätte, hat Bernhard Sallmann seine Kamera postiert. Hat das Objektiv justiert, mit Blick über den See nach Neuruppin, die Geburtsstadt Fontanes, auf Schloss Rheinsberg, wo Preußens Kronprinz Friedrich die Jahre vor seiner Krönung verbrachte, auf Schloss Meseberg, den Stechlin. Es sind keine Kamerafahrten, die die märkische Landschaft ins Szene setzen, es ist die Landschaft selbst, die sich von der Standkamera beobachten lässt als wäre die ein menschliches Auge. Immer wieder geht der Wind durch die Gräser, gelegentlich fährt ein Auto durchs Bild, die Landschaft, die die Kamera beobachtet, ist also sehr gegenwärtig. Es sind Gedanken wie diese, die man sich beim Schauen des Filmes „Rhinland. Fontane“ von Bernhard Sallmann macht. Auch die Gedanken können auf Wanderschaft gehen.

Die Kamera, geführt von Sallmann selbst, ist das eine Element des Filmes, das andere ist eine Stimme. Sie stammt von Judica Albrecht. Albrecht hat Fontane die Stimme geliehen, und man weiß nicht, wem man sich eher hingeben mag. Dem Ebenmaß der rhythmischen Prosa des Dichters, oder dem hohen Ton, den Albrecht daraus hervorzaubert.

„Rhinland. Fontane“ ist kein Film fürs schnelle Vergnügen. Das hat er mit der märkischen Landschaft gemein. Man guckt ihn nicht einfach so weg. Man muss sich einlassen, auf die Bildästhetik und den gesprochenen Text. Dann aber gibt es eine Menge zu entdecken, und am Ende ist der eigene Blick auf die Landschaft wieder um einige Bilder reicher geworden. Zum Beispiel in Gentzrode. Nahe Neuruppin hatte 1876/1877 Alexander Gentz ein Herrenhaus im maurischen Stil bauen lassen. Es sollte die Krönung des landwirtschaftlichen Betriebes sein, den Gentz mit seinem Vater aufgebaut hatte. Die Familie Gentz war reich geworden durch den Abstich von und den Handel mit Torf, den er über den so genannten Fehrbelliner Kanal nach Berlin verschiffen ließ. Dieser märkischen Erfolgsgeschichte lassen sowohl Fontane in seinen Wanderungen als auch Bernhard Sallmann in seinem Film breiten Raum: „Gentzrode wuchs; Wiesen waren neuerdings erworben worden und die Bäume gediehen noch über Erwarten hinaus, so daß in den Gründerjahren viele Tausende davon verkauft werden konnten. Ausfälle, die trotzdem eintraten, konnten durch die reichen Torfstich-Erträge leicht gedeckt werden. Alexander Gentz verfolgte rastlos den Plan einer allgemeinen Arrondierung seines Besitzes, sowohl seiner Äcker in Gentzrode, wie seiner Torf-Gräbereien im Luch. Die Leute nannten ihn den ‘alten Blücher’, in Anerkennung der Energie, mit der er alles durchführte, was er sich vorgesetzt hatte.“

Fontane kannte Gentz, weil seine Eltern in der Nachbarschaft des Anwesens in Neuruppin lebten. Umso mehr muss ihn der plötzliche Niedergang des nachbarlichen Unternehmens getroffen haben, der auch ein Hinweis darauf ist, wie sehr die Gestalt der Landschaft nicht nur im Oderbruch, sondern auch in der Grafschaft Ruppin den wirtschaftlichen Umwälzungen unterworfen war uns bis heute ist. Den Abstieg in Gentzrode beschrieb Fontane so: „Da, mit einem Male, war es, trotz dieser Siege, mit den ‘wachsenden Erträgen aus dem Luch’ aus und dadurch mit Gentzrode, ja mit dem Wohlstand der Familie vorbei. Wie kam das? Der Torf war über Nacht außer Mode gekommen. Alles brannte Steinkohlen oder Briketts und selbst die Ziegeleien, die bis dahin, ein sehr wichtiger Punkt, die Konsumenten der sonst halb wertlosen Torfabgänge gewesen waren, bauten ihre Brennöfen um, um mit Hilfe dieser Neubauten die Vorteil versprechende Mode mitmachen und Steinkohlen statt Torf verwenden zu können.“

Torf also. Der Torf brachte den Wohlstand, und er nahm ihn wieder. Hart war die Arbeit der Torfstecher, auch davon zeugen Film und Fontane. Mancherorts, wie im Wustrauer Luch, wurden eigens Torfhäuser gebaut, in denen die Saisonarbeiter lebten, um mit ihren Schneideeisen, Torfmessern und Drahtschneidern die Landschaft umzugraben. Geschundene Landschaften in Brandenburg gab es nicht erst seit dem Umpflügen der Niederlausitz durch den Braunkohletagebau.

Dennoch folgt diese Landschaft einer Ordnung, die älter ist als das Werk des Menschen. Denn inmitten aller Umbrüche war es ein Fluss, der die Landschaft zusammenhielt, der Rhin, dem Sallmann auch den Titel seines Filmes schenkte, obwohl Fontane selbst diesem Teil seiner Wanderungen die Überschrift „Grafschaft Ruppin“ gegeben hatte.

„Der Rhin“, zitiert Judica Albrecht Fontane, „nimmt auf der ersten Hälfte seines Weges seine Richtung von Nord nach Süd, bis er, nach Passierung des großen Ruppiner Sees, beinah plötzlich seinen Lauf ändert und, rechtwinklig weiterfließend, ziemlich genau die Südgrenze der Grafschaft zieht.“ Fontanes Neigung, Flüsse als Ordnungssystem der Landschaft zu akzeptieren, ist offensichtlich. Drei der ursprünglich vier Bände der Wanderungen waren nach Flusslandschaften benannt, das Oderland, das Ost-Havelland und das Spreeland. Einzig die Grafschaft Ruppin bricht aus dieser Ordnung aus, um von Bernhard Sallmann wieder dorthin zurück geführt zu werden. „Rhinland“, diesen Namen trägt der Film nicht umsonst, wie das Zitat Fontanes zeigt.

Wasser als Element der Landschaftsordnung. In Brandenburg ist das etwas Selbstverständliches. Von den 14 Landkreisen des Bundeslandes tragen acht die Namen eines oder mehrerer Flüsse. Wasser gehört also nicht nur zum natürlichen Erbe Brandenburgs, das mit seinen 3.000 Seen und 33.000 Flusskilometern zu den wasserreichsten Regionen Deutschlands zählt. Wasser ist auch ein Teil seiner regionalen und kulturgeschichtlichen Identität geworden.

Gentzrode ist aber auch Beispiel dafür, wie flüchtig diese Identität sein kann. Ohne Niederungen und Luche kein Torf, ohne Torf kein Fehrbelliner Kanal nach Berlin, ohne kein Reichtum. In gewisser Hinsicht war der Aufstieg und Fall der Torfindustrie nur ein Vorbote des Aufstiegs der Kohleindustrie. Was aber kommt danach?

Beim Torf wissen wir es. Das Herrenhaus von Alexander Gentz ist heute verlassen, eine zerfallende Ruine, der Wind und Wetter zusetzen, weil der Besitzer, ein Investor aus der Türkei, zwar eine Idee hat, sich mit der aber Zeit lässt. Eine Ferienanlage soll dort entstehen. Mit Golfplätzen, Hotel, Villen und über 700  Ferienhäusern.
Gentzrode ist also bedroht und mit ihm ein Stück märkische Geschichte. Doch im Vergleich mit dem, was an Umwälzungen auf das Land zwischen Oder und Elbe zukommen könnte, waren die Trockenlegungen der vergangenen Jahrhunderte vielleicht nur Vorboten. Ich werde künftig genauer hinschauen müssen, wenn ich zu Fuß, mit dem Fahrrad oder dem Auto im Märkischen unterwegs bin. Bernhard Sallmanns Film „Rhinland. Fontane“ hat mich gelehrt, wie wichtig beides ist: hinhören und hinschauen, auch wenn sonst wenig passiert.

Bernhard Sallmann
Einige Bemerkungen zu meinen Filmen „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“, Spreeland Fontane“ und Havelland Fontane“

Theodor Fontane (1819-1898) schrieb vier Bücher „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“. Einzelne Feuilletons zu Orten, Personen und Geschichtsetappen veröffentlichte er vorab in Zeitungen, Almanachen oder Jahrbüchern. Er hat sie auch stets umgearbeitet, Neuigkeiten eingepflegt und anderes ausgeschieden. Ein mobiler Textkorpus, wuchernd, riesig! Ein Band umfasst jeweils etwa 500 Seiten. Davon scheinen in meinen Filmen jeweils etwa 20-25 Seiten auf. 1892 sind die Arbeiten in einer Wohlfeilen Ausgabe (Volksausgabe) letztmalig zu Fontanes Lebzeiten in seinem Editionsplan erschienen. Im Kern habe ich in meinem Filmprojekt mit dieser Ausgabe gearbeitet. Hinzugezogen habe ich die Anmerkungsapparate der DDR-Edition, der BRD-Edition und der gesamtdeutschen Edition. Auch Fontane ist ein Produkt des Kalten Kriegs, die DDR hatte die bessere Quellenlage.

Das fünfte Buch „Fünf Schlösser“ ist editionsgeschichtlich wie ein Kuckucksei ins Nest gefügt worden. Es hat einen anderen Charakter als die anderen vier Bücher. Gleichwohl ich zu Anfang meines Filmprojekts noch die Möglichkeit erörterte, die einzelnen Schlösser bei Interesse den einzelnen Filmen beizugeben, so habe ich im Laufe der Arbeit an den Filmen ein immer stärker werdenden Bewusstsein entwickelt, es füge sich schlecht.

Fontane eröffnet mit den Landschaften nördlich von Berlin sein Quartett: „Die Grafschaft Ruppin“(Erstausgabe: 1861). Es folgen „Das Oderland“(1863) östlich von Berlin und „Havelland“(1872) westlich von Berlin. Den Abschluss bildet „Spreeland“(1882) südlich von Berlin. Es fällt auf, dass Fontane die beiden ersten Bände mit einem bestimmten Artikel versieht, davon jedoch im dritten und vierten Buch Abstand nimmt. Er scheint sich einer konkreten Geographie nicht länger unterordnen zu wollen. Oder seiner realen Geographie nicht länger vertrauen zu wollen. Geographie bei Fontane ist sehr real in vielen Schilderungen, sie ordnet sich aber auch spekulativ seinem Editionsplan unter.

In meiner Herzensgeographie, die Ländergrenzen zu minimieren versucht, war Fontanes „Das Oderland“ meine erste Wahl. Was zu Fontanes Zeiten in Teilen die Neumark, jene Regionen östlich der Oder war, ist heute ein anderes Land – Polen – mit einer anderen Sprache. Andere Klänge, Gerüche, Architekturen.
Hier zeigt sich schon im Titel „Oderland Fontane“(2016) mein Manöver. Ich war auch in einem Zeifel: Sollte der Film „Oder/Odraland Fontane“ heißen? Ich wollte den Autor nicht zuerst nennen, ich wollte die Landschaft nennen, dann den Autor. Denn der ragt ja ohnedies so mächtig in den Prozess der Signifizierung der märkischen Landschaft hinein. Viel mehr als der Wanderer August Trinius, ein Zeitgenosse Fontanes, der drei Bände „Märkische Streifereien“ vorlegte. Fontanes große Bekanntheit, Trinius´ große Unbekanntheit. Trinius als tatsächlich wandernder Schatten des kutschereisenden Fontane. Fontane im Schatten der Quellen – denn er zitiert viel aus Memoirenliteraturen und Kirchenbüchern, er hört zu, auch der plattdeutschen Sprache lauscht er nach. Fontanes Bescheidenheit ist Teil seiner Größe. Er verleugnet die Quellen auch nie. Aber auch spreizt sich seine Sprache auf zu einem pfauengefiederartigen Rad, das glänzt und lockt. Ich als fahrradreisender Filmemacher. Bepackt wie ein Esel. Tourist? Als Arrieregarde und Avantgarde zugleich. Nach den Texten und vor den Wahrnehmungen Fontanes im 19. Jahrhundert. Kreise ziehend durch Texte und Landschaften. Schnitte, fahrende Schnitte in die Landschaft eintragend. Die Frage trieb mich um: Spricht das 19. Jahrhundert mit unserer Gegenwart und wenn: Wie kann das filmischen Ausdruck finden.

Das Bild der Waage ist naheliegend, Fontane war Apotheker. Gleichwohl er den Beruf hasste und früh aufgab zugunsten einer schriftstellerischen und journalistischen Karriere, ist der Modus des Abwägens, des in der Waage Haltens, ein zentrales Element seiner Poetologie. Ich wollte nicht Fontanes Wahrnehmung der Landschaften verfilmen. Ich wollte – außer seinen Texten – kein weiteres Archivmaterial verwenden. Vielmehr wollte ich die Landschaften wie ich sie heute wahrnehme in ein Verhältnis zu Fontanes Texten setzen. Keine Historisierung anstreben. Ein einziges Mal in den vier Filmen habe ich ein Textstück ausgewählt, das nicht aus den „Wanderungen“ ist, sondern dem autobiographischen Roman „Meine Kinderjahre“ entstammt. Im Kapitel „Vierzig Jahre später“ – ein Fremdkörper im Text – schildert Fontane die letzte Begegnung mit seinem Vater, der im Alter, geschieden, von Spiel- und Trunksucht gezeichnet, sich in eine Schifferkolonie in das Oderbruch zurückzog.

Fontanes „Das Oderland“ erstreckt sich von Frankfurt bis Schwedt (Süd-Nord) und von der Oderbruchkante bis über die Oder hinaus (West-Ost). Daran hielt ich mich fahrend, reisend, rasend (so schnell es eben ging), die asphaltierte Dammkrone dahinhuschend, durch Bruchwege hoppelnd, unter Bäumen lagernd. Immer im Warten auf Licht und Wind. Das Oderbruch war großen Zerstörungen zum Ende des 2. Weltkriegs ausgesetzt, es fehlt ihm so vieles, was Fontane sehen konnte. Wo sind die Brücken, die Furten, die Fähren.

Der erste Film war der Testfall, ob es überhaupt möglich wäre: Die sehr langen statischen Einstellungen mit den sehr langen feuilletonistischen Textstücken – in der Voice Over Judica Albrechts traumhaft sicher und messerscharf rezitiert – zu kombinieren. „Mastershots“. Das sehr gewagte Konzept, von jedem Ort fast immer nur ein einziges Ton-Bild zu erstellen. Keine Auflösungen der Motive. „Oderland Fontane“ habe ich mit einer HDV-Kamera gedreht, die ich einst dem lieben und geschätzten Kollegen Johannes Holzhausen für 300 Euro abgekauft habe. Eine Kamera, die nicht imstande ist, ein „vollwertiges“ (aber was heißt das?) HD-Bild zu erstellen. Das Bild ist „mangelhaft“, brüchig. Wie ein verwischtes Aquarell. Schlechte Farbe auf schlechtes Papier aufgetragen. Ein Videoimpressionismus. Flächig, klumpig. Das Material war schwer zu behandeln in der sog. Postproduction, im Colorgrading. Wie ein altersschwacher Körper mit faltiger Haut. In dem scheinbaren Mangel jedoch berührt mich der Film sehr, in seinem Versagen gegenüber den Aufmärschen der Pixelarmeen. In seiner Dunkelheit. Der Chip leistet eben nicht mehr. Es gibt keine Musik in den Filmen. Und doch sind sie vom Geist der Musik beseelt. Mein Oderland-Film wie eine getragene Symphonie eines/r unbekannten KomponistIn. Die Oder ist der mächtigste Fluss in meinem Filmquartett, er fließt letztlich entschieden dem Meer zu. Wo das Süßwasser sich mit dem sauren Wasser mischt.

Fontanes erstes Buch „Die Grafschaft Ruppin“ wurde das Material für meinen zweiten Film „Rhinland Fontane“(2017). Fontane benennt drei seiner Bücher bereits nach Flüssen. Die Flüsse sind seine Navigationssysteme. Es war somit naheliegend, für „Die Grafschaft Ruppin“ ebenfalls einen Flussnamen zu finden, zumal der Fontanetitel sich mit einer heutigen politischen Situation inkompatibel zeigt. Der Rhin ist der tückischte der märkischen Flüsse gewesen, zumal er manchmal sich bachartig, rinnsalartig verjüngt, manchmal von Wiesen absorbiert wird und an anderer Stelle wieder zutage tritt. Der Konkurrenzfluss in der Namensgebung wäre die Havel gewesen, die ja von Norden her kommt und später Fontanes drittem Buch dem Titel gibt. Er ist vom Geist der knappen Musik inspiriert: Webern, Kurtag. Demnach der kürzeste Film. Aphoristisch, herb, spröd. Er benennt den Wert des „Kleinen“, das koexistent neben dem „Großen“ bestehen kann, seiner Marginalität jedoch bewusst ist. Demnach ist dieser Film manchmal im Muster von „weit“ und „nah“ gedreht. In einer Ununterscheidbarkeit, ob das Weite das „Kleine“ oder „Große“ ist. Wiederum ist die Grenzfrage interessant gewesen. Fontane schildert die Schmuggler, die zwischen Brandenburg und Mecklenburg sich bewegen. Er schildert desertierende Soldaten. Heute eine ähnlich verlaufende Grenze, mit einem gewaltigen Index jedoch: Wo Fontane vor vielen Jahren von Preussen auf Mecklenburg blicken konnte, symbolisch Heinrich Schliemann in Fürstenberg grüßend, da ist heute die KZ-Gedenkstätte Ravensbrück. Fontanes Geographie folgend zwang ich mich zu diesem Ort des Grauens. Ich umschlich ihn und erst am letzten Drehtag filmte ich. Ich überschritt auch die Grenze zum Mecklenburgischen, um einer Trasse zu folgen: Ich folgte wie ein männliches Groupie dem Beerdigungstross der sehr jung verstorbenen Königin Luise („Königin der Herzen“ in der preussischen Typologie, Napoleon stolz trotzend selbst in der Niederlage) von Hohenzieritz über Dannenwalde nach Gransee. Wo die Grenze zwischen Mecklenburg-Preussen lag, erinnert heute ein Gedenkstein. Dass Preussenromantik nicht nur inadäquat, sondern sogar unmöglich ist, beweist dieser Ort, der von Verkehr umtost ist. Bundesstrasse 102, der/die Radfahrende würde sofort zu Tode kommen, wäre er/sie nicht durch Radwege abgetrennt vom Toben der Rasenden, auf der einen Seite, die Bahntrassse auf der anderen Seite. „Erbarme dich!“ Das an den Rand gedrängte Preußen. Überhaupt bei Fontane fällt oft auf, dass er Herrschaftsgeschichte als Debilitätsgeschichte erzählt. Verdrängte Homosexuelle, ins Abseits Geschobene, zu Bestrafende, Fetischisten, Verhöhnte.

Erbarmen mit der Landschaft empfand ich am stärksten im „Spreeland Fontane“(2018) Film. Fontanes Ideen-Skizzen zum Buch reichen bis nach Cottbus, der Maler Blechen ist eine wichtige Figur für ihn. Im fertigen Buch reicht Fontanes Radius jedoch gerade bis in den Spreewald und nicht weiter. Mir war jedoch auch wichtig die erneute Begegnung mit den Bergbaufolgelandschaften. Ich hatte da noch eine Rechnung offen, „Träume der Lausitz“(2009). Gleich unterhalb des Spreewaldes. Wo die Natur ihres Schatzes beraubt wurde, ausgekohlt daliegt, begleitet von totem Wasser, saurem Wasser, in dem kein Lebewesen sich aufhalten kann. Die innere Musik, die den Film begleitet hat, war die „Matthäuspassion“ von Bach. „Erbarme dich!“ Und die Bemerkungen von Hermann Scherchen in der Generalprobe zu Beethovens 5. Symphonie 1965 in Lugano. Ich verstehe kaum was er in italienischer Sprache zu den MusikerInnen sagt, aber es ist das Tempo seines Sprechens, seine Entschiedenheit, seine Präzision, den Weg durch die Partitur zu suchen und zu finden.

Ein Film des zwillinghaften Wesens, da es sich um zwei Flüsse handelt, an denen Fontane navigiert. Die Dahme, die sich in Köpenick mit der Spree verbindet. Und, für mich von rasendem Interesse: Die Dahme zu Fontanes Zeiten wurde die Wendische Spree genannt. Die Hinwendung Fontanes zur wendischen Kultur ist enorm und nicht vereinbar mit den ethnologischen Valenzen der märkischen Welt. Fontane hat ein fotographisches Gedächtnis. Er beschreibt so präzis wie ein optischer Aufnahmeapparat.
Ich habe mich in der Auswahl der Textstellen aus den Büchern stark für die Darstellung der Tierwelten interessiert. Sie sind es, die im Prozess der Zivilisierung den Menschen weichen müssen. Weichen durch ausrotten. Wie schön daher, dass in der Darstellung einer königlichen Sauenhatz der König bei einer infantilen Mutprobe vom Keiler fast zu Tode gebracht wurde. „Blutend brachte man ihn nach Köpenick.“

„Havelland Fontane“ ist der vierte und letzte Film meiner Serie. Der bogenförmige Fluss, bei Fontane bei Oranienburg einsetzend, Berlin und Potsdam durchmessend und hinter Brandenburg Stadt wieder nach Norden fließend. Halfpipe. Er ist eine wehmütige Abschiedsmelodie. Eine nicht enden wollende Musik. Demnach der mit Abstand längste Film. Diesmal ist das Antlitz des schweißtriefenden steinern-wächsernen Gesichts Hermann Scherchens von zentraler Bedeutung. Sein letztes Dirigat, „Die Kunst der Fuge“, mit einem Ensemble in einer Kirche am Stadtrand von Paris eingespielt. Von einer Fernsehanstalt begleitet. So todesnah, dass er nicht aufhören will die Variationen auszukosten. Schwebend. Dem Irdischen entrückt. Ich konnte und wollte nicht aufhören mich in der Landschaft zu bewegen, zu suchen, mich zu ergehen. Einzelne Einstellungen habe ich 40 Minuten laufen lassen, um den Bewegungen der Landschaft nachzuspüren.
„Havelland“ an das Ende meines Zyklus zu setzen, bedeutet auch einen unüberhörbaren Paukenschlag zu inszenieren. Ein ländliches Proletariat mit Wanderarbeitern ist entstanden. Die Großstadt Berlin ist am Entstehen, ein neuer Energiestrom bildet sich.

Fontanes „Wanderungen“-Bücher ignorieren brüsk die Stadt, er ergeht sich in den Landschaften fernab, aber in „Havelland“ beginnt es zu verschmelzen. Spätestens in meiner Diagnose von Landschaft und Arbeitswelt.

Fontane arbeitet mit Übertreibungen, um die Landschaften um Berlin zu etablieren. Ich übertreibe, um mein Projekt darzustellen: Es ist eine märkische Anakonda, eine Riesenschlange. Die Grenzen zwischen den Filmen sind gesetzt, doch Neuverknotungen sind denkbar. Aus kleineren Schlangen eine große machen. Sowohl der Text Fontanes ist eine Riesenschlange, als auch die Flüsse. Ein einziges Geschlinge. Oft mehr Sumpf und See als Fluss. Die Filme sind neu zu verketten. Es ist anzuraten, sie beispielsweise in der Reihenfolge des Erscheinens von Fontanes Büchern zu sehen. Oder in der Reihenfolge ihrer Längen: Rhinland – Oderland – Spreeland – Havelland. Oder in alphabetischer Reihenfolge. Sie in Paaren zeigen.

Der Filmemacher versteht sich auch als märkische Anakonda, als Getier im Sumpf auf Bild- und Tonbeute lauernd. Montage als Verdauung und muskulärer Umschlingung der Beute.

Die Filme sind auch eine Auseinandersetzung mit den Gemäldegalerien. „Havelland Fontane“ bezeichnet sich als Fete galante, ein von Watteau entwickeltes Bildgenre des Rokoko. Und ganz profan: Viele Watteaus hängen in Schloss Charlottenburg und Schloss Sans Souci und in der Berliner Gemäldegalerie im Havelland. Der flötenspielende König sammelte ihn. Auf die von den MeisterInnen ersten, zweiten oder dritten Ranges – das kann sich ja auch stets ändern – erarbeiteten Proportionen, Formen und Kadragen ist stets Verlass. 16:9 ist wahrscheinlich nicht das glücklichste Format in der Filmgeschichte. Es ging oft bei meiner Bildsuche um ein anamorphotisches Verfahren, die Kunstgeschichte in die Proportionen der Filmtechnik einzupassen. Die Bewegung ist für mich das Erregende und stellen die Distanznahme zur Bildergalerie statt. Die Filmbilder, so reglos sie zu sein scheinen oftfach, sind von fürchterlichen Spannungen durchzogen. Ein Blatt mehr, das vom Wind bewegt wird, könnte den Rahmen zum Zerbersten bringen.
Eine Unruhe treibt mich radfahrend durch die Landschaften wie ein Späher, lauschend, guckend. Eine fieberhafte Suche nach dem idealen Klangbild eines Ortes. Ich drehe immer mit Originalton oder – um es einmal umzudrehen – Originalbild.

Zur Fete galante: Das an der Grenze zum Frivolen Stehende bei Watteau oder Pesne ist in meinen Filmen nur für´s erste sublimiert. Es tritt überdeutlich zutage in den vielfältigen Kopulationen von Licht und Sand/Schlamm/Baum/Ziegel. Lichtspiele eben. Töne als Hauch, ein zartestes Blasen. Ein Schnauben der Nüstern. Ein Zerreißen der Stille, ein Verklingen. Die Diminuendi Scherchens. Die vielfachen pianos Nonos.

Inhaltsübersicht

ODERLAND FONTANE 72 Min.
RHINLAND FONTANE 67 Min.
SPREELAND FONTANE 79 Min.

Credits

Buch: Bernhard Sallmann
Kamera: Bernhard Sallmann
Regie: Bernhard Sallmann

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016-2018

Pressestimmen

„Erst die Fremde lehrt uns, was wir an der Heimat haben.“ Theodor Fontane

„Heimatkunde, still und leise: Fontane ging es nicht um ein identifikatorisches Verhältnis zu den eigenen Wurzeln. Eher um Entdeckungen auf den zweiten Blick. Dieser Geist findet sich auch in dem puristischen Dokumentarfilm wieder, mit dem Bernhard Sallmann jetzt das Fontane Jahr einläutet.“ Die Welt

„Die Kunst seiner Fotografie zeigt sich vor allem darin, dass er nicht einfach perfekte, fast schon gemäldehafte Kompositionen findet, sondern dass er immer wieder Motive entdeckt, die auf mehrere Zeiten gleichzeitig verweisen.“ Zitty

„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“ Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis, aus der Jury Begründung

“Sallmanns Filme bieten Gelegenheit, in die Landschaften einzutauchen, sie sind kontemplatives Kino, jedes Motiv ein Gemälde. Der geduldige Zuschauer hört sanften Winden und dem Gezwitscher der Vögel zu. Und Fontanes Geschichten, die sich wie Folien über die Aufnahmen legen. Mitteilungen aus einer scheinbar vollendeten Vergangenheit streifen die Gegenwart. Das Gestern vermählt sich mit dem Heute, und dennoch bleibt kein Zweifel, dass jede Zeit, auch die unsere, flüchtig ist. Ein philosophischer Film, der seine Weisheiten leise vermittelt: Was uns jetzt wichtig vorkommt, wird morgen nur noch auf dem Papier des Chronisten festgehalten sein. Oder auf Bildern.” Berliner Zeitung

“Mit „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“ und „Spreeland Fontane“ versammelt diese DVD drei essayistische Filme von Bernhard Sallmann, in der vorgelesene Texte Theodor Fontanes mit teils grandiosen Bildern der vorgestellten Landschaften korrespondieren – ein herrlich kontemplativer Einstieg ins Fontane ­Jahr zu dessen 200. Geburtstag” Zitty

“Aus dem gewaltigen, mäandernden Text montiert Sallmann Vignetten, die sich an der Vielschichtigkeit und Vielgestaltigkeit des Materials orientieren: zwischen anekdotischem Reisebericht, literarischer Landschaftsbeschreibung und kenntnisreicher Kulturgeschichte, mit ausschweifendem, zitierendem Rückgriff auf zum Sprechen gebrachte Quellen.
Eine verblüffende Seherfahrung entsteht aus diesen Bildern und ihrer Konfrontation mit Fontanes Texten, eine Suchbewegung wird angestoßen, im Versuch, ein Verhältnis zwischen Bild und Wort herzustellen. Der Film lässt dem Publikum die Zeit dafür, wandert wie Fontane gemächlich durch die Landstriche (oder nimmt wie Sallmann bei den Dreharbeiten das Fahrrad), Zeit, um sich dem suggestiven Sog der Bilder hinzugeben und wieder zu entziehen, den Texte zu lauschen, um nach Übereinstimmungen zu suchen, und den Abstand zu vermessen.
Sallmans Fontane-Filme dehnen diesen Zugang in mancher Hinsicht aus, und verbinden eine kongeniale Adaption des spezifischen literarischen Dokumentarismus Fontanes mit einem eigensinnigen filmischen Dokumentarismus, der die Texte als kulturgeschichtliche Betrachtungen nicht nur bebildert und aktualisiert, sondern in den Spannungsfeldern zwischen Bild und Sprache eine filmische Geschichtsforschung in Szene setzt, die nicht auf die Metaphorisierbarkeit von Bildern zielt, sondern auf informierte Bewegung der Differenzen: ein Weltkino, das seine Kraft nicht zuletzt aus seiner lokalen Präzision zieht.” Perlentaucher

Auszeichnungen

Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis,
aus der Jury Begründung:
„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“

FSK: Infoprogramm

Länge: 218
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Literaturverfilmung

Regie: Bernhard Sallmann

Theodor Fontane (1819-1898) bereiste als Journalist über Jahrzehnte die Berliner Umgebung. Seine Bücher “Wanderungen durch die Mark Brandenburg” enthalten sehr reiche und entlegene kulturgeschichtliche, ethnographische und biographische Quellen. Bernhard Sallmann entnimmt daraus Passagen, die er mit der heutigen Gestalt der Mark Brandenburg konfrontiert. So entstehen betörende Stillleben, die sich zu einer poetischen und filmischen Landvermessung verdichten – mit Mut zur Entschleunigung, dem Vergnügen an Konzentration und Kontemplation. Aus der epischen Linienführung der Elemente “Text” und “Ort” ergibt sich so ein vielfältiges und vielsagendes Gespräch des 19. Jahrhunderts mit unserer Gegenwart: nicht frei von Momenten des Staunens, des Affekts und der Affirmation. Es ist, wie es war, aber doch ganz anders – wo heute Zugvögel nisten, wurde früher unter sehr harten Bedingungen Torf gestochen, wo heute die Bundesregierung hoch umzäunt ihre Gäste empfängt, lebte früher eine vom König ins Abseits geschobene Figur.

TANGENTIALE Themen Texte Kino
Punkt 8 Wort, Bild und Imagination
Landschaft als Werk von Menschenhand. Bernhard Sallmann lässt in „Rhinland. Fontane“ den Meister selbst zu Wort kommen und zeigt Bilder, die Raum lassen für Gedanken, die auf Wanderschaft gehen.
Ein Essay von Uwe Rada
anlässlich des Films RHINLAND. FONTANE von Bernhard Sallmann – Krokodil Film Verleih

Wenn ich im Regionalexpress nach Prenzlau aus dem Fenster schaue, mit dem Fahrrad an der Oder unterwegs bin oder mit dem Auto im Ruppiner Land, bin ich auch noch Jahrzehnte nach meiner ersten Begegnung mit der Mark überwältigt. Eine Landschaft im Überfluss breitet sich vor mir aus, ganz das Gegenteil von dem, was wir in den dicht geknüpften Siedlungsteppichen zu sehen bekommen, in denen Landschaft oft nicht mehr ist als Abstandsgrün zwischen Städten und Industriegebieten. Nicht die Städte werfen in Brandenburg ihre Netze aus, sondern Wälder, Seen, Kulturlandschaften, so dass der Mensch, vor allem der aus der Stadt, schnell demütig wird. Die Mark als Trostlandschaft für den geplagten Städter. Das ist unser Bild auf die Landschaft, das Gründerzeit und Industrialisierung hervorgebracht haben. Und auch Theodor Fontane war da nicht ganz unschuldig. In seinen „Wanderungen“ erfand er die Mark als touristische Marke, und so sehen wir sie bis heute: blaue Seen, grüne Wälder, ehrwürdige Herrensitze. Landschaft und Geschichte. Geschichtslandschaft.

Gleichzeitig aber weiß ich, dass dieses Bild falsch ist, und manchmal kann man es sogar sehen. Im Oderbruch sind es die planmäßig angelegten Dörfer, die davon zeugen, dass die Landschaft von Menschenhand gemacht ist, keine Idylle, sondern ein den Sümpfen der Oder abgerungenes Stück Land für Kolonisten, die ihr Kommen nicht zu bereuen brauchten, wie Fontane wusste: “Man streute aus und war der Ernte gewiss. Es wuchs ihnen zu. Alles wurde reich über Nacht.” Vor der großen Trockenlegung im 18. Jahrhundert lebten im Oderbruch slawische Fischer. Fontane muss ihr Schicksal sehr berührt haben, deshalb zitierte er mehr als hundert Jahre später aus alten Berichten. Der Wandel der Landschaft war ihm bewusst. Das Landschaftsbild der Mark ist auch das Ergebnis großer ökonomischer Umwälzungen.

Als ob es dazu eines Beweises bedurft hätte, hat Bernhard Sallmann seine Kamera postiert. Hat das Objektiv justiert, mit Blick über den See nach Neuruppin, die Geburtsstadt Fontanes, auf Schloss Rheinsberg, wo Preußens Kronprinz Friedrich die Jahre vor seiner Krönung verbrachte, auf Schloss Meseberg, den Stechlin. Es sind keine Kamerafahrten, die die märkische Landschaft ins Szene setzen, es ist die Landschaft selbst, die sich von der Standkamera beobachten lässt als wäre die ein menschliches Auge. Immer wieder geht der Wind durch die Gräser, gelegentlich fährt ein Auto durchs Bild, die Landschaft, die die Kamera beobachtet, ist also sehr gegenwärtig. Es sind Gedanken wie diese, die man sich beim Schauen des Filmes „Rhinland. Fontane“ von Bernhard Sallmann macht. Auch die Gedanken können auf Wanderschaft gehen.

Die Kamera, geführt von Sallmann selbst, ist das eine Element des Filmes, das andere ist eine Stimme. Sie stammt von Judica Albrecht. Albrecht hat Fontane die Stimme geliehen, und man weiß nicht, wem man sich eher hingeben mag. Dem Ebenmaß der rhythmischen Prosa des Dichters, oder dem hohen Ton, den Albrecht daraus hervorzaubert.

„Rhinland. Fontane“ ist kein Film fürs schnelle Vergnügen. Das hat er mit der märkischen Landschaft gemein. Man guckt ihn nicht einfach so weg. Man muss sich einlassen, auf die Bildästhetik und den gesprochenen Text. Dann aber gibt es eine Menge zu entdecken, und am Ende ist der eigene Blick auf die Landschaft wieder um einige Bilder reicher geworden. Zum Beispiel in Gentzrode. Nahe Neuruppin hatte 1876/1877 Alexander Gentz ein Herrenhaus im maurischen Stil bauen lassen. Es sollte die Krönung des landwirtschaftlichen Betriebes sein, den Gentz mit seinem Vater aufgebaut hatte. Die Familie Gentz war reich geworden durch den Abstich von und den Handel mit Torf, den er über den so genannten Fehrbelliner Kanal nach Berlin verschiffen ließ. Dieser märkischen Erfolgsgeschichte lassen sowohl Fontane in seinen Wanderungen als auch Bernhard Sallmann in seinem Film breiten Raum: „Gentzrode wuchs; Wiesen waren neuerdings erworben worden und die Bäume gediehen noch über Erwarten hinaus, so daß in den Gründerjahren viele Tausende davon verkauft werden konnten. Ausfälle, die trotzdem eintraten, konnten durch die reichen Torfstich-Erträge leicht gedeckt werden. Alexander Gentz verfolgte rastlos den Plan einer allgemeinen Arrondierung seines Besitzes, sowohl seiner Äcker in Gentzrode, wie seiner Torf-Gräbereien im Luch. Die Leute nannten ihn den ‘alten Blücher’, in Anerkennung der Energie, mit der er alles durchführte, was er sich vorgesetzt hatte.“

Fontane kannte Gentz, weil seine Eltern in der Nachbarschaft des Anwesens in Neuruppin lebten. Umso mehr muss ihn der plötzliche Niedergang des nachbarlichen Unternehmens getroffen haben, der auch ein Hinweis darauf ist, wie sehr die Gestalt der Landschaft nicht nur im Oderbruch, sondern auch in der Grafschaft Ruppin den wirtschaftlichen Umwälzungen unterworfen war uns bis heute ist. Den Abstieg in Gentzrode beschrieb Fontane so: „Da, mit einem Male, war es, trotz dieser Siege, mit den ‘wachsenden Erträgen aus dem Luch’ aus und dadurch mit Gentzrode, ja mit dem Wohlstand der Familie vorbei. Wie kam das? Der Torf war über Nacht außer Mode gekommen. Alles brannte Steinkohlen oder Briketts und selbst die Ziegeleien, die bis dahin, ein sehr wichtiger Punkt, die Konsumenten der sonst halb wertlosen Torfabgänge gewesen waren, bauten ihre Brennöfen um, um mit Hilfe dieser Neubauten die Vorteil versprechende Mode mitmachen und Steinkohlen statt Torf verwenden zu können.“

Torf also. Der Torf brachte den Wohlstand, und er nahm ihn wieder. Hart war die Arbeit der Torfstecher, auch davon zeugen Film und Fontane. Mancherorts, wie im Wustrauer Luch, wurden eigens Torfhäuser gebaut, in denen die Saisonarbeiter lebten, um mit ihren Schneideeisen, Torfmessern und Drahtschneidern die Landschaft umzugraben. Geschundene Landschaften in Brandenburg gab es nicht erst seit dem Umpflügen der Niederlausitz durch den Braunkohletagebau.

Dennoch folgt diese Landschaft einer Ordnung, die älter ist als das Werk des Menschen. Denn inmitten aller Umbrüche war es ein Fluss, der die Landschaft zusammenhielt, der Rhin, dem Sallmann auch den Titel seines Filmes schenkte, obwohl Fontane selbst diesem Teil seiner Wanderungen die Überschrift „Grafschaft Ruppin“ gegeben hatte.

„Der Rhin“, zitiert Judica Albrecht Fontane, „nimmt auf der ersten Hälfte seines Weges seine Richtung von Nord nach Süd, bis er, nach Passierung des großen Ruppiner Sees, beinah plötzlich seinen Lauf ändert und, rechtwinklig weiterfließend, ziemlich genau die Südgrenze der Grafschaft zieht.“ Fontanes Neigung, Flüsse als Ordnungssystem der Landschaft zu akzeptieren, ist offensichtlich. Drei der ursprünglich vier Bände der Wanderungen waren nach Flusslandschaften benannt, das Oderland, das Ost-Havelland und das Spreeland. Einzig die Grafschaft Ruppin bricht aus dieser Ordnung aus, um von Bernhard Sallmann wieder dorthin zurück geführt zu werden. „Rhinland“, diesen Namen trägt der Film nicht umsonst, wie das Zitat Fontanes zeigt.

Wasser als Element der Landschaftsordnung. In Brandenburg ist das etwas Selbstverständliches. Von den 14 Landkreisen des Bundeslandes tragen acht die Namen eines oder mehrerer Flüsse. Wasser gehört also nicht nur zum natürlichen Erbe Brandenburgs, das mit seinen 3.000 Seen und 33.000 Flusskilometern zu den wasserreichsten Regionen Deutschlands zählt. Wasser ist auch ein Teil seiner regionalen und kulturgeschichtlichen Identität geworden.

Gentzrode ist aber auch Beispiel dafür, wie flüchtig diese Identität sein kann. Ohne Niederungen und Luche kein Torf, ohne Torf kein Fehrbelliner Kanal nach Berlin, ohne kein Reichtum. In gewisser Hinsicht war der Aufstieg und Fall der Torfindustrie nur ein Vorbote des Aufstiegs der Kohleindustrie. Was aber kommt danach?

Beim Torf wissen wir es. Das Herrenhaus von Alexander Gentz ist heute verlassen, eine zerfallende Ruine, der Wind und Wetter zusetzen, weil der Besitzer, ein Investor aus der Türkei, zwar eine Idee hat, sich mit der aber Zeit lässt. Eine Ferienanlage soll dort entstehen. Mit Golfplätzen, Hotel, Villen und über 700  Ferienhäusern.
Gentzrode ist also bedroht und mit ihm ein Stück märkische Geschichte. Doch im Vergleich mit dem, was an Umwälzungen auf das Land zwischen Oder und Elbe zukommen könnte, waren die Trockenlegungen der vergangenen Jahrhunderte vielleicht nur Vorboten. Ich werde künftig genauer hinschauen müssen, wenn ich zu Fuß, mit dem Fahrrad oder dem Auto im Märkischen unterwegs bin. Bernhard Sallmanns Film „Rhinland. Fontane“ hat mich gelehrt, wie wichtig beides ist: hinhören und hinschauen, auch wenn sonst wenig passiert.

Bernhard Sallmann
Einige Bemerkungen zu meinen Filmen „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“, Spreeland Fontane“ und Havelland Fontane“

Theodor Fontane (1819-1898) schrieb vier Bücher „Wanderungen durch die Mark Brandenburg“. Einzelne Feuilletons zu Orten, Personen und Geschichtsetappen veröffentlichte er vorab in Zeitungen, Almanachen oder Jahrbüchern. Er hat sie auch stets umgearbeitet, Neuigkeiten eingepflegt und anderes ausgeschieden. Ein mobiler Textkorpus, wuchernd, riesig! Ein Band umfasst jeweils etwa 500 Seiten. Davon scheinen in meinen Filmen jeweils etwa 20-25 Seiten auf. 1892 sind die Arbeiten in einer Wohlfeilen Ausgabe (Volksausgabe) letztmalig zu Fontanes Lebzeiten in seinem Editionsplan erschienen. Im Kern habe ich in meinem Filmprojekt mit dieser Ausgabe gearbeitet. Hinzugezogen habe ich die Anmerkungsapparate der DDR-Edition, der BRD-Edition und der gesamtdeutschen Edition. Auch Fontane ist ein Produkt des Kalten Kriegs, die DDR hatte die bessere Quellenlage.

Das fünfte Buch „Fünf Schlösser“ ist editionsgeschichtlich wie ein Kuckucksei ins Nest gefügt worden. Es hat einen anderen Charakter als die anderen vier Bücher. Gleichwohl ich zu Anfang meines Filmprojekts noch die Möglichkeit erörterte, die einzelnen Schlösser bei Interesse den einzelnen Filmen beizugeben, so habe ich im Laufe der Arbeit an den Filmen ein immer stärker werdenden Bewusstsein entwickelt, es füge sich schlecht.

Fontane eröffnet mit den Landschaften nördlich von Berlin sein Quartett: „Die Grafschaft Ruppin“(Erstausgabe: 1861). Es folgen „Das Oderland“(1863) östlich von Berlin und „Havelland“(1872) westlich von Berlin. Den Abschluss bildet „Spreeland“(1882) südlich von Berlin. Es fällt auf, dass Fontane die beiden ersten Bände mit einem bestimmten Artikel versieht, davon jedoch im dritten und vierten Buch Abstand nimmt. Er scheint sich einer konkreten Geographie nicht länger unterordnen zu wollen. Oder seiner realen Geographie nicht länger vertrauen zu wollen. Geographie bei Fontane ist sehr real in vielen Schilderungen, sie ordnet sich aber auch spekulativ seinem Editionsplan unter.

In meiner Herzensgeographie, die Ländergrenzen zu minimieren versucht, war Fontanes „Das Oderland“ meine erste Wahl. Was zu Fontanes Zeiten in Teilen die Neumark, jene Regionen östlich der Oder war, ist heute ein anderes Land – Polen – mit einer anderen Sprache. Andere Klänge, Gerüche, Architekturen.
Hier zeigt sich schon im Titel „Oderland Fontane“(2016) mein Manöver. Ich war auch in einem Zeifel: Sollte der Film „Oder/Odraland Fontane“ heißen? Ich wollte den Autor nicht zuerst nennen, ich wollte die Landschaft nennen, dann den Autor. Denn der ragt ja ohnedies so mächtig in den Prozess der Signifizierung der märkischen Landschaft hinein. Viel mehr als der Wanderer August Trinius, ein Zeitgenosse Fontanes, der drei Bände „Märkische Streifereien“ vorlegte. Fontanes große Bekanntheit, Trinius´ große Unbekanntheit. Trinius als tatsächlich wandernder Schatten des kutschereisenden Fontane. Fontane im Schatten der Quellen – denn er zitiert viel aus Memoirenliteraturen und Kirchenbüchern, er hört zu, auch der plattdeutschen Sprache lauscht er nach. Fontanes Bescheidenheit ist Teil seiner Größe. Er verleugnet die Quellen auch nie. Aber auch spreizt sich seine Sprache auf zu einem pfauengefiederartigen Rad, das glänzt und lockt. Ich als fahrradreisender Filmemacher. Bepackt wie ein Esel. Tourist? Als Arrieregarde und Avantgarde zugleich. Nach den Texten und vor den Wahrnehmungen Fontanes im 19. Jahrhundert. Kreise ziehend durch Texte und Landschaften. Schnitte, fahrende Schnitte in die Landschaft eintragend. Die Frage trieb mich um: Spricht das 19. Jahrhundert mit unserer Gegenwart und wenn: Wie kann das filmischen Ausdruck finden.

Das Bild der Waage ist naheliegend, Fontane war Apotheker. Gleichwohl er den Beruf hasste und früh aufgab zugunsten einer schriftstellerischen und journalistischen Karriere, ist der Modus des Abwägens, des in der Waage Haltens, ein zentrales Element seiner Poetologie. Ich wollte nicht Fontanes Wahrnehmung der Landschaften verfilmen. Ich wollte – außer seinen Texten – kein weiteres Archivmaterial verwenden. Vielmehr wollte ich die Landschaften wie ich sie heute wahrnehme in ein Verhältnis zu Fontanes Texten setzen. Keine Historisierung anstreben. Ein einziges Mal in den vier Filmen habe ich ein Textstück ausgewählt, das nicht aus den „Wanderungen“ ist, sondern dem autobiographischen Roman „Meine Kinderjahre“ entstammt. Im Kapitel „Vierzig Jahre später“ – ein Fremdkörper im Text – schildert Fontane die letzte Begegnung mit seinem Vater, der im Alter, geschieden, von Spiel- und Trunksucht gezeichnet, sich in eine Schifferkolonie in das Oderbruch zurückzog.

Fontanes „Das Oderland“ erstreckt sich von Frankfurt bis Schwedt (Süd-Nord) und von der Oderbruchkante bis über die Oder hinaus (West-Ost). Daran hielt ich mich fahrend, reisend, rasend (so schnell es eben ging), die asphaltierte Dammkrone dahinhuschend, durch Bruchwege hoppelnd, unter Bäumen lagernd. Immer im Warten auf Licht und Wind. Das Oderbruch war großen Zerstörungen zum Ende des 2. Weltkriegs ausgesetzt, es fehlt ihm so vieles, was Fontane sehen konnte. Wo sind die Brücken, die Furten, die Fähren.

Der erste Film war der Testfall, ob es überhaupt möglich wäre: Die sehr langen statischen Einstellungen mit den sehr langen feuilletonistischen Textstücken – in der Voice Over Judica Albrechts traumhaft sicher und messerscharf rezitiert – zu kombinieren. „Mastershots“. Das sehr gewagte Konzept, von jedem Ort fast immer nur ein einziges Ton-Bild zu erstellen. Keine Auflösungen der Motive. „Oderland Fontane“ habe ich mit einer HDV-Kamera gedreht, die ich einst dem lieben und geschätzten Kollegen Johannes Holzhausen für 300 Euro abgekauft habe. Eine Kamera, die nicht imstande ist, ein „vollwertiges“ (aber was heißt das?) HD-Bild zu erstellen. Das Bild ist „mangelhaft“, brüchig. Wie ein verwischtes Aquarell. Schlechte Farbe auf schlechtes Papier aufgetragen. Ein Videoimpressionismus. Flächig, klumpig. Das Material war schwer zu behandeln in der sog. Postproduction, im Colorgrading. Wie ein altersschwacher Körper mit faltiger Haut. In dem scheinbaren Mangel jedoch berührt mich der Film sehr, in seinem Versagen gegenüber den Aufmärschen der Pixelarmeen. In seiner Dunkelheit. Der Chip leistet eben nicht mehr. Es gibt keine Musik in den Filmen. Und doch sind sie vom Geist der Musik beseelt. Mein Oderland-Film wie eine getragene Symphonie eines/r unbekannten KomponistIn. Die Oder ist der mächtigste Fluss in meinem Filmquartett, er fließt letztlich entschieden dem Meer zu. Wo das Süßwasser sich mit dem sauren Wasser mischt.

Fontanes erstes Buch „Die Grafschaft Ruppin“ wurde das Material für meinen zweiten Film „Rhinland Fontane“(2017). Fontane benennt drei seiner Bücher bereits nach Flüssen. Die Flüsse sind seine Navigationssysteme. Es war somit naheliegend, für „Die Grafschaft Ruppin“ ebenfalls einen Flussnamen zu finden, zumal der Fontanetitel sich mit einer heutigen politischen Situation inkompatibel zeigt. Der Rhin ist der tückischte der märkischen Flüsse gewesen, zumal er manchmal sich bachartig, rinnsalartig verjüngt, manchmal von Wiesen absorbiert wird und an anderer Stelle wieder zutage tritt. Der Konkurrenzfluss in der Namensgebung wäre die Havel gewesen, die ja von Norden her kommt und später Fontanes drittem Buch dem Titel gibt. Er ist vom Geist der knappen Musik inspiriert: Webern, Kurtag. Demnach der kürzeste Film. Aphoristisch, herb, spröd. Er benennt den Wert des „Kleinen“, das koexistent neben dem „Großen“ bestehen kann, seiner Marginalität jedoch bewusst ist. Demnach ist dieser Film manchmal im Muster von „weit“ und „nah“ gedreht. In einer Ununterscheidbarkeit, ob das Weite das „Kleine“ oder „Große“ ist. Wiederum ist die Grenzfrage interessant gewesen. Fontane schildert die Schmuggler, die zwischen Brandenburg und Mecklenburg sich bewegen. Er schildert desertierende Soldaten. Heute eine ähnlich verlaufende Grenze, mit einem gewaltigen Index jedoch: Wo Fontane vor vielen Jahren von Preussen auf Mecklenburg blicken konnte, symbolisch Heinrich Schliemann in Fürstenberg grüßend, da ist heute die KZ-Gedenkstätte Ravensbrück. Fontanes Geographie folgend zwang ich mich zu diesem Ort des Grauens. Ich umschlich ihn und erst am letzten Drehtag filmte ich. Ich überschritt auch die Grenze zum Mecklenburgischen, um einer Trasse zu folgen: Ich folgte wie ein männliches Groupie dem Beerdigungstross der sehr jung verstorbenen Königin Luise („Königin der Herzen“ in der preussischen Typologie, Napoleon stolz trotzend selbst in der Niederlage) von Hohenzieritz über Dannenwalde nach Gransee. Wo die Grenze zwischen Mecklenburg-Preussen lag, erinnert heute ein Gedenkstein. Dass Preussenromantik nicht nur inadäquat, sondern sogar unmöglich ist, beweist dieser Ort, der von Verkehr umtost ist. Bundesstrasse 102, der/die Radfahrende würde sofort zu Tode kommen, wäre er/sie nicht durch Radwege abgetrennt vom Toben der Rasenden, auf der einen Seite, die Bahntrassse auf der anderen Seite. „Erbarme dich!“ Das an den Rand gedrängte Preußen. Überhaupt bei Fontane fällt oft auf, dass er Herrschaftsgeschichte als Debilitätsgeschichte erzählt. Verdrängte Homosexuelle, ins Abseits Geschobene, zu Bestrafende, Fetischisten, Verhöhnte.

Erbarmen mit der Landschaft empfand ich am stärksten im „Spreeland Fontane“(2018) Film. Fontanes Ideen-Skizzen zum Buch reichen bis nach Cottbus, der Maler Blechen ist eine wichtige Figur für ihn. Im fertigen Buch reicht Fontanes Radius jedoch gerade bis in den Spreewald und nicht weiter. Mir war jedoch auch wichtig die erneute Begegnung mit den Bergbaufolgelandschaften. Ich hatte da noch eine Rechnung offen, „Träume der Lausitz“(2009). Gleich unterhalb des Spreewaldes. Wo die Natur ihres Schatzes beraubt wurde, ausgekohlt daliegt, begleitet von totem Wasser, saurem Wasser, in dem kein Lebewesen sich aufhalten kann. Die innere Musik, die den Film begleitet hat, war die „Matthäuspassion“ von Bach. „Erbarme dich!“ Und die Bemerkungen von Hermann Scherchen in der Generalprobe zu Beethovens 5. Symphonie 1965 in Lugano. Ich verstehe kaum was er in italienischer Sprache zu den MusikerInnen sagt, aber es ist das Tempo seines Sprechens, seine Entschiedenheit, seine Präzision, den Weg durch die Partitur zu suchen und zu finden.

Ein Film des zwillinghaften Wesens, da es sich um zwei Flüsse handelt, an denen Fontane navigiert. Die Dahme, die sich in Köpenick mit der Spree verbindet. Und, für mich von rasendem Interesse: Die Dahme zu Fontanes Zeiten wurde die Wendische Spree genannt. Die Hinwendung Fontanes zur wendischen Kultur ist enorm und nicht vereinbar mit den ethnologischen Valenzen der märkischen Welt. Fontane hat ein fotographisches Gedächtnis. Er beschreibt so präzis wie ein optischer Aufnahmeapparat.
Ich habe mich in der Auswahl der Textstellen aus den Büchern stark für die Darstellung der Tierwelten interessiert. Sie sind es, die im Prozess der Zivilisierung den Menschen weichen müssen. Weichen durch ausrotten. Wie schön daher, dass in der Darstellung einer königlichen Sauenhatz der König bei einer infantilen Mutprobe vom Keiler fast zu Tode gebracht wurde. „Blutend brachte man ihn nach Köpenick.“

„Havelland Fontane“ ist der vierte und letzte Film meiner Serie. Der bogenförmige Fluss, bei Fontane bei Oranienburg einsetzend, Berlin und Potsdam durchmessend und hinter Brandenburg Stadt wieder nach Norden fließend. Halfpipe. Er ist eine wehmütige Abschiedsmelodie. Eine nicht enden wollende Musik. Demnach der mit Abstand längste Film. Diesmal ist das Antlitz des schweißtriefenden steinern-wächsernen Gesichts Hermann Scherchens von zentraler Bedeutung. Sein letztes Dirigat, „Die Kunst der Fuge“, mit einem Ensemble in einer Kirche am Stadtrand von Paris eingespielt. Von einer Fernsehanstalt begleitet. So todesnah, dass er nicht aufhören will die Variationen auszukosten. Schwebend. Dem Irdischen entrückt. Ich konnte und wollte nicht aufhören mich in der Landschaft zu bewegen, zu suchen, mich zu ergehen. Einzelne Einstellungen habe ich 40 Minuten laufen lassen, um den Bewegungen der Landschaft nachzuspüren.
„Havelland“ an das Ende meines Zyklus zu setzen, bedeutet auch einen unüberhörbaren Paukenschlag zu inszenieren. Ein ländliches Proletariat mit Wanderarbeitern ist entstanden. Die Großstadt Berlin ist am Entstehen, ein neuer Energiestrom bildet sich.

Fontanes „Wanderungen“-Bücher ignorieren brüsk die Stadt, er ergeht sich in den Landschaften fernab, aber in „Havelland“ beginnt es zu verschmelzen. Spätestens in meiner Diagnose von Landschaft und Arbeitswelt.

Fontane arbeitet mit Übertreibungen, um die Landschaften um Berlin zu etablieren. Ich übertreibe, um mein Projekt darzustellen: Es ist eine märkische Anakonda, eine Riesenschlange. Die Grenzen zwischen den Filmen sind gesetzt, doch Neuverknotungen sind denkbar. Aus kleineren Schlangen eine große machen. Sowohl der Text Fontanes ist eine Riesenschlange, als auch die Flüsse. Ein einziges Geschlinge. Oft mehr Sumpf und See als Fluss. Die Filme sind neu zu verketten. Es ist anzuraten, sie beispielsweise in der Reihenfolge des Erscheinens von Fontanes Büchern zu sehen. Oder in der Reihenfolge ihrer Längen: Rhinland – Oderland – Spreeland – Havelland. Oder in alphabetischer Reihenfolge. Sie in Paaren zeigen.

Der Filmemacher versteht sich auch als märkische Anakonda, als Getier im Sumpf auf Bild- und Tonbeute lauernd. Montage als Verdauung und muskulärer Umschlingung der Beute.

Die Filme sind auch eine Auseinandersetzung mit den Gemäldegalerien. „Havelland Fontane“ bezeichnet sich als Fete galante, ein von Watteau entwickeltes Bildgenre des Rokoko. Und ganz profan: Viele Watteaus hängen in Schloss Charlottenburg und Schloss Sans Souci und in der Berliner Gemäldegalerie im Havelland. Der flötenspielende König sammelte ihn. Auf die von den MeisterInnen ersten, zweiten oder dritten Ranges – das kann sich ja auch stets ändern – erarbeiteten Proportionen, Formen und Kadragen ist stets Verlass. 16:9 ist wahrscheinlich nicht das glücklichste Format in der Filmgeschichte. Es ging oft bei meiner Bildsuche um ein anamorphotisches Verfahren, die Kunstgeschichte in die Proportionen der Filmtechnik einzupassen. Die Bewegung ist für mich das Erregende und stellen die Distanznahme zur Bildergalerie statt. Die Filmbilder, so reglos sie zu sein scheinen oftfach, sind von fürchterlichen Spannungen durchzogen. Ein Blatt mehr, das vom Wind bewegt wird, könnte den Rahmen zum Zerbersten bringen.
Eine Unruhe treibt mich radfahrend durch die Landschaften wie ein Späher, lauschend, guckend. Eine fieberhafte Suche nach dem idealen Klangbild eines Ortes. Ich drehe immer mit Originalton oder – um es einmal umzudrehen – Originalbild.

Zur Fete galante: Das an der Grenze zum Frivolen Stehende bei Watteau oder Pesne ist in meinen Filmen nur für´s erste sublimiert. Es tritt überdeutlich zutage in den vielfältigen Kopulationen von Licht und Sand/Schlamm/Baum/Ziegel. Lichtspiele eben. Töne als Hauch, ein zartestes Blasen. Ein Schnauben der Nüstern. Ein Zerreißen der Stille, ein Verklingen. Die Diminuendi Scherchens. Die vielfachen pianos Nonos.

Inhaltsübersicht

ODERLAND FONTANE 72 Min.
RHINLAND FONTANE 67 Min.
SPREELAND FONTANE 79 Min.

Credits

Buch: Bernhard Sallmann
Kamera: Bernhard Sallmann
Regie: Bernhard Sallmann

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016-2018

Pressestimmen

„Erst die Fremde lehrt uns, was wir an der Heimat haben.“ Theodor Fontane

„Heimatkunde, still und leise: Fontane ging es nicht um ein identifikatorisches Verhältnis zu den eigenen Wurzeln. Eher um Entdeckungen auf den zweiten Blick. Dieser Geist findet sich auch in dem puristischen Dokumentarfilm wieder, mit dem Bernhard Sallmann jetzt das Fontane Jahr einläutet.“ Die Welt

„Die Kunst seiner Fotografie zeigt sich vor allem darin, dass er nicht einfach perfekte, fast schon gemäldehafte Kompositionen findet, sondern dass er immer wieder Motive entdeckt, die auf mehrere Zeiten gleichzeitig verweisen.“ Zitty

„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“ Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis, aus der Jury Begründung

“Sallmanns Filme bieten Gelegenheit, in die Landschaften einzutauchen, sie sind kontemplatives Kino, jedes Motiv ein Gemälde. Der geduldige Zuschauer hört sanften Winden und dem Gezwitscher der Vögel zu. Und Fontanes Geschichten, die sich wie Folien über die Aufnahmen legen. Mitteilungen aus einer scheinbar vollendeten Vergangenheit streifen die Gegenwart. Das Gestern vermählt sich mit dem Heute, und dennoch bleibt kein Zweifel, dass jede Zeit, auch die unsere, flüchtig ist. Ein philosophischer Film, der seine Weisheiten leise vermittelt: Was uns jetzt wichtig vorkommt, wird morgen nur noch auf dem Papier des Chronisten festgehalten sein. Oder auf Bildern.” Berliner Zeitung

“Mit „Oderland Fontane“, „Rhinland Fontane“ und „Spreeland Fontane“ versammelt diese DVD drei essayistische Filme von Bernhard Sallmann, in der vorgelesene Texte Theodor Fontanes mit teils grandiosen Bildern der vorgestellten Landschaften korrespondieren – ein herrlich kontemplativer Einstieg ins Fontane ­Jahr zu dessen 200. Geburtstag” Zitty

“Aus dem gewaltigen, mäandernden Text montiert Sallmann Vignetten, die sich an der Vielschichtigkeit und Vielgestaltigkeit des Materials orientieren: zwischen anekdotischem Reisebericht, literarischer Landschaftsbeschreibung und kenntnisreicher Kulturgeschichte, mit ausschweifendem, zitierendem Rückgriff auf zum Sprechen gebrachte Quellen.
Eine verblüffende Seherfahrung entsteht aus diesen Bildern und ihrer Konfrontation mit Fontanes Texten, eine Suchbewegung wird angestoßen, im Versuch, ein Verhältnis zwischen Bild und Wort herzustellen. Der Film lässt dem Publikum die Zeit dafür, wandert wie Fontane gemächlich durch die Landstriche (oder nimmt wie Sallmann bei den Dreharbeiten das Fahrrad), Zeit, um sich dem suggestiven Sog der Bilder hinzugeben und wieder zu entziehen, den Texte zu lauschen, um nach Übereinstimmungen zu suchen, und den Abstand zu vermessen.
Sallmans Fontane-Filme dehnen diesen Zugang in mancher Hinsicht aus, und verbinden eine kongeniale Adaption des spezifischen literarischen Dokumentarismus Fontanes mit einem eigensinnigen filmischen Dokumentarismus, der die Texte als kulturgeschichtliche Betrachtungen nicht nur bebildert und aktualisiert, sondern in den Spannungsfeldern zwischen Bild und Sprache eine filmische Geschichtsforschung in Szene setzt, die nicht auf die Metaphorisierbarkeit von Bildern zielt, sondern auf informierte Bewegung der Differenzen: ein Weltkino, das seine Kraft nicht zuletzt aus seiner lokalen Präzision zieht.” Perlentaucher

Auszeichnungen

Crossing Europe, Linz: Local Artist Hauptpreis,
aus der Jury Begründung:
„Meditative Ruhe und analytische Schärfe sind die Parameter, die das ästhetische Prinzip ausmachen und dem Publikum einen Raum öffnen, um die komplexen Zusammenhänge zwischen Natur, Kultur und Politik zu verstehen.“

FSK: Infoprogramm
Länge: 218
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Untertitel: englische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Literaturverfilmung

Produktdesign / Modedesign / Kommunikationsdesign Regie: Maren Niemeyer, Sissi Hüetlin

Deutsches Design hat einen unverwechselbaren Ruf, wenn es um Qualität, Langlebigkeit und Formschlichtheit gibt. Ob Stahlrohrmöbel aus der Bauhauszeit, der VW Käfer, die BRAUN Stereoanlagen oder Bulthaup Küchen: Hinter den seriell gefertigten Produkten stecken leidenschaftliche Formgeber, deren Namen man nicht kennt, die sich aber der technischen Innovation und einer Gestaltsprache für die Zukunft verschrieben haben. Ob im Produktdesign, im Kommunikations- oder Modedesign, die Deutschen überzeugen auch aktuell auf dem Weltmarkt durch Nachhaltigkeit und Raffinesse. Die dreiteilige Filmreihe begibt sich auf die Spurensuche des deutschen Design- Erfolges und erforscht in Tokio, New York und Mailand, warum »Design Made in Germany« so gefragt ist.

Die Großen ihrer Zunft berichten praxisnah: Autorendesigner Stefan Diez, Richard Sapper, der ehemalige Siemens Chefdesigner Herbert Schultes, Mode-Experte Jörg Wichmann, Ayzit Bostan aus München, Mike Meirè, die Porzellandesignerin Stefanie Hering uvam.

Produktdesign / Modedesign / Kommunikationsdesign
Drei Folgen à 26 Min.

Inhaltsübersicht

1: Produktdesign aus Deutschland
Regie: Sissi Hüetlin

Deutsches Design hat einen unverwechselbaren Ruf, wenn es um Qualität, Langlebigkeit und Formschlichtheit gibt. Ob man an Stahlrohmöbel aus der Bauhauszeit denkt, an einen VW Käfer, eine BRAUN Stereoanlage, oder eine Bulthaup Küche: Hinter den seriell gefertigten Produkten stecken leidenschaftliche Formgeber, deren Namen man oft nicht kennt, die sich aber der technischen Innovation und einer Gestaltsprache für die Zukunft verschrieben haben.

In der ersten Folge geben wir einen Überblick über die Highlights der letzten Jahrzehnte in Sachen Produktdesign, und geben Einblicke in aktuelle Entwürfe und Entstehungsprozesse: Dafür portraitieren wir den vielfach ausgezeichneten Autorendesigner und Shooting Star Stefan Diez, der in seinem Atelier in München immer an mindestens 5 Projekten parallel arbeitet. Wir besuchen Richard Sapper, Schöpfer von Klassikern wie der legendären »Tizio« Lampe oder des schwarzen IBM Think Pads, der im Februar 2009 von der Bundesrepublik für sein (bisheriges) Lebenswerk ausgezeichnet wurde. Und wir kommen in New York dem Geheimnis der Bulthaup Küchen näher, die von der Niederbayerischen Provinz aus einen Siegeszug in die ganze Welt angetreten haben, und hinter deren aktuellem Kernmodell B3 der ehemalige Siemens Chefdesigner Herbert Schultes steckt. Auch wenn die Globalisierung voranschreitet, und die Grenzen zwischen den Ländern verschwimmen, hat sich »Design made in Germany« in den letzten 100 Jahren ein Profil verschafft, das weltweit erkennbar ist.

2: Modedesign
Regie: Maren Niemeyer und Sissi Hüetlin

Über ein halbes Jahrhundert lag Berlin im modischen Dornröschenschlaf. Doch spätestens seitdem die Stadt 2007 von der Unesco zur Design-Hauptstadt gekürt wurde und sich wichtige Modemessen wie die »Bred and Butter«, die Premium und die Fashionweek etabliert haben, verlieren die etablierten deutschen Modezentren immer mehr an Bedeutung. Nirgendwo sonst in Deutschland leben inzwischen so viele junge kreative Modemacher wie an der Spree, mit Erstaunen schaut die Mode-Welt auf die phantasievollen Kreationen der jungen deutschen Modedesigner. Besonders die Fashiongeneration in Japan ist fasziniert von der romantischen Coolness und der schrägen Eleganz »Made in Berlin«. Wir haben einen der trendigsten Läden Tokios besucht, er liegt mitten im Szenebezirk Shibuya. Die Boutique »Wut Berlin« vertritt mehr als 20 Berliner Modedesigner, von Bernadette Penkov bis Kaviar Gauche. Ausserdem haben wir in Tokio den Erfolg der deutschen Haute-Couture Öko-Schuhe von Trippen und der Blechbrillen von ic! Berlin recherchiert und herausbekommen warum ausgerechnet diese Schuhe und Brillen die asiatischen Länder erobern.

In Berlin haben wir den Mode-Experte Jörg Wichmann porträtiert, er betreibt in Berlin-Friedrichshain den Designer-Shop Berlinomat. 180 deutsche Labels hat der Modeexperte versammelt, über Fashion und Accsessoirs, bis hin zu Kleinmöbeln zeigt Berlinomat genau jene Mischung aus Innovationskraft und Weltoffenheit, die der deutschen Modeszene bisher fehlte. Inzwischen präsentiert Wiechmann seine Talente in Designertempeln weltweit, von der Pariser Galerie Lafayette bis zum Museum of Modern Art, dem Moma in New York.

Die Schwäbin Gabriele Strehle gehört mit ihrem Modelabel Strenesse zu den erfolgreichsten Modedesigern im Land. Mit der außergewöhnlichen Qualität und der eleganten Formschlichtheit ihrer Entwürfe prägt sie seit Jahrzehnten den Ruf deutscher Designtugenden. 2006 verpasste Strehle dem deutschen Nationalteam anlässlich der Fußballweltmeisterschaft ein völlig neues Mode-Image. Das Credo: Coole Eleganz gepaart mit der so typisch deutschen Nachhaltigkeit. Uns hat sie verraten was für sie typisch deutsche Designtugenden sind.

Die Mode von Ayzit Bostan aus München gilt seit einigen Jahren als Geheimtipp: Dem Taschenhersteller BREE gefiel der minimalistisch-moderne Stil der Modemacherin so gut, dass er Ayzit Bostan bat, als Autorendesignerin eine eigene Handtaschenkollektion zu entwerfen. In ihrem Münchner Atelier liess Sie uns bei den Entwürfen zu ihrer aktuellen Kollektion über die Schulter gucken.

3: Kommunikationsdesign aus Deutschland
Regie: Maren Niemeyer

Die jüngste und abstrakteste Designfachrichtung ist das Kommunikationsdesign. Sie gilt als eine der wichtigsten Gestaltungskünste der Zukunft, denn ohne ein gut gestaltetes Markenimage dem sogenannten »Branding« kann sich heute keine Firma mehr erfolgreich auf dem globalen Weltmarkt durchsetzen. Der Film zeigt anhand ganz praktischer Beispiele was Kommunikationsdesign bedeutet und erforscht in Japan wie es gelingt den Wert einer deutsche Marke in die Welt zu kommunizieren.
Schon die Gründer der legendären Bauhausschule erkannten das erfolgreiches Design im Zusammenspiel der einzelnen Gestaltungkünste liegt. Im Zeitalter der neuen Medien erlebt das Kommunikationsdesign in Deutschland eine völlig neue Bedeutung.

Studenten aus der ganzen Welt pilgern an die renommierte DesignHochschule Burg Giebichenstein in Halle, um hier zu lernen wie man im Zeitalter der medialen Sinnesüberflutung visuelle Aufmerksamkeit kreeirt. Das typisch deutsche Zweiflertum hat sich dabei in dieser jungen Wissenschaft als besonders Qualitätsmerkmal erwiesen.

Mike Meirè gilt als einer der kreativsten Kommunikationsdesigner im Land. Als Art Director gestaltet er das Layout renommierter Zeitschriften wie BrandEins und Archiplus. In seiner Kölner Agentur sind die Corporate Identitys – die Unternehmensidentitäten – etlicher deutscher Marken enstanden. Eine seiner erfolgreichsten Imagekampagnen entwickelte er für den weltweit agierenden Armaturen-Hersteller Dornbracht, in dem er namhafte Künstler wie den Fotografen Jürgen Teller aufforderte das Ritual des Waschens in ihre Arbeiten einfliessen zu lassen. Der Wasserhahn als Muse, mit diesem sogenannten »Marken-Branding« erregte Meiré nicht nur bei den Kunden sondern auch in der gesamten Kunstwelt Aufsehen.

Die Stücke der Porzellandesignerin Stefanie Hering aus Berlin wurden weltweit prämiert und stehen heute in zahlreichen Museen. Trotzdem hat Hering das Gefühl das sie die deutsche Wertarbeit die hinter ihrem Produkt steht besser kommunizieren muss, dabei hilft ihr Erik Spiekermann, – der Gestalter gilt international als Papst des Informationsdesigns. Er ist Ehrendoktor des renommierten Designcollege in Pasadena und Präsidiumsmitglied zahlreicher internationaler Design-Institutionen. Ob Deutsche Bahn oder Berliner Philharmoniker, Spiekermanns Aufgabe besteht darin ein visuelles Erscheinungsbild zu entwerfen, das die Unternehmenspersönlichkeit seiner hochkarätigen Kunden ausdrückt.

Credits

Mischung: Theo Schulte
Musik: Mario Dancso
Regie: Maren Niemeyer, Sissi Hüetlin
Schnitt: Kirstin Geller
Sprecher: Tom Vogt
Ton: Vivian Vogel, Andreas Prescher, Rudolph Schwarz

Produktion: Maren Niemeyer Film
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2009/2013

Pressestimmen

„Deutsches Design setzt weltweit Trends und gilt international als Vorbild für formschöne und schlichte Designklassiker.“ Deutsche Welle

»Beim Stichwort ‘Bauhaus’ bekämen alle noch immer einen verklärten Blick, das sei es, was einem beim Thema Design aus Deutschland zuallererst und manchmal ausschließlich einfällt. Beklagt der Designer Hubert Schultes in der Dokumentation ‘Design aus Deutschland’ zurecht.« – DAS MAGAZIN

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH
Länge: 78 Min.
Bild: PAL, Farbe
Ton: Dolby 2.0
Sprache: Deutsch, Englisch, Spanisch, Arabisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Filmgruppe DocView

Die Lebensgeschichten von fünf Personen, die zwei Dinge teilen: Sie alle sind als Kinder in Deutschland geboren und aufgewachsen und wurden als Juden und Jüdinnen ab 1933 von den Nazis verfolgt – und sie alle leben im gemeinschaftlich-sozialistisch organisierten Kibbuz Ma‘abarot in Israel. Wann, wie und warum sie dorthin kamen, erzählen sie auf eindrückliche Weise. Wenn sie vom Leben im Kibbuz berichten, spürt man ihre Begeisterung und Leidenschaft.

Eine Produktion der Filmgruppe DocView (Jaška Klocke, Jonas Meurer, Adrian Oeser, Katharina Rhein, Claudia Sebestyen und Julian Volz).

Credits

Interviewte: Zvi Cohen, Hanni Aisner, Ora Lahisch, Joav Burstein, Hannah Schalem
Regie: Filmgruppe DocView

Produktionsland: ISR; DE
Produktionsjahr: 2013

Pressestimmen

»Die Mundharmonika rettete ihm das Leben!« Frankfurter Allgemeine Zeitung

»Zwi Cohen hat Theresienstadt überlebt, im Kibbuz fand er eine neue Heimat. Für einen Film haben er und seine Freunde mit deutschen Studenten gesprochen.« Frankfurter Allgemeine Zeitung

»Es geht um Flucht, Todesangst, aber auch die Ideale der Kibbuzbewegung.« Frankfurter Rundschau

»Filmisch ist die Idee von der Würde des Menschen eingefangen, die manchmal auch durch unvorstellbare Grausamkeit nicht mehr zerstört werden kann.« Frankfurter Rundschau

»Ma’abarot war und ist mehr als Zufluchtsort, es ist auch eine Utopie des sozialistischen Zusammenlebens. Israel spielte dabei eine besondere Rolle: Es ist das Land, in dem sie ihre Zukunft aufbauen konnten, in dem der zionistische Traum eines eigenen jüdischen Staates wahr wurde. «Wir sind nicht geflohen. Palästina, das war doch unser Land», sagt Burstein.« Tagesanzeiger

»Im Film ist niemand zu sehen, der Fragen stellt, niemand spricht außer den Überlebenden selbst. So ist man auch als deutsche Betrachterin mit Recht in die Rolle derjenigen zurückgeworfen, die in bezug auf Israel gefälligst die Schnauze zu halten hat.« Konkret

»Kibbuzim sind dokumentarisch noch wenig ausgeleuchtet, und dem Film gelingt es außerordentlich gut, diese Lücke zu schließen. Das Kibbuz gab den meist verwaisten Protagonistinnen die Möglichkeit, die allzu früh beendete Kindheit soweit wie möglich fortzuführen. Sie erzählen, wie man sich selbst organisierte, arbeitete, lernte, zusammen lebte – und zwar bis heute.« Konkret

«Wir sind nicht geflohen. Palästina, das war doch unser Land !»

»Es gelingt, eine intensive Nähe zu den Interviewten entstehen zu lassen, die bewegt. Es gibt keinen Erzähler, der Distanz schaffen könnte. Monologe, in denen die Protagonisten ihre persönliche Geschichte erzählen, wechseln sich ab mit Szenen, die das Alltagsleben in einem sozialistischen Kibbuz zeigen.« Tagesanzeiger CH

Auszeichnungen

Preis als bester Langfilm beim LICHTER-Filmfest Frankfurt

FSK: 12
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 96 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Sprache: OV
Untertitel: deutsche, englische, hebräische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Die deutsch-deutsche Berichterstattung über den Eichmann-Prozess

Herausgeberinnen: Judith Keilbach, Irmgard Zündorf

Das Digitorial zum Projekt: https://absolutondemand.de/booklet/eichmann-im-kalten-krieg/

Der Prozess gegen Adolf Eichmann, der 1961 in Jerusalem stattfand, gilt als Wende­punkt der gesellschaftlichen Auseinandersetzung mit dem Holocaust. Kaum ein anderes Land berichtete ausführlicher über das Gerichtsverfahren als die BRD. Der NDR hatte zwei Korrespondenten entsandt, die in 36 Sendungen der Reihe Eine Epoche vor Gericht darüber hinaus das Land Israel vorstellten. In der DDR wurde keine eigene Sendung zum Prozess entwickelt, aber sowohl in der Aktuellen Kamera als auch im Schwarzen Kanal wiederholt berichtet. Die Thematisierung des Prozesses diente hier primär dazu, auf mögliche frühere NS-Täter in der Bonner Regierung zu verweisen. Das spannend zusammengestellte Material aus TV und Presse offenbart die Zuspitzung des deutsch-deutschen Konflikts und die Rhetorik des Kalten Krieges.

Herausgeberinnen: Judith Keilbach, Irmgard Zündorf
Bearbeiterinnen: Tabea Georges, Linda Graul, Anna Kokenge, Vivien Gidde

Das Online Booklet: https://film.absolutmedien.de/ Eichmann im Kalten Krieg/

Extras

Mit einem ausführlichen Booklet:

Einleitung
Deutschland im „Kalten Krieg“
Der Umgang mit der NS-Vergangenheit in den beiden deutschen Staaten
Die Person Adolf Eichmann
Die Vorgeschichte zum Prozess
Der Prozess
Der Eichmann-Prozess als Medienereignis
Westdeutsche Medienlandschaft
Ostdeutsche Medienlandschaft
Die Berichterstattung in der westdeutschen Presse
Die Berichterstattung in der ostdeutschen Presse
Zur Auswahl des Fernsehmaterials
49 Kurzbiografien

Inhaltsübersicht

1 Die Prozessvorbereitung
2 Der Prozessbeginn
3 Der Prozess im Ausland
4 Journalist*innen vor Ort
5 Kritik an Globke
6 Friedrich Karl Kaul in Israel
7 Die Zeug*innen
8 Israelis über Deutsche
9 Vergangenheitsbewältigung in der Kritik
10 Eichmanns Vernehmung
11 Urteilsverkündung

Credits

Produktion: NDR / WDR / DFF
Produktionsland: BRD/DDR
Produktionsjahr: 1960-1962

nicht mehr lieferbar

FSK Infoprogramm
Länge: 223
Bild: PAL, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Marie-Monique Robin

Wie können wir die Welt ernähren? Natürlich ökologisch und mit Land schonenden Anbaumethoden. Die rapide Zunahme der Bevölkerungszahlen erfordert einen Paradigmenwechsel zu agroökologischen Lösungsmodellen, um Fehlentwicklungen wie erschöpfte Böden und Wasserquellen, den Verlust von Artenvielfalt und den Umzug Millionen verarmter Bauern in städtische Elendsviertel zukünftig zu vermeiden. Bei ihrer Recherche auf vier Kontinenten befragt Marie Monique Robin (Monsanto – Mit Gift und Genen, Unser täglich Gift) Agronomen, Ökonomen und Vertreter internationaler Hilfsorganisationen und skizziert dringend benötigte Lösungsmodelle für eine der zentralen Fragen der Zukunft.

Extras

Bonusfilm: Die Sklaven des Freihandels (26 Min.).

Inhaltsübersicht

KAPITEL
1- Prolog
2- Mexiko: Das Erbe der Milpa
3- Industrielle Landwirtschaft: Zu welchem Preis?
4- Malawi: Bäume auf den Feldern
5- Deutschland: Der Boden ist der Schlüssel
6- Kenia: Technologische Innovation, bäuerliche Intelligenz
7- Senegal: Lasst sie produzieren!
8- Japan: Bündnis von Bauern und Verbrauchern
9- Die Agrarökologie kann die Welt ernähren

Credits

Regie: Marie-Monique Robin

Produktion: M2R Films – Arte France – CFRT – SOS Faim Belgique
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2012

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Originaltitel:
Les Moissons du Futur

Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch Französisch Englisch
Untertitel: französische Untertitel
Regionalcode: RC 2

Rubrik: Dokument

6 Filmessays zur neuen Urbanität der 1950/60er Jahre: Dokumente zum Thema des modernen Wohn- und Städtebaus Herausgeber: Ralph Eue, Florian Wüst

Den Idealen des „Neuen Bauens“ der 1920er Jahre folgend, zielte die Modernisierung der europäischen Großstädte nach 1945 auf bessere Lebensbedingungen für die arbeitende Bevölkerung. Überall fehlte es an Wohnraum. Industrielle Massenproduktion und Konsumkultur stellten die Menschen und ihre sozialen Beziehungen vor große Veränderungen. Das Medium Film diente als ein Mittel, um einerseits die Stadt- und Verkehrsmodelle „von Morgen“ zu bewerben und andererseits der Kritik an der Rationalisierung des Alltags Ausdruck zu verleihen. Diese Auswahl an dokumentarischen und experimentellen Kurzfilmen eröffnet einen einzigartigen historischen Blick auf die Kontroverse um die moderne Stadt.

Diese DVD-Edition präsentiert den 1960 in Kopenhagen entstandenen, kaum bekannten Dokumentarfilm BAG DE ENS FACADER (HINTER DEN GLEICHEN FASSADEN) von Peter Weiss.

Film als mediale Leitlinie, um über Wohnprobleme und deren mögliche Lösung aufzuklären. Neue Wohnungsgrundrisse, bautechnische Rationalisierungsmaßnahmen und soziale Innovationen sollten anschaulich gemacht werden. Wohnungsbaugesellschaften, Fachverbände und Ministerien gaben Lehr-, Dokumentar- und Informationsfilme in Auftrag. Die Frage nach dem Befinden der Bewohner – nachdem sie die modernen Wohnblocks, Reihen- und Einfamilienhäuser bezogen hatten – wurde in den zu Zwecken der Werbung und politischen Willensbildung produzierten Filmen nicht gestellt. Anders machte es Peter Weiss in seinem halbstündigen Film BAG DE ENS FACADER (HINTER DEN GLEICHEN FASSADEN), der die Bewohner von ihrem Alltag, über Arbeit und Freizeit, Gemeinschaft und Anonymität sprechen lässt. Im Kontext dazu eine Auswahl an experimentellen und dokumentarischen Kurzfilmen aus den Jahren 1956–65:

DIE STADT von Herbert Vesely und BAU 60 von Dieter Lemmel (beide sind Mitunterzeichner des Oberhausener Manifests von 1962), Rudi Horneckers FÜR EINEN PLATZ AN DER SONNE (1959), der schwedische Film EN DAG I STADEN sowie Manfred Durnioks DIE GEMORDERTE STADT (1965), die Filmfassung des gleichnamigen Buches des im November 2013 verstorbenen Schriftstellers und Verlegers Wolf Jobst Siedler.

Extras

Bonusfilm: Die Stadt von Morgen — Ein Film vom Städtebau (1930, 33 Min.)
Mit einem ausführlichen Booklet

Inhaltsübersicht

Filmliste:
En dag i staden (Ein Tag in der Stadt), Pontus Hultén & Hans Nordenström (1956)
Für einen Platz an der Sonne, Rudi Hornecker (1959)
Die Stadt, Herbert Vesely (1960)
Bau 60, Dieter Lemmel (1961)
Bag de ens facader (Hinter den gleichen Fassaden), Peter Weiss (1961)
Die gemordete Stadt, Manfred Durniok (1965)

Bonus:
Die Stadt von Morgen – Ein Film vom Städtebau, Maximilian von Goldbeck & Erich Kotzer (1930)

Credits

Herausgeber: Ralph Eue, Florian Wüst

Pressestimmen

“Sechs Filmessays aus den Jahren 1956 bis 1965, gedreht in Schweden, Deutschland und Dänemark geben die Wahrnehmung moderner Städte aus unterschiedlichen Perspektiven und unter Verwendung verschiedener filmischer Mittel und Genres wieder. Allesamt sind die Filme Zeitzeugnisse, die bereits vor 50 Jahren auf die sozialen Konsequenzen modernen Städtebaus – positiv wie negativ – hingewiesen und nichts an ihrer Relevanz für gegenwärtige Diskussionen verloren haben.” FORM Design Magazin

“Die von Ralph Eue und Florian Wüst herausgegebene DVD-Edition scheint weniger ein architektonisches als ein soziologisches Interesse zu haben, denn bei fast allen Filmen handelt es sich eher um Porträts des modernen Menschen als um theoretische Auseinandersetzungen mit den ästhetischen Prinzipien der Nachkriegsarchitektur. Dies macht die Kompilation jedoch nicht weniger spannend.” dasfilter.com

“Die neu erschienene DVD „Die moderne Stadt“ vereint sieben historische „Filmessays zur neuen Urbanität“ und so unterschiedliche Reiseziele wie Stockholm, Kopenhagen, Rotterdam, Frankfurt, Berlin und eine Baustelle in München. Treffen Sie Stadtplaner, wie den Architekten und ehemaligen Frankfurter Stadtbaurat Ernst May, der von neuen Stadtrandsiedlungen schwärmt, oder die Bewohnerin eines dänischen Hochhauses, die da zwar ganz gerne lebt und doch Angst vor einer
„Höhenpsychose“ hat…” DABbbayern

“Aber die filmische Essaysammlung „Die moderne Stadt“ hat anderes im Sinn, als die Richtung der Stadtentwicklung zu verteufeln. Das alles ist auch dem fundierten und umfangreichen Booklet zu entnehmen. Vielmehr geht es den beiden Herausgebern Ralph Eue und Florian Wüst, beide beschlagen in Sachen Film und in Sachen Architektur, darum, ein Lebensgefühl, einen Fortschrittsimpuls zu erfassen und zu charakterisieren, der bis heute nachwirkt. Wirtschaftswunder und Aufbruchzeiten sind längst vorbei; die Stadtentwicklung, einst stolz auf ihre Suburbia, Gewerbegebiete und Fußgängerzonen, sieht sich längst mit drängenden Problemen konfrontiert: Verödung der Innenstädte, Gentrifizierung, Wohnraummangel und Fragen der Lebensqualität im Städtischen. Dabei hatten die Planer anderes im Sinn…” Brutstatt

“Der Fokus liegt weniger auf dem Städtebau der Moderne, als auf der filmischen Repräsentation von Urbanität Anfang der sechziger Jahre. Die filmischen Essays zeugen von sehr unterschiedlichen Haltungen und Ideologien, doch was alle Filme verbindet, ist ein spannender Blick auf das Leben, das sich in den Städten entfaltet oder entfalten sollte. Architektur und Stadt treten meist in den Hintergrund, dafür lernt man umso mehr über die damalige Gesellschaft.” Baunetzwoche

“Sehr eigensinnig und nicht selten mit surrealen Mitteln veranschaulichen die dokumentarischen und experimentellen Kurzfilme die Kontoverse um die moderne Stadt.” Kunstbulletin

“Diese Auswahl aus dokumentarischen und experimentellen Kurzfilmen eröffnet einen historischen Blick auf die Kontroverse jener Jahre um die moderne Stadt, zeigt Bauwerke, die noch heute als Modell Bestand haben, aber auch Bausünden jener Jahre.” Zeitungsgruppe Mittelhessen

„17 Oktober Heute plötzlich sehr stark den Wert des Films erfasst: Unlust und Zweifel völlig vergangen. Gepackt von dieser Arbeitsaufgabe. Schon während der letzten Tage hin und wider Augenblicke voller Schärfe und Spannung, Augenblicke in denen Leben zu spüren war, alles lag aber noch gedämpft unter den Ausstrahlungen der Verlogenheiten. Jetzt stand da diese Arbeiterfrau, mit ihrem kleinsten Kind auf dem Arm, neben dem Fernseh-Apparat und dem Bild mit dem Bauernhof, sie stand da hager, mit verarbeiteten Händen, abgemagerten Armen, verhärmtem Gesicht und antwortete sachlich auf die Fragen des Interviewers. Ihr Dasein stand so klar und deutlich vor uns, dass uns war, als müssen wir den Atem anhalten. Von dieser Echtheit, dieser Härte aus gesehen, lassen sich jetzt in all den anderen Szenen die starken Augenblicke erkennen, die Augenblicke, in denen das eigentliche Dasein durch die Verstellungen hindurchschimmert.“
(Peter Weiss über die Arbeit an Bag de ens facader, 1961, in: Das Kopenhagener Journal, hrsg. von Rainer Gerlach und Jürgen Schutte, 2006)

„Vor Jahren war hier Krieg. Er produzierte Ruinen. Für die letzten, die jetzt noch da sind, ist man fast dankbar. Sie dienen als Attraktion für die Fremden. Auch Vögel gibt es wieder. … This is London calling in the Pacific Service of the BBC. … Frau Margarete Klos, Zwingenbergstraße 16, 3. Stock, wird ersucht, sofort das städtische Krankenhaus in der Wiegenheimer Straße anzurufen. … Ich möchte frei und sonnig wohnen. Ich wünsche Zentralheizung, Fernsehapparat, automatische Waschmaschine und Müllschlucker. … Beschreiben Sie doch bitte die Wohnung, die Sie sich wünschen. Was für eine Hausform? Geschlossene Bauweise mit Randbebauung, Zeilenbau et cetera. Welches Geschoss? Wohn- und Schlafzimmer, Schlafzimmer, Kinderschlafzimmer, Wohn- und Esszimmer, Wohnzimmer, Esszimmer, Arbeitsraum. Oder was sonst? Sind Sie mit der Anzahl der Zimmer zufrieden? Ja. Nein. Wenn nein, warum nicht?“
(aus: Die Stadt, Herbert Vesely, 1960)

“Das Studium der Nachkriegsmoderne hat an Brisanz nichts verloren, da diese ein vereinfachtes Modell dafür abgibt, wie die Kombination von politischen Motiven, sozialen Voraussetzungen sowie wirtschaftlichen und geografischen Bedingungen das Design der heutigen urbanen Wirklichkeit geprägt hat. Die tabula­rasa­artige Situation der „Stunde null“ spielte dabei eine große Rolle, man denke nur an Rotterdam, das nahezu komplett neu aufgebaut werden musste und deshalb ungeahnte Freiheiten in Bezug auf den planerischen Weitblick bot; dazu kamen aber auch der Kalte Krieg, der wirtschaftliche Neustart, das Erstarken (sozial­)demokratischer Kräfte oder das Paradigma der mobilen Kleinfamilie. Die DVD­Edition „Die moderne Stadt“ wurde unter dem Gesichtspunkt zusammengestellt, eine möglichst breite Vorstellung davon zu vermitteln, wie der neue Schub in Richtung rationalisierter Planung und zukunftsorientierter Gestaltung filmisch ästhetisiert, propagiert und kritisiert wurde.” springerin

“Der Kulturfilm ist ein gemeinhin unterschätztes Genre. Auch wenn er vornehmlich der Wissensvermittlung dient, so haben in der Geschichte des Films doch kreative Schöpfer immer wieder versucht, kleine Interventionen einzuflechten oder subversive Momente einzubauen. Die DVD „Die moderne Stadt – Filmessays zur neuen Urbanität der 1950/60er-Jahre“ enthält eine Sammlung von fünf aus eben jenen zwei Jahrzehnten stammenden Kulturfilmen, in denen die Filmemacher die Grenzen des Genres frech überschreiten – hin zum Surrealen, zum Grotesken, zum Experimentellen. Essays eben.” Kinema Kommunal

FSK: Infoprogramm
Länge: 177
Bild: PAL, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch, Dänisch, Schwedisch
Untertitel: Mit zuschaltbaren Untertiteln in Deutsch, Englisch, Französisch, Spanisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Marcel Ophüls

Das fast vergessene Spätwerk des Wahrheitssuchers Marcel Ophüls ist die Reise in eine europäische Finsternis im ausgehenden 20. Jahrhundert: Kino der Dialektik und Aufklärung.

1992/94, während der Belagerung von Sarajevo, besuchte Marcel Ophüls mehrfach die bedrängte Stadt. Er folgte den Kriegsberichterstattern bei ihrer Arbeit im eingekesselten Sarajevo und ihren Fahrten zu den Stellungen der Angreifer in den Bergen um die Stadt. Er wurde Zeuge der Gefahren, denen sie ausgesetzt waren.
Ophüls geht mit dieser Arbeit der Frage nach, wie und warum Journalisten zwischen den Fronten nach Wahrheiten suchen, und was sie antreibt, wenn nicht nur Heckenschützen systematisch Jagd auf sie machen, sondern sie sich auch gegen die Infotainment-Maschinerie in den eigenen Sendern und Redaktionen behaupten müssen: “Dialektik in höchster Konzentration.” (Tages-Anzeiger)

“Eine bewusstseinsverändernde Kerbe im Gegenwartskino, wie es sie in diesem Jahrzehnt noch nicht gegeben hat.” (Der Standard)

Editorische Anmerkung:
Die Geschichte der Kriegsberichterstattung / The troubles we’ve seen / Veillées d’armes ist ein fast vergessenes Spätwerk von Marcel Ophüls. Es gibt weltweit kein neueres Master als das hier vorliegende. Die sehr bescheidenen Absatzzahlen unserer Ophüls DVDs erlauben leider keine Investitionen in ein neues Mastering. Bevor der Film weiterhin fehlt, legen wir hier die Fassung mit einkopierten deutschen Untertitel vor.

Der technisch-künstlerische Stab des Films
Drehbuch, Regie: Marcel Ophüls
Regieassistenz: Laurent Cantet, Dominik Moll
Kamera: Pierre Boffety
2. Kamera: Pierre Milon
Montage: Sophie Brunet
Ton: Michel Faure, Eric Devulder
Tonmontage: Ariane Doublet
Produzenten: Bertrand Tavernier, Frédéric Bourboulon
Produktion: Little Bear S.a.r.l. (Paris)
Premiere Medien GmbH & Co. KG (Hamburg)
Produktionsleitung: Patrick Lancelot, Véronique Bourboulon,
Erin Cramer
Festival-Premiere: 23. Mai 1994 (Cannes / Festival International de Cannes)
Kino-Premiere: 23. November 1994 (Paris)
Deutsche Uraufführung: 12. Februar 1995 (Berlin / Internationales Forum des jungen Films)
Gesamtlänge: 226 Minuten
Kopienformat: 35mm (von Digibeta), 1:1,66

Die Protagonisten des Films (Kleines Who’s Who?)
Benannt sind die Funktionen, die die Protagonisten im zeitlichen Umfeld der Dreharbeiten für Die Geschichte der Kriegsberichterstattung gerade innehatten. Personen, die in Film- oder Fernsehausschnitten zu sehen sind, sind mit dem Hinweis “(Archiv)” gekennzeichnet:
• Philippe Noiret: französischer Film- und Theaterschauspieler
• Albert Préjean: französischer Filmschauspieler (Archiv)
• Danièlle Darrieux: französische Filmschauspielerin (Archiv)
• Suzy Delair: französische Filmschauspielerin (Archiv)
• Junie Astor: französische Filmschauspielerin (Archiv)
• Viviane Romance: französische Filmschauspielerin (Archiv)
• Marcel Ophüls: Filmemacher
• Pierre Boffety: Kameramann
• Ein Schlafwagenschaffner
• Edwige Feuillère: französische Filmschauspielerin (Archiv)
• Jean Paul Dreyfus (alias Jean Paul Le Chanois): Filmemacher, Darsteller (Archiv)
• Woody Allen: Filmemacher (Archiv)
• Marx Brothers: US-amerikanische Filmschauspieler, Komödianten (Archiv)
• Jon Duncanson: amerikanischer News-Reporter, Kameramann
• Sergio Apollonio: italienischer Mitarbeiter von UNPROFOR (United Nations Protection Force) in Zagreb. Die UNPROFOR-Truppen werden im allgemeinen Sprachgebrauch als Blauhelmsoldaten bezeichnet.
• Hans Peter Heckner: Oberst der bundesdeutschen Luftwaffe
• Laurence Olivier: britischer Schauspieler (Archiv)
• Ursula Meissner: deutsche Fotografin
• Ron Ross: Satellitentechniker eines Technik-Supportunternehmens in Zagreb
• Nigel Bateson: BBC-Kameramann
• Eddy Stephens: BBC-Toningenieur
• John Simpson: BBC-Sonderberichterstatter in Sarajevo, Chef des BBC-Auslandsressorts
• Vera Kordic: bosnische Dolmetscherin
• John F. Burns: Korrespondent der New York Times, Pulitzer-Preisträger
• Martha Gellhorn: US-amerikanische Journalistin, Kriegsreporterin, Schriftstellerin
• Nikola Koljevic: Literaturwissenschaftler, Shakespeare-Forscher, Vizepräsident der selbsternannten Republika Srpska (Serbische Republik Bosniens) von 1992-96. Einer der drei Stellvertreter von Radovan Karadjic. 1992 veranlasste er den Beschuss und die Zerstörung der Vijećnica (Nationalbibliothek von Sarajevo)
• Radovan Karadzic: Präsident der selbsternannten Republika Srpska (Serbische Republik Bosniens) von 1992 -1996
• Martin Bell: TV-Korrespondent für BBC
• Stéphane Manier: Reporter für France 2 (ehemals Antenne 2), Preisträger des Albert-Londres-Preises
• Pierre Peyrot: Koordinator des Technik-Support-Zentrums Zagreb
• Patrice du Tertre: Kriegsreporter, Dokumentarist, Kameramann
• Jean-Jacques Le Garrec: Kamera-Reporter von France 2 (ehemals Antenne 2)
• Fouad Bouzadjic: Sänger
• Lidia Zulumovic: Dolmetscherin
• Mira Bogdanovic: Tochter eines Obristen im Ruhestand
• Bing Crosby: US-amerikanischer Sänger und Schauspieler (Archiv)
• José-Maria Mendiluce: Sondergesandter der UN-Flüchtlingskommission
• Zrinka Bralo: Dolmetscherin
• Heinz Metlitzky: TV-Reporter (ZDF)
• Marlene Dietrich: Schauspielerin (Archiv)
• Ein Callgirl in Wien
• Remy Ourdan: TV-Journalist für RTL
• Antoine Gyori: Bild-Reporter für die Agentur SIGMA
• Eric Bouvet: Bild-Reporter
• Martine Laroche-Joubert: TV-Reporterin für France 2 (ehemals Antenne 2)
• Paul Marchand: Freelance Radio-Reporter
• Cary Grant: US-amerikanischer Schauspieler (Archiv)
• Jean Arthur: US-amerikanische Schauspielerin (Archiv)
• Isabelle Baillancourt: TV-Reporterin für Télévision Française (TF 1)
• Alain Finkielkraut: Schriftsteller. Autor von u.a. Verlust der Menschlichkeit. Versuch über das 20. Jahrhundert (1998)
• Philippe Seguin: Präsident der französischen Nationalversammlung (1993-97)
• Simone Veil: Ministerin für Soziales, Gesundheit und Stadtwesen im Range einer Staatsministerin (1993-95)
• Bernard Kouchner: französischer Politiker und Arzt, Mitgründer von Médecins sans frontières.
• Anne Sinclair: amerikanisch-französische TV-Journalistin, Nachrichtensprecherin und Moderatorin des Sonntagabendmagazins Sept sur sept (Archiv)
• Christine Ockrent: TV-Journalistin, sog. Starreporterin des französischen Fernsehens (Archiv)
• Alain Lamassoure: Minister der französischen Regierung für europäische Angelegenheiten (1993-95)
• Francois-Henry de Virieu: TV-Journalist für die Sendung L’heure de la vérité auf France 2 (ehemals Antenne 2)
• Phillip Knightley: Journalist, Historiker und Autor des Buches The First Casualty: The War-Correspondent as Hero and Myth Maker
• Edwy Plenel: Journalist bei Le Monde
• Patrick Poivre D’Arvor: Chefredakteur von TF 1 und Moderator der 20-Uhr-Hauptnachrichtensendung auf TF 1
• Walter Cronkite: Hauptnachrichtensprecher (1962-1981) der CBS-Evening News (Archiv)
• Bernard Pivot: TV-Journalist und Moderator des Kulturmagazins Bouillon de Culture auf France 2 (ehemals Antenne 2) von 1991-2001 (Archiv)
• Pascal Josèphe: Generaldirektor von France 2 (ehemals Antenne 2). Verantwortlicher Funktionär der Zusammenlegung von Antenne 2 und FR 3 (Archiv)
• Hilary Brown: TV-News-Korrespondentin (ABC)
• Paul Amar: TV-Moderator des Journal Télévisé von France 2 (ehemals Antenne 2) (Archiv)
• Alija Izetbegovic: Präsident von Bosnien-Herzegowina (1992-2000) (Archiv)
• Jacques Merlino: Stellv. Chefredakteur des Journal Télévisé auf Antenne 2 bis zur Zusammenlegung des Senders mit FR 3 (1992). Autor des Buches Les vérités yougoslaves ne sont pas toutes bonnes à dire (1993)
• Rosalind Russell: US-amerikanische Schauspielerin (Archiv)
• Amir Abbas Hoveyda: Iranischer Ministerpräsident (1965-1977, hingerichtet 1979)
• Peter Ustinov: britischer Schauspieler, Schriftsteller und Regisseur (Archiv)
• Martine Carol: französische Schauspielerin (Archiv)
• Saddam Hussein: Staatspräsident des Irak (1979-2003), außerdem Premierminister des Landes zwischen 1979 und 1991, sowie 1994 und 2003 (Archiv)
• H. Norman Schwarzkopff jun.: General der US-Army (seit 1988), Befehlshaber der Koalitionstruppen im zweiten Golfkrieg (1990-91)
• Paul-Marie de la Gorce: Historiker, Journalist
• Michèle Cotta: Direktorin für die Informationsprogramme von TF 1 (1987-1992) (Archiv)
• Maurice Olivari: TV-Reporter für TF 1
• Bernard-Henry Lévy: Schriftsteller, Filmemacher, Philosoph (Archiv)
• Romain Goupil: Filmemacher, Schriftsteller
• Gordana Knezevic: Reporterin der Zeitung Oslobodenje
• Christiane Amanpour: TV-Journalistin für CNN
• Vlado Mrkic: Redakteur der Zeitung Oslobodenje
• Slobodan Milosevic: serbischer Staatspräsident (1991-97)
• Nermin Tulic: Schauspieler, Direktor des Pozorište Mladih Sarajevo (Theaters der Jugend) in Sarajevo. Während der Belagerung verlor er unmittelbar vor dem Eingang des Theaters durch ein Mörsergeschoss ein Bein.
• James Cagney: US-amerikanischer Schauspieler (Archiv)
• Philippe Morillon: Kommandant der UNPROFOR-Streitkräfte (1992-93). Er erklärte 1993 die Stadt Srebrenica symbolisch zur UN-Schutzzone.
• Patrick Chauvel: Kriegsreporter, Fotograf. Während seiner Einsätze wurde er mehrfach schwer verletzt.
• Hervé Chabalier: TV-Journalist, Gründer der Agentur CAPA
• Jean-François Deniau: französischer Politiker, Schriftsteller
• Eric Gilbert: TV-Journalist, Nachrichtensprecher (CANAL +)
• Gérard de Villiers: Krimi-Schriftsteller (u.a. erfand er die Geheimdienst-Reihe S.A.S. Malko)
• Georges Kiejman: Beigeordneter französischer Außenminister (1992-93)
• Mufid Lazovic: Leitender Arzt und Chirurg der Poliklinik Kosevo in Sarajevo

Extras

Kapiteleinteilung
Mit einem ausführlichen PDF Materialienteil,
übersetzt und zusammengestellt von Ralph Eue

Zum Geleit 3
Der technisch-künstlerische Stab des Films 4
Die Protagonisten des Films (Kleines Who’s Who?) 5
Kurzbiografie des Regisseur Marcel Ophüls 9
Marcel Ophüls: Von Neuilly nach Sarajevo (1993) 11
Bertrand Tavernier: Brief an Marcel Ophüls (1994) 23
Zeitgenössische Kritiken zu
Die Geschichte der Kriegsberichterst attung 25

Bie absolut Medien ebenfalls von Marcel Ophüls lieferbar:

DAS HAUS NEBENAN – Chronik einer französischen Stadt im Krieg
Teil 1: Der Zusammenbruch, Teil 2: Die Wahl
Ein Film von Marcel Ophüls
Am Beispiel der Stadt Clermont-Ferrand dokumentiert Marcel Ophüls in dieser wegweisenden Chronik neben der politischen Unterdrückung und dem Antisemitismus im Frankreich Pétains auch die Vielfältigkeit der Beziehungen zwischen deutscher Besatzungsmacht und Franzosen. Damit unternahm er ungewollt einen Generalangriff auf die damalige politische Lebenslüge Frankreichs – den Mythos des im Widerstand vereinten französischen Volkes.
2 DVD, s/w, 248 Min., mit Booklet, Best.Nr. 4009

NOVEMBERTAGE
Ein Film von Marcel Ophüls
Neugierig geworden durch die Freude, die die Fernsehbilder am 9. November 1989 ausstrahlten, kehrte Marcel Ophüls ein Jahr später an den Ort des Geschehens zurück, um mit den damals gezeigten Menschen zu sprechen. In seiner unbeschwerten Annäherung an das Thema interviewt Ophüls konsequent Machthaber, Mitläufer, Funktionäre und Widerständler – und solche, die zufällig dabei waren, als die deutsche Geschichte ins Rollen gekommen ist.
DVD, Farbe + s/w, 129 Min., ausführliches Booklet, Best.Nr. 4028

Inhaltsübersicht

Kapitel
1 Aufbruch zur ersten Reise
2 Unterwegs nach Sarajevo
3 In Sarajevo
4 In Pale. Stützpunkt der bosnischen Serben
5 Gespräche im Holiday Inn, Sarajevo
6 Straßen und Plätze in Sarajevo
7 Menschen im Visier von Scharfschützen
8 Split und Wien. Ende der ersten Reise
9 Erneute Reise via Venedig
10 Reporter und Reporterinnen
11 Sarajevo. In weiter Ferne so nah
12 Der Nachrichtenbetrieb (I)
13 Mitten im Krieg. In Sarajevo und anderswo.
14 Der Nachrichtenbetrieb (II)
15 Parteinahme
16 Ein Zeitung in Sarajevo: Oslobodenje
17 Begegnung mit dem Schauspieler Nermin Tulic
18 Der Marktplatz von Sarajevo
19 Die ‚Frontschweine‘ des journalistischen Metiers
20 “The moment of death”. Eine Fotografie und seine Geschichte
21 “Nobody knows the troubles I’ve seen”
22 Schlusstitel

Credits

Regie: Marcel Ophüls

Produktion: Bertrand Tvaernier
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1994

Pressestimmen

“Dialektik in höchster Konzentration.” (Tages-Anzeiger)

“Eine bewusstseinsverändernde Kerbe im Gegenwartskino, wie es sie in diesem Jahrzehnt noch nicht gegeben hat.” (Der Standard)

“Marcel Ophüls hat es zur schönen Kunst erhoben, das Publikum auf dem falschen Fuss zu erwischen. Seine Dokumentarfilme fangen nie so an, wie es sich gehört. Der unberechenbare
Dokumentarist nähert sich seinen schweren Themen auf Umwegen, sprunghaft und assoziativ. Dieser demonstrative Unernst baut dem Publikum keine kurzweiligen Brücken, sondern legt ihm Stolpersteine in den Weg. Selbstironie dient ihm als Zuflucht, um nicht in Zynismus zu verfallen. Er ist Moralist. Ihn interessiert die Haltung, die seine Interviewpartner zu Fragen wie Leid, Mut und Anstand beziehen. Den Gegensatz zwischen Propaganda und Wahrheitssuche arbeitet Ophüls im Panoramablick vom Krimkrieg über den Spanischen Bürgerkrieg und den Holocaust bis zu den ethnischen Säuberungen in Ex-Jugoslawien heraus. Im zweiten Teil bricht sich leidenschaftliche Medienkritik Bahn. Sie zielt vor allem auf das Fernsehen, das Bilder produziert, die stark im Moment und dann flüchtig sind. Ophüls gewährt bittere Innenansichten vor allem franzosischer Sender. Sein Unbehagen an Infotainment und narzisstischer Nähe zur politischen Macht ist von grosser Aktualität.” Filmbulletin

“In seiner „Geschichte der Kriegsberichterstattung” (1994) ist es Marcel Ophüls gelungen, aus radikal subjektiver Perspektive so etwas wie einen umfassenden Film über sein Sujet zu drehen. Ein erklärendes, konventionel­les Voice-over, das immer Ge­fahr läuft, dem Zuschauer das Denken abzunehmen, gibt es nicht. Die Kommentarinstanz hier ist bedeutungsoffen: einge­schnittene Filmzitate, die nicht klärend, sondern assoziativ wir­ken.” RAY

“Wer sind die Journalisten und Reporter, die über Kriege berichten? Was sind ihre Motive? Wie authentisch sind die Bilder, Töne und Texte, die sie in alle Welt verbreiten? Ophüls interviewt französische und englische Reporter, beklagt die Programmpolitik der nationalen Fernsehsender, thematisiert das Spannungsverhältnis zwischen Propaganda und objektiver Berichterstattung, schlägt einen historischen Bogen vom Krimkrieg über den Spanischen Bürgerkrieg, den Holocaust, den Vietnamkrieg bis zu den Jugoslawien-Kriegen. …Die Montage ist, wie meist bei Ophüls, auch ein Kommentar zum Thema des Films, denn einen eigenständigen Off-Kommentar gibt es nicht. Bei Absolut Medien ist jetzt eine DVD dieses beeindruckenden Films von Marcel Ophüls erschienen, in der Originalfassung mit deutschen Untertiteln. Das Begleitmaterial (darunter ein kleines „Who’s Who der Protagonisten“) stammt von Ralph Eue.” Hans Helmut Prinzler

“Marcel Ophüls reiste 1992/93 ins belagerte Sarajewo, um die Journalisten zu beobachten. Daraus montierte er Bezüge mit anderen Kriegen, collagiert mit Ausschnitten aus Filmklassikern und hinterfragt kritisch die eigene Rolle.” Zitty

“Das erste Kriegsopfer ist immer die Wahrheit.” (Der Standard)

“Die Reporter sprechen of­fen über Berufsethos und Selbst­verständnis. Montiert ist das Ganze als eine lose Abfolge von miteinander verbundenen Kon­stellationen: Selbstgefährdung, Risikolust, Bilderfälschung, Simplifizierung, Parteilichkeit, Kriegsberichterstatterinnen vs. Kriegsberichterstatter. Ophüls spricht in Paris auch mit denen, die die Sicherheitszone nicht ver­lassen: Moderatoren, Kommen­tatoren, Philosophen. So entfal­tet sich eine filmische Analyse der Arbeit von Menschen, deren Aufgabe es ist, uns ein Bild des Krieges zu vermitteln.” Ray

Marcel Ophüls:
“Schon seit langem wollte ich einen Film über Journalisten im Krieg machen, genau genommen seit 15 Jahren, seit ich zum ersten Mal Phillip Knightleys Buch The First Casualty: The War Correspondent As Hero, Propagandist and Myth Maker gelesen habe. Knightleys Hauptthese darin: Das erste Opfer des Krieges ist immer die Wahrheit. Eigentlich wollte ich diesen Film schon im Golfkrieg drehen, in diesem großen Hotel, in dem die Berichterstatter tagaus, tagein zusammenhocken, Poker spielen, Bier trinken und darauf warten, dass ein Hubschrauber oder ein Jeep sie dahin bringt, wo gerade geschossen wird. Dieser Film ist nicht zustande gekommen. Jetzt ist es ein Film über die Journalisten in Sarajevo geworden. Dass es Sarajevo ist und nicht Bagdad verändert natürlich den Film, er ist sehr viel tragischer geworden als der andere gewesen wäre.

Die Frage, die mich am meisten interessierte, lautete: Trägt Information über Völkermord dazu bei, zu sagen: jetzt reicht’s? Offenbar nicht. Es gibt ja die Vermutung, dass, hätte es Bilder von Auschwitz gegeben, der Vernichtung sehr viel früher ein Ende gesetzt worden wäre. Heute sehen wir die Bilder, aber es geschieht dennoch nichts.

Director’s Statement im französischen Presseheft von Die Geschichte der Kriegsberichterstattung (= Veillées d’ armes = The Troubles We’ve Seen)

FSK: Infoprogramm

Originaltitel:
THE TROUBLES WE’VE SEEN / VEILLÉES D’ARMES

Länge: 226
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Originalfassung
Untertitel: deutsche Untertitel
Regionalcode: codefree
Reihe: Die großen Dokumentaristen

Der Lichtbilder-Vortrag von Armin T. Wegner Regie: Ursula von Keitz,

Der legendäre Augenzeugenbericht von 1919!
Die Austreibung des armenischen Volkes in die Wüste
Der Lichtbilder-Vortrag von Armin T. Wegner
Gesprochen von Ulrich Noethen

Als Sanitäter im Ersten Weltkrieg wird Armin T. Wegner Augenzeuge des armenischen Genozids. Er sieht den Flüchtlingsstrom der von den Türken in die syrische Wüste getriebenen armenischen Bevölkerung: das Leiden, das Elend, die mörderische Gewalt. In den Jahren 1915 bis 1917 fanden dort bis zu 1,5 Millionen Armenier den Tod.

Trotz des Verbots der türkischen Behörden machte Wegner mehr als 100 Fotos und schmuggelte diese »unter der Leibbinde versteckt über die Grenze«. Unmittelbar nach Kriegsende fasste Wegner seine Erfahrungen als Augenzeuge in einem Vortrag zusammen, den er am 19. März 1919 in der Berliner Urania erstmals hielt.

Anlässlich dieses 100. Jahrestages wird der von Ulrich Noethen neu gesprochene Vortrag veröffentlicht, mit einer Laterna Magica Projektion von Karin Bienek. Erstmals kann der Vortrag – wie einst gehalten – wieder erlebt werden.

Mit einer anschließenden Podiumsdiskussion mit Dr. Rolf Hosfeld, Prof. Dr. Andreas Meier, Peter Meiwald (Bündnis 90/Die Grünen), Dr. Raffi Kantian (Deutsch-Armenische Gesellschaft).
Moderation: Dr. Olaf Glöckner (Moses Mendelssohn Zentrum).

Eine Produktion des Filmmuseums Potsdam und des Militärhistorischen Museums der Bundeswehr, Dresden. In Zusammenarbeit mit der Heinrich-Böll-Stiftung. Kooperationspartner: Deutsch-Armenische Gesellschaft, Institut für künstlerische Forschung der Filmuniversität Babelsberg „Konrad Wolf“, Lepsiushaus, Moses Mendelssohn Zentrum, Wallstein Verlag. Produktion und Umsetzung: Prof. Dr. Ursula von Keitz. Eine Aufzeichnung vom 24. April 2016.

Extras

1 Begrüßung und Vorreden 24’12"
2. Vortrag 57’05"
3. Podiumsdiskussion 61’45"

Mit einem ausführlichen Booklet

Inhaltsübersicht

1 Begrüßung und Vorreden 24’12"
2. Vortrag 57’05"
3. Podiumsdiskussion 61’45"

Mit einer anschließenden Podiumsdiskussion mit Dr. Rolf Hosfeld, Prof. Dr. Andreas Meier, Peter Meiwald (Bündnis 90/Die Grünen), Dr. Raffi Kantian (Deutsch-Armenische Gesellschaft).
Moderation: Dr. Olaf Glöckner (Moses Mendelssohn Zentrum).

Credits

Darsteller: Ulrich Noethen
Regie: Ursula von Keitz,

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2018

Pressestimmen

“Wegners Lichtdiavortrag ist ein einmaliges, bild- und wortgewaltiges Zeugnis über den Genozid an den Armeniern und anderen orientalischen Christen. Ulrich Noethen findet beim Vortragen das richtige Gleichgewicht: Die Intonation ist durchaus emotionsgeladen, ohne aber in irgendeinem Augenblick in Pathos zu verfallen.” Tagespost

“Vor hundert Jahren berichtete der Augenzeuge Armin Wegner in Berlin mutig vom Völkermord an den Armeniern. Der erste Genozid des 20. Jahrhunderts diente Hitler als Vorbild.” Faktum

“Eines der wichtigten evaluierenden Zuegnisse moderner Barbarei! …Wenn Ortsnamen wie Aleppo fallen, dann ist der Vortrag in seiner Anklage gegen die Grausamkeit aktueller denn je.” Player

“Wegner riskierte mit seiner Dokumentation, vors Kriegsgericht gestellt zu werden. Denn die osmanische Armee hatte fotografische Dokumentation vom Geschehen vorsorglich unter Todesstrafe gestellt. (Auch die heutige türkische Regierung leugnet bekanntlich, dass es die Massenmorde je gegeben hat.) Nach Kriegsende gewannen die von Wegner am eigenen Körper nach Deutschland geschmuggelten Aufnahmen als rare bildliche Belege des Genozids immense Bedeutung. Am 19. März 1919 begann er in der Berliner Urania eine Reihe von Lichtbildervorträgen, mit denen er danach durch Deutschland und nach Österreich reiste.” Berliner Zeitung

“Ohne dem türkischen Volk eine Generalschuld zuzuweisen – diese Differenzierung ist ihm wichtig -, rekapituliert Wegner, wie das Regime sein teuflisch erdachtes Vernichtungswerk systematisch in die Tat umsetzte. Er klagt mit der Autorität des Augenzeugen an: nicht zuletzt jene, die ihre Augen verschlossen vor dem Genozid und so verhinderten, dass er völkerrechtliche Konsequenzen hatte. Sein Mandat ist es, Kunde zu geben von den unvorstellbaren Gräueln der Deportationen, die weit mehr als eine Million Armenier ins Maul der Wüste trieben. Anfangs wurden sie noch in Zügen transportiert und mussten – auch das haben die Nationalsozialisten von den Jungtürken gelernt – für die Fahrt selbst bezahlen: Billets für die Erste Klasse, obwohl sie in Güterwagen gepfercht wurden.
Wegners Worte sind wohlerwogen. Er lässt die Ereignisse für sich sprechen, die Verheerungen bedürfen keiner Ausschmückung und vertragen kein Pathos. Das Pfund, mit dem er wuchert, ist unbedingte Glaubwürdigkeit. Noethen folgt ihm darin. Er behauptet nicht, überwältigt zu werden vom Entsetzen. Es mischt sich kein falscher Ton in seine Rede. Aber er muss sich mitunter sammeln. Ein, zwei Mal verhaspelt er sich. Das ist gut so. Eine solche Erzählung darf nicht reibungslos verlaufen. Wer weiß, ob dies Wegner seinerzeit nicht auch passierte?” Gerhard Midding, EPD Film Blog

FSK Infoprogamm
Länge: 57
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

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Regie: Danielle Schirman, Anna-Célia Kendall, Heinz Peter Schwerfel Idee: Luciano Rigolini

Die Sammlung »Design« erzählt die Geschichte des 20. Jahrhunderts anhand von Industrieobjekten nach und verbindet die Kunst der Gestaltung mit ihrem soziologischen Kontext. Jedes Produkt hat seine jeweilige Epoche geprägt und spiegelt diese nicht nur wider, sondern nimmt auch zukünftige Entwicklungen vorweg.

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