Regie: Wolfgang Fischer

Spätsommer, Bretagne: Der 17-jährige Anton (Ludwig Trepte) reist mit seiner Mutter Luzia (Bibiana Beglau) und deren Liebhaber Paul (Andreas Patton) in ein Ferienhaus am Atlantik. In der zerklüfteten Landschaft begegnet er Katja (Alice Dwyer) und David (Frederick Lau). Im Gegensatz zu Anton ist David wild und ungestüm, er scheint vor nichts Angst zu haben. Er eröffnet Anton eine verstörende und zugleich faszinierende Welt ohne Regeln.

Zu Katja fühlt sich Anton vom ersten Moment an hingezogen und spürt, dass sie in ihrer Verlorenheit etwas mit ihm gemein hat. Die Begegnung zieht Anton zunehmend in einen Strudel emotionaler Verwirrung – zwischen sexuellem Erwachen, subtiler Verführung und befremdender Gewalt. Sowohl Luzias als auch Pauls Bemühungen, sich Anton zu nähern, scheitern. Nach einer alptraumhaften Odyssee durch die Abgründe seiner eigenen Seele findet sich Anton in einer erschreckenden Realität wieder.

Extras

Bonus: Kinotrailer, Interviews mit Bibiana Beglau und Ludwig Trepte
Im DVD-Rom-Teil: Begründung der FBW-Jury (Prädikat wertvoll)

Inhaltsübersicht

Ankunft
David
Katja
Antons Geheimnis
Verlangen
Der Hund
Kein Traum

Credits

Buch: Wolfgang Fischer
Darsteller: Ludwig Trepte, Frederick Lau, Alice Dwyer, Bibiana Beglau
Kamera: Martin Gschlacht
Musik: Wilhelm Stegmeier
Regie: Wolfgang Fischer
Schnitt: Isabel Meier

Koproduktion: STALKERFILM, WDR, ARTE
Produktion: LICHTBLICK FILM
Produktionsland: D/A
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Wolfgang Fischer gelang mit seinem Spielfilm-Debüt ein Film dunkler und rätselhafter Momente mit eindringlicher Atmosphäre, perfekten Sets und guter Schauspielführung.« Aachener Zeitung

»Ein beeindruckendes Sommerspiel« FAZ

»Einer der spannendsten deutschen Filme der letzten Jahre« KÖLNISCHE RUNDSCHAU

»Imposanter Psycho-Thriller« VARIETY

»Professionelles Genre-Kino… man kommt nur ganz langsam den Geheimnissen auf die Spur, deren kunstvoll verzögerte, dabei höchst elegante Aufdeckung diesen Thriller zu einem kleinen Meisterwerk macht« SPIEGEL ONLINE

»„Was Du nicht siehst“ ist mit Ludwig Trepte, Frederick Lau, Alice Dwyer und Bibiana Beglau herausragend besetzt. Das Spielfilmdebüt von Wolfgang Fischer erzählt eine verstörende Geschichte, wobei die Einbeziehung der Landschaft, der französischen Atlantikküste, einen magischen Realismus entstehen lässt.« Stuttgarter Zeitung

»Ein lobenswerter, konsequent umgesetzter Ansatz auf einer ungewöhnlichen Ebene….. Ein gelungenes Konzept höchst eindringlich von einer glänzenden Kamera umgesetzt.« FILMBEWERTUNGSSTELLE

»Ein Gefühlsthriller, der zum heimlichen Höhepunkt der Filmtage wurde… Fischer zeigt großes Talent für Bilder, der Regisseur, der bestimmt noch mehr von sich reden machen wird.« KÖLNER STADTANZEIGER

Auszeichnungen

Prädikat wertvoll
Festivaltermine:
Canada August 2009 (Montréal Film Festival)
Germany 30 October 2009 (Hofer Filmtage)
Sweden January 2010 (Göteborg International Film Festival)
USA January 2010 (Palm Springs International Film Festival)
Netherlands 2 February 2010 (International Film Festival Rotterdam)

FSK: 12

Länge: 89
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo, Dolby Surround
Sprache: Deutsch
Untertitel: dt. (teilw.), engl., französisch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Spielfilm
Genre: Thriller

Eingepasst in die bebaute Landschaft / Zufluchtsstätten / Erhabene Ikonen / Tradition und Moderne Regie: Werner Köhne

Die achtteilige ARTE-REIHE »Spirituelle Räume« widmet sich herausragenden Beispielen der modernen Kirchenarchitektur, gebaut von weltbekannten Architekten, unter ihnen Peter Zumthor, Richard Meyer und Meinhardt von Gerkan.

Architektur, die Spiritualität und Transzendenz freisetzen will, hat eine schwierige Aufgabe; ausgehend von den religiösen Traditionen muss sie neue Impulse setzen, die das oftmals verschüttete Bedürfnis der Menschen nach Erhebung über den Alltag wieder wecken – und dies mit den Mitteln einer Architektur, die modern ist und eigenwillig.

Autor Werner Koehne stellt Sakralbauten vor, die sich als Kompoisitonen aus Körper, Raum und Licht zu erkennen geben. Der Besucher – selbst als Nichtgläubige – erfährt hier Urbanität, Zuflucht, Erhabenheit und Religion auf neue unverbrauchte Weise.

Inhaltsübersicht

Spirituelle Bauten: Tradition und Moderne
1. Die Jubiläumskirche in Rom (Architekt: Richard Meyer)
2. Die Neue Synagoge in Dresden (Architekten: Andrea Wandel; Andreas Hoefer; Wolfgang Lorch)

Spirituelle Bauten: Erhabene Ikonen
1. Herz-Jesu-Kirche in München (Architekten: Markus Alman; Amandus Sattler; Ludwig Babler)
2. Christus Pavillon in Volkenroda (Architekt: Meinhard von Gerkan)

Spirituelle Bauten: Zufluchtsstätten
1. Die Bruder-Klaus-Kapelle in Mechernich (Architekt: Peter Zumthor)
2. Das Haus-der-Stille in Meschede (Architekt: Peter Kulka)

Spirituelle Bauten: Eingepasst in die bebaute Landschaft
1. Christus – Hoffnung der Welt in Wien (Architekt: Heinz Tesar)
2. Neue Synagoge in Mainz (Architekt: Manuel Herz)

Credits

Architekten: Richard Meyer, Peter Zumthor, Meinhardt von Gerkan, Peter Kulka, Heinz Tesar, Manuel Herz, Amandus Sattler
Kamera: Maximilian Lip
Komponist: Martin Gerke
Regie: Werner Köhne
Schnitt: Daniel Probst
Ton: Lothar Niehaus

Produktion: Thorsten Neumann, Ulli Pfau
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2011

Pressestimmen

»Jeder Architekt will einmal in seinem Leben eine Kirche bauen.« (Amandus Sattler, Architekt)

FSK: o.A.
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 4x 26 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Jacques Deschamps, Elisabeth Kapnist, Alain Jaubert

Zum 100. Todestag eines der »Väter« der Moderne nähern sich drei Dokumentarfilme dem Menschen, dem Künstler, dem Mythos Paul Cézanne.

CÉZANNE – DER MALER
Ein Film von Elisabeth Kapnist
Die Geschichte einer Passion und einer lebenslangen künstlerischen Suche: Der Maler Cézanne, seine Kindheit, die Freundschaft mit Zola und seine Begegnung mit dem Impressionismus. Mit seiner Malerei eröffnete er ganz neue Perspektiven: »Cézanne ist unser aller Vater«, sagte Picasso über ihn.
Farbe, 26 Min., Format: 4:3, © 2000 Lapsus/France 5/RMN

DER TRIUMPH CÉZANNES
Ein Film von Jacques Deschamps
Deschamps nimmt den 100. Todestag Cézannes im Oktober 2006 zum Anlass, dem Entstehen einer Legende nachzuspüren. Wie so mancher bedeutende Künstler und Neuerer vor ihm stieß Cézanne mit seinen Werken zunächst auf Ablehnung und Unverständnis, bevor er in den Olymp der Kunstgeschichte und des internationalen Kunstmarkts aufsteigen durfte. Die Geschichte einer Anerkennung.
Farbe, 52 Min., Format: 16:9, © 2006 Les Poissons Volants/ARTE France

DIE GEWALT DES MOTIVS
Ein Film von Alain Jaubert
Ein Berg in der Nähe seiner Heimatstadt Aix-en-Provence wird zu Cézannes Hauptmotiv. Über 80-mal zeigt er »La montagne Sainte-Victoire« aus verschiedenen Perspektiven, zu verschiedenen Jahreszeiten.
Das Motiv wird zu einer Obsession, der Jaubert mit seinem Film auf den Grund geht.
Farbe, 30 Min., Format: 4:3, © 1995 ARTE France/Palette Productio

Credits

Regie: Jacques Deschamps, Elisabeth Kapnist, Alain Jaubert
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Paul Cézanne

Produktionsland: F -
Produktionsjahr: 1995-2006

Pressestimmen

»Deschamps führt den Zuschauer durch das Atelier des Meisters, verzichtet allerdings dankenswerterweise darauf, Cézanne durch einen Schauspieler “spielen” zu lassen.« Die Tagespost

FSK: o.A.
Länge: 108
Bild: NTSC, 4:3 und 16:9
Ton: Dolby Digital 2.0 und 1.0
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Die neue deutsche Objektivität / Die surrealistische Fotografie / Die inszenierte Fotografie / Fotografie als Kunst 1850–1860 Filmreihe: Stan Neumann, Alain Nahum Idee: Luciano Rigolini

Die großen Strömungen in der Fotografie
Nach einer Idee von Luciano Rigolini

Unlängst wurde ein Foto von Andreas Gursky für $ 3.300.000 verkauft. Die Fotografie ist seit langem im Kunstmarkt angekommen. Ihr jahrzehntelanger Kampf um die Anerkennung als Kunstform schildert eine neue, auf 12 Teile angelegte ARTE-Reihe mit ausgewählten Themenschwerpunkten.

Angefangen bei den Pionieren in der Mitte des 19. Jahrhunderts, die alle Möglichkeiten der kreativen Fotografie und ihre Beziehung zur Wirklichkeit erforschten, über die Surrealisten bis zur neuen deutschen Sachlichkeit von Bernd und Hilla Becher und ihrer Schüler Gursky, Struth oder Ruff werden exemplarische Fotoarbeiten vorgestellt: ihre jeweiligen Geschichten und das Geheimnis ihrer Entstehung.

Von der Sinnlichkeit kleiner Daguerreotypien bis zu den großformatigen, digital bearbeiteten Fotoabzügen der Gegenwart entsteht das Panorama einer eigenständigen Kunstform.

Die neue deutsche Objektivität
Die surrealistische Fotografie
Die inszenierte Fotografie
Fotografie als Kunst 1850–1860

Inhaltsübersicht

Die neue deutsche Objektivität
Die surrealistische Fotografie
Die inszenierte Fotografie
Fotografie als Kunst 1850–1860

Credits

Filmreihe: Stan Neumann, Alain Nahum
Idee: Luciano Rigolini

Produktionsland: F

Pressestimmen

»Mit Hilfe von Animationstechniken untersucht Regisseur Stan Neumann die Fotografien. Jedes gezeigte Foto wird wieder zu einer Geschichte, fast wie ein kleines fotografisches Drama, von dem das fertige Bild nur den letzten Akt darstellt. Der Zuschauer wird so »von innen« heraus an technische Aspekte wie Kadrieren, Beleuchtung oder Fotomontageverfahren herangeführt.« CINEARTE

»Keine 180 Jahre später wird ein Foto von Andreas Gursky für 3.300.000 US-Dollar verkauft, ist die Fotografie endgültig im Kunstmarkt angekommen.Ihren jahrzehntelangen Kampf um Anerkennung schildert Photo, eine sehenswerte, auf zwölf Teile angelegte Arte-Reihe mit ausgewählten Themenschwerpunkten, beginnend bei der Sinnlichkeit kleiner Daguerreotypien bis hin zu den großformatigen, digital bearbeiteten Fotoabzügen der Gegenwart – ein hochspannendes Panorama einer mittlerweile eigenständigen Kunstform.«
Cinearte, Dezember 2012.

FSK: Infoprogramm

Länge: 4x 26 Min.
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo Digital
Sprache: Deutsch, Französisch
Regionalcode: RC2

Rubrik: Dokument

Regie: François Lévy-Kuentz

Die Arbeit des niederländischen Malers Piet Mondrian (1872−1944) markiert einen Wendepunkt in der Geschichte der modernen Malerei. Ursprünglich vom Expressionismus und Kubismus beeinflusst, entwickelte Mondrian in den frühen 1920er Jahren eine eigenständig-universelle Sprache der geometrischen Formen und Primärfarben. Mit Kandinsky und Malewitsch gilt er als Gründervater der malerischen Abstraktion, die in ihrer Innovation die Kunst des 20. Jahrhunderts maßgeblich beeinflusste.

Gefilmt in der detailgetreuen Nachbildung seines Pariser Ateliers, erweckt diese Dokumentation Mondrians Leben und Wirken wieder zum Leben: seine Leidenschaft für Jazz und Tanz, seinen künstlerischen Weg von den frühen gegenständlichen Arbeiten über die De Stijl-Bewegung bis zu seiner Abreise nach New York, wo er 1944 starb.

Inhaltsübersicht

1. Einführung
2. Kindheit und existentielle Krise
3. 1912 − Paris
4. 1917 − De Stijl
5. 1920 − Der Neoplastizismus
6. Arbeit und Inspiration
7. Michel Seuphor, der Freund
8. Freude und Enttäuschung
9. Der Traum von Amerika
10. New York
11. Späte Anerkennung

Credits

Regie: François Lévy-Kuentz

Produktion: Centre Pompidou, Cinétévé, EMS Films, AVRO, Ina, ARTE France
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2010

Pressestimmen

»Noch nie gab es einen klügeren, unterhaltsameren, also besseren Film über einen Künstler. Und zwar in optischer und musikalischer Hinsicht. Herrlich der fetzige Jazz, den Mondrian so mochte; toll sein rekonstruiertes Atelier, ein dreidimensionales Werk von ihm und erläuternd dazu die alten Aufnahmen von Paris bis New York. Begeisterung!« Simone Dattenberger, Münchner Merkur, 28. Juli 2011

»Im Atelier von Mondrian begeistert als fiktionalisierte Dokumentation, die den Jahrhundertkünstler lebendig werden lässt.« B5 Kulturnachrichten

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,
FSK: Infoprogramm

Länge: 52
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

1 Befriedigung und Spass 2 Liebe und Moral Regie: Sylvain Desmille

Vom Recht auf Genuss zur Neuerfindung der Liebe, von den ersten Sex Reports über die freie Liebe der 68er, den Pillen Knick, AIDS und seinen Folgen bis zu den Emanzipationsbewegungen…

Die Veröffentlichung des Kinsey Reports im Jahr 1948 – Das sexuelle Verhalten des Mannes – löste einen tiefgreifenden Wandel in den westlichen Gesellschaften aus. Die Geschlechterrollen wurden neu gedacht und gelebt, im Sexualverhalten dominierte fortan das Recht auf Genuss. Bikini und Minirock, langes Haar für Jungen, Flirten, selbstbestimmte Verhütung und experimentelle Vergnügen führten zu einer hedonistischen Revolution.

Dieser gewandelten Moralvorstellung folgte der Gesetzgeber, entkriminalisierte die Homosexualität wie den Schwangerschaftsabbruch, führt den Kampf gegen diskriminierende Strukturen bis heute fort. Die Revolution ist nicht nur eine sexuelle sondern auch eine gesellschaftliche, die die Beziehung zwischen Männern und Frauen und anderen neu definiert, die Liebe somit neu erfindet in Zeiten von #Me Too und Gender-Diskussionen.

Im Jahr 1948 erschien in den USA der erste Teil des Kinsey-Reports, eine Untersuchung des US-amerikanischen Zoologen und Sexualforschers Alfred Kinsey über das Sexualverhalten amerikanischer Männer. Kinseys Forschungsergebnisse sorgten für großes Aufsehen in der Öffentlichkeit. Zu seinen Schlussfolgerungen zählten unter anderem, dass etwa die Hälfte der Bevölkerung bisexuell sei. Die Generation der Babyboomer trieb die Liberalisierung der Sittlichkeit und der Sprache ebenso voran wie die Lockerung äußerlicher Konventionen: In den Jahren 1948 bis 1968 wurden Bikinis und Miniröcke populär, und Männer ließen ihre Haare wachsen. Die heranwachsende Generation drängte nach Befreiung, Aufbruch und Selbstbestimmung. Die Entwicklung der Antibabypille half das „Recht auf Lustbefriedigung“ durchzusetzen, das zu einem tiefgreifenden Wandel der gesellschaftlichen Werte und Normen führte. „Lustvolle Befreiung – Befriedigung und Spaß“ zeichnet den Verlauf der ersten sexuellen Revolution nach: Von 1948 bis 1968 gab es unterschiedlichste Bewegungen, welche die herrschende Sexualmoral als Herrschafts- und Unterdrückungsinstrument eines autoritären Systems bekämpften.

In Berlin durchbricht die Kommune 1 die Strukturen der Kleinfamilie und propagiert die freie Liebe – sie wird weltweit Vorbild für ein neues Lebensmodell. Der Soziologe, Psychologe und Sexualforscher Wilhelm Reich verbindet in seinem Werk „Die Sexualität im Kulturkampf“ die sexuelle Revolution mit marxistischen Theorien und kritisiert darin die verlogene Sexualmoral seiner Zeit. Nach Reich bringt eine Befreiung der Sexualität auch eine friedliche Veränderung der Gesellschaft mit sich. Ab Ende der 60er Jahre schlug sich die sexuelle Revolution in konkreten gesellschaftlichen und rechtlichen Veränderungen nieder. Neue Gesetze sollen für mehr Gleichheit und weniger Diskriminierung sorgen. Sexualkunde wurde im Unterricht eingeführt, die Öffentlichkeit sexualisiert sich zunehmend durch die Verbreitung der Pornografie. Dabei kam es zu Synergien zwischen den verschiedenen Akteuren der sexuellen Revolution: Die feministischen Forderungen nach Aufhebung des Abtreibungsverbots und die ersten Kämpfe für die Entkriminalisierung der Homosexualität beschleunigten den Prozess der Emanzipation. Ab den 80er Jahren rückte das neue neoliberale Gesellschaftsmodell in den Mittelpunkt der politischen Auseinandersetzungen, und die sexuelle Revolution war ein echter Indikator dieser gesellschaftspolitischen Entwicklung. Die politische Debatte zwischen der Linken und der Rechten, zwischen Kapitalisten und Antikapitalisten wird nun zwischen liberalen und ultrakonservativen Kräften geführt. Der Kampf um die sexuelle Befreiung scheint auch im 21. Jahrhundert noch nicht zu Ende zu sein. Auch wenn sich traditionelle Geschlechterzuschreibungen immer mehr auflösen, noch immer müssen Homosexuelle, Transsexuelle oder auch Sexarbeiterinnen weltweit um ihre Rechte kämpfen.

Inhaltsübersicht

1 Befriedigung und Spaß

1 Wann begann die sexuelle Revolution?
2 Der Kinsey Report
3 Bikini & Beat Generation
4 Ende der Zensur
5 „Schwedische Sünde“
6 Der Flirt
7 Minirock & lange Haare
8 Die Antibabypille

2 Liebe und Moral

1 Linke Sexualität
2 Gleichberechtigung
3 Orgasmus lernen
4 Pornographie
5 Abtreibungsverbot
6 Schwule Identität & Aids
7 Liberalität & Sex
8 Die sexuelle Revolution heute

Credits

Regie: Sylvain Desmille

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2018

Pressestimmen

“Der Film zieht den Betrachter hinein in diese Zeit voller Experimente, Irrtümer und Aufbegehren. Deutlich wird: Die sexuelle war auch eine gesellschaftliche Revolution.” Damals

FSK: Infoprogramm

Länge: 104
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Claudius Gehr

Internationale Kuratoren halten ihn für einen zukünftigen Klassiker des 21. Jahrhunderts, einen Brückenbauer zwischen Moderne und Postmoderne: Jürgen Mayer-Hermann, der mit 45 Jahren bereits prominent im New Yorker Museum of Modern Art vertreten ist.

Der Film von Claudius Gehr beleuchtet die Arbeit der J. MAYER H. Architekten. 1996 von Jürgen Mayer H. in Berlin gegründet, arbeitet das Büro an den Schnittstellen von Architektur, Kommunikationsdesign und Neuen Technologien. Dabei spielt der Einsatz interaktiver Medien und responsiver Materialien eine zentrale Rolle bei der Produktion von Raum. Aktuelle Projekte sind der Neubau einer Mensa der Hochschulen Karlsruhe, die Villa Dupli.Casa nahe Ludwigsburg, Metropol Parasol – die Neugestaltung der Plaza de la Encarnacion in Sevilla, das Bürohaus AdA1 in Hamburg und die Erweiterung des Wissenschaftsparks Danfoss Universe in Nordborg, Dänemark. In kooperativen Teams wird, von Installationen bis zu städtebaulichen Entwürfen und internationalen Wettbewerben, multidisziplinäre Raumforschung zum Verhältnis von Körper, Natur und Technologie erarbeitet und realisiert.

Im Mittelpunkt des Films steht der gigantische, skulpturale Neubau «Metropol Parasol» in Sevilla, sein bislang größtes Bauwerk. Zugleich wird die Arbeit des Berliners als Gesamtschau vorgestellt anhand von Beispielen aus Architektur, Produktdesign, Grafik und Kunst.

Extras

Interview mit J. Mayer H. (3 Min.), Flug über »Metropol Parasol« (0:45 Min.)

Inhaltsübersicht

-Einleitung
-Georgien
-Metropol Parasol
-Georgien 2
-Metropol Parasol 2
-Kunst
-Stadthaus
-J. Mayer H. – das Büro
-Architekur
-Interior und Sitzmöbel
-Über Oberflächen
-Die Studienjahre
-MoMA
-Architektur 2
-Metropol Parasol (Wettbewerb/Einweihung)
-Epilog

Credits

Kamera: Daniel Egenolf, Gus Lichtenberg, Anne Petry
Mitwirkende: Jürgen Mayer-Hermann
Regie: Claudius Gehr
Weitere Ergebnisse der Personensuche: J. Mayer H.

Produktion: planetfilm, ARTE
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2012

Pressestimmen

»Mir fällt weltweit kein anderer Architekt und Designer seiner Generation ein, dessen Werk ähnlich ausführlich bei uns repräsentiert ist,« Barry Bergdoll, Chef-Kurator Design und Architektur, Museum of Modern Art, New York

»Nicht mit den gewohnten Kriterien zu beschreiben!« FAZ

,FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: nur D, A

Länge: 60
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dotkumen
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Romain Goupil, Jean-Paul Fargier, Alain Jaubert

GUSTAVE COURBET, DIE URSPRÜNGE SEINER WELT
Ein Film von Romain Goupil
Diese Dokumentation spannt den Bogen von Courbets großem Genrebild »Ein Begräbnis in Ornans« bis zu seinem wohl bekanntesten Gemälde »Der Ursprung der Welt«. Sie beleuchtet die Auseinandersetzungen mit seinen Feinden und Neidern ebenso wie sein Engagement in der Pariser Kommune. Dabei stellt das filmische Porträt den »Maler des Wahren« in den Mittelpunkt, den Künstler, der mit den ästhetischen Regeln seiner Epoche brach und die Kunst von der ihr zugewiesenen Rolle befreite.
Farbe, 52 Min., 16:9, © 2007 Les Poissons Volants, ARTE France, RMN

DER URSPRUNG DER WELT
Ein Film von Jean-Paul Fargier
1866 malte Gustave Courbet das »nackteste Nacktbild« der Kunstgeschichte, »Der Ursprung der Welt«: Die weibliche Genitalregion im Zentrum des Bildes schockierte den Kunstbetrieb bis ins Mark, das Bild verschwand für lange Jahre aus den Augen der Öffentlichkeit. 1995 wurde es in die Sammlung des Pariser Musée d‘Orsay aufgenommen.
Farbe, 26 Min., 4:3, © 1996 Musée d’Orsay, Ex Nihilo, ARTE France, RMN

DER PLATZ DES TODES
Ein Film von Alain Jaubert
»Ein Begräbnis in Ornans« wird 1851 im Pariser Salon ausgestellt und als Skandal empfunden: Auf dem sieben Meter langen Gemälde sind ganz gewöhnliche Leute zu sehen – derartige Dimensionen waren normalerweise der Historienmalerei vorbehalten. Courbets »Realismus« entfaltet eine neue Art, den Betrachter zu einer subtilen Selbstwahrnehmung zu bringen, und ist eine metaphysische Erfahrung für Augen und Sinne.
Farbe, 30 Min., 4:3, © 1996 Musée d’Orsay, ARTE France, Palette Production

Extras

Hinter den Kulissen einer Ausstellung. Dokumentation über den Transport eines monumentalen Gemäldes (7 Min.)

Inhaltsübersicht

GUSTAVE COURBET, DIE URSPRÜNGE SEINER WELT
1. Besançon: Die Jahre im Collège (1837)
2. Paris: Die Lehrjahre (1839)
3. Die Anerkennung (1948)
4. Der Ikonoklast (1850)
5. Paris. Der Skandal und der Mäzen (1852)
6. Montpellier (1854)
7. Ornans: Das Atelier (1854)
8. Der Maler der Natur
9. Der Maler der Frauen
10. Paris: Briefe an Proudhon (1863)
11. Auszeichnungen (1869–1870)
12. Die Kommune (1970)
13. Das Gefängnis Sainte Pélagie (1871)
14. Das Exil (1872)

Credits

Regie: Romain Goupil, Jean-Paul Fargier, Alain Jaubert

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2007, 1996

Pressestimmen

»Fans der Malerei freuen sich über DVD-Neuerscheinungen, die Leben und Werk von Ausnahmekünstlern beleuchten. Parallel zur großen Courbet-Ausstellung in Frankfurt/M. erläutert eine Arte-Edition die Geschichte von zwei besonders berühmten und skandalträchtigen Gemälden des Meisters.« Deutsches Ärzteblatt

»In einem amüsanten Parforceritt beleuchtet Romain Goupil mit Gustave Courbet – Die Ursprünge seiner Welt in 52 Minuten Courbets Leben und Gedankengut, sein Schaffen sowie dessen Wirkung in seiner Zeit. »Die Kunst muß zu Ausschweifungen verführt werden.« Das ist brillant gemachtes, lehrbuchreifes Infotainment und rechtfertigt allein schon den Erwerb dieser DVD. Nicht nur, weil es kurzweilig, unterhaltsam und informativ zugleich ist. Sondern: weil sich mit jeder Minute der Eindruck verstärkt, daß Goupil mit dieser seiner Art der Inszenierung selbst den schnellen, fordernden Geist Courbets uns auf den Bildschirm zu transportieren vermag. … Eine insgesamt sehr gelungene Zusammenstellung.« Karsten Rohrbeck, Schnitt

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 108
Bild: NTSC, Farbe, 16:9, 4:3
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch, Französisch, Englisch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

1. Wenn Paviane Hunde adoptieren 2. Wo der Wolf angelt 3. Schimpansen erobern die Savanne 4. Straßenhunde in Moskau Regie: Jean-François Barthod, Frédéric Febvre, Luc Riolon

Die Evolution ist kein abgeschlossener Prozess, vielmehr entwickelt sich die Natur stets weiter. An vier Tierarten auf vier Kontinenten lassen sich einige der beeindruckendsten Evolutionssprünge und erstaunliche, neu erlernte Verhaltensweisen beobachten:

In Saudi-Arabien entführen Paviane Hunde Welpen und ziehen sie auf – als Wärter und zur Beschaffung von Nahrungsmitteln. In Kanada entdecken Wölfe das kühle Nass und lernen zu schwimmen und Lachse zu fangen. Im Senegal verlassen Schimpansen ihre schützenden Wälder, siedeln sich in den Höhlen der Savanne an und bauen erstmals Jagdwaffen. Die Straßenhunde in Moskau entwickeln sich zweigleisig: entweder sie passen sich der menschlichen Zivilisation bestmöglich an oder sie gehen – wie ihre Vorfahren – zurück in die Wildnis, ähneln zunehmend den Wölfen.

Naturforscher, Wissenschaftler und Tierfilmer zeigen Schlüsselmomente der Naturgeschichte …

Die Welt, wie sie heute ist, wird häufig als der Endpunkt einer langen Entwicklung betrachtet. Viele Menschen sind so davon besessen, die Gegenwart festzuhalten, dass ihnen die Natur als etwas Starres erscheint. Dabei entwickelt sich die Natur immer weiter. Trotz – oder gerade wegen – der Gefahren für das ökologische Gleichgewicht passen sich die Tiere immer weiter den sich wandelnden Gegebenheiten an. Und das geschieht auch heute. Diese Anpassung erfolgt über natürliche Selektion und ist genbedingt. Aber auch die Intelligenz der Lebewesen, ihre Flexibilität und die volle Ausschöpfung ihres Potenzials, wenn sie mit neuen Situationen konfrontiert werden, spielen eine Rolle. Ausgehend von ihrem jeweiligen Erbgut lernen die Lebewesen dazu und entwickeln sich weiter – und dies mitunter auf erstaunliche Weise. Vier eindrucksvolle Beispiele:

Wenn Paviane Hunde adoptieren
Regie Jean-François Barthod
Die Dokumentation gibt ungewöhnliche Einblicke in das Leben der Paviane und zeigt erstaunliche Verhaltensweisen, denn sie machen gerade eine beeindruckende Entwicklung durch. Im Süden der Arabischen Halbinsel haben Paviane angefangen, Hundewelpen zu entführen und großzuziehen – ist dieses Naturexperiment gleichzusetzen mit der Zähmung des Wolfes durch den Menschen? Nun eben der Hund durch den Affen? Und wie wirkt sich dieses Verhalten auf die beiden Tierarten aus?
Diese neue Beziehung zwischen Pavianen und Hunden wirft Fragen auf, mit denen sich Biologen seit langem beschäftigen und die Schlussfolgerungen auf die Geschichte des Menschen zulassen. Wie zähmt man andere Lebewesen? Kann man in diesem Fall von einer Art Adoption sprechen? Oder handelt es sich lediglich um eine Art Kooperation unterschiedlicher Tierarten? Der Tierfilm-Experte Jean-François Barthod hat bei einem Dreh in Saudi-Arabien miterlebt, wie Paviane Welpen entführten und zeigt auf anschauliche Weise, wie verschiedene arabische Paviangruppen, besonders in der Nähe der Stadt Taif, dabei vorgehen und wie die Hundewelpen darauf reagieren.

Schimpansen erobern die Savanne
Regie Jean-François Barthod
Die Dokumentation gibt ungewöhnliche Einblicke in das Leben der Schimpansen und zeigt erstaunliche Verhaltensweisen, denn sie machen gerade eine beeindruckende Entwicklung durch. Mehrere Affengruppen aus Mali und dem Senegal haben den Wald hinter sich gelassen und sind in die Savanne gezogen. Bei glühender Hitze suchen sie während der Mittagszeit in Höhlen Schutz und suchen das kühle Nass der Flüsse. Der außergewöhnliche, für ihre Gattung untypische Lebensraum schweißt sie zusammen und sie passen sich den neuen Umständen dieses weitläufigen, trockenen Gebiets an – bauen sogar Jagdwaffen. Im Vergleich zu ihren Artgenossen im Wald veränderte sich ihr Verhalten schon jetzt. Wie stark werden sie sich künftig an die Savanne anpassen?
Der Tierfilm-Experte Jean-François Barthod geht mit den Schimpansen auf Tuchfühlung und zeigt in Zusammenarbeit mit Dr. Jill Pruetz, Anthropologin und Primatenforscherin der Iowa State University und Leiterin einer Forschungsstation im Süden Senegals diese einzigartige Entwicklung und das Schimpansenleben in außergewöhnlicher Umgebung.

Wo der Wolf angelt
Regie Frédéric Febvre
Die Dokumentation gibt ungewöhnliche Einblicke in das Leben der Wölfe und zeigt erstaunliche Verhaltensweisen, denn sie machen gerade eine beeindruckende Entwicklung durch. Denn in Britisch-Kolumbien erobert der Wolf gerade das Wasser. Er angelt gewissermaßen, fängt Lachse und schwimmt. Nach Ansicht mehrerer Experten ist dies der erste Schritt zu seiner möglichen Verwandlung in ein Meeressäugetier. Doch bevor es durch natürliche Auslese vielleicht zu einer anatomischen Veränderung kommt, lässt sich bis dato eine intelligente und zweckgerichtete Anpassung des Lebensstils der Wölfe an ihre Umgebung beobachten. Sie scheinen ihre Umwelt und die ihnen gebotenen Überlebensstrategien bewusst wahrzunehmen und einzusetzen.
Der Tierfotograf Guillaume Mazille begleitet die Wölfe über mehrere Monate entlang der Küste durch Wald und Sumpf. Dier Dokumentation zeigt ihn auf seiner Spurenjagd mit der Kamera und im Gespräch mit Wissenschaftlern.

Straßenhunde in Moskau
Regie : Luc Riolon
Die streunenden Hunde in Russland stehen möglicherweise vor einem Wendepunkt ihrer Evolution. In den Großstädten und am Rand der Taiga passen sie sich immer mehr dem Menschen an. Anderswo führen sie wieder ein Leben in Wildnis und vermischen sich mit Wölfen. Dieses Verhalten lässt sich als Beispiel dafür nehmen, dass sich Tiere auch heute noch den wandelnden Gegebenheiten anpassen.
In Russland haben Biologen, die das Verhalten von streunenden Hunden untersuchen, beobachtet, dass einige der Hunde Verhaltensweisen wie ihre Vorfahren in der Wildnis an den Tag legen, insbesondere außerhalb der großen Städte und in den Grenzgebieten des Taiga-Walds. Je weiter man sich vom Stadtzentrum entfernt, desto stärker ähnelt das Verhalten der Hunde dem der Wölfe. Manchmal vermischen sie sich sogar. Innerhalb der Städte wiederum haben die Straßenhunde die Lebensweise der Menschen erkannt und nutzen sie zum eigenen Vorteil. Es scheint fast so, als hätten die Hunde ein Bewusstsein für ihre Umgebung und für das, was zum Überleben nötig ist. Wie die meisten Tiere sind auch die streunenden Hunde in Russland mit einem existenziellen Dilemma konfrontiert: Entweder sie meiden die menschliche Zivilisation, oder sie passen sich ihr bestmöglich an.

Inhaltsübersicht

Wenn Paviane Hunde adoptieren
1. Erforschung der Koexistenz
2. Ein Überangebot an Nahrung
3. Motive des Zusammenlebens
4. Gemeinsamer Schutz des Territoriums
5. Abspann

Wo der Wolf angelt
1. Wölfe in den Regenwäldern British Columbias
2. Bedeutung der Lachse im Ökosystem
3. Anpassung an maritime Nahrungsquellen
4. Bären bei der Lachsjagd
5. Abspann

Schimpansen erobern die Savanne
1. Schimpansen in der Savanne
2. Gesellschaftsstruktur der Schimpansen Gruppe
3. Herstellung und Nutzung von Jagdwerkzeug
4. Kampf in der Hierachie und um Lebensraum
5. Abspann

Strassenhunde in Moskau
1. Zwischen Wolf und Haushund
2. Wach- und Wildhunde
3. Jagdgründe und Ruheorte
4. »Wilde Sammler« und Hybridisierung mit Wölfen
5. Abspann

Credits

Regie: Jean-François Barthod, Frédéric Febvre, Luc Riolon

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2015-7

Pressestimmen

“Sehenswert für alle Tier-Interessierten. Sehr detailliert kann man hier etwas über den Mikrokosmos der Tiere kennenlernen und vielleicht Schlüsse ziehen auf eine weitere Entwicklung.” maschseeperlen.de

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: GAS

Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Dokumentiert von sowjetischen Kameramännern Regie: Veronique Lagoarde-Ségot

Die weltbekannten Filmaufnahmen von der Befreiung der Konzentrationslager waren lange die einzigen Dokumente, die der SHOAH im kollektiven Gedächtnis ein Gesicht gaben und den Horror ansatzweise greifbar machten. Doch was wissen wir von den drei Millionen Juden, die auf sowjetischem Boden von den sogenannten Einsatzgruppen aus Polizei und Waffen-SS ermordet wurden? Die Bilder, die bei der Öffnung der sowjetischen Archive rund 60 Jahre nach Kriegsende ans Licht kamen, enthüllen nun das ganze Ausmaß dieses Dramas. Zusammen mit deutschen, litauischen und ukrainischen Aufnahmen erzählen sie vom Holocaust jenseits der offiziellen Geschichtsschreibung und von diesem vergessenen Massenmord am jüdischen Volk.

Nach Unterzeichnung des Hitler-Stalin-Paktes 1939 hatte die UdSSR die baltischen Länder und den östlichen Teil Polens annektiert. In diesen Ländern und in der Ukraine werden sich die größten Massaker abspielen: Millionen sowjetischer Zivilisten werden ermordet und mit ihnen die ganze jüdische Bevölkerung. In den von der Wehrmacht eroberten Gebieten betreiben sogenannte Einsatzgruppen aus Polizei und Waffen-SS eine mörderische Jagd ohnegleichen. Ab 1941 wurden sowjetische Kameramänner an die Front geschickt, um das festzuhalten, was Stalin den „großen vaterländischen Krieg“ nannte. Ihre Bilder sollten das sowjetische Volk davon überzeugen, gemeinsam gegen den Nationalsozialismus zu kämpfen. Ununterbrochen und bis zum Kriegsende filmten diese Männer die Gräueltaten des Feindes – zur Bewahrung der nationalen Einheit wurde jedoch verschwiegen, dass die jüdische Bevölkerung zu den ersten Opfern der Besatzer gehörte. Im Gegensatz zu den Aufnahmen in Deutschland zeigt das unveröffentlichte Material eine andere Seite der Geschichte.

Extras

Als Bonusfilm ein einstündiger Beweisfilm der Anklage bei den Nürnberger Prozessen:
DIE VON DEN DEUTSCH-FASCHISTISCHEN INVASOREN IN DER UDSSR VERÜBTEN GRÄUELTATEN (UDSSR 1946, 60 Min.)

Inhaltsübersicht

Kapitel
1. Kunst im Dienst der Fahne
2. Aufnahmen der Vernichtung
3. Errichtung von Ghettos
4. Exhumierung der Massengräber
5. Massaker von Babi Jar
6. Abspann

Credits

Regie: Veronique Lagoarde-Ségot

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2015

Auszeichnungen

Best Director Award at the Jewish Film Festival

FSK: Info
Vertriebsgebiet: DACH

Originaltitel:
Shoah, les Oubliés de l'Histoire

Länge: 52
Bild: PAL, S/W, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Idee: Luciano Rigolini

Die Sammlung »Design« erzählt die Geschichte des 20. Jahrhunderts anhand von Industrieobjekten nach und verbindet die Kunst der Gestaltung mit ihrem soziologischen Kontext. Jedes Produkt hat seine jeweilige Epoche geprägt und spiegelt diese nicht nur wider, sondern nimmt auch zukünftige Entwicklungen vorweg.

Inhaltsübersicht

Die Folgen:
Das Bücherregal Bookworm Das von Ron Arad gestaltete Bücherbord Bookworm ist eines der wenigen Regale, dessen Gestaltungsprinzip auf biegsamen Formen und geschwungenen Linien aufbaut. Das emblematische Möbelstück des 20. Jahrhunderts wirft die Frage auf, welche Rolle Bücher und deren Aufbewahrung in unserem Leben spielen.

Die Concorde Forscher, Ingenieure, Designer und Ausstatter ließen sich 1967 auf ein außergewöhnliches industrielles Abenteuer ein und entwickelten die Concorde, die Passagieren das Reisen mit doppelter Schallgeschwindigkeit ermöglicht – in einem modernen, ästhetisch ansprechenden und luxuriösen Ambiente.

Die Kaffeemaschine Conica Aldo Rossi gestaltete die Kaffeemaschine Conica 1984 für Alessi als ein »Miniaturdenkmal « unserer häuslichen Landschaft. Schluss mit dem billigen Nachkriegsaluminium und der achteckigen Form der klassischen italienischen Kaffeekanne: Conica ist ein spiegelglatter, zylindrischer Turm aus rostfreiem Stahl.

Die Leica Die 1914 erdachte Leica ist das langlebigste aller Designobjekte. Sie ist nicht nur ein wunderbar innovatives Produkt, sondern trug seinerzeit einen bedeutenden Teil zur Entstehung des Fotojournalismus als einer radikal neuen Sichtweise auf die Welt bei.

Der Lounge-Chair Berühmt wurde er durch Billy Wilder: 1956 von den Eheleuten Charles und Ray Eames erfunden, wurde der Lounge Chair das Symbol der boomenden Wirtschaft der 1950er Jahre und stand zugleich für das Streben nach Komfort und Entspannung. Bis heute ist der Sessel niemals aus der Mode gekommen.

Die Vespa Sofort nach ihrer Einführung im Italien der Nachkriegszeit feierte die Vespa dort große Erfolge – sie war sicher, sparsam und die Italiener verliebten sich in ihre kurvenreiche Form. Die Vespa war stets mehr als ein Industrieprodukt; sie wurde zum Symbol der italienischen Erneuerung und das Kino machte sie sogar zum Star.

Credits

Idee: Luciano Rigolini
Weitere Ergebnisse der Personensuche: Heinz Peter Schwerfel

Produktion: ARTE France
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1999-2007

Pressestimmen

»Achtzehn Designklassiker stehen im Mittelpunkt der vorliegenden DVD-Sammlung. In einem jeweils 30-minütigen Spannungsbogen erzählen die Episoden von den zahlreichen Wegen, auf denen Material und Form zu einer untrennbaren Einheit verschmelzen. Archivaufnahmen und aktuelle Interviews mit den Designerpersönlichkeiten zeigen die Gesichter hinter den Objekten. Historisches Schwarzweißmaterial informiert über den soziokulturellen Kontext.
Klare und oberflächenverliebte Nahaufnahmen fangen die zeitlose Relevanz der Objekte ein.
Deren kultischer Verehrung entspricht der Aufwand, mit dem die ebenso kurzweiligen wie
makellosen Beiträge produziert wurden.«
Peter Popp, detail.de, 25.11.2009

»Eine schicke DVD für Gestaltungsfetischisten und andere Menschen, die auch mal kurz ohne Popcorn-Kino auskommen.« Schnuess, August 2009

FSK: Infoprogramm
Länge: 156
Bild: NTSC, Farbe + s/w, 4:3
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: RC 2

Rubrik: Dokument

Regie: Danielle Schirman, Anna-Célia Kendall, Heinz Peter Schwerfel Idee: Luciano Rigolini

Die Sammlung »Design« erzählt die Geschichte des 20. Jahrhunderts anhand von Industrieobjekten nach und verbindet die Kunst der Gestaltung mit ihrem soziologischen Kontext. Jedes Produkt hat seine jeweilige Epoche geprägt und spiegelt diese nicht nur wider, sondern nimmt auch zukünftige Entwicklungen vorweg.

Im Oktober 1955 war Citroën mit der damals sehr kühnen Konstruktion DS 19 (»Die Göttin«) der internationalen Konkurrenz gut zehn Jahre voraus.
Das Bubble Club Sofa besteht komplett aus Plastik und spielt virtuos mit unseren heutigen Vorstellungen, wie ein Sofa auszusehen hat.
Der BIC® Cristal® war der erste Einweg-Kugelschreiber und revolutionierte 1950 gängige Schreibgewohnheiten.
Für die Gestaltung der Akari-Lampe ließ sich Isamu Noguchi von traditionellen japanischen Laternen inspirieren.
In der Geschichte des Staubsaugers verbindet das Hoover-Modell »One-Fifty« erstmals eine ansprechende Form mit Funktionalität.
1998 schlug der bunte iMac wie eine Bombe auf dem von Beige und Grau dominierten Informationstechnologiemarkt ein.
Die Concorde ermöglichte Passagieren das Reisen mit doppelter Schallgeschwindigkeit – in einem modernen, ästhetisch ansprechenden und luxuriösen Ambiente.
Schluss mit dem billigen Nachkriegsaluminium und der achteckigen Form der klassischen italienischen Moka: Die Kaffeemaschine Conica ist spiegelglatt, zylindrisch und aus rostfreiem Stahl.
Die 1914 erdachte Leica trug einen bedeutenden Teil zur Entstehung des Fotojournalismus als einer radikal neuen Sichtweise auf die Welt bei.
Der Lounge-Chair ist das Symbol der boomenden Wirtschaft der 1950er Jahre und ist bis heute niemals aus der Mode gekommen.
Die Vespa war stets mehr als ein Industrieprodukt; sie wurde zum Symbol der italienischen Erneuerung und das Kino machte sie sogar zum Star.

Credits

Idee: Luciano Rigolini
Regie: Danielle Schirman, Anna-Célia Kendall, Heinz Peter Schwerfel

Produktion: ARTE France
Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1999-2007

Pressestimmen

“Wer sich seine Lieblinge angesehen hat, wird überrascht sein davon, dass auch die scheinbar uninteressanten Dinge, die Designer für die Bewältigung des Alltags schufen, Überraschendes bieten können.” Deutsche Bauzeitschrift

“Ohne Design wäre das Leben weniger schön!” Saarbrücker Zeitung

“Ein Genuss, nicht nur für Designfans.” Deutschlandfunk

FSK: Infoprogramm

Länge: 312
Bild: NTSC, Farbe+ s/w, 4:3
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: RC 2

Rubrik: Dokument

Regie: Nicolas Autheman

Henri Rousseau, auch der “Zöllner” genannt, begann um 1880 im Alter von 40 Jahren in Paris zu malen. Der Autodidakt war befreundet mit dem Poeten Apollinaire und den Malern Robert Delaunay und Pablo Picasso. Sie erkannten sein Genie, dennoch blieb seine Arbeit zu Lebzeiten unterbewertet. Doch mit seinen verrutschten Bildkompositionen und den tief traumhaften Objekten seiner Malerei hatte er entscheidenden Einfluss auf die moderne Kunst, vom Surrealismus bis zur abstrakten Kunst. Der Film erkundet das Geheimnis seiner Inspiration und die Vorbildfunktion eines Malers, dessen Leinwände viel weniger naiv sind als sie zu sein scheinen.

Die Dokumentation begibt sich auf die Spuren des Pariser Malers Henri Rousseau (1844-1910). In seinen Gemälden geht es meist um Träume, Fantasie und Kindheit. Auf originelle Weise beschäftigt sich die Dokumentation mit den Inspirationsquellen, der Arbeitsweise und dem weitreichenden Einfluss des Autodidakten auf die moderne Malerei.

Henri “Le Douanier” Rousseau (1844-1910) zählt zu den überraschendsten und zugleich am schwierigsten zu ergründenden Künstlern des späten 19. Jahrhunderts. Der große französische Maler war – wie sein Spitzname “der Zöllner” verrät – in Wirklichkeit ein einfacher Angestellter bei der Pariser Zoll- und Steuerbehörde. Dennoch hat der Autodidakt ein beachtliches künstlerisches Werk geschaffen: Für seine üppigen und kindlich wirkenden Dschungeldarstellungen ist er mittlerweile weltweit berühmt.

Die Dokumentation erkundet das wunderliche Leben und das vielgestaltige Werk Rousseaus, das im Paris des ausgehenden 19. Jahrhunderts entstand. Erstmals wird der Zusammenhang zwischen seinen Gemälden und der Entstehung der modernen Kunst aufgezeigt. Denn auch wenn Henri Rousseau bei den meisten seiner Zeitgenossen nur Hohn und Spott erntete, erkannten einige Avantgardisten wie Guillaume Apollinaire, Pablo Picasso und Robert Delaunay in seinen Bildern ungekannte Abstraktionsmöglichkeiten, die vom Surrealismus bis zum Kubismus reichen. Bis heute ist es ein Rätsel, wie ein einfacher Autodidakt diese modernen Entwicklungen vorausahnen konnte.

Auf originelle Weise – mit Anlehnungen an das Schattentheater und an die Urform des Kinos, die Laterna Magica, sowie mit zeitgenössischen Briefwechseln und traumhaften Filmsequenzen – begibt sich die Dokumentation Schritt für Schritt auf die Suche nach Hinweisen auf die Modernität des Malers.

Inhaltsübersicht

KAPITEL
Das „Geheimnis“ Rousseau
Paris an der Wende zum 20. Jahrhundert
Realistische Versuche des „Zöllners“
Erste Ausstellungen
Primitive Kunst
Inspirationsquellen
Rousseaus künstlerisches Vermächtnis
Dschungelträume
Armut und Hunger
Rousseaus Ausstrahlung

Credits

Regie: Nicolas Autheman

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2016

Pressestimmen

“Henri Rousseau wurde lange Zeit belächelt. Die Anatomie seiner Menschen und Tieren war nicht stimmig, auch mit der Perspektive nahm er es nicht immer genau. Erstaunlich ist nicht nur, dass er unbeirrt an sein Schicksal als Künstler glaubte, sondern auch dem Einfluss der ihn umgebenden Avantgarde immun gegenüber geblieben ist. Pablo Picasso, der ihn ebenfalls bewunderte, vertraute er eines Tages an: „Im Grunde genommen beschäftigen Sie sich mit dem ägyptischen Stil, während ich mich der Moderne widme.“” Focus

FSK: Infoprogramm

Originaltitel:
LE DOUANIER ROUSSEAU OU L’ÉCLOSION MODERNE

Länge: 52
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch Englisch Französisch
Untertitel: französische Untertitel
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Regie: Wilfried Hauke, Alexandra Hardorf

Mit der Comenius-EduMedia-Medaille ausgezeichnet!
Die Jury Begründung ausfüjhrlich unten unter “Auszeichnungen”.

Die sechs Folgen:
1 SPRUNG IN DIE FREIHEIT
2 SUCHE NACH DER WAHRHEIT
3 AUFBRUCH ZUR GLEICHHEIT
4 TRAUM VON GERECHTIGKEIT
5 MACHT UND VERANTWORTUNG
6 GLAUBE AN DIE ZUKUNFT

Mit:
Edward Snowden
Eva Illouz
Alexander Gerst
Jimmy Wales
Jochen Hörisch
Luciano Floridi
Hartmut Lehmann
u.v.a.m.

DER LUTHER-CODE schließt 500 Jahre Geistesgeschichte kurz, um zu verdeutlichen, dass auch die digitale Revolution auf einen humanistisch-reformatorischen Wertekanon zurückgreift, in dessen Zentrum Verantwortung und Nachhaltigkeit stehen. Auslöser: die Reformation.

Für die sechsteilige Dokumentation wurden Gen-Forscher, Flüchtlingshelfer, Internet-Journalisten, Autoren, Astrophysiker befragt – junge Zeitgenossen, die in naher Zukunft die Verantwortung für unsere Welt übernehmen müssen. In die Antworten montieren die Autoren inszenierte Porträts berühmter Personen der letzten 500 Jahre, die in ihrer Zeit die Welt neu erfunden haben: Jan Hus und Johannes Kepler; Leibniz, Lessing, Engels; Bertha von Suttner, Albert Einstein, Dietrich Bonhoeffer – und Martin Luther natürlich. Jede Folge widmet sich einem Jahrhundert der Neuzeit. Experten wie Jimmy Wales (Gründer Wikipedia), Edward Snowden, die Soziologen Eva Illouz und Jochen Hörisch, der Querdenker Luciano Floridi oder der Historiker Hartmut Lehmann konkretisieren die Bezüge zwischen Reformation und Moderne – und den großen Fragen nach Identität, Verantwortung und Zukunft unserer Tage.

Weltoffenheit, Meinungsstärke, Verantwortung – für viele Menschen kennzeichnen diese Werte eine moderne Gesellschaft. Kritik am grenzenlosen Kapitalismus, Sehnsucht nach Gerechtigkeit und Religionsfrieden – ist dieses Verlangen tatsächlich neu? Tatsächlich modern? Vor fünf Jahrhunderten stand ein Professor für all diese Werte mit seinem Namen ein: Martin Luther. Als Gelehrter, der Freude an der wissenschaftlichen Diskussion hatte, forderte er selbstbestimmte Freiheit in einer von Konflikten geprägten Gesellschaft. So wurde er mit seinen 95 Thesen ungewollt zum Revolutionär.

Wo finden sich Luthers Ideale in der heutigen Zeit wieder? Sind Emanzipation, Information im Takt des Social Media und der Streit um Internetdaten eine Reformation 3.0?

Die sechsteilige Dokumentationsreihe DER LUTHER-CODE zeigt Martin Luther in seinem Kampf gegen das Riesengeschäft mit Ablassbriefen und zieht Bilanz zwischen Luthers Idealen von damals und der Realität von heute – ein Blick zurück auf eine Zeit, in der ein jahrtausendaltes Weltbild zu Ende ging und unser Weltbild begann.

Mit seinen 95 Thesen hat Martin Luther vor 500 Jahren eine Erneuerung des Glaubens und eine Revolution des Wissens ausgelöst und das Tor in die Zukunft weit aufgestoßen. Unser heutiges Selbstverständnis und unser Bild von der Welt gründen ganz wesentlich auf den Folgen der Reformation und den Errungenschaften der Renaissance im 16. Jahrhundert. Die Moderne ist entstanden, weil der Mensch sich gefragt hat: “Wer bin ich eigentlich- und was ist meine Rolle in der Welt? Was kann ich tun – und an was soll ich glauben?”

Heute stehen wir Menschen erneut inmitten einer Zeitenwende. Globalisierung, digitale Revolution, politische und militärische Krisen, der Kampf um persönliche Freiheit und der Schutz des Privaten, haben die Menschen verunsichert. Wieder fragen wir uns, wie die Zukunft aussehen soll. Zwingen uns die Verhältnisse zu einer Neuerfindung der Welt?

Für die sechsteilige Dokumentation Der Luther-Code haben die Autoren Alexandra Hardorf und Wilfried Hauke Gen-Forscher, Flüchtlingshelfer, Internet-Journalisten, Autoren, Astrophysiker befragt – junge Zeitgenossen, die in naher Zukunft die Verantwortung für unsere Welt werden übernehmen müssen: An was glaubt ihr? Wie seht ihr eure Zukunft? Woraus schöpft ihr Mut, wovor habt ihr Angst? In die Antworten montieren die Autoren inszenierte Porträts berühmter Personen der letzten 500 Jahre, die in ihrer Zeit die Welt neu erfunden haben: Jan Hus und Johannes Kepler; Leibniz, Lessing, Engels; Bertha von Suttner, Albert Einstein, Dietrich Bonhoeffer – und Martin Luther natürlich.

So fragt Der Luther-Code: wie ist der moderne Mensch entstanden? Hat er das Rüstzeug, die Zukunft zu meistern? Oder brauchen wir eine zweite Reformation, eine weitere Neuerfindung der Welt? Jede Folge der sechsteiligen Reihe widmet sich einem Jahrhundert der Neuzeit. Experten wie Jimmy Wales (Gründer Wikipedia), die Soziologen Eva Illouz und Jochen Hörisch, der Querdenker Luciano Floridi oder der Historiker Hartmut Lehmann konkretisieren die Bezüge zwischen Reformation und Moderne – und den großen Fragen nach Identität, Verantwortung und Zukunft unserer Tage.

Die einzelnen Folgen
Folge 1: Sprung in die Freiheit
Die Entdeckungsreise beginnt im frühen 15. Jahrhundert. Der Mensch steht ganz unter dem Einfluss von Kirche und Gott. Die Entdeckung Amerikas und die Erfindung des Buchdrucks öffnen Horizonte: es kommt zum Urknall des freien Denkens. In die Geschichten von Jan Hus und Martin Luther, Johannes Gutenberg und Leonardo Da Vinci verweben sich Lebensgeschichten und Weltanschauungen von Zeitgenossen, die angetreten sind, heute die Welt neu zu gestalten: Carolina Costa (34) zum Beispiel, Pastorin aus Genf. Sie lebt und vertritt eine moderne, eine freche
Kirche, die Menschen unterschiedlicher Religionen eine Plattform bietet. Sie sagt: “Religion interessiert die Menschen. Man muss nur die richtige Form finden.” Im ersten Film der Reihe begegnen wir weiteren Protagonisten, die in späteren Folgen vorgestellt werden. Sie fragen: Wie haben wir unsere Freiheit gewonnen und was fangen wir heute sinnvoll mit ihr an? Was hilft mir, meine Ziele zu erreichen: der Glaube an mich selbst, an die Gemeinschaft oder gar an einen Gott?

Folge 2: Suche nach Wahrheit
Im 17. Jahrhundert wird die Gegenwart geboren: es gibt die ersten Massenmedien und globaler Handel beginnt. Mit der Entdeckung fester Planetenbahnen beginnt der Mensch, die Welt geistig und technologisch selbst zu bewegen. Und immer noch werden selbstbewusste Frauen als Hexen verbrannt. Wir tauchen ein in die Welt des Erfinders der Zeitung Johann Carolus, von Johannes
Kepler und der Kauffrau Anna Veltmans aus Lemgo, die auf dem Scheiterhaufen endet.
Der Wahrheit verpflichtet fühlen sich auch Caroline Dorn (30) und Pauline Tillmann (32). Tillmann ist Journalistin und versucht, mit ihrer Online-Plattform Themen nachhaltig auf den Grund zu gehen und Frauen in der Welt eine deutlichere Stimme zu geben. Caroline Dorn ist Astrophysikerin in Bern und forscht an Planeten außerhalb unseres Sonnensystem. Sie fragt: gibt es einen weiteren Ort in den Weiten des Alls, auf dem menschliches Leben möglich wäre? Was also ist Wahrheit und wer bestimmt über sie? Gibt es eine absolute Wahrheit jenseits von Ort und Zeit? Gibt es einen
Gott?

Folge 3: Aufbruch zur Gleichheit
Im 18. Jahrhundert öffnet sich der Horizont der Geschichte: der Mensch beginnt, sich als Gestalter der von Gott als „Beste aller möglichen Welten“ geschaffenen Erde zu sehen, notfalls auch mit einer Revolution. Die Regeln, mit denen man zu dieser besseren Welt gelangen kann, müssen die Menschen selber erfinden.
Folge 3 stellt die Lebens- und Gedankenwelt des Mathematikers und Erfinders Gottfried Wilhelm Leibniz, des Schriftstellers Gotthold Ephraim Lessing und der französischen Revolutionärin Marie Gouze /Olymp der Gouges vor und erzählt von der Hoffnung aufgeklärter Geister, den jahrhundertealten Streit mit anderen Religionen friedlich zu lösen. Van Bo Le-Mentzel (39) entwickelt Hartz-IV-Möbel zum Selbstbau. Letzten Sommer hat er in Berlin eine Open School gegründet, eine Schule im Freien, von Jedermann und für alle. Laurie Penny (30), Bloggerin und inzwischen weltbekannte Autorin feministischer Bücher, spricht über die Rolle der Frau im 21. Jahrhundert und über Unsagbare Dinge: Sex, Lügen und Revolution – so der Titel eines ihrer Bucherfolge. Die verbindenden Fragen sind: bringt Wissen die Freiheit? Was führt zur Gleichberechtigung der Geschlechter? Wem gehören meine Daten? Leitet die digitale Gegenwart eine Revolution der Bildung ein? Ist Wikipedia die Erfüllung vom “aufgeklärten“ Menschenbild des 18. Jahrhunderts?

Folge 4: Traum von Gerechtigkeit
Und weiter auf dem Weg in die Gegenwart: unsere Welt, wie wir sie heute kennen, entsteht zu großen Teilen im 19. Jahrhundert. Die Industrialisierung beschleunigt das Leben, Wissen ist breiten Schichten zugänglich, Nachrichten aus aller Welt erreichen die Leser. Die Erfindung der Fotografie führt zum Bild des Menschen als “Gesellschaftswesen”. Immer mehr Menschen leben in den rasant wachsenden Städten, die noch heute unsere Städte sind. Neue Formen der Ausbeutung und
Ungerechtigkeit entwickeln sich. Den Weg in die Moderne beschreiten in Folge 4 Paul Julius Reuter, Gründer der Nachrichtenagentur Reuters und der Sozialrevolutionär Friedrich Engels. David Diallo (35) aus Berlin ist als Internet-Unternehmer reich geworden. Das Geld haben er und sein Bruder in ein Online-Magazin investiert, das sich nachhaltigem Wirtschaften verschrieben hat: enorm wirbt für explizite Grenzen des Wachstums, für gute Nachrichten von mutigen Unternehmern, für Netzstrukturen und fairen Handel. Soweit ist Sheppard Pepper (23), ein Amerikaner an der Seine noch nicht. Er lebt den Traum eines modernen Bohemien und fotografiert die Straßen von Paris.
Verbindende Fragen: Was kann die Welt gerechter machen? Warum klaffen Anspruch und Wirklichkeit in Politik und Wirtschaft so weit auseinander? Bin ich selber engagiert genug? Wie können wir Wohlfahrt und Fürsorge zukünftig zum globalen Standard machen und die Natur vor weiterer Ausbeutung schützen?

Folge 5: Macht und Verantwortung
Seit 1900 ist die Welt rasantem Fortschritt ausgesetzt und ständig von neuen Formen des Krieges bedroht. Die Erfindung des Films und die Entdeckung des Unbewussten stellen den Menschen erneut vor die Frage nach dem Ich. Die Ideale von Freiheit und Würde des Menschen werden durch die Vernichtung der Juden in den Gaskammern deutscher Konzentrationslager zerstört. 1945 geht alles von vorne los: Computertechnologie, die Entwicklung des Internets und die Entschlüsselung des menschlichen Genoms führen am Ende des Jahrhunderts zu Fragen nach dem Kern des Humanen. Bertha von Suttner, Albert Einstein, Sigmund Freud und Dietrich Bonhoeffer sind
in Folge 5 die Protagonisten des 20. Jahrhunderts. Am Max Planck-Institut in Tübingen forscht Alexander Blässle (26) an Zebrafischen über die embryonale Entwicklung der Zellen, um damit einmal Krebs zu heilen. Ska Keller (34) ist Abgeordnete der Grünen in Brüssel und fordert eine gemeinsame
Lösung aller Staaten der EU in der Flüchtlingsfrage. Der iranisch-deutsche Rapper Fayzen (33) aus Hamburg stellt sich Fragen, die uns alle heute beschäftigen: Was ist Verantwortung, was ist Schuld? Was hält die Welt in ihrem Inneren zusammen, wenn neue Kriege und Katastrophen über uns hereinstürzen?

Folge 6: Glaube an die Zukunft
Wir sind in der Gegenwart angekommen. Wieder beginnt ein Jahrhundert mit einer schrecklichen Katastrophe. Am 11. September 2001 rasen zwei von Islamisten entführte Flugzeuge ins World Trade Center in New York und reißen fast 3000 Menschen in den Tod. In Sekundenschnelle gehen nun die Bilder von Katastrophen, Kriegsschauplätzen und Terroranschlägen um die Welt. Das 21. Jahrhundert wird zum Jahrhundert der digitalen Medien und ihrer Nutzer.
Folge 6 ist den Protagonisten aus der Jetzt-Zeit gewidmet. Ihr Wertebewusstsein, ihre Weltanschauung, ihr Glauben an eine Zukunft wird unsere Welt sehr bald bestimmen. Regina Catrambone (32) gründete mit ihrem Mann die Seenot-Flüchtlingshilfe MOAS. Sie kauften ein Schiff und retten seit 2014 Flüchtlinge aus dem Mittelmeer – als selbstverständlichen humanen Akt. Sebastian Bartsch (35) arbeitet am weltweit größten Institut zur Erforschung Künstlicher Intelligenz in Bremen. Mit seinem Team versucht er, Roboter soweit zu entwickeln, dass sie uns wie selbstständige Wesen begegnen. Vincent Touboul Flachaire (19), jüngster Protagonist der Reihe, gründete die Online-Plattform Goodeed: Nutzer müssen Werbung schauen, bevor die interessanten Inhalte kommen. Die Erlöse aus dem Verkauf von Werbezeiten gehen per Click an Hilfsorganisationen. Der Publizist Wolfgang Gründinger (32) aus Berlin wirft seiner Vätergeneration vor, die digitale Revolution nicht ernst zu nehmen und dazu beizutragen, dass Politik alt und versteinert wird. Heather Dewey Hagborg (32), Bio Art-Künstlerin aus New York befasst sich mit den genetischen Spuren, die wir überall hinterlassen. Aus diesen Spuren rekonstruiert sie erkennbare Identitäten und zeigt, wie gläsern der moderne Mensch geworden ist. Ihre 3D-Drucke von Personen, die sie aus Zigarettenstummeln, Haaren und Fingerspuren erstellt, sorgen weltweit für Aufsehen. Alexander Gerst (40) muss man nicht mehr vorstellen. Als Astronaut hat er den besonderen Blick auf unsere Welt teilt diese Eindrücke mit einer riesigen Twitter-Gemeinde und erreicht Millionen junger Menschen. Am Ende schließt sich der Kreis: die Menschen blicken ins All und auf ihre Welt. Welche Errungenschaften und welche Abgründe hat uns die Moderne beschert? Wieviel “Luther” steckt noch ins uns? Was brauchen wir zum Überleben der Gattung Mensch? Wer schenkt uns noch “Gnade” oder vergibt uns? Und vor allem: wozu wollen wir künftig unsere Freiheit nutzen?

Inhaltsübersicht

Kapitel für DER LUTHER CODE

1 SPRUNG IN DIE FREIHEIT
1. Religiösität im Wandel der Zeit
2. Individueller Glaube
3. Frage der Perspektive
4. Übersetzung der Bibel
5. Aufklärer der Moderne
6. Abspann

2 SUCHE NACH DER WAHRHEIT
1. Die Suche nach Verantwortlichen
2. Faszination des Kosmos
3. Kampf um Meinungshoheit
4. Entwicklung der mechanischen Uhr
5. Erfindung des Teleskops
6. Abspann

3 AUFBRUCH ZUR GLEICHHEIT
1. Freiheit des Geistes
2. Ideen der Aufklärung
3. Dualität
4. Endlichkeit
5. Gleichheit
6. Abspann

4 TRAUM VON GERECHTIGKEIT
1. Beginn der Industrialisierung
2. Ausbeutung der Fabrikarbeiter
3. Auswirkungen der Fotografie
4. Kampf um Information
5. Das transatlantische Seekabel
6. Abspann

5 MACHT UND VERANTWORTUNG
1. Technischer Fortschitt
2. Bedeutung von Grenzen
3. Aufrüstung des Militärs
4. Die Waffen nieder
5. Luther im Nationalsozialismus
6. Abspann

6 GLAUBE AN DIE ZUKUNFT
1. Künstliche Intelligenz Forschung
2. Bedeutung von Information
3. Soziales Engagement
4. Autonome Technik
5. Umkehr der Dynamik
6. Abspann

Credits

Regie: Wilfried Hauke, Alexandra Hardorf

Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2016

Pressestimmen

“Genauso muss ein ideengeschichtlicher Dokumentarfilm funktionieren!” Frankfurter Rundschau

“Anlässlich des 500-jährigen Jubiläums der Reformation spannen die Autoren einen komplexen geschichtlichen Bogen: sechs aufwändig gemachte, einstündige Dokumentationen zeichnen die historische Entwicklung von Luthers Pioniertat bis ins Hier und Heute nach … Über verschlungene Pfade führt der Weg von der Hölle bis in den Weltraum.” Der Tagessspiegel

" “Der Luther-Code” mischt Zeit- und Stilebenen effektiv, er vertikuliert dabei Philosophie, Religion und Zeitgeist … Viel gedankliche Nahrung." Hamburger Abendblatt

“Zum 500. Reformationsjubiläum schließt diese sechsteilige Fernseh-Dokumentation “Der Luther Code – Die Neuerfindung der Welt” 500 Jahre Geistesgeschichte von der Reformation her auf, um zu verdeutlichen, dass auch die digitale Revolution auf einen humanistisch Wertekanon zurückgreift, der in der Reformation wurzelt. Für die sechsteilige Dokumentation wurden Gen-Forscher, Flüchtlingshelfer, Internet-Journalisten, Autoren, Astrophysiker befragt, in deren Antworten die Autoren inszenierte Porträts berühmter Personen der letzten 500 Jahre, die in ihrer Zeit die Welt neu erfunden haben, eingezeichnet haben: Jan Hus und Johannes Kepler; Leibniz, Lessing, Engels; Bertha von Suttner, Albert Einstein, Dietrich Bonhoeffer – und Martin Luther natürlich. Jede Folge widmet sich einem Jahrhundert der Neuzeit; sechs einstündige Dokumentationen zeichnen die historische Entwicklung von Luthers Pioniertat bis ins Hier und Heute nach. – Fazit: Auch für den schulischen Einsatz im Geschichts- und Religionsunterricht geeignet!" lehrerbibliothek.de

„Führt vor, wie man Historienfernsehen entstaubt.“ Der Tagesspiegel

" “Aktualisierungen” ohne rechten Grund sind meistens ein Gräuel, während man hier eine Fülle von Denkanstößen sammelt. Diese sechs Stunden Fernsehen lohnen das Einschalten zweifellos." epd medien

“Martin Luther ist anwesend als durch die Jahrhunderte allgegenwärtiger Schatten und Mythos … Montiert werden Spielszenen und Dokumentaraufnahmen – und aus den Splittern entsteht eine großräumige Idee-Collage. Anregung zum Weiterdenken.” Kieler Nachrichten

“Diese Reihe ist ein Schmuckstück öffentlich-rechtlichen Fernsehens: ambitioniert in den Aussagen, aufwendig in der Produktion, erhellend in den Zeugnissen, provozierend in der Deutung historischer wie aktueller Ereignisse … Mit diesem außergewöhnlichen Arte-Programm ist die Qualitätslatte für Nachfolgendes hoch gehängt.” Medienkorrespondenz

“Eine sechsstündige Geschichts-Einheit, die mal tatsächlich ihre Zeit wert ist.” Frankfurter Rundschau

Auszeichnungen

Comenius-EduMedia-Medaille 2017

Laudator Prof. Dr. Thomas A. Bauer zum Preisträger: „… eine … unter dem magischen Titel „Der Luther-Code“ sechs-teilig publizierte Doku-Serie … die ihresgleichen sucht. … Das Medienprodukt ist wegen seiner thematischen Breite, seiner historischen und zeitgeschichtlichen Bezüge bis herauf zu den herausfordernden Szenarien der Gegenwart: Medienwandel, Globalisierung, Terror und Migration - und wegen der dabei nie aus den Augen verlorenen didaktischen und inhaltlichen Auslotungen der Tiefe schlicht sensationell: Das Martin Luther – Bild wird einerseits entstaubt, aus der Ecke eng umrissener Konfessionsgrenzen geholt, andererseits in ein neues Licht der gesellschaftlichen Bezüge gesetzt. …“

FSK: Infoprogramm

Länge: 312
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Baukunst 3

Regie: Richard Copans, Stan Neumann, Frédéric Compain

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Ein Bauwerk, ein großer Architekt, zahlreiche Pläne und 3D-Animationen: Mitreißende Einblicke in die Architektur des 19. und 20. Jahrhunderts.

Die DVD 3 von 5 der Reihe enthält:

Daniel LIBESKIND: Das Jüdische Museum in Berlin – Zwischen den Zeilen, Dokumentation von Richard Copans und Stan Neumann, ARTE France, Frankreich 2002, 27 Min.
Eine außergewöhnliche, gebrochene Linie, die sich über die ganze bebaute Fläche erstreckt. Dies versinnbildlicht für den Architekten die Gewalt und die tiefen Brüche in der Geschichte der Juden in Deutschland. Das Jüdische Museum Berlin – von den Berlinern „Blitz“ genannt – ist das wohl erstaunlichste Gebäude des neuen Berlin.

Charles GARNIER: Die Pariser Opéra Garnier, Dokumentation von Stan Neumann, Frankreich 2000
Der größte und wohl anspruchsvollste Bau im Paris des 19. Jahrhunderts. Die Vollendung des „beaux-arts“-Stils durch einen Architekten, der vernarrt war in die Welt des Theaters und so zum entschiedenen Vertreter einer spektakulären und theatralen Architektur wurde.

LE CORBUSIER: Das Kloster La Tourette, Dokumentation von Richard Copans, ARTE France, Frankreich 2002
Ein Kloster für den Dominikanerorden in Eveux bei Lyon, ein Ort für Studium und Gebet, erbaut von Le Corbusier, dem Mann, dessen einzige Religion die Architektur ist.

Antoni GAUDÍ: Die Casa Mila, Dokumentation von Frédéric Compain, ARTE France, Frankreich 2003
Das ehemalige Wohnhaus ist eines der originellsten Bauwerke Gaudís: ein monumentales Gebäude, eine plastische Masse; im Volksmund auch „la Pedrera“ („der Steinbruch“) genannt, von Gaudí für die Familie Milà erbaut.

Sullivan & Adler: Auditorium Building, Chicago, Dokumentation von Stan Neumann, ARTE France, Frankreich 2002
Luis Sullivan – der Vater der amerikanischen Architektur – verwirklichte mit dem Auditorium Building in Chicago sein erstes großes Projekt. Er baute es in Zusammenarbeit mit dem Ingenieur Dankmar Adler. Für einige Monate war es das höchste Gebäude Chicagos. In dem Gebäudekomplex befinden sich ein Luxushotel, Büroräume und der größte Opernsaal der Welt.

Alvaro AALTO: Das Gemeindezentrum von Säynätsalo, Dokumentation von Richard Copans, ARTE France, Frankreich 2002
Alvar Aalto, einer der einflussreichsten Architekten des 20. Jahrhunderts, besorgte den Bau des Gemeindezentrums von Säynätsalo – einer kleinen Gemeinde im Herzen Finnlands.
Aalto machte daraus ein Meisterwerk, ein wahres Manifest des Städtebaus, eine Hommage an den Backstein.

Baukunst 3

Daniel Libeskind: Das Jüdische Museum in Berlin
Eine außergewöhnliche, gebrochene Linie, die sich über die ganze bebaute Fläche erstreckt. Dies versinnbildlicht für den Architekten die Gewalt und die tiefen Brüche in der Geschichte der Juden in Deutschland. Das Jüdische Museum Berlin – von den Berlinern „Blitz“ genannt – ist das wohl erstaunlichste Gebäude des neuen Berlin.
Ein jüdisches Museum in Berlin. Wer denkt da nicht spontan an Adornos Verdikt über die Unmöglichkeit, nach Auschwitz noch Gedichte zu schreiben?
Der Bau des Architekten Daniel Libeskind, der zwischen 1993 und 1998 in Berlin errichtet wurde, warf zunächst eine Frage auf, mit der sich die Architektur üblicherweise nicht auseinanderzusetzen hat – und zwar die nach den eigenen Grenzen. Wie kann man dort bauen, wo alles zerstört wurde? Wie kann sich Architektur mit Geschichte auseinandersetzen – und vor allem mit diesem Teil der Geschichte?
Daniel Libeskind fand mit seinem Erstlingswerk eine sowohl direkte als auch indirekte, versteckte Antwort. Die direkte Antwort liegt in der äußeren Form des Gebäudes: eine expressionistische “Geste”; ein Zickzack; eine außergewöhnliche, gebrochene Linie; ein Bruch, der sich über die ganze bebaute Fläche erstreckt. Dies versinnbildlicht für den Architekten die Gewalt und die tiefen Brüche in der Geschichte der Juden in Deutschland.
Versteckt hinter diesem Bravourstück expressionistischer Formgestaltung liegt ein anderes Gebäude, ein Geisterhaus, das sich dem Besucher sperrt, das sich nie ganz erschließen lässt. Der Architekt thematisiert hier Ungleichgewichte und den physischen Verlust von Bezugspunkten, der so weit gehen kann, dass er Unbehagen auslöst.
Der Besuch des jüdischen Museums Berlin ist kein netter Spaziergang durch ein x-beliebiges Museum, sondern wird zu einer Belastungsprobe, deren einzelne Stationen Bezeichnungen wie „Holocaust-Turm“, „Gärten des Exils“ oder „Leerräume“ tragen.
Bei den „Leerräumen“ handelt es sich um von außen nicht sichtbare Betontürme, die den gesamten Bau auf den oberen Ausstellungsgeschossen durchziehen. Die insgesamt sechs Türme unterschiedlicher Form sind völlig leer und unzugänglich. Im Innern des Museums untergebracht, bilden sie einen deutlichen Kontrast zu der reich bestückten Sammlung zur Veranschaulichung der langen Geschichte jüdischer Präsenz in Deutschland.
Die „Leerräume“ sollen für das letzte Merkmal des deutschen Judentums stehen: Abwesenheit. Zudem verkörpern sie eine Absage an jegliche Form der Nostalgie oder des Kommentars.
Noch nie ist es gelungen, einen Bau zu konzipieren, der dem Widerspruch zwischen dem, was unbedingt gesagt werden muss und dem, was nie gesagt werden kann, in so vollkommener Weise Ausdruck verleiht.
Die Entstehungsgeschichte des Jüdischen Museums Berlin – von den Berlinern „Blitz“ genannt – war sehr bewegt. Es galt zahlreiche institutionelle Hürden zu überwinden. Heute ist es das meistbesuchte Gebäude der Stadt.

Charles Garnier: Die Pariser Opéra Garnier
Der größte und wohl anspruchsvollste Bau im Paris des 19. Jahrhunderts. Die Vollendung des „beaux-arts“-Stils durch einen Architekten, der vernarrt war in die Welt des Theaters und so zum entschiedenen Vertreter einer spektakulären und theatralen Architektur wurde.
Nach 15jähriger Bauzeit wurde am 5. Januar 1875 die Opéra Garnier, nach ihrem Erbauer Charles Garnier benannt, eingeweiht. Als Garnier seinen Entwurf beim Architektenwettbewerb einreichte, war er noch ein junger, fast unbekannter Architekt. Den Wettbewerb hatte Napoleon III im Jahr 1860 im Rahmen der architektonischen Umgestaltung der Stadt Paris durch Baron Haussmann ausgeschrieben. Von den 171 anonym vorgelegten Entwürfen wurde am 29. Dezember 1860 der von Charles Garnier ausgewählt. Während der Bauzeit war das Projekt den Wechselfällen der französischen Politik ausgesetzt, so dem Fall der Reichsregierung und dem deutschfranzösischen Krieg von 1870. Die Geschichte der Pariser Oper reicht bis zur Gründung der ‘Académie Royale de Musique’ durch Ludwig XIV ins Jahr 1669 zurück.
Das Opernhaus ist kugelartig konzipiert, schirmt den Besucher von der Außenwelt ab und gestattet ihm, in die Traumsphäre der Oper einzutauchen. Der Eingangsbereich stellt den Übergang von der realen in die Traumwelt dar und bildet das architektonische Pendant zur Opernouvertüre. Das Bauwerk verbindet Klassizismus und Rationalismus im Sinne einer funktional ausgerichteten Architektur. Diese Begegnung von Tradition und Moderne zeigt sich auch in der Auswahl der Baustoffe: Der Zuschauerraum besteht aus einer riesigen Konstruktion aus verkleidetem Stahl und bildet somit den ersten Opernbau mit einer stählernen Innenstruktur. Der Zuschauerraum selbst ist nur sparsam ausgeschmückt, damit das Publikum nicht vom Geschehen auf der Bühne abgelenkt wird. Im Jahr 1964 gestaltet Marc Chagall das Deckengemälde, das verschiedene Allegorien zeigt und beim Betrachter Szenen aus dem Opern- und Ballettrepertoire evoziert.
Ein Band über die Geschichte der Oper erschien im Jahr 2000 in dem französischen Verlag ‘Editions du patrimoine’ unter dem Titel ’L’Opéra de Charles Garnier: Architecture et décor extérieur’ herausgegeben von Gérard Fontaine. Von dem selben Autor sind die Bände ‘Décor d’opéra: un rêve éveillé’ (Editions Plume, 1996) und ‘Palais Garnier: fantasme de l’Opéra’ (Editions Noésis,1999) erschienen.

Le Corbusier: Das Kloster La Tourette
Ein Kloster für den Dominikanerorden in Eveux bei Lyon, ein Ort für Studium und Gebet, erbaut von Le Corbusier, demm Mann, dessen einzige Religion die Architektur ist.
Das Kloster von La Tourette wurde zwischen 1953 und 1960 von Le Corbusier für den Dominikanerorden in Eveux bei Lyon erbaut.
Als sich nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs immer mehr Menschen zu einem Leben im Kloster berufen fühlten, beauftragte der Dominikanerorden in Lyon den Architekten Le Corbusier mit dem Bau einer Klosterschule. 80 Klosterschüler sollten sich dort in Abgeschiedenheit dem Studium und dem Gebet hingeben. Le Corbusier befand sich zu dieser Zeit auf dem Höhepunkt seines Ruhmes. Er hatte sich mit Wohnhäusern wie der Villa Savoye und den Wohnanlagen in Marseille und Nantes einen Namen gemacht. Das Kloster war jedoch kaum eingeweiht, als gleich zwei Krisen ausbrachen: Die Krise der katholischen Kirche und die Studentenunruhen. 1970 gab es in La Tourette keinen einzigen Studenten mehr. Einige wenige Dominikaner harrten im Kloster aus, weil ihrer Auffassung nach die Architektur des Ortes für die geistigen Ziele des Ordens steht. Das Gebäude blieb im Eigentum des Dominikanerordens, wird heute aber als Tagungszentrum genutzt.
Das von 1953 bis 1960 erbaute Dominikanerkloster ‘Sainte Marie de la Tourette’ liegt in Eveuxsur-Arbresle in der Nähe von Lyon. Le Corbusier wurde 1952 durch einen Dominikanerpater beauftragt, ein Haus der Stille und eine Kirche für den Orden zu bauen. Le Corbusier wählte als Grundform ein burgartiges Viereck, das er mitten in die bis dahin unberührte Landschaft setzte. Drei Flügel in U-Form gehören zu dem Kloster und der vierte Flügel ist der Kirche vorbehalten. Sie ist in der strengen Form eines Kastenblocks errichtet und nur am Glockenturm erkennbar. Durch plastische Lichtkanonen, die außergewöhnliche Lichtreflexe im Inneren der Kirche hervorrufen, wird ihre Kargheit unterbrochen. Da Le Corbusier Gefallen an der schlichten Form fand, faszinierte ihn auch die Kargheit des mönchischen Lebens. Er besuchte das Kartäuserkloster Ema und ließ sich von dessen kollektiver Form des Zusammenlebens für die Gestaltung der Wohneinheiten von La Tourette inspirieren. Die architektonische Beherrschung von Licht und Raum bringt Le Corbusier in diesem Gebäude zu vollendetem Ausdruck. Gleichzeitig wird es den materiellen und spirituellen Anforderungen gerecht, die man an ein religiöses Bauwerk im Sinne der klösterlichen Tradition stellt. Es gleicht einer Art lebendem Organismus, dessen einzelne Teile eng miteinander verwoben sind.
Der Architekt und Maler, Le Corbusier, mit bürgerlichem Namen Charles Jeanneret, wurde am 6. Oktober 1887 in La Chaux-de-Fonds in der Schweiz geboren. Nach einer Ausbildung als Graveur war er zunächst Maler und Goldschmied an der Ecole d’Art in seinem Geburtsort tätig. Ab 1904 wird er an derselben Hochschule zum Architekten ausgebildet. Im Jahr 1917 zog er nach Paris. Dort gründete er im Jahr 1919 die Zeitschrift ’L’Esprit Nouveau’, in der er seine Konzeption einer modernen Architektur darlegte und in der er zum ersten Mal Texte mit dem Pseudonym Le Corbusier kennzeichnete. In seinem ‘Manifest des Purismus’ definiert er das wahre Kunstwerk, als eines das durch den Umgang mit elementaren, geometrischen Formen bestimmt wird. 1922 publiziert er sein städtebauliches Konzept einer ‘strahlenden Stadt’ (Ville Radieuse). Auch hier bilden geometrische Formen die Basis der Städteplanung. Das Konzept beinhaltet ansonsten die strenge Trennung von Auto- und Fußgängerverkehr sowie die Bebauung der Stadt in Form von Großwohneinheiten, in die Versorgungs- und Dienstleistungseinrichtungen wie beispielsweise Geschäfte integriert werden. 1923 veröffentlicht er seine Schriften unter dem Titel ‘Vers un Architecture’ und nimmt an einer Ausstellung des Bauhauses in Weimar teil. 1927 beteiligt er sich mit Entwürfen am Bau der Stuttgarter Weißenhofsiedlung. Ab 1929 ist er weltweit als Städteplaner tätig. Er errichtet so berühmte Bauten wie das Nachtasyl der Heilsarmee in Paris oder das Schweizer Haus (Fondation Suisse) in der ‘Cité Universitaire de Paris’. Zunehmend skulpturale Formen weisen seine Bauten nach dem Zweiten Weltkrieg auf wie beispielsweise die ‘Unité d’habitation’ in Marseille. Zwischen 1950 und 1954 errichtete er die Wallfahrtskirche in Notre-Damedu-Haut in Ronchamps, ein nach plastischen Vorstellungen gestalteter Bau. In den 60er Jahren wird sein Entwurf für das ‘Carpenter Center for Visual Arts’ für die ‘Harvard University’ realisiert. Am 27. August 1965 stirbt Le Corbusier nahe Cap Martin bei Nizza.

Antoni Gaudì: Die Casa Mila
Das ehemalige Wohnhaus ist eines der originellsten Bauwerke Gaudís: ein monumentales Gebäude, eine plastische Masse; im Volksmund auch „ la Pedrera“ („der Steinbruch“) genannt, von Gaudí für die Familie Milà erbaut.
Die „Casa Míla“ in Barcelona – im Volksmund auch „ la Pedrera“ (deutsch „der Steinbruch“) genannt – wurde zwischen 1906 und 1912 von Antonio Gaudí gebaut.
Das ehemalige Wohnhaus ist eines der originellsten Bauwerke Gaudís: ein monumentales Gebäude, eine plastische Masse, die wie eine der Heiligen Jungfrau gewidmete Riesenskulptur anmutet.
Gaudí erforschte und gestaltete den Raum neu und ließ seiner Vorliebe für Details und dekorative Elemente freien Lauf.

Sullivan & Adler: Auditorium Building, Chicago
Luis Sullivan – der Vater der amerikanischen Architektur – verwirklichte mit dem Auditorium Building in Chicago sein erstes großes Projekt. Er baute es in Zusammenarbeit mit dem Ingenieur Dankmar Adler. Für einige Monate war es das höchste Gebäude Chicagos. In dem Gebäudekomplex befinden sich ein Luxushotel, Büroräume und der größte Opernsaal der Welt.
1871 wütete in Chicago das „Große Feuer“, das die gesamte Innenstadt zerstörte. Nach der Brandkatastrophe galt es, die Stadt wiederaufzubauen. Eine Generation junger amerikanischer Architekten nahm ihre Chance wahr, um mit dem alten Kontinent zu brechen und in Chicago neue Formen einer spezifisch amerikanischen Baukunst zu entwickeln.
Der Architekt Louis Henry Sullivan ist die herausragendste Figur dieser ‚Schule von Chicago’. Von ihm stammt die in der Geschichte der modernen Architektur am meisten zitierte Formel „form follows function“ (deutsch „die Form passt sich der Funktion an“).
Sullivans erstes großes Projekt war das Auditorium Building in Chicago. Er baute es in Zusammenarbeit mit dem Ingenieur Dankmar Adler. In dem Gebäudekomplex befinden sich ein Luxushotel, Büroräume und ein Opernsaal.
Die Oper sollte auch einfachen Leuten zugänglich sein und nicht gewinnorientiert arbeiten; die Kosten des Opernbetriebs sollten durch das Hotel und Büromieten gedeckt werden. Mit dem Auditorium Building brach das Architektenteam damals sämtliche Rekorde: Das Bauwerk war mit seinem 17 Stockwerke hohen Turm das höchste Gebäude der Welt; der Konzertsaal war mit seinen 4.500 Sitz-plätzen der größte der Vereinigten Staaten.
Zwar wurde der in herkömmlicher Bauweise errichtete Turm schon bald von modernen Wolkenkratzern mit Stahlskelett überholt, doch der Konzertsaal ist auch nach heutigen Maßstäben noch etwas Besonderes: Mit seinen schwindelerregenden Dimensionen und seiner perfekten Akustik sowie der außergewöhnlichen Architektur und Innenausstattung verkörpert das Bauwerk einen radikalen Bruch mit der Tradition europäischer Opernhäuser. Das Auditorium Building in Chicago ist das erste Meisterwerk der Architekturgeschichte Amerikas.

Alvaro Aalto: Das Gemeindezentrum von Säynätsalo
Alvar Aalto, einer der einflussreichsten Architekten des 20. Jahrhunderts, besorgte den Bau des Gemeindezentrums von Säynätsalo – einer kleinen Gemeinde im Herzen Finnlands.
Aalto machte daraus ein Meisterwerk, ein wahres Manifest des Städtebaus, eine Hommage an den Backstein.
Ein kommunistischer Bürgermeister und der Direktor einer großen Fabrik beauftragten 1949 Alvar Aalto, einen der einflussreichsten Architekten des 20. Jahrhunderts, mit dem Bau des Gemeindezentrums von Säynätsalo.
Der Ort mit 3.000 Einwohnern erstreckt sich über drei kleine Inseln im Norden des größten Sees im Zentrum Finnlands.
Das Gebäude ist ein architektonisch ausgereiftes Meisterwerk, das die scheinbar bescheidenen Anforderungen des Auftrags bei weitem übertrifft.
Aalto machte daraus ein wahres Manifest des Städtebaus, eine Hommage an den Backstein. Architektur pur: von der Gesamtkonzeption bis zu den Türgriffen. Das Gemeindezentrum verkörpert eine Synthese zwischen Tradition und Moderne, zwischen Bescheidenheit und Monumentalismus.

Extras

Kapiteleinteilung

Credits

Architekten: Daniel Libeskind, Charles Garnier, Le Corbusier, Antoni Gaudí, Sullivan & Adler, Alvar Aalto
Regie: Richard Copans, Stan Neumann, Frédéric Compain

Produktion: ARTE France
Produktionsland: Frankreich
Produktionsjahr: 2000-03

Pressestimmen

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke der Vergangenheit und Gegenwart werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.„«
Detail.de, 26.03.2010

»Eine schöne Idee: Seit 1995 drehen Richard Copans und Stan Neumann halbstündige Filme über wegweisende Bauwerke – beginnend mit dem Privathaus des holländischen Architekten Rem Koolhaas.«
Saarbrücker Zeitung, 25.02.2010

,
FSK: o.A.

Originaltitel:
Architectures

Länge: 160
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Dolby 2.0
Sprache: Deutsch, Englisch, Französisch
Regionalcode: codefree

,
Rubrik: Dokument

Regie: Stan Neumann, Juliette Garcias, Richard Copans

“Baukunst“ ist eine Reihe, deren einzelne Folgen jeweils einem herausragenden Werk der Baukunst gewidmet sind. Ob Museum, Einkaufszentrum, Schule oder Gefängnis: unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Intentionen des Architekten, seine Ideen und Konzepte. Folge 11 mit:
Das Gefängnis »La Santé« in Paris
Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Das Amiens Museum
Die Windkiste
Schloss Pierrefonds
Die Bambusschule von Bali

Das Gefängnis »La Santé« in Paris (1861-1867)
Ein einzigartiges, homogenes und beeindruckendes architektonisches Werk. An der Spitze der Reflexionen über die Gefängnisstrafe war es damals das ultimative “moderne Gefängnis”, eine rationalere, menschliche Form der Gefangenschaft.

Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Vom Himmel aus ähnelt es einer Schlange, einem Wal, einer gewölbten Vene oder einem Fluss. Von innen sieht es aus wie ein riesiges Glasfenster. Bei Médiacité hat der experimentelle, provokative israelische Designer Ron Arad seine Ideen in größerem Maßstab umgesetzt und das oft kritisierte Genre der Einzelhandelsarchitektur neu belebt.

Das Amiens Museum
Das Picardie-Museum war das erste Museum in Frankreich, das als solches gebaut wurde. Ursprünglich ein “Kleiner Louvre”, ein Palast, wurde es über die Jahrzehnte währenden Bauarbeiten zum Museum, das über das Denkmal triumphierte.

Die Windbox
Die Fort de France Education Authority ist das einzige Beispiel für ein zeitgenössisches architektonisches Gebäude in Martinique. Es ist auch das einzige offizielle Gebäude, das natürlich von den Passatwinden belüftet wird. Christian Hauvette hat ein völlig offenes Gebäude geschaffen, in dem die Grenzen zwischen Außen- und Innenraum verschwommen sind.

Pierrefonds, das Architektenschloss
Ein Ruinen Schloss umgebaut von Viollet Le Duc für den Kaiser Napoleon III. Eine Rekonstruktion, die paradoxerweise den Weg für moderne Architektur eröffnete. Die besondere Wirkung von Pierrefonds beruht auf der doppelten Strategie, einerseits die Struktur und Farben der Materialien, andererseits die Struktur selbst, die reine geometrische Form, zur Geltung zu bringen.

Die Bambusschule von Bali
Tief im balinesischen Dschungel schmiegen 40 Gebäude: der Bambus Campus der Green School Bali, gegründet von den Amerikanern John und Cynthia Hardy. Das Hauptgebäude, das ganz aus Bambus entstand – kein Beton, Metall oder Glas wurde im Gebäudegerüst, Fußböden und Decken, Wänden verwendet – ein inspirierendes Beispiel für umweltfreundliche Architektur.

Das Gefängnis »La Santé« in Paris
Das 19. Jahrhundert brachte zahlreiche Neuerungen in der Baukunst: Bahnhöfe, Fabriken, Börsen, Einkaufspassagen, Museen und Gefängnisse. Neu war auch die Idee der Inhaftierung, sie existierte erst seit Mitte des 18. Jahrhunderts. Haftstrafen waren bis Ende des 18. Jahrhunderts weitgehend unbekannt. Gefängnisse waren für säumige Schuldner oder Untersuchungshäftlinge reserviert, bei denen Fluchtgefahr bestand. Ansonsten zog man es vor, zu foltern oder Zuchthausstrafen zu verhängen. Mit der Französischen Revolution von 1789 wurden diese als unmenschlich geltenden Strafen in Frankreich abgeschafft und durch die Gefängnishaft ersetzt – „überwachen und strafen“, um mit dem französischen Philosophen Michel Foucault zu sprechen. Der Inbegriff der modernen Strafe erfordert auch ein neues architektonisches Konzept. Vorbild ist das sogenannte Panopticon-Prinzip, eine Erfindung des englischen Philosophen Jeremy Bentham. Die kreisförmige Bauweise ermöglicht die gleichzeitige Überwachung vieler Menschen durch einen in der Mitte positionierten Aufseher. „La Santé“ wurde zwischen 1861 und 1867 von Emile Vaudremer nach den neusten Erkenntnissen der Forschung auf dem Gebiet des Freiheitsentzugs gebaut. Als Modellgefängnis verfügte es über eine sehr moderne Ausstattung, die nicht zuletzt der Durchsetzung einer strikten körperlichen und moralischen Hygiene diente. „La Santé“ verkörpert eine düstere Seite der Architektur: eine Baukunst, die sich dem Freiheitsentzug verschrieben hat, geprägt von einem primitiven und grausamen Funktionalismus, den nichts mäßigt oder kaschiert. In einem zeitgenössischer Text hieß es dazu: „Der Architekt wird zum ersten Vollstrecker der Strafe, er erstellt die wichtigsten Marterinstrumente.“

Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Eine Schlange, ein fliegender Fisch, eine hervortretende Ader, ein Fluss oder auch eine riesige Larve: An Bildern zur Beschreibung der Passagenkonstruktion des Lütticher Einkaufszentrums Médiacité mangelt es nicht. Auch einem gigantischen bunten Kirchenfenster kommt sie gleich. Das raffinierte, lichtdurchlässige Gebilde schlängelt sich über eine Länge von 350 Metern zwischen zwei Gebäudekomplexen und bildet die Hauptader eines gigantischen Einkaufs- und Freizeitzentrums, das 2009 auf einer Industriebrache entstand. Gestaltet wurde die Passage von dem israelischen Designer und Architekten Ron Arad, dessen surreale, schwingende Möbelobjekte Weltruf genießen. Nachdem Jaspers-Eyers, eines der bekanntesten belgischen Architektenbüros, das auf dem Grundstück befindliche Einkaufszentrum aus den 1970er Jahren renoviert und über Jahre hinweg ein stimmiges Konzept für die brachliegende Fläche entwickelt hat, soll im Jahr 2007 endlich das Fundament für den Neubau gelegt werden. Da entwickelt die Stadt Lüttich die Vision, der Médiacité die Handschrift eines international renommierten Künstlers zu geben. Der Bauträger wendet sich kurzerhand an Ron Arad, der dem urbanen Komplex, der heute täglich 40.000 Besucher willkommen heißt, mit seiner „Schlange“ ein dynamisches, zeitgenössisches Antlitz verleiht. Neben den gewölbten Stahlelementen des Daches liegt eine weitere Besonderheit in den dazwischenliegenden Freiräumen: Diese sind nicht mit Glas, sondern mit luftgefüllten Teflon-Membranen überzogen – eine Verkleidung, die flexiblen Verformungen standhält und gleichzeitig hundertmal leichter und halb so teuer ist wie Glas.

Das Amiens Museum
Das Picardie-Museum, das über mehrere Generationen gebaut wurde, ist ein wahres Juwel der Architektur des 19. Jahrhunderts, das einen Besuch wert ist. Das Projekt zum Bau des “Musée Napoléon” in Amiens wurde von der Société des Antiques de Picardie gestartet. Es ist das erste Museum in Frankreich, das als solches gebaut werden sollte. Das Gebäude musste sowohl die Bedeutung der Stadt als auch Werke aus den Sammlungen des Sponsors unterbringen. Museum oder Palast? Mit diese Frage wurden die aufeinanderfolgenden Architekten des “kleinen Louvres” konfrontiert waren.

Die Windkiste
Der vom französischen Erziehungsministerium ausgeschriebene Wettbewerb für den Bau des Rektorats auf der Antilleninsel Martinique umfasste eine Nutzfläche von 6.000 Quadratmeter und das übliche Programm für ein großes Verwaltungsgebäude. Allerdings enthielt die Ausschreibung eine Vorgabe, die das Projekt der Routine entriss: In einer Gegend, in der die elektrische Klimatisierung für Fortschritt und Komfort steht, sollte allein der Passatwind die notwendige Kühlung bringen. Der weht dort nämlich das ganze Jahr über stets in West-Ost-Richtung. Der Architekt Christian Hauvette stellte sich der Herausforderung.
Die traditionelle Architektur auf Martinique bedient sich bereits des Passatwindes als natürliches Kühlsystem: Spezielle Jalousien regeln den Ein- und Austritt des Windes, der dort das ganze Jahr über stets in West-Ost-Richtung weht.
Aber noch nie hatte man versucht, dieses Prinzip allgemeiner Durchlässigkeit auf ein dreistöckiges Gebäude, das 200 Personen aufnehmen soll, anzuwenden. Der Architekt Christian Hauvette ließ sich auf diese Weise auf ein Experiment mit unsicherem Ausgang ein.
Unter Verwendung der in Martinique üblichen Jalousien entwarf er ein völlig winddurchlässiges Gebäude. Die Türen des Gebäudes bestehen aus riesigen Metallflügeln, die geschlossen eine Wand bilden, aber jeden Morgen zurückweichen, um Menschen und Wind die freie Zirkulation zu gestatten. Die normalen Zugangswege des Gebäudes stellen also zugleich die natürlichen Belüftungswege dar. Gleich hinter dem Portal streicht der Wind durch trennwandartige Jalousien aus Holz und tritt auf der gegenüberliegenden Gebäudefassade aus, die aus Tausenden von beweglichen Glaslamellen besteht. Jeder kann in seinem Büro die Öffnung zwischen den Glasplättchen individuell verstellen und so den Luftzug selbst regulieren. Im Innern des Gebäudes hat der Architekt fünf große Innenhöfe eingerichtet, die die Büroräume direkt mit Tageslicht versorgen und zugleich als kleine tropische Gärten angelegt sind.
Die Architektur des Rektorats beruht auf der Überlagerung verschiedener Raster aus festen und beweglichen Jalousien einerseits und Vegetationsrastern andererseits. Diese Überlagerung bringt ständig neue Effekte und neue optische Eindrücke hervor, die dem Raum etwas außergewöhnlich Fließendes verleihen.
Die Tatsache, dass Feinregulierungen von den Nutzern vorgenommen werden müssen, wird nicht immer positiv bewertet. So wird der Passatwind nach und nach durch Ventilatoren oder elektrische Klimaanlagen ersetzt und damit das Prinzip natürlicher Belüftung unterlaufen.

Schloss Pierrefonds
Archäologisch getreue Wiederherstellung oder moderner Umbau? Vor dieser Frage standen Napoleon III. und sein Architekt Viollet-Le-Duc. Napoleon hatte diesen beauftragt, das im 15. Jahrhundert von Louis d’Orléans erbaute Schloss in Pierrefonds bei Compiègne zu restaurieren, das zum Zeitpunkt des Erwerbs eine Ruine war.
Die Ruine des im 15. Jahrhundert von Louis d’Orléans erbauten Schlosses in Pierrefonds bei Compiègne wurde von Napoleon I. gekauft. Napoleon III., der an der romantischen Ruine Gefallen fand und einen kaiserlichen Landsitz daraus machen wollte, beauftragte Viollet-Le-Duc mit dem Wiederaufbau. Die „Restauration” dauerte von 1858 bis 1886 und war ein höchst komplexes Unternehmen.
Napoleon III. wünschte eine archäologisch getreue Wiederherstellung, während Viollet-Le-Duc sich der Vergangenheit lediglich bediente, um ein neues Verhältnis von umbautem Raum und dessen Ausschmückung zu erfinden.
Viollet-Le-Duc, der unter anderem Notre-Dame de Paris restauriert hatte, entwickelte sich als Baumeister des Schlosses von Pierrefonds zum wahren Regisseur eines Gesamtschauspiels, in dem er jedes Detail selbst konzipierte. Nicht umsonst betrachteten ihn die belgischen Jugendstilarchitekten Victor Horta und Paul Hanka als ihren Vorgänger. Die besondere Wirkung von Pierrefonds beruht auf der doppelten Strategie des Architekten, einerseits die Struktur und Farben der Materialien, andererseits die Struktur selbst, die reine geometrische Form, zur Geltung zu bringen.

Die Bambusschule von Bali
Das als „Heart of School“ bezeichnete Verwaltungsgebäude der balinesischen Green School, 20 Kilometer von der Hauptstadt Denpasar entfernt, hat den ökologischen Ansatz der Schule bis ins Grundgerüst verinnerlicht: Es ist aus Bambus erbaut. Das ehrgeizige Projekt geht auf eine Initiative der beiden in Indonesien lebenden Amerikaner John und Cynthia Hardy zurück. 2006 entwarfen sie mit einer Gruppe von Architekten und Künstlern einen völlig neuartigen Schulkomplex, der gleich drei Herausforderungen gerecht werden sollte: ein innovativer pädagogischer Ansatz, ein umweltschonendes Wirtschaftsmodell und eine nur auf einem Grundmaterial basierende Architektur. Als Erstes trafen sie die Entscheidung, nur mit Bambus zu bauen, einem traditionellen balinesischen Baustoff, der aufgrund seiner Stabilität und Langlebigkeit auch als „pflanzlicher Stahl“ bezeichnet wird. Schon von weitem sichtbar sind die drei mehrgeschossigen Kegeldächer, die schneckenhausartig ineinandergreifen. Sie verleihen dem Bau einen einheitlichen Charakter und wirken zugleich, als seien sie in ständiger Bewegung – ein Konzept, das die Architekten einer Zeichnung von Leonardo da Vinci entlehnten. Das Gebäude hat keine Mauern, keine Trennwände und wird auf natürliche Art klimatisiert. Sein Skelett ist sichtbar und verläuft manchmal vertikal, manchmal parallel zur Neigung des Dachs. Einige Strukturen – so der stabile Dachträger und der Träger, auf dem die Stockwerke ruhen – sind ineinander verschlungen. Die Bambusschule ist der größte Bau des rund 60 Gebäude umfassenden Campus. Sie gilt heute als Referenz für moderne Architektur aus erneuerbaren Rohstoffen.

Inhaltsübersicht

Das Gefängnis « La Santé » in Paris
Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Das Amiens Museum
Die Windkiste
Schloss Pierrefonds
Die Bambusschule von Bali

Credits

Regie: Stan Neumann, Juliette Garcias, Richard Copans

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1994/2017

Pressestimmen

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« – MDR Figaro

»Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de

»Auch die vorhergehenden Folgen springen: von Barock zu Jugendstil, von Sparkassenbau zu Kathedrale, von Europa nach Asien. Das mag irritieren und ist doch so schlüssig: Architektur, so macht uns diese Reihe aufmerksam, folgt keiner linearen Evolution. Es gibt zwar verstreute rote Fäden, neue Techniken, wegweisende Ideen – doch am Ende steht eben alles nebeneinander, in Resonanz, das eine erst durch das andere ein bisschen besser zu verstehen.« – MDR Figaro

FSK: Infoprogramm

Länge: 156
Bild: NTSC, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital Stereo
Sprache: Deutsch Englisch Französisch
Untertitel: französische Untertitel
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Eric Guéret

Endlagerstätten, die mit Wasser voll laufen. Illegal und unter freiem Himmel in Sibirien eingelagerter französischer Atommüll. Schwer umkämpfte Castor-Transporte: Atommüll ist und bleibt die Schwachstelle der Atomenergie, ihre Achillesferse, ihr verdrängter Alptraum. Die Wissenschaft findet keine annehmbaren Lösungen, die Industrie versucht zu beschwichtigen, die Bevölkerung hat offenbar berechtigte Ängste und die Politik meidet das Thema. Gibt es eine Antwort?

In Zeiten der Angst vor den Folgen der Erderwärmung versuchen Industrielle und Politiker Atomkraft wieder hoffähig zu machen. Gegner und -befürworter streiten darüber, ob diese Form der Energie, in den meisten europäischen Ländern bereits aufgegeben, wieder genutzt werden soll. Im Zentrum der Debatte steht nicht der Super-Gau, der schreckliche Ausnahmeunfall, sondern die alltägliche, gänzlich ungelöste Frage des Atommülls.

Die wenigen europäischen Länder, die eine öffentliche Debatte über radioaktive Abfälle führen, haben bereits einen schrittweisen Ausstieg aus der Atomenergie beschlossen: Deutschland, Österreich, Schweden und Belgien. Dass diese Entscheidung umkehrbar zu sein scheint, belegen die aktuellen Diskussionen in der Energiepolitik.

In Frankreich, Deutschland, den USA und Russland sucht das Filmteam in Gesprächen mit Beschäftigten der Atomindustrie und Atomkraftgegnern sowie Vertretern aus Politik und Industrie erstmals systematisch nach Antworten auf Fragen, die entscheidende Weichenstellungen für die Zukunft der Menschheit betreffen.

Extras

Interview mit Laure Noualhat und Eric Guéret (39 Min., nur auf Französisch)

Inhaltsübersicht

1. Die Angst vor Atommüll
2. Mehr als 100.000 Tonnen Atommüll auf dem Meeresgrund
3. USA: Das Erbe der Atombombe
4. Russland: Majak – eine Region, die geopfert wurde
5. Frankreich: Die Auswirkung der Anlage La Hague auf die Umwelt
6. Liegt Lösung in der Wiederaufbereitung von Atommüll?
7. Wohin geht das wiederaufbereitete Uran aus Frankreich?
8. Wer hat die Atommacht inne?
9. Wenn die Bevölkerung Widerstand leistet
10. Verscharrter Atommüll, 450 Meter unter der Erde

Credits

Recherche: Laure Noualhat, Eric Guéret
Regie: Eric Guéret

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2009

Pressestimmen

»Überall wird gemauschelt, vertuscht und verstrahlt – die Zeche zahlen Mensch und Natur. Diesen Wahnsinn kann man sich kaum klarer vor Augen führen als mit diesem Film.« – natur+kosmos

»Größtes Verdienst des sorgfältig recherchierten Films ist die Aufklärung über das Geheimnis Atomindustrie, das von Politik und Industrie bewusst als technologisch undurchdringlich und unverständlich dargestellt wird. Meist lenken Technokraten und verantwortungslose Politiker das atomare Schicksal unseres Planeten.« – Der Rabe Ralf

»Bei einem Albtraum wird man für gewöhnlich wach und stellt erfreut fest, dass man nur geschlafen hat. … Beim Dokumentarfilm “Albtraum Atommüll” von Eric Guéret wird man wach und stellt fest, dass man wohl die Realität bezüglich Atommüll verschlafen hat und diese ein ziemlicher Albtraum ist. … Guérets Film rüttelt wach mit dem Aufzeigen von Beispielen, die auch nächsten Generationen unruhige Nächte bereiten werden.« – The Epoch Times Deutschland

»Der Titel trifft den Inhalt des Films genau. Er nimmt die Zuschauer mit auf eine wahrhaft albtraumhafte Reise. Die Doku muss keine Bilder von Tschernobyl zeigen, um Betrachter in eine schlaflose Nacht zu schicken. Die Arte-Produktion spielt gar nicht mit der Möglichkeit eines Störfalls, einer Katastrophe im Betrieb. Ihr Anliegen ist der Müll. Arte beleuchtet, wie weit AKWs die Umwelt belasten, selbst wenn die Anlagen völlig pro­blemlos funktionieren.« Focus

»Ich muss zugeben, dass ich bis vor ein paar Jahren die Atomenergie verteidigt habe, aber dann hab ich mich mal darüber informiert. Unfassbar welche Lügen da erzählt werden. Mehr Aufklärung auch in der Blogsphere tut dringend Not.« – Andragon auf netzpolitik.org

»Die Achillesferse des Atomzeitalters« – netzpolitik.org

»Was geschieht mit dem gefährlichen Atommüll, wie funktioniert die angebliche Wiederaufbereitung? Filmemacher Eric Guéret versucht aufzuzeigen, wie die Atomkraft-Lobby weltweit die Informationspolitik steuert. In Frankreich, Russland, Deutschland und den USA macht der Autor erschreckende Entdeckungen: Das Recycling des Atommülls ist eine Farce.« – G-Geschichte

»Bleibt zu hoffen, dass die neue Regierung arte einschaltet. Klarer vor Augen kann man sich diesen Wahnsinn kaum führen…« – oekonews.at

»Der Film zeigt nicht nur, wie skrupellos, menschenverachtend und ignorant die Verursacher von Abermillionen Tonnen Atommüll – militärisch oder zivil – die Öffentlichkeit täuschen. Er tut es auch ohne das Pathos, das dieses Thema durchaus vertrüge, angesichts eines Genozids auf Raten, den uns die Industrie als zukunftsfähige Energie verkauft.« – Jan Freitag Frankfurter Rundschau

»Es ist eine albtraumhafte Weltreise, die Arte uns hier zeigt. In Zeiten des Klimawandels, hoher Energiepreise und eines großen Bedürfnisses nach sicherer Energieversorgung gibt es gute Gründe für die Atomenergie. Dieser Film hat starke Argumente dagegen. Er zeigt die strahlende Fratze dieser Art der Energiegewinnung.« Joachim Hirzel, FOCUS

»Eric Guéret dokumentiert in Albtraum Atommüll den Alltag. Dabei geht es nicht um eine Katastrophe wie 1986 in Tschernobyl, nein, es geht um das, was Tag für Tag passiert. … Eric Guéret ist für seine Dokumentation von Frankreich nach Deutschland, in die USA und nach Russland gereist, hat Atomkraftgegner, Beschäftigte der Atomindustrie, Vertreter aus Politik und Industrie gesprochen und zeigt, wie er bei seiner Recherche immer wieder mit eklatanten Lügen und Fehlinformationen konfrontiert wird. … Eine Antwort auf die Frage, wo man mit dem Atommüll letztlich bleiben soll, hat niemand. … Es geht eben um einen Zeitraum von 10.000en oder gar 100.000en von Jahren, in dem für die Abfallprodukte einer Technologie Sorge getragen werden muss. Wie wir fähig sein sollen, über solche Zeiträume zu denken und verantwortlich zu handeln – auch hier hat niemand eine Antwort.« Hartwig Tegeler, SWR 2 Empfehlung der Begutachtungskommission des Landesmedienzentrums Baden-Württemberg für den Einsatz im Unterricht:
»Dieser Filmbeitrag wird dem Aktualitätsbezug des neuen Bildungsplans in besonderer Weise gerecht. Die DVD kann wahlweise in deutscher oder französischer Sprache (und zusätzlich mit englischen Untertiteln) betrachtet werden und besteht zum großen Teil aus interessanten Interviews, die aber immer wieder durch kurze Filmbeiträge unterbrochen werden. Sie ist zwar sprachlich sehr anspruchsvoll, aber gut verständlich und daher für die Kursstufe im Französischunterricht geeignet. Der Film ist in zehn einzeln anwählbare, in sich thematisch geschlossene Kapitel unterteilt und gibt einen guten Überblick über die aktuelle Situation des Atommülls weltweit.«

FSK: Infoprogramm

Länge: 98
Bild: PAL, Farbe
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch, Französisch, Englisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Die Filmreihe PALETTES ist den großen Werken der Geschichte der Malerei gewidmet. Modernste Untersuchungs- und Computertechniken machen die Enträtselung der Bilder zu einer aufregenden detektivischen Ermittlung.

Euphronios: Der Kelchkrater Herakles und Antaios (515–510 vor Christi)
Am Übergang von der Spätarchaik zur Frühklassik steht der griechische Vasenmaler und Töpfer Euphronios (ca. 535‒470 vor Christus). Er führt die Kunst der Vasenmalerei auf ein bis dahin unerreichtes Niveau. Sein bekanntester Kelchkrater zeigt Herakles im Kampf mit dem Giganten Antaios, eine berühmte Szene aus der griechischen Mythologie. Er gehört zu den schönsten und wichtigsten Exponaten der Sammlung griechischer Vasen im Pariser Louvre.
Ein Film von Alain Jaubert und Pascal Vimenet
Farbe, 30 Min. © 1990 Delta Image ‒ ARTE France ‒ Musée du Louvre ‒ France 3

Porträt aus der Region Faijum: Die Europäerin (um 117‒138)
Das ägyptisches Grabporträt Die Europäerin stammt aus der Zeit der Herrschaft des römischen Kaisers Hadrian, um etwa 117 bis 138 nach Christus. Es handelt sich um eine Holztafel, die über die gesamte Fläche bemalt ist. Etwa 750 Grabporträts aus den ersten Jahrhunderten unserer Zeitrechnung sind dank des trockenen Klimas in der ägyptischen Wüste erhalten geblieben. Die meisten wurden in der Region Faijum unweit von Kairo gefunden.
Farbe, 30 Min. © 1998 ARTE France ‒ Palette Production ‒ Musée du Louvre

Pompeji: Die Fresken in der Mysterien-Villa (70 vor Christi)
Nahe Pompeji wurde 1909 eine große römische Villa mit den bisher am vollständigsten erhaltenen entdeckten Wandmalereien der Antike freigelegt. Zentrale Figur ist Dionysos, der Gott des Weines, der Ekstase und des Theaters. Bestimmte Motive wurden als Etappen der Einführung in die Dionysos-Mysterien interpretiert, woraus schließlich der Name Mysterien-Villa entstand.
Farbe, 30 Min. © 2002 ARTE France ‒ RMN ‒ Musée du Louvre ‒ CBRS Images/Média ‒ Superindendance de Pompéi ‒ Palette Production

Credits

Regie: Alain Jaubert

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1990, 1994, 2002

Pressestimmen

»Die BBC-Dokumentation „Malerei in der Antike“ begibt sich auf eine spannende Zeitreise vom Beginn unserer Zivilisation und der Eiszeit (Episode 1 / 2 ) über das Griechentum (3), Alexander den Großen (4), und das römische Imperium (5) bis zum Wandel mit dem Christentum (6). Bahnbrechende Ereignisse und kühne Erfindungen, blutige Kämpfe und bewegende Schicksale führen anschaulich zu den Ursprüngen unserer Kultur. Zentrale Werke der antiken Kunst nimmt die Arte-Edition unter die Lupe: die berühmten Fresken in der Mysterienvilla bei Pompjie (70 v. Chr.), das ägyptische Grabporträt einer Europäerin aus Faijum bei Kairo ( um 117 -118 n.C) und den Kelchkrater „Herakles und Antaios“ des griechischen Töpfers und Vasenmalers Euphronios. (515 – 510 v.Chr)« – Deutsches Ärzteblatt, September 2012

»PALETTES entwickelt eine idealtypische Kunstvermittlung, die sich gleichermaßen an den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und an den Wissenschaftler wendet: Ein Meisterwerk kunstgeschichtlicher Bildanalyse im Medium Film!« - lehrerbibliothek.de »Selten bekommt man Kunstgeschichte so facettenreich und eindrücklich vermittelt wie in „Palettes“ – in filmischen Erkundungen, die sich gleichermaßen für den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und den Wissenschaftler eignen.« – B5 Kulturnachrichten

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Markus Heidingsfelder, Min Tesch,

Kaum ein Architekt hat in den letzten Jahren außerhalb der Architekturszene für so viel Aufsehen gesorgt wie Rem Koolhaas. Dem Holländer ging es nie um das einzelne »masterpiece«, sondern stets darum, zu provozieren und Spannung zu erzeugen. Die Seattle Library, die Casa da Música in Porto oder die Niederländische Botschaft in Berlin sind eindrucksvolle Beispiele einer Architektur, die mehr sein will als bloße Architektur.

Die Bedeutung und das internationale Renommee des »Architekturdenkers« (Der Spiegel) bezeugen nicht zuletzt eine Professur an der Harvard-Universität und die Verleihung des Pritzker-Preises im Jahr 2000. Die Jury würdigte Koolhaas als »Visionär und Ausführer, Philosoph und Pragmatiker, Theoretiker und Prophet«.

Mit der Musik von Stefan Kozalla alias Adolf Noise alias DJ Koze.

Extras

Bonusfilme:

1) MECHANISMUS – REM KOOLHAAS UND DIRK BAECKER IM GESPRÄCH (52 Min.), der Architekt und der Soziologe über Theorie und Praxis der Architektur
2) ASTOR PLACE PROJECT PRESENTATION (60 Min.)
3) FENSTER ZUM HOF – WOHNEN IN DER NIEDERLÄNDISCHEN BOTSCHAFT (13 Min.): Exklusiv-Einblick in ein Angestellten-Appartement der Niederländischen Botschaft
4) CASA DE MUSICA, Porto – LUFTBILDER (10 Min.)
Inkl. BOOKLET (30 Seiten)

Inhaltsübersicht

Kapitel:

Start
Inputs
The Wall
Delirious New York

OMA/AMO
Buildability
OMA
AMO
Context
EU
Prada

Casa da Música
The Koolhaas Formula
CCTV
Credits

Credits

Kamera: Markus Heidingsfelder, Min Tesch, Boscher Theodor, Philippe Klose
Mitwirkende: Rem Koolhaas, Dirk Baecker, Cecil Balmond, Chris Paul, Emiel Dercon, Jens Hommert, Holger Liebs, Bart Lootsma, Richard Meier, Joshua Prince-Ramus, Clemens Weisshaar, Rene Daalder
Musik: Stefan Kozalla (alias Adolf Noise/DJ Koze)
Regie: Markus Heidingsfelder, Min Tesch,
Schnitt: Hanne Wiesener
Ton: Christian Heinemann, Tobias Kraaz

Produktion: MTP, Markus Heidingsfelder, ZDF, ARTE
Redaktion: Martin Pieper
Produktionsland: D
Produktionsjahr: 2005

Pressestimmen

»The only movie about me that I like.« (Rem Koolhaas)

»Ein gelungenes Filmexperiment. Beim Arrangieren des Bildmaterials gelingen den Autoren schöne
Rhythmisierungen; mit Stoptrick-Animationen bringen sie Leben in die Statik der Pläne und Skizzen.«
- Süddeutsche Zeitung

»Ein sorgfältig recherchiertes Porträt, im Stil der Koolhaas’schen “kalkulierten Anachie” mit schnellen Schnitten, dynamischen Animationen und flotter Musik von DJ Koze« (Tages-Anzeiger, 23.01.2008)

FSK: o.A.
Länge: 97
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby Digital
Sprache: Deutsch, Englisch, Niederländisch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument
Genre: Biografie/Porträt

Regie: Alain Jaubert

Die Filmreihe PALETTES ist den großen Werken der Geschichte der Malerei gewidmet. Modernste Untersuchungs- und Computertechniken machen die Enträtselung der Bilder zu einer aufregenden detektivischen Ermittlung.

Tizian: Ländliches Konzert (um 1510)
In ein glückliches Arkadien führt Tizian (1488‒1576) den Betrachter mit seinem Gemälde. Es zeigt eine bukolische Szene: einen Schäfer und im Vordergrund zwei Männer und zwei nackte Frauen in einer idyllischen Landschaft im Gras sitzend. Sie musizieren auf einer Laute und einer Flöte. PALETTES untersucht den Bedeutungsgehalt des allegorischen Bildes und taucht dazu in die Geistesgeschichte der Renaissance und der Antike ein.

Leonardo: Heilige Anna Selbdritt (1500–1515)
Leonardo da Vincis harmonisch komponiertes Gemälde zeigt im Mittelpunkt die Heilige Anna. Auf ihrem Schoß sitzt die Jungfrau Maria, die sich zum Jesuskind herunterbeugt. Dieses ist nackt mit lockigem Haar und will über ein sich sträubendes Lamm springen. Anna scheint Maria einzuhüllen. Man versuchte, in diesem Werk geheime Prophezeiungen, rätselhafte Zerrbilder und verborgene optische Spielereien zu sehen. PALETTES erzählt die Geschichte des Gemäldes nach Art eines Kriminalromans.

Raffael: Porträt des Grafen Baldassare Castiglione (1515)
1514 gibt Graf Baldassare Castiglione bei seinem Freund Raphaelo Santi, genannt Raffael (1483‒1520), ein Porträt von sich in Auftrag. Das Bild erzählt eine Geschichte, die über den Rahmen der tiefen Freundschaft zwischen dem Maler und seinem Modell hinausgeht: Es spiegelt die Philosophie einer ganzen Epoche wider, denn erst ab der Renaissance gewann das Porträt an Bedeutung, als eine neue Weltanschauung und eine veränderte Auffassung der Rolle des Künstlers die mittelalterliche Denkweise ablöste.

Credits

Regie: Alain Jaubert

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1993, 1989, 1994

Pressestimmen

»PALETTES entwickelt eine idealtypische Kunstvermittlung, die sich gleichermaßen an den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und an den Wissenschaftler wendet: Ein Meisterwerk kunstgeschichtlicher Bildanalyse im Medium Film! In jeweils dreißig minütigen Filmen werden drei Meisterwerke aus der Zeit der Renaissance (beginnendes 16. Jhdt.) vorgestellt:
1) Tizian: Ländliches Konzert (um 1510),
2) Leonardo da Vinci: Heilige Anna Selbdritt (1500–1515),
3) Raffael: Porträt des Grafen Baldassare Castiglione (1515).
Modernste Animationstechnik enträtselt die Bilder und macht Kunstgeschichte spannend. Am Anfang steht stets das Bild selbst; nur darum geht es. Sensibel wendet sich Alain Jaubert, der Alleinautor aller Folgen, zunächst dem zu, was ins Auge fällt: den zentralen Figuren, Farben oder Formen. Anschließend rekonstruiert er den Bildaufbau, verfolgt die Bildmotive durch das Gesamtwerk des Künstlers und spürt sorgfältig noch den unauffälligsten Details nach. Dann setzt er die Maltechnik, die Bildträger, die Farbauswahl in Beziehung zum Thema.«
– lehrerbibliothek.de

»Selten bekommt man Kunstgeschichte so facettenreich und eindrücklich vermittelt wie in „Palettes“ – in filmischen Erkundungen, die sich gleichermaßen für den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und den Wissenschaftler eignen.« – B5 Kulturnachrichten

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Die Filmreihe PALETTES ist den großen Werken der Geschichte der Malerei gewidmet. Modernste Untersuchungs- und Computertechniken machen die Enträtselung der Bilder zu einer aufregenden detektivischen Ermittlung.

Delacroix: 28. Juli 1830 ‒ Die Freiheit führt das Volk (1831)
Im Jahr 1830 nahm Eugène Delacroix (1798‒1863) an der Julirevolution teil, die ihn zu seinem Bild Die Freiheit führt das Volk inspirierte. Das Bild löste eine wahrhafte Polemik aus: Die als Retterin dargestellte bewaffnete Frau, die mit entblößter Brust auf einem Leichenhaufen steht, in der einen Hand eine Fahne, in der anderen ein Bajonett, schockierte mit ihrer zu realistischen Darstellung.

Ingres: Das türkische Bad (1862/1863)
Am Ende seiner Schaffensperiode versammelte Jean-Auguste Dominique Ingres auf seinem Bild 25 weibliche Akte, die seine Faszination für den Orient zeigten, welcher sich wie ein roter Faden durch das Werk des Künstlers zieht. Ursprünglich als rechteckiges Bild angelegt, zerschnitt es der Maler und gestaltete es zu einem Rondo um, einem Rundbild in der Tradition der klassischen religiösen Malerei.

Courbet: Das Begräbnis in Ornans (1849)
Das Bild wurde 1851 im Pariser Salon ausgestellt und löste einen Skandal aus. Auf dem sieben Meter langen Gemälde sind ganz gewöhnliche Leute wiedergegeben ‒ genau 46 Menschen, die Einwohner von Ornans, dem Geburtsort des Malers. Über die Darstellung der Teilnehmer an dieser Prozession wird der Betrachter mit sich selbst konfrontiert, eine metaphysische Erfahrung für Augen und Sinne.

Credits

Regie: Alain Jaubert

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1989, 1991, 1996

Pressestimmen

»PALETTES entwickelt eine idealtypische Kunstvermittlung, die sich gleichermaßen an den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und an den Wissenschaftler wendet: Ein Meisterwerk kunstgeschichtlicher Bildanalyse im Medium Film!«
– lehrerbibliothek.de

»Selten bekommt man Kunstgeschichte so facettenreich und eindrücklich vermittelt wie in „Palettes“ – in filmischen Erkundungen, die sich gleichermaßen für den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und den Wissenschaftler eignen.« – B5 Kulturnachrichten

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 90
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Die Großen der Moderne: Picasso – Bonnard ‒ Matisse
Aus der ARTE-Reihe PAlettes von Alain Jaubert

PICASSO „Die Kreuzigung“
Pablo Picasso, der Atheist, bearbeitet 1930 das religiöse Sujet schlechthin, Die Kreuzigung. Christus, Maria Magdalena, die Leiter, der Zenturio, die Soldaten beim Würfelspiel, die Schächer – alles da. Aber in Picassos Werk ist noch eine ganz andere Geschichte zu entdecken; sie handelt von ihm selbst und von sehr gefräßigen Frauen…

BONNARD „Atelier mit Mimosen“
Atelier mit Mimosen (1939-1946) von Pierre Bonnard, das ist ein Spiel von Rahmen und Zentrum, von Atelierinnenraum und Garten, von künstlichem Licht und dämmerndem Nachmittag, von glatter und rauer Pinselführung. Und der Versuch, eine absolute Farbe zu erzeugen: Das strahlende Gelb der Mimosen.

MATISSE „Die Trauer des Königs“
Den Konflikt zwischen Linie und Farbe wollte er lösen und arbeitete deshalb nicht mehr mit dem Pinsel, sondern mit – der Schere: Pierre Matisse. Die Trauer des Königs (1952) zeigt den kranken Künstler auf der Höhe seiner Kunst, in der die Musik, die Skulptur, der Tanz und der Orient ein berückendes Fest feiern. Eine Apotheose des Dekorativen.

Credits

Regie: Alain Jaubert

Pressestimmen

»Selten bekommt man Kunstgeschichte so facettenreich und eindrücklich vermittelt wie in „Palettes“ – in filmischen Erkundungen, die sich gleichermaßen für den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und den Wissenschaftler eignen.«
– B5 Kulturnachrichten

FSK: Infoprogramm
Vertriebsgebiet: D, A, CH

Länge: 90
Bild: PAL
Ton: Dolby 1.0
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Regie: Alain Jaubert

Eine der besten und aufschlussreichsten Kunst-Serien weltweit!

Endlich sind alle 50 Folgen dieser Reihe auf DVD in einer Box erhältlich. Nie ist Malerei im Film so aufschlussreich analysiert worden – und nie so spannend. 50 Meisterwerke aus allen Epochen werden in je 30-minütigen Filmen vorgestellt und mit modernsten Hilfsmitteln aus Kamera- und Computertechnik umfassend ausgeleuchtet.

Mit den 17 DVD:

Lascaux: Prähistorische Kunst in der Höhle

Malerei der Antike: Euphronios – Faijum – Pompeji

Bilder aus Asien: Persische Miniaturen – Shitao – Hokusai

Die Geburt der Perspektive: Sassetta – Uccello – Della Francesca

Heilige Mysterien: van Eyck – Grünewald – Veronese – Caravaggio

Die Zeit der Titanen: Tizian – Leonardo – Raffael

Das goldene Jahrhundert der Niederlande: Rubens – Rembrandt – Vermeer

Das französische »Grand Siècle«: De la Tour – Lorrain – Poussin
Die Aufklärung: Watteau – Chardin – Fragonard

Um 1800: Géricault – David – Goya

Von der Romantik zum Realismus: Delacroix – Ingres – Courbet

Die Geburt des Impressionismus: Manet – Renoir – Monet

Nach dem Impressionismus: Vuillard – Seurat – Toulouse-Lautrec

Die Revolution Cézanne: Gauguin – Van Gogh – Cézanne

Die Großen der Moderne: Picasso – Bonnard – Matisse

Von Duchamp zur Pop-Art: Duchamp – Klein – Warhol

Grenzgänger: Die Dame mit dem Einhorn – Kandinsky – Bacon

Inhaltsübersicht

Alle 50 Folgen:

Lascaux: Prähistorische Kunst in der Höhle
Euphronios: Der Kelchkrater Herakles und Antaios (515–510 vor Christi)
Porträt aus der Region Faijum: Die Europäerin (um 117‒138)
Pompeji: Die Fresken in der Mysterien-Villa (70 vor Christi)
Bilder aus Asien: Persische Miniaturen – Shitao – Hokusai
Shitao: Der Berg Jingting im Herbst (1671)
Hokusai: Die Woge (1831)
Sassetta: Rekonstruktion des Altaraufsatzes von Borgo San Sepolcro (1437–1444)
Uccello: Die Schlacht von San Romano (1435–1440)
della Francesca: Geißelung Christi (um 1460)
van Eyck: Die Madonna des Kanzlers Rolin (um 1435)
Grünewald: Der Isenheimer Altar (um 1510‒1516)
Veronese: Das Gastmahl im Hause des Levi (1571‒1573)
Caravaggio: Der Zyklus des Matthäus (1599–1602)
Tizian: Ländliches Konzert (um 1510)
Leonardo: Heilige Anna Selbdritt (1500–1515)
Raffael: Porträt des Grafen Baldassare Castiglione (1515)
Rubens: Die Porträts von Hélène Fourment
Rembrandt: Selbstporträts
Vermeer: Der Astronom (1668)
de la Tour: Der Falschspieler (1630)
Lorrain: Meereshafen (1639)
Poussin: Die vier Jahreszeiten (1660–1664)
Watteau: Wallfahrt zur Insel Kythera (1717)
Chardin: Der Rochen (1728)
Fragonard: Der Riegel (um 1775)
Géricault: Das Floß der Medusa (1819)
David: Die Sabinerinnen (1799)
Goya: Junge Frauen (1812‒1814) / Alte Frauen (1808‒1810)
Delacroix: 28. Juli 1830 ‒ Die Freiheit führt das Volk (1831)
Ingres: Das türkische Bad (1862/1863)
Courbet: Das Begräbnis in Ornans (1849)
Manet: Olympia (1865)
Renoir Tanz im Moulin de la Galette (1876)
Monet »Der Seerosenteich«
Vuillard: Die öffentlichen Anlagen (1894)
Seurat: Ein Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte (1884)
Toulouse-Lautrec: Ball im Moulin Rouge / Maurischer Tanz (1895)
Van Gogh: Das Zimmer von Arles (1888 / 89)
GAUGUIN »Arearea« (1892)
CEZANNE »Der Mont-Saint-Victoire in Aix«
PICASSO „Die Kreuzigung“
BONNARD „Atelier mit Mimosen“
MATISSE „Die Trauer des Königs“
DUCHAMP »Akt, eine Treppe hinabsteigend«
YVES KLEIN »Anthropometrie der blauen Epoche«
ANDY WARHOL »Ten Lizes«
DIE WANDTEPPICHE DES MUSÉE DE CLUNY Die Dame mit dem Einhorn (1480–1500)
KANDINSKY »Gelb – Rot – Blau« 1925
BACON »Drei Figuren in einem Raum« (1964)

Lascaux: Prähistorische Kunst in der Höhle
Die Malereien in der Höhle von Lascaux in der Dordogne entstanden ca. 18.000 Jahre vor unserer Zeitrechnung. Erst 1940 wurden sie zufällig von Jugendlichen wiederentdeckt.

Umfangreiche Untersuchungen ergaben, dass die verwendeten Farben in Reibschalen, auf Paletten und in Farbnäpfen zubereitet wurden. Die Maler arbeiteten auf Gerüsten und hatten Lampen. Sie beherrschten sowohl die Darstellung von Bewegungsabläufen als auch reliefartige und perspektivische Darstellungsformen. Die Anordnung der Tiere auf den Wänden folgte bestimmten Regeln, so dass die Kompositionen Sinnzusammenhänge ergaben.

Wer waren die Maler? Was bedeuten die offensichtlich symbolischen Szenen? Welche Auskunft geben die in der Höhle gefundenen Gegenstände?

Seit 1983 ist die Höhle von Lascaux nicht mehr öffentlich zugänglich. PALETTES eröffnet dem Zuschauer die Möglichkeit, die Höhle zu erkunden, und macht mit modernen technischen Mitteln ‒ Paintbox und Videoanimation ‒ verborgene Zeichnungen und Malereien und mit bloßem Auge nicht wahrnehmbare Einzelheiten sichtbar. Mittels beeindruckender Computergrafik wird die Arbeitsweise der Maler rekonstruiert. So ist es möglich, verschiedene Hypothesen über die Entstehung der Zeichnungen zu überprüfen und die Höhlenmalerei von Lascaux mit anderen Höhlenmalereien zu vergleichen.

Malerei der Antike: Euphronios – Faijum – Pompeji
Euphronios: Der Kelchkrater Herakles und Antaios (515–510 vor Christi)
Am Übergang von der Spätarchaik zur Frühklassik steht der griechische Vasenmaler und Töpfer Euphronios (ca. 535‒470 vor Christus). Er führt die Kunst der Vasenmalerei auf ein bis dahin unerreichtes Niveau. Sein bekanntester Kelchkrater zeigt Herakles im Kampf mit dem Giganten Antaios, eine berühmte Szene aus der griechischen Mythologie. Er gehört zu den schönsten und wichtigsten Exponaten der Sammlung griechischer Vasen im Pariser Louvre.

Porträt aus der Region Faijum: Die Europäerin (um 117‒138)
Das ägyptisches Grabporträt Die Europäerin stammt aus der Zeit der Herrschaft des römischen Kaisers Hadrian, um etwa 117 bis 138 nach Christus. Es handelt sich um eine Holztafel, die über die gesamte Fläche bemalt ist. Etwa 750 Grabporträts aus den ersten Jahrhunderten unserer Zeitrechnung sind dank des trockenen Klimas in der ägyptischen Wüste erhalten geblieben. Die meisten wurden in der Region Faijum unweit von Kairo gefunden.

Pompeji: Die Fresken in der Mysterien-Villa (70 vor Christi)
Nahe Pompeji wurde 1909 eine große römische Villa mit den bisher am vollständigsten erhaltenen entdeckten Wandmalereien der Antike freigelegt. Zentrale Figur ist Dionysos, der Gott des Weines, der Ekstase und des Theaters. Bestimmte Motive wurden als Etappen der Einführung in die Dionysos-Mysterien interpretiert, woraus schließlich der Name Mysterien-Villa entstand.

Bilder aus Asien: Persische Miniaturen – Shitao – Hokusai
Persische Miniaturen: Die Gärten des Paradieses (1619–1624)
Im Bestand der französischen Nationalbibliothek befindet sich ein persisches Manuskript aus Isfahan aus dem 17. Jahrhundert. Das in arabischer Kalligrafie verfasste und mit zahlreichen Miniaturen versehene Buch mit dem Titel »Chamse« (fünf) versammelt die »fünf Schätze« – fünf Versepen – des großen persischen Dichters Nizami aus dem 12. Jahrhundert. Die prachtvollen Illustrationen belegen die hohe Kunst der persischen Maltradition und machen ihren Umgang mit Raum und Farbe anschaulich.

Shitao: Der Berg Jingting im Herbst (1671)
Die mit Tusche auf Papier gemalte Berglandschaft von Shitao (1642–1707) scheint einem spontanen Einfall zu folgen und wirkt zugleich höchst raffiniert. Shitao, dessen Werk von buddhistischer Spiritualität erfüllt ist, war einer der talentiertesten Maler und größten Kunsttheoretiker seiner Zeit. Seine Zeichnung bildet nicht einfach die Natur ab. Hinter dem scheinbar einfachen Thema verbirgt sich eine ganze Welt von Entsprechungen, Anspielungen und Figuren.

Hokusai: Die Woge (1831)
Eine riesige Welle, die im nächsten Augenblick drei zerbrechliche Boote verschlingen wird: Das Bild »Die Woge« des japanischen Malers Katsushika Hokusai (1760–1849) gilt als der bekannteste japanische Farbholzschnitt überhaupt. Er ist Teil des Zyklus »36 Ansichten des Fuji« und fasziniert seine Betrachter noch heute durch die Präzision, Dynamik und innere Suspense der Komposition.

Die Geburt der Perspektive: Sassetta – Uccello – Della Francesca
Sassetta: Rekonstruktion des Altaraufsatzes von Borgo San Sepolcro (1437–1444)
In Borgo San Sepolcro an der Grenze zwischen der Toskana und Umbrien bitten im Jahre 1437 Franziskanermönche den Maler Stefano di Giovanni, auch Sassetta genannt, die Holztafeln für den Altaraufsatz ihrer Klosterkirche zu gestalten. Heute sind die 26 prächtig bemalten Tafeln über zehn verschiedene Museen verstreut. PALETTES gelingt das, wovon Kunsthistoriker schon lange träumen: den größten und berühmtesten italienischen Flügelaltar (virtuell) wieder zusammenzusetzen.

Uccello: Die Schlacht von San Romano (1435–1440)
»Die Schlacht von San Romano« von Paolo di Dono, genannt Paolo Uccello (1397–1475), ist eines der berühmtesten Kriegsbilder. Auf drei Tafelbildern ist die Darstellung einer Schlacht zu sehen, die 1432 zwischen den Städten Florenz und Siena ausgetragen wurde. Uccello schuf mit diesem Werk eines der ersten Renaissance-Gemälde, das die neu entdeckte lineare Perspektive in einem Bild anwandte. Auf drei Museen verteilt gilt es als Manifest der neuen Kunst des 15. Jahrhunderts: durch seine intensive Beschäftigung mit den Gesetzen der Perspektive und dem ausgeprägten Interesse an der geometrischen Form, der Farbe und besonders an der Bewegung.

della Francesca: Geißelung Christi (um 1460)
Das Gemälde von Piero della Francesca (1420–1497) ist das Werk eines hochgebildeten Künstlers, der durch die genau berechnete Anordnung der architektonischen und landschaftlichen Elemente zahlreiche Denkfallen in Form von Rätseln, Sinnbildern und Paradoxa versteckte. Aufgrund dieser besonderen Logik wurde della Francesca auch als der »Mystiker des Maßes« bezeichnet.

Heilige Mysterien: van Eyck – Grünewald – Veronese – Caravaggio

van Eyck: Die Madonna des Kanzlers Rolin (um 1435)
Die Madonna des Kanzlers Nicolas Rolin des niederländischen Meisters Jan van Eyck (1376‒1441) ist eines der ersten bekannten Ölgemälde. Neben den vier Hauptpersonen im Vordergrund, unter anderem Maria mit dem Jesuskind, enthält es Hunderte faszinierender Einzelheiten.

Grünewald: Der Isenheimer Altar (um 1510‒1516)
Dem Isenheimer Altar wurden im Mittelalter zu Zeiten der Pest heilende Kräfte zugesprochen. Die geöffnete Mittelstellung des Altars zeigt Verkündigung, Engelskonzert, Geburt Christi und Auferstehung. In geschlossenem Zustand stellt der Altar eine tief beeindruckende Kreuzigungsszene dar, die von zwei kleineren Abbildungen des Heiligen Sebastian und des Heiligen Antonius eingerahmt wird.

Veronese: Das Gastmahl im Hause des Levi (1571‒1573)
Paolo Veronese (1528‒1588) zeigt auf seinem 13,10 × 5,55 Meter großen Gemälde nicht nur Christus und seine zwölf Apostel, sondern ein venezianisches Festbankett mit etwa 50 Personen. Der Inquisition missfiel dieses Werk und sie verlangte, inhaltliche Veränderungen vorzunehmen. Veronese korrigierte jedoch lediglich den Titel und so wurde das letzte Abendmahl zum Gastmahl im Hause des Levi.

Caravaggio: Der Zyklus des Matthäus (1599–1602)
Wie kaum ein anderer wusste Caravaggio (1571‒1610) biblische Szenen so lebensnah und die Gestik seiner Gestalten so dramatisch zu gestalten, dass sie den Betrachter mitten ins Geschehen versetzen. Der Zyklus des Matthäus (1599‒1602) in der Contarelli-Kapelle San Luigi dei Francesci in Rom ist ein Beispiel dieser meisterlichen Kunst. PALETTES geht der Entstehungsgeschichte dieses Meisterwerks nach.

Die Zeit der Titanen: Tizian – Leonardo – Raffael
Tizian: Ländliches Konzert (um 1510)
In ein glückliches Arkadien führt Tizian (1488‒1576) den Betrachter mit seinem Gemälde. Es zeigt eine bukolische Szene: einen Schäfer und im Vordergrund zwei Männer und zwei nackte Frauen in einer idyllischen Landschaft im Gras sitzend. Sie musizieren auf einer Laute und einer Flöte. PALETTES untersucht den Bedeutungsgehalt des allegorischen Bildes und taucht dazu in die Geistesgeschichte der Renaissance und der Antike ein.

Leonardo: Heilige Anna Selbdritt (1500–1515)
Leonardo da Vincis harmonisch komponiertes Gemälde zeigt im Mittelpunkt die Heilige Anna. Auf ihrem Schoß sitzt die Jungfrau Maria, die sich zum Jesuskind herunterbeugt. Dieses ist nackt mit lockigem Haar und will über ein sich sträubendes Lamm springen. Anna scheint Maria einzuhüllen. Man versuchte, in diesem Werk geheime Prophezeiungen, rätselhafte Zerrbilder und verborgene optische Spielereien zu sehen. PALETTES erzählt die Geschichte des Gemäldes nach Art eines Kriminalromans.

Raffael: Porträt des Grafen Baldassare Castiglione (1515)
1514 gibt Graf Baldassare Castiglione bei seinem Freund Raphaelo Santi, genannt Raffael (1483‒1520), ein Porträt von sich in Auftrag. Das Bild erzählt eine Geschichte, die über den Rahmen der tiefen Freundschaft zwischen dem Maler und seinem Modell hinausgeht: Es spiegelt die Philosophie einer ganzen Epoche wider, denn erst ab der Renaissance gewann das Porträt an Bedeutung, als eine neue Weltanschauung und eine veränderte Auffassung der Rolle des Künstlers die mittelalterliche Denkweise ablöste.

Das goldene Jahrhundert der Niederlande: Rubens – Rembrandt – Vermeer
Rubens: Die Porträts von Hélène Fourment
Im Alter von 53 Jahren heiratete der flämische Maler Peter Paul Rubens (1577‒1640) in zweiter Ehe die wesentlich jüngere Hélène Fourment. Bis zu seinem Tod fertigt er zahlreiche Porträts von ihr an. Rubens beschränkt sich jedoch nicht auf Hélènes Darstellung als Ehefrau und Mutter, sondern zeigt sie auch in Bildern, die Szenen aus der antiken Sagenwelt zum Inhalt haben. PALETTES geht der Darstellung der Körperlichkeit in den Bildern nach und erläutert die allegorische Bedeutung der Motive.

Rembrandt: Selbstporträts
Mehr als einhundert Mal machte Rembrandt van Rijn (1606–1669) sein Gesicht zum Motiv von Stichen, Zeichnungen und Gemälden. Diese Selbstbildnisse zeugen von der inneren Auseinandersetzung des Künstlers mit sich und mit seiner Vergänglichkeit. Sie enthalten aber auch zahlreiche Hinweise auf das im Wandel begriffene humanistische Europa.

Vermeer: Der Astronom (1668)
Die holländische Genremalerei des 17. Jahrhunderts brachte viele Darstellungen von Gelehrten hervor. Jan Vermeers Ölgemälde Der Astronom zeigt einen über einen Globus gebeugten Mann, der seine Erleuchtung aus dem Licht zu beziehen scheint. Vermeer kritisiert mit seinem Werk unter anderem die Tatsache, dass die Wissenschaft von den Sternen bis weit ins 17. Jahrhundert hinein verpönt war.

Das französische »Grand Siècle«: De la Tour – Lorrain – Poussin
de la Tour: Der Falschspieler (1630)
Das Gemälde »Der Falschspieler« von Georges de la Tour (1593‒ 1652) entstand zu einer Zeit, in der in Frankreich der Kampf gegen Falschspieler und Betrüger verstärkt wurde. Das Bild zeigt drei Kartenspieler und eine Serviererin und spiegelt das zu seiner Entstehungszeit weit verbreitetes Sprichwort wieder: »Liebe, Wein und Spiel haben schon manchen Mann verdorben«. PALETTES analysiert die Komposition des Bildes und seine Bedeutung und erzählt von der Wiederentdeckung des Werks zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Lorrain: Meereshafen (1639)
Das Gemälde »Meereshafen« von Claude Gellée, genannt Lorrain (1602‒1682), zeigt eine abendliche Hafenstimmung einer Stadt im italienischen Stil. Das Hafenbecken wird von der untergehenden Sonne in zarte Gelbtöne getaucht. Die imaginäre Szenerie weist eine faszinierende perspektivische Tiefenwirkung auf. PALETTES untersucht mehrere Versionen des Themas, die Lorrain als Zeichnung oder Gemälde anfertigte, und beleuchtet daneben die Baugeschichte des alten Rom, die ‒ wenn auch nicht historisch exakt ‒ Eingang in das Gemälde fand.

Poussin: Die vier Jahreszeiten (1660–1664)
Während seiner letzten Jahre in Rom malte Nicolas Poussin für den Herzog Richelieu vier Bilder, die die vier Jahreszeiten thematisieren. Zugleich stellen sie die vier Phasen der Erlösung, die vier Abschnitte des Tages, die vier Zeitalter der Menschheitsgeschichte und vor allem die vier Evangelien der Bibel dar. Diese Bilderserie, die als das malerische Testament Poussins angesehen wird, ist Ausdruck einer technisch ausgereiften Kunst und zugleich eine Synthese aller Elemente des Spätwerks des Künstlers.

Die Aufklärung: Watteau – Chardin – Fragonard
Watteau: Wallfahrt zur Insel Kythera (1717)
In eine Art Liebesgarten entführt Antoine Watteaus (1684‒1721) Gemälde. Es zeigt mehrere junge Paare bei einem Fest. Am Ufer eines Sees scheinen sie auf das Ablegen des goldenen Bootes zu warten, das sie auf eine Initiationsreise der Liebe mitnimmt. Von den Dichtern Baudelaire, Verlaine, Rodin und Proust in den höchsten Tönen gelobt und von unzähligen Malern kopiert und immer wieder kommentiert, ist Watteaus Gemälde bis heute Legende und Utopie zugleich.

Chardin: Der Rochen (1728)
Das Stillleben von Jean-Baptiste Siméon Chardin (1699‒1779) setzt wie viele andere Gemälde der Epoche ein Stück unbelebte Natur in Szene: Neben kupferglänzendem Kochgeschirr, Tontellern und einem Messer sind Fische und Austern lose auf einem weißen Tischtuch drapiert. An einem Haken in einer Wandnische hängt ein enthäuteter Rochen. Obwohl das Motiv auf den ersten Blick »degoutant« wirkt, wurde das Bild bereits zu Lebzeiten des Malers als Vorbild seines Genres und als Meisterwerk des Realismus verehrt.

Fragonard: Der Riegel (um 1775)
Das Bild »Der Riegel« zeigt ein Liebespaar, das im Begriff ist, sich im Schlafzimmer einzuschließen. Das Gemälde wurde 1785 zusammen mit Jean Honoré Fragonards (1732–1806) gleichformatigem Bild »Die Anbetung der Hirten« angeboten ‒ eine Kombination, die im ersten Moment seltsam erscheint, aber als Variation der klassischen Opposition zwischen heiliger und profaner Liebe verstanden werden kann: Der Reinheit der Jungfrau Maria und des Jesuskindes wird die amouröse Leidenschaft gegenübergestellt. PALETTES untersucht, wie »Der Riegel« eine aufgeklärte Auffassung von Liebe abbildet, die das liberale Moralverständnis der Zeit wiedergibt.

Um 1800: Géricault – David – Goya
Géricault: Das Floß der Medusa (1819)
Meuterei, Gewalttaten, Kannibalismus ‒ der junge französische Maler Théodore Géricault (1791‒1824) greift das Schicksal der Fregatte La Méduse auf, die Anfang 1816 Schiffbruch erlitten hatte. 147 Menschen konnten sich auf ein großes Floß retten, das 13 Tage später mit nur 15 Überlebenden gefunden wurde. Die Einzelheiten dieses grausigen Ereignisses motivierten Géricault zu einem der größten und bewegendsten Gemälde seiner Zeit.

David: Die Sabinerinnen (1799)
Im Gefängnis, wo der Maler Jacques-Louis David (1748‒1825) aufgrund seines politischen Engagements für die Französischen Revolution auf die Guillotine wartet, beginnt er 1794 sein großformatige Gemälde Die Sabinerinnen zu malen. Nach fünf Jahren vollendet er das Bild, das jedoch erst 1799 an die Öffentlichkeit gelangt. David lässt nicht nur seine Leidenschaft für die römische Antike in das Bild einfließen, sondern auch zahlreiche aktuelle politische Anspielungen. Es ist eine Auseinandersetzung mit dem Verhältnis von Mythos und Geschichte, von realem Ereignis und Legende.

Goya: Junge Frauen (1812‒1814) / Alte Frauen (1808‒1810)
Zwei Gemälde gleicher Größe, die auf den ersten Blick wenig gemein haben, außer, dass sie eine Frau und ihre Dienerin zeigen: Francisco de Goyas Junge Frauen und Alte Frauen. Während auf dem ersten Bild eine Städterin voller jugendlicher Schönheit in legerer Haltung posiert, betrachtet sich im zweiten Bild eine alte Frau kokett im Spiegel. Zusammen bilden die Gemälde eine Art Gleichnis in der Tradition der volkstümlichen Drucke zu den Lebensphasen des Menschen.

Von der Romantik zum Realismus: Delacroix – Ingres – Courbet
Delacroix: 28. Juli 1830 ‒ Die Freiheit führt das Volk (1831)
Im Jahr 1830 nahm Eugène Delacroix (1798‒1863) an der Julirevolution teil, die ihn zu seinem Bild Die Freiheit führt das Volk inspirierte. Das Bild löste eine wahrhafte Polemik aus: Die als Retterin dargestellte bewaffnete Frau, die mit entblößter Brust auf einem Leichenhaufen steht, in der einen Hand eine Fahne, in der anderen ein Bajonett, schockierte mit ihrer zu realistischen Darstellung.

Ingres: Das türkische Bad (1862/1863)
Am Ende seiner Schaffensperiode versammelte Jean-Auguste Dominique Ingres auf seinem Bild 25 weibliche Akte, die seine Faszination für den Orient zeigten, welcher sich wie ein roter Faden durch das Werk des Künstlers zieht. Ursprünglich als rechteckiges Bild angelegt, zerschnitt es der Maler und gestaltete es zu einem Rondo um, einem Rundbild in der Tradition der klassischen religiösen Malerei.

Courbet: Das Begräbnis in Ornans (1849)
Das Bild wurde 1851 im Pariser Salon ausgestellt und löste einen Skandal aus. Auf dem sieben Meter langen Gemälde sind ganz gewöhnliche Leute wiedergegeben ‒ genau 46 Menschen, die Einwohner von Ornans, dem Geburtsort des Malers. Über die Darstellung der Teilnehmer an dieser Prozession wird der Betrachter mit sich selbst konfrontiert, eine metaphysische Erfahrung für Augen und Sinne.

Die Geburt des Impressionismus: Manet – Renoir – Monet
MANET »Olympia«
Édouard Manets Olympia (1865): Das ist eine nackte Göttin, die nicht mehr aus der Mythologie stammt, sondern aus der blanken Realität. Statt Entrückung: Provokation; der Betrachter wird zum Freier. Es ist eine selbstbewusste Prostituierte, die einen der größten Skandale der Kunstgeschichte auslöst und Manet zum Helden einer neuen Malergeneration macht: Den Impressionisten.

RENOIR »Tanz im Moulin de la Galette«
Er gilt als der große Milde unter den impressionistischen Wilden: Pierre-Auguste Renoir. Sein Meisterwerk, der bezaubernder Sommerwalzer Tanz im Moulin de la Galette (1876), ist ein Fest der Blicke und Bewegungen, der Gesten und Haltungen; ein Fest des Flüchtigen und Flackernden mitten im Reich der Arbeiterinnen und Künstler. Renoirs Tanz ist DAS Manifest der Pariser Bohéme.

Monet »Der Seerosenteich«
Fast fünfzig Mal hat Claude Monet zwischen 1899 und 1924 den Seerosenteich seines Gartens mit der markanten japanischen Brücke gemalt. In seiner kühnen Verwendung des Materialgrundes, mit seiner rigiden Opposition in der Bildanlage, mit seiner Kunst des kleinsten Übergangs und mit der scheinbar unkontrollierten Pinselführung seiner Spätwerke wird Monet zum Vollender des Impressionismus – und zum Vorbild für Kandinsky und Mondrian.

Nach dem Impressionismus: Vuillard – Seurat – Toulouse-Lautrec

Vuillard: Die öffentlichen Anlagen (1894)
Öffentliche Anlagen malte der französische Künstler Edouard Vuillard (1868‒1940) mit Vorliebe: grüne Baumreihen, spielende Kinder oder gar Hunde, oft beaufsichtigt von dem wachsamen Auge eines Kindermädchens. 1894 entstand seine neunteilige Gemäldeserie »Jardins publics«. PALETTES taucht ein in das Paris, das Vuillard auf seinen Bildern festhielt, analysiert Arbeitsstil und Motivwahl des Künstlers und macht sich auf die Suche nach einem verschwundenen Bild dieses lange verkannten Malers.

Seurat: Ein Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte (1884)
Der damals erst 26-jährige Georges Seurat stellte bei der letzten Impressionistenausstellung 1886 ein Gemälde aus, das für Aufregung sorgen und die Kunstwelt verändern sollte. Ein »Sonntagnachmittag auf der Île de la Grande Jatte« führte zur Entstehung der Gruppe der Neoimpressionisten, auch »Pointillisten« genannt, und wirkte nachhaltig auf die folgenden Künstlergenerationen. PALETTES begibt sich auf die Spur dieses zum »Manifest« gewordenen Bildes.

Toulouse-Lautrec: Ball im Moulin Rouge / Maurischer Tanz (1895)
Die einst berühmte Cancan-Tänzerin des Moulin Rouge und Königin des nächtlichen Paris der »Belle Epoque«, La Goulue, bestellt bei ihrem Freund Henri de Toulouse-Lautrec zwei Bühnenbilder für die Dekoration ihre Bude auf dem Jahrmarkt La Foire du Trône. »Ball im Moulin Rouge« und »Maurischer Tanz« sind die größten Kompositionen, die Toulouse-Lautrec je ausführte. PALETTES verfolgt ihr abenteuerliches Schicksal: Mehrfach werden die Bilder weiterverkauft, von einem dilettantischen Händler zerschnitten und erst 1929 wieder zusammengesetzt.

Die Revolution Cézanne: Gauguin – Van Gogh – Cézanne
VAN GOGH »Das Zimmer von Arles«
In Vincent Van Goghs Zimmer von Arles (1888 / 89) scheint zunächst alles aus der Spur geraten. Die Perspektive ist uneinheitlich, die Farben sind übertrieben und die Komposition erzeugt einen Sog der Dinge. Ein Abbild von van Goghs Wahnsinn? Im Gegenteil. Der kleine Raum ist ein Refugium der Freiheit, der rustikalen Ordnung, des sommerlichen Lichtes und der fließenden Vorstellungen des Betrachters selbst.

GAUGUIN »Arearea«
Arearea, »Vergnügen«, so nennt Paul Gaugin das große Gemälde, das er 1892 auf der Flucht vor der europäischen Zivilisation auf Tahiti malt. Reine emotionale Werte will er schaffen, nicht Ideen oder Bilder: »Es ist Musik, wenn Sie so wollen.« Aber zugleich erzählt das Bild Geschichten: Von Buddha, von der Mythologie der Maori und nicht zuletzt von ihm selbst – von Paul Gauguin.

CEZANNE »Der Mont-Saint-Victoire in Aix«
Für Paul Cezanne ist der St. Victoire bei Aix kein Berg, sondern eine Obsession, die er sein ganzes Leben hindurch verfolgt und der er in 45 Aquarellen und 36 Gemälden Form und Farbe gibt. Ein Sinnbild autonomer Kunst, eine strenge Malerei der vollkommenen Beziehungen, ein neuer Klassizismus zwischen Himmel und Hölle.

Die Großen der Moderne: Picasso – Bonnard – Matisse
PICASSO „Die Kreuzigung“
Pablo Picasso, der Atheist, bearbeitet 1930 das religiöse Sujet schlechthin, Die Kreuzigung. Christus, Maria Magdalena, die Leiter, der Zenturio, die Soldaten beim Würfelspiel, die Schächer – alles da. Aber in Picassos Werk ist noch eine ganz andere Geschichte zu entdecken; sie handelt von ihm selbst und von sehr gefräßigen Frauen…

BONNARD „Atelier mit Mimosen“
Atelier mit Mimosen (1939-1946) von Pierre Bonnard, das ist ein Spiel von Rahmen und Zentrum, von Atelierinnenraum und Garten, von künstlichem Licht und dämmerndem Nachmittag, von glatter und rauer Pinselführung. Und der Versuch, eine absolute Farbe zu erzeugen: Das strahlende Gelb der Mimosen.

MATISSE „Die Trauer des Königs“
Den Konflikt zwischen Linie und Farbe wollte er lösen und arbeitete deshalb nicht mehr mit dem Pinsel, sondern mit – der Schere: Pierre Matisse. Die Trauer des Königs (1952) zeigt den kranken Künstler auf der Höhe seiner Kunst, in der die Musik, die Skulptur, der Tanz und der Orient ein berückendes Fest feiern. Eine Apotheose des Dekorativen.

Von Duchamp zur Pop-Art: Duchamp – Klein – Warhol
DUCHAMP »Akt, eine Treppe hinabsteigend«
»Das Ende der Netzhautkunst« hatte Marcel Duchamp beschworen und mit Akt, eine Treppe hinabsteigend 1912 künstlerisch umgesetzt. Eine weibliche Figur – oder eine Gliederpuppe, ein Automat, ein Gespenst? – ist abgebildet. Aber nicht einfach und statuarisch, sondern mehrfach und in Bewegung. Ist aber Bewegung nicht ein Ablauf in der Zeit, die dem Bild verschlossen ist?

YVES KLEIN »Anthropometrie der blauen Epoche«
Fünf ultramarinblaue Figuren auf perlmuttweißem Grund: Mehr zeigt Yves Kleins Anthropometrie der Blauen Epoche (1960) nicht. Wie ist dieses Bild, das an die reine Sensibilität und nicht an die Sprache des Betrachters appelliert, zum Sprechen zu bringen? Eine der virtuosesten PALETTES-Reisen durch das Reich der Kunstgeschichte beginnt …

ANDY WARHOL »Ten Lizes«
Ten Lizes (10 mal Lisa) schafft Andy Warhol 1963. Kein Stil, kein Pinsel, kein Maler, kein Ausdruck, kein Gefühl, keine Offenbarung, nur Abdruck und Wiederholung, Reproduktion und Zufall. Mit Warhol beginnt das Zeitalter der medialen Ikonen, die nicht aus der Tiefe der Geschichte stammen, sondern aus den Oberflächen der Zeitschriften, des Films, des Glamours. Elisabeth Taylor, Marilyn Monroe, Jacky Kennedy, das sind die Göttinnen der Gegenwart: Furien des Verschwindens.

Grenzgänger: Die Dame mit dem Einhorn – Kandinsky – Bacon
DIE WANDTEPPICHE DES MUSÉE DE CLUNY
Die Dame mit dem Einhorn (1480–1500), das ist ein Ensemble von sechs weltberühmten Teppichen, die einen Einblick erlauben in eine Welt an der Grenze zwischen Mittelalter und Frührenaissance, in eine Welt zwischen Macht und Märchen, zwischen Turnier und Désir. In eine Welt, die ihre fünf Sinne der Neuzeit öffnet – und noch einen Sinn mehr.

KANDINSKY »Gelb – Rot – Blau«
Der Titel, den Wassily Kandinsky 1925 einem seiner bedeutendsten Werke gibt, ist identisch mit den drei Grundfarben: Gelb – Rot – Blau. Tatsächlich werden die Farben selbst zu Akteuren, die der Maler mit bestimmten geometrischen Grundformen gleichsetzt. So entwickelt sich ein Kampf zwischen Linien, Geraden, Kreisen, Rechtecken und Farbfeldern, der immer neue Deutungen und Bedeutungen freisetzt.

BACON »Drei Figuren in einem Raum«
Francis Bacons ineinander verwischte, in sich gekrümmte und verrenkte Gestalten in Drei Figuren in einem Raum (1964): Wer sie einmal gesehen hat, vergisst sie nicht. Sie sind einzigartig. Und doch stehen sie in einer langen Tradition unterschiedlichster Künste und Künstler: Velasquez, Poussin, Rembrandt, Michelangelo, Sergeij Eisenstein. Welche »geheime Dramaturgie« ist hier am Werk? Alain Jaubert gibt verstörende Antworten.

Credits

Regie: Alain Jaubert

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 1995 - 2012

Pressestimmen

»Selten bekommt man Kunstgeschichte so facettenreich und eindrücklich vermittelt wie in „Palettes“ – in filmischen Erkundungen, die sich gleichermaßen für den schulischen Unterricht, den interessierten Laien und den Wissenschaftler eignen.«
- B5 Kulturnachrichten

FSK: Infoprogramm

Länge: 1530
Bild: PAL, Farbe, 4:3
Ton: Mono
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Das BAUHAUS in Dessau - Der deutsche BARCELONA-PAVILLON Regie: Frédéric Compain, Stan Neumann,

Walter GROPIUS: Das BAUHAUS in Dessau
Ludwig Mies VAN DER ROHE: Der deutsche BARCELONA-PAVILLON

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten.

Die zentralen Bauten des Bauhauses in den 1920er Jahren! Ikonografische Bauten werden kompetent und detailreich vorgestellt, erläutern Intentionen und Innovationen ihrer Architekten.

Walter Gropius: Das Bauhaus in Dessau
von Frédéric Compain
Nach Entwürfen von Walter Gropius entstand 1926 in Dessau das vielleicht berühmteste Bauwerk des 20. Jahrhunderts: die Hochschule für Gestaltung, das Bauhaus. Es gilt als Gropius’ Hauptwerk und gehört seit 1996 zum Weltkulturerbe der UNESCO. Das eigentümliche Gebäude mit seinen geradwinkligen Glasfassaden und Flachdächern wurde zu einem der markantesten Beispiele der Architektur des 20. Jahrhunderts und galt schon ein Jahr nach Baubeginn als Gropius’ Hauptwerk.

Ludwig Mies van der Rohe: Der deutsche Barcelona-Pavillon
Von Stan Neumann
Der Deutsche Pavillon der Weltausstellung 1929 in Barcelona hat Maßstäbe gesetzt. Er sollte das damalige Deutschland, seine Taten, sein Wesen und seine Suche nach Klarheit und Integrität widerspiegeln. Dem Architekten Mies van der Rohe ist dies auf eine einzigartige Weise gelungen: Er schuf ein Werk, das nicht nur das Ausstellungswahrzeichen, sondern auch stilbildend für die moderne Architektur wurde.

Walter Gropius: Das Bauhaus in Dessau
Das Bauhausgebäude in Dessau entstand 1925/26, nachdem das 1919 in Weimar gegründete ‚Staatliche Bauhaus’ aus politischen Gründen einen Ortswechsel vollziehen musste. Walter Gropius bezeichnete es als „Frucht des ständigen Austausches“, der im Bauhaus herrschte. Meister und Werkstätten hatten überdies wesentliche Gebiete der Einrichtung selbständig geplant und durchgeführt.
Das Dessauer Bauhaus besteht aus drei Flügeln: dem Bau der “Technischen Lehranstalten” (später Berufsschule), dem Werkstättentrakt mit seiner weithin bekannten Glasvorhangfassade und dem Atelierhaus, das die Mensa sowie Wohnateliers für Studierende beherbergte. Schultrakt und Werkstättenflügel sind durch eine zweigeschossige Brücke verbunden, die für Verwaltungsräume und das Baubüro Gropius (später: Architekturabteilung) gedacht war.
Im flachen Bau zwischen Werkstättentrakt und Atelierhaus sind Aula und Bühne untergebracht. Schon 1926, ein Jahr nach Baubeginn, galt das Bauhaus als Gropius’ Hauptwerk und war eines der am meisten kommentierten und gefilmten Architekturbeispiele in Europa. Seit 1996 gehört das Bauhaus zum Weltkulturerbe der UNESCO.

Ludwig Mies van der Rohe: Der deutsche Barcelona-Pavillon
Noch nie hat ein Gebäude von relativ geringem Ausmaß eine so ungeheure Berühmtheit erlangt wie Mies van der Rohes Deutscher Pavillon auf der Weltausstellung 1929 in Barcelona. Dem offiziellen Antrag zufolge sollte der Pavillon die Selbstdarstellung der Weimarer Republik mit ihren Taten, Fähigkeiten und Zielen sein. Diesem Anspruch scheint Mies van der Rohe gerecht geworden zu sein: Sein Werk wurde als die Öffnung der Weimarer Republik zu technischen und kulturellen Innovationen aufgefasst.
Seine erstaunliche Gleichsetzung von Größe und Zweckfreiheit, die Verachtung der schlichten Nützlichkeit von Bauwerken nahmen zudem Einfluss auf die Baukunst des 20. Jahrhunderts: Das Werk van der Rohes symbolisiert gewissermaßen die reine Architektur und gilt als prägender Vertreter der deutschen avantgardistischen Architekturströmungen. So markieren zum Beispiel die Wände und Böden nur mögliche Grenzen und wirken strukturgebend, sie umschließen die Räume aber nicht. Der Barcelona-Pavillon gilt als einer der Höhepunkte der Karriere von Mies van der Rohe, der einer der bedeutendsten Vertreter der modernen Architektur ist. 1986 wurde das Gebäude am Originalstandort wieder aufgebaut.

Inhaltsübersicht

1 Das Bauhaus in Dessau
2 Der deutsche Barcelona-Pavillon

Credits

Regie: Frédéric Compain, Stan Neumann,

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2000-2008

Pressestimmen

»Baukunst: Herausragende Architektur auf DVD!« Stadt und Raum

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke der Vergangenheit und Gegenwart werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Eine schöne Idee: halbstündige Filme über wegweisende Bauwerke.« Saarbrücker Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 52
Bild: PAL, Farbe, 16:9, 4:3
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree
Rubrik: Dokument

Das VITRAHAUS - MÉDIACITÉ - Die GALLERIA UMBERTO I. Regie: Stan Neumann

Jacques HERZOG & Pierre de MEURON: Das VITRAHAUS in Weil am Rhein
Ron ARAD: MÉDIACITÉ: Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Emanuele ROCCO: Die GALLERIA UMBERTO I. in Neapel

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten.

Der Bau ersetzt den Markt, der Warenaustausch wird unabhängig von Wetter und Licht. Drei markante Architekturen für Produkte und Marken.

Jacques HERZOG & Pierre de MEURON
DAS VITRAHAUS in Weil am Rhein
Von außen wirkt es wie ein gewagter Häuserstapel und von innen bietet es vielfältige Ausblicke in die Landschaft um Weil am Rhein. Das Baseler Architekturbüro Herzog & de Meuron schuf im Auftrag des Schweizer Designermöbelunternehmens Vitra ein spektakuläres Objekt, das als Showroom, Museum, Shop und Café genutzt wird

Ron Arad:
Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Vom Himmel aus ähnelt es einer Schlange, einem Wal, einer gewölbten Vene oder einem Fluss. Von innen sieht es aus wie ein riesiges Glasfenster. Bei Médiacité hat der experimentelle Designer Ron Arad seine Ideen in großem Maßstab umgesetzt und das Genre der Einzelhandelsarchitektur neu belebt.

Emanuele Rocco
Die Galleria Umberto I. in Neapel
Ein Film von Stan Neumann
Die Galleria Umberto I. ist eine der letzten überdachten Passagen, die in Europa erbaut wurden. Dieses formvollendete Bauwerk ist gleichzeitig ‚Krönung und Schwanengesang’ einer für das 19. Jahrhundert charakteristischen und mit ihm ausgeklungenen Architekturform. Mit ihren Theatern, Geschäften, Billardsälen, Druckereien und Banken ist die Umberto-Passage in Neapel gewissermaßen eine ‚Stadt in der Stadt’.

Jacques HERZOG & Pierre de MEURON
DAS VITRAHAUS in Weil am Rhein
Von außen wirkt es wie ein gewagter Häuserstapel und von innen bietet es vielfältige Ausblicke in die Landschaft um Weil am Rhein. Das Baseler Architekturbüro Herzog & de Meuron schuf im Auftrag des Schweizer Designermöbelunternehmens Vitra ein spektakuläres Objekt, das als Showroom, Museum, Shop und Café genutzt.
Das baukünstlerische Konzept von Herzog & de Meuron beruht auf den beiden Elementen “Urhaus” und “Stapelung von Räumen”. Die von ihnen entworfenen zwölf Satteldachhäuser sind so aufeinander aufgebaut und ineinander verschachtelt, dass ganz überraschende Innen- und Außenperspektiven entstehen. Tagsüber eröffnet dieses “Haus aus Häusern” dem Besucher vielfältige Ausblicke auf die Landschaft, nachts wirken die voll verglasten Giebelseiten wie hell erleuchtete “Schaufenster”. Ein Haus, das sowohl zum Verweilen als auch zum Staunen einlädt.

Ron Arad:
Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
Eine Schlange, ein fliegender Fisch, eine hervortretende Ader, ein Fluss oder auch eine riesige Larve: An Bildern zur Beschreibung der Passagenkonstruktion des Lütticher Einkaufszentrums Médiacité mangelt es nicht. Das raffinierte, lichtdurchlässige Gebilde schlängelt sich über eine Länge von 350 Metern zwischen zwei Gebäudekomplexen und bildet die Hauptader eines gigantischen Einkaufs- und Freizeitzentrums, das 2009 auf einer Industriebrache entstand. Gestaltet wurde die Passage von dem israelischen Designer und Architekten Ron Arad, dessen surreale, schwingende Möbelobjekte Weltruf genießen. Neben den gewölbten Stahlelementen des Daches liegt eine weitere Besonderheit in den dazwischenliegenden Freiräumen: Diese sind nicht mit Glas, sondern mit luftgefüllten Teflon-Membranen überzogen – eine Verkleidung, die flexiblen Verformungen standhält und gleichzeitig hundertmal leichter und halb so teuer ist wie Glas. Heute heißt die „Schlange“ täglich 40.000 Besucher willkommen.

Emanuele Rocco
Die Galleria Umberto I. in Neapel
Die ersten überdachten Passagen wurden ab 1820 in Frankreich, später auch in anderen europäischen Ländern gebaut und fanden rasche Verbreitung. Mit der Schaffung von geschützten Passagen in den Stadtzentren wurden zwei Ziele verfolgt: Zum einen wurde durch die so entstandenen Fußgängerzonen das Straßennetz entlastet und zum anderen konnten dem Einzelhandel wetterunabhängige Geschäftsräume zur Verfügung gestellt werden.
Trotz des Monumentalstils handelt es sich bei der Galleria Umberto I nicht um ein echtes Architektenbauwerk, da die Passage vor allem das Projekt von Investoren war.
Das mit dem Bau einer überdachten Passage verfolgte Modernitätsideal drückt sich nur in den gigantischen Ausmaßen, nicht aber in einer technisch oder architektonisch kühnen Gestaltung aus.

Inhaltsübersicht

Jacques HERZOG & Pierre de MEURON
DAS VITRAHAUS in Weil am Rhein
von Richard Copans

Ron Arad:
Médiacité – Ein Designer-Einkaufszentrum in Lüttich
von Richard Copans

Emanuele Rocco
Die Galleria Umberto I.
von Stan Neumann

Credits

Regie: Stan Neumann

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2000-2017

Pressestimmen

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke der Vergangenheit und Gegenwart werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« – MDR Figaro

»Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de

»Eine schöne Idee: halbstündige Filme über wegweisende Bauwerke.« Saarbrücker Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 78
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Die Pariser OPÉRA GARNIER - Die PHILHARMONIE LUXEMBURG - CENTRE NATIONAL DE LA DANSE Regie: Juliette Garcias, Stan Neumann, Richard Copans

Charles GARNIER: Die Pariser OPÉRA GARNIER
Christian DE PORTZAMPARC: Die PHILHARMONIE LUXEMBURG
Jacques KALISZ: CENTRE NATIONAL DE LA DANSE in Paris

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten.

Zwischen verschwenderischem Prunk und minimalistischer Reduktion bewegt sich diese der Kunst gewidmete Architektur, die dabei ganz pragmatisch die Erwartungen der Nutzer bedient.

Charles Garnier:
Die Pariser Opéra Garnier
Der größte und wohl anspruchsvollste Bau im Paris des 19. Jahrhunderts. Die Vollendung des „beaux-arts“-Stils durch einen Architekten, der vernarrt war in die Welt des Theaters und so zum entschiedenen Vertreter einer spektakulären und theatralen Architektur wurde.

Christian de Portzamparc:
Die PHILHARMONIE LUXEMBURG
Die im Kirchbergviertel beherbergte Philharmonie Luxembourg hebt sich von den sie umgebenden Bank- und EU-Bauten deutlich ab: Schlanke, weiße Pfeiler säumen den elliptisch geschwungenen Baukörper. Sie bilden eine Lichthülle um das Kernstück des Baus, den großen Konzertsaal.

Jacques Kalisz
CENTRE NATIONAL DE LA DANSE in Paris
Anfang der 1970er Jahre entstand im „roten Gürtel“ nordöstlich von Paris ein gigantischer Rohbeton-Bau: das Verwaltungszentrum Pantin. Was als utopisches Flaggschiff gedacht war, wurde zum Symbol des Niedergangs einer Gesellschaftsutopie. 2004 wurde das Gebäude rehabilitiert, saniert und einem neuen Verwendungszweck zugeführt: Es entstand das „Centre National de la Danse“.

Charles Garnier:
Die Pariser Opéra Garnier
Nach 15jähriger Bauzeit wurde am 5. Januar 1875 die Opéra Garnier, nach ihrem Erbauer Charles Garnier benannt, eingeweiht. Als Garnier seinen Entwurf beim Architektenwettbewerb einreichte, war er noch ein junger, fast unbekannter Architekt. Den Wettbewerb hatte Napoleon III. im Jahr 1860 im Rahmen der architektonischen Umgestaltung der Stadt Paris durch Baron Haussmann ausgeschrieben.
Das Opernhaus ist kugelartig konzipiert, schirmt den Besucher von der Außenwelt ab und gestattet ihm, in die Traumsphäre der Oper einzutauchen. Der Eingangsbereich stellt den Übergang von der realen in die Traumwelt dar und bildet das architektonische Pendant zur Opernouvertüre. Das Bauwerk verbindet Klassizismus und Rationalismus im Sinne einer funktional ausgerichteten Architektur. Diese Begegnung von Tradition und Moderne zeigt sich auch in der Auswahl der Baustoffe: Der Zuschauerraum besteht aus einer riesigen Konstruktion aus verkleidetem Stahl und bildet somit den ersten Opernbau mit einer stählernen Innenstruktur. Der Zuschauerraum selbst ist nur sparsam ausgeschmückt, damit das Publikum nicht vom Geschehen auf der Bühne abgelenkt wird. Im Jahr 1964 gestaltet Marc Chagall das Deckengemälde, das verschiedene Allegorien zeigt und beim Betrachter Szenen aus dem Opern- und Ballettrepertoire evoziert.

Christian de Portzamparc:
Die PHILHARMONIE LUXEMBURG
Seit 2005 thront die von dem französischen Architekten Christian de Portzamparc entworfene Philharmonie Luxemburg über dem Kirchberg-Plateau – Sitz zahlreicher Banken und europäischer Institutionen. Ziel dieses 1995 geplanten Großprojektes war es, in ein und demselben Musikhaus drei ganz unterschiedliche Konzertsäle zu vereinen: den großen Konzertsaal der Philharmonie, einen kleinen Kammermusiksaal und die sogenannten „Espace Découverte“ für Experimentalmusik und experimentelle Kunst.
Ein neues Bauwerk inmitten des jungen Luxemburger Stadtviertels. Dennoch, mit ihren runden Formen und der weißen Farbe hebt sich die Philharmonie von den Glas- und Betonquadern der umliegenden Häuser ab. Zusammen mit dem erfahrenen Akustiker Albert Xu Yaying gestaltete der Architekt den Bau als ein gigantisches Musikinstrument. Schlanke weiße Pfeiler säumen den elliptisch geschwungenen Baukörper. Sie wirken wie eine filternde Fassade und bilden eine Lichthülle um das Kernstück des Baus, den großen Konzertsaal. De Portzamparc wollte das Gebäude zu einem Leuchtturm machen, einem Orientierungspunkt im Kirchbergviertel, das nach Einbruch der Nacht wie ausgestorben erscheint. Die Zwischenräume der Pfeiler wurden daher mit Neonröhren ausgestattet. Ihre Abfolge deckt das gesamte Farbspektrum ab: von Rot über Violett bis hin zu Weiß. Diese Farbvariationen setzen die Bewegung der Formen fort, verstärken sie und geben ihnen den Schwung, der aus der Architektur eine rhythmische Kunst macht.

Jacques Kalisz:
CENTRE NATIONAL DE LA DANSE in Paris
Jacques Kalisz, damals noch Architekturstudent, gehörte einem sozial engagierten Stadtplanungsarbeitskreis an, den einige kommunistisch regierte Kommunen um Paris ins Leben gerufen hatten. Ihn beauftragte der Bürgermeister von Pantin mit dem Bau eines Komplexes, der sämtliche kommunalen Einrichtungen (Gericht, Sozialversicherung, Polizeirevier, Finanzamt, Gewerkschaftshaus, Arbeitsamt, Leichenschauhaus, Hundezwinger usw.) unter einem Dach vereinen sollte – ein damals völlig neuartiges Konzept. 20 Jahre später stand das Verwaltungszentrum leer. Was als utopisches Flaggschiff gedacht war, wurde zum Symbol des Niedergangs einer Gesellschaftsutopie.
2004 wurde das Gebäude saniert und einem neuen Verwendungszweck zugeführt. Anstelle der Angestellten und ihrer Büros zogen Tanzcompanien und Ballettstudios ein. Das neu entstandene „Centre National de la Danse“ war das erste große Projekt der beiden jungen Architektinnen Antoinette Robain und Claire Guieysse, die dafür mit dem französischen Architekturpreis „Prix de l‘Equerre d’Argent“ ausgezeichnet wurden.

Inhaltsübersicht

Charles Garnier:
Die Pariser Opéra Garnier
Ein Film von Stan Neumann

Christian de Portzamparc:
Die PHILHARMONIE LUXEMBURG
Ein Film von Richard Copans

Jacques Kalisz:
CENTRE NATIONAL DE LA DANSE in Paris
Ein Film von Juliette Garcias

Credits

Regie: Juliette Garcias, Stan Neumann, Richard Copans

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2000-2013

Pressestimmen

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke der Vergangenheit und Gegenwart werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« – MDR Figaro

»Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de

»Eine schöne Idee: halbstündige Filme über wegweisende Bauwerke.« Saarbrücker Zeitung

FSK: Infoprogramm

Länge: 78
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Digital
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Das Itimad-ud-Daula-Mausoleum - Der Friedhof von Igualada - Die Djoser-Pyramide Regie: Richard Copans, Stan Neumann

IMHOTEP: Die DJOSER-PYRAMIDE in Sakkara
NUR JAHAN: Das ITIMAD-UD-DAULA-MAUSOLEUM in Agra/Indien
Enric MIRALLES und Carme PINÓS: Der FRIEDHOF VON IGUALADA

Die Folgen der Reihe BAUKUNST sind jeweils einem herausragenden Werk der Architektur gewidmet. Unterschiedliche Konzepte, Epochen, Trends und Architekten werden monografisch vorgestellt, im Detail und mit 3D Modellen. Einzigartige Einblicke in die Ideen und Konzepte der Architekten.

Letzte Ruhestätten als Kunstwerke der Harmonie und des Gleichgewichts, der technischen wie geistigen Innovation – von der ältesten Pyramide über das Toleranz verströmende Mausoleum bis zur modernen Grabanlage, die mit der Natur verschmelzen will.

Imhotep – Die Djoser-Pyramide in Sakkara
von Stan Neumann
Die Djoser-Pyramide in Sakkara des legendären Architekten ImhoteP war einst Teil von Memphis, der
ersten Hauptstadt des Alten Ägyptens. Ihre gigantischen Ausmaße – sie ist zehn Mal höher als zuvor
gebaute Grabstätten – und ihre Einbettung in einer weitläufige Grabanlage zeugen von den ersten
Versuchen, das rein zweckgebundene Bauen zu einer Kunst mit Symbolwert zu machen.

Das Itimad-ud-Daula-Mausoleum in Agra in Indien
von Richard Copans
Das Itimadud-Daula-Mausoleum im nordindischen Agra wurde zwischen 1622 und 1628 errichtet. Die Gestaltung des monumentalen, quadratischen Grabmals aus weißem Marmor inmitten einer viereckigen Gartenanlage gilt als Beweis für die Toleranz des seinerzeitigen Moguls.

Enric Miralles, Carme Pinós – Der Friedhof von Igualada
von Richard Copans
Im Friedhof von Igualada in Spanien werden die Toten nicht beerdigt, sondern in gestapelten nischenartigen Grüften verwahrt. Die erstaunliche Friedhofsanlage ist ein gelungenes Beispiel, wie moderne Architektur mit der Landschaft ein Ganzes bildet.

Das Itimad-ud-Daula-Mausoleum in Agra in Indien
Die Königsmoschee ist ein gigantischer Bau mit vier Minaretten, in deren Mitte sich ein weiter Innenhof mitsamt Becken erstreckt. Die vier monumentalen Iwane stehen für die vier Flüsse des Paradieses. In zwei Höfen sind die Koranschulen untergebracht, weitere Räume stehen für religiöse Waschungen zur Verfügung und als Sternwarte dient ein Turm. Der Gebäudekomplex ist nach Mekka gerichtet. Der reich mit bunten Mosaiken und Kalligraphien geschmückte Bau verkörpert den Paradiesgarten und das Wort Gottes. Die Moscheen ist gleichzeitig Gebetsstätte, Garten inmitten der Wüste, eine architektonische Umsetzung von Glaubenstexten und eine Verkörperung islamischer Lebenskunst.

Enric Miralles, Carme Pinós – Der Friedhof von Igualada
In der nordwestlich von Barcelona gelegenen alten Gerberstadt Igualada werden wie in ganz Spanien die Toten nicht beerdigt, sondern in nischenartigen, drei bis vier Stockwerke hohen Gruften übereinandergestapelt. Der alte Friedhof im Zentrum war überfüllt, freies Bauland war nur im Norden zu finden, von einem Fluss eingerahmt, am Fuße der Hügel gelegen, durch das die zukünftige Autobahn führen sollte. Der neue Friedhof, angelegt von den Architekten Enric Miralles und Carme Pinós, umfasste 240 Grüfte, eine Kapelle, ein Obduktionsraum und Technikräume. Schluchten wurden gegraben, steinerne Felsklippen errichtet und ein Erdhügel aufgeschüttet. Das erd-, gras- und strauchbedeckte Dach der Kapelle geht optisch in den benachbarten Hügel über – der neue Friedhof will mit der Natur verschmelzen.

Imhotep – Die Djoser-Pyramide in Sakkara
30 Kilometer südlich von Kairo lag die Nekropole Sakkara, einst Teil der Nekropolen von Memphis, der ersten Hauptstadt des Alten Ägypten. Die erhaltene Grabstätte des Königs Djoser, eine 60 Meter hohe Stufenpyramide, stammt aus dem Jahre 2.700 vor Christus und ist die erste jemals erbaute Pyramide. Allein durch ihre gigantischen Ausmaße, sie ist zehnmal höher als die zuvor gebauten Grabstätten, hebt sie sich von diesen ab. Aber erst eine spektakuläre Entdeckung zu Beginn des 20. Jahrhunderts legte die wahre Bedeutung der Pyramide frei: Sie ist kein isoliertes Monument, sondern steht im Zentrum einer Anlage mit Tempeln, Palästen, Kapellen und sogar zur Lagerung von Nahrung und Kleidern vorgesehenen Galerien. Die Ausmaße dieser Grabstätte und das virtuose Spiel mit der geometrischen Perfektion der Anlage zeigen den ersten Versuch, das rein am Nutzen orientierte Bauen zu einer Kunst von symbolischer Bedeutung zu machen. Auch die Säulen sind ohne Vorläufer, sie tragen zum ersten Mal die uns heute bekannte Form. Die Stufenpyramide von Sakkara stand am Beginn der bahnbrechenden technischen und kulturellen Errungenschaften Ägyptens. Diese Revolution des Bauens war der Beginn dessen, was wir heute Architektur nennen: die Zusammenführung von Bau und Kunst.

Inhaltsübersicht

Das Itimad-ud-Daula-Mausoleum in Agra in Indien
Enric Miralles, Carme Pinós – Der Friedhof von Igualada
Imhotep – Die Djoser-Pyramide in Sakkara

Credits

Regie: Richard Copans, Stan Neumann

Produktionsland: F
Produktionsjahr: 2009 - 2011

Pressestimmen

≫Architektur, so macht uns diese Reihe aufmerksam, folgt keiner linearen Evolution. Es gibt zwar verstreute rote Faden, neue Techniken, wegweisende Ideen – doch am Ende steht eben alles nebeneinander, in Resonanz, das eine erst durch das andere ein bisschen besser zu verstehen.≪ MDR Figaro

»Die ambitioniertesten architektonischen Bauwerke werden mit seltenem Archivmaterial, Modellen und im Gespräch mit den größten Architekten unserer Zeit dargestellt.« Detail.de

»Es sind Baumeister und ihre Welten, Visionen, die hier zu Wort kommen« – MDR Figaro

»Ruhige, nie Effekt haschende Bilder gehen eine sinnvolle Allianz ein mit unaufdringlich platzierten 3D-Animationen. Der maßvolle Wortanteil lässt Luft für assoziative Freiräume. Eine sehr schöne Art durch aufregende Architektur geführt zu werden.« detail.de

FSK: Infoprogramm

Länge: 78
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument

Staatliche Universität Moskau; Palast Serbiens, Belgrad; Parlamentspalast Bukarest; Nationaler Kulturpalast Sofia . Regie: Boris Missirkov, Georgi Bogdanov

Die bisweilen bizarren Geschichten der gigantischen sozialistischen Volkspaläste und die der Menschen, die sie bauten: Der Palast der Wissenschaften in Moskau, der Palast Serbiens in Belgrad, der Kulturpalast in Sofia und der Parlamentspalast in Bukarest. Diese Paläste für das Volk, einst für eine revolutionäre Ewigkeit gebaut, haben ihre Auftraggeber überdauert.

Die Staatliche Universität Moskau, der sogenannte Palast der Wissenschaften, ist der legendärste der sieben stalinistischen Riesenbauten Moskaus. Mit seinem neoklassizistischen, monumentalen Baustil repräsentiert er den Anspruch der UdSSR in der Nachkriegszeit, an der Spitze von Bildung, Wissenschaft und Fortschritt zu stehen. Der Palast der Förderation in Belgrad, seinerzeit von Marschall Tito in Auftrag gegeben, bleibt in seinem Modernismus unberührt vom Einfluss des stalinistischen Barocks. Der Parlamentspalast in Bukarest ist der steingewordene Fiebertraum Ceausescus und kostete Bukarest große Teile seiner Altstadt: ein Drittel des Stadtzentrums, sechs Synagogen und 22 Kirchen wurden dem Erdboden gleichgemacht. Der Nationale Kulturpalast in Sofia wurde als Festspielhaus für die Feierlichkeiten zum 1.300-jährigen Bestehen Bulgariens gebaut. Das größte Kongresszentrum Südosteuropas ist bis heute für jede Art von Veranstaltung viel zu groß.

Kaum bekannte historische Aufnahmen von Bau, Eröffnungen und Festivitäten der opulenten Bauwerke verbinden sich mit hochkarätigem aktuellen Bildmaterial zu einem großen Sehgenuss.

In den Ländern des ehemaligen Ostblocks entstanden als steingewordene Propaganda für die herrschende Ideologie gigantische Paläste für das Volk. Sie alle sind die größten, die höchsten, die modernsten ihrer Stadt, ihres Landes oder der Welt. Die Gebäude stellten ihre Erbauer vor immense technische Herausforderungen, und doch sind die meisten heute, nach wenigen Jahrzehnten, schon hoffnungslos veraltet. Manche Palastbauten brachten die Wirtschaft ihrer Länder an den Rand ihrer Leistungsfähigkeit. Die Bevölkerung hungerte und fror, hat aber bis heute kaum Zutritt zu großen Teilen der meisten Gebäude. Dennoch sind die Paläste zu kollektiven Referenzpunkten geworden, und Diskussionen um ihren Abriss stießen stets auf große Empörung.
Die Reihe nähert sich mit vier Beispielen diesen gewaltigen und faszinierenden Bauten: Dem Moskauer „Palast der Wissenschaften“, dem „Palast Serbiens“ in Belgrad, dem „Kulturpalast“ in Sofia und dem „Parlamentspalast“ in Bukarest.
Diese sozialistischen Paläste für das Volk, für eine revolutionäre Ewigkeit gebaut, haben ihre totalitären Auftraggeber überdauert und suchen nun nach neuer Bedeutung und Verwendung. Wir begegnen Menschen, die in diesen Palästen heute noch arbeiten oder ihnen biographisch eng verbunden sind: Sie erzählen von den Entstehungsgeschichten, lassen uns dem Größenwahn ihrer Auftraggeber nachspüren und den Bedeutungswandel der Paläste für die Menschen begreifen: vom verhassten Monument einer Diktatur zum Teil von Kultur, Identität und Erinnerung. Und manchmal auch zum nostalgischen Fixpunkt auf dem schwankenden Boden der Gegenwart.

Die Staatliche Universität Moskau, der so genannte „Palast der Wissenschaften“ ist der legendärste der sieben stalinistischen Riesenbauten Moskaus. Mit seinem neoklassizistischen, eklektischen, monumentalen Baustil repräsentiert er den Anspruch der Sowietunion in der Nachkriegszeit, an der Spitze von Bildung, Wissenschaft und Fortschritt zu stehen. An ihm scheint, im Gegensatz zu den Palästen in anderen Ländern, die Wende fast spurlos vorübergegangen zu sein.
Der Moskauer Palast wurde zwischen 1948 und 1953 errichtet. Aus dem ganzen Land wurden Arbeiter rekrutiert, darunter unzählige Häftlinge, um den Prestigebau zu bauen. Das Hauptgebäude beherbergt heute verschiedene Fachbereiche der Universität, die Verwaltung, eine Bibliothek und andere akademische Einrichtungen. In den Seitenflügeln befinden sich Wohnungen für Professoren und Studentenwohnheime. Auf dem Campus gibt es alles, was man braucht: einen Studentenclub, ein Theater, Geschäfte, Kantinen, Friseure, ein Krankenhaus und Sporthallen sowie ein Schwimmbad. Theoretisch kann ein Student dort sein komplettes Studium absolvieren, ohne dass er auch nur einmal das Gelände verlassen müsste.
Mehrere Generationen von Bewohnern schwärmen von den ästhetischen Besonderheiten ihres Traumschlosses, ein Reiseführer leitet Touristen durch die legendenumrankten Kellergewölbe des 167 Hektar großen Komplexes. Und die Kantinenköche scheinen bis heute das selbe Menü zuzubereiten wie schon vor 60 Jahren.

Der Bau des Palasts Serbiens in Belgrad geht auf einen Befehl von Marschall Tito zurück, der ihn 1947 als „Palast der Föderation“ für die jugoslawische Staatenvereinigung und als Manifestation seines „eigenen sozialistischen Wegs“ anordnete. 1961 wurde das Gebäude mit dem internationalen Gipfel der blockfreien Staaten eröffnet, zu denen Jugoslawien zählte.
Der Wunsch nach politischer Unabhängigkeit von der UdSSR spiegelt sich in der Architektur des H-förmigen Gebäudes: In seinem Modernismus bleibt es unberührt vom Einfluss des stalinistischen Barock. Überarbeitet und ausgeführt wurden die Pläne von Mihajlo Jankovic, der vom Bauhaus beeinflusst war. So wirkt der mit weißem Marmor verkleidete Bau in bester Lage über dem Donaudelta auch heute noch zeitgemäß, vor allem von außen. Sein Inneres vermittelt durch die wertvollen Designermöbel und die komplett erhaltene Ausstattung der 60er Jahre eine zeitlose Eleganz. Jeder der großen Salons repräsentiert eine der ehemaligen jugoslawischen Teilrepubliken und weckt nostalgische Erinnerungen an die einstige sozialistische Föderation, die sich im Jahr 2006 endgültig auflöste, als sich nach dem 15 Jahre andauernden stetigen Zerfall Jugoslawiens schließlich auch noch Montenegro von Serbien abspaltete. Serbien gab sich damals eine neue Verfassung und distanzierte sich symbolisch von seiner jugoslawischen Vergangenheit. Der Palast war nun völlig überdimensioniert und viele der 744 Büroräume stehen seitdem leer. Für die Öffentlichkeit ist das größte Gebäude Belgrads trotz seiner Museumsqualitäten nicht zugänglich.

Der Kulturpalast in Sofia wirkt im Vergleich zum Größenwahn in den anderen Palästen fast moderat. In nur vier Jahren wurde er aus dem Boden gestampft und 1981 zur Feier des 1300-jährigen Bestehens von Bulgarien eröffnet. Die treibende Kraft hinter dem Projekt war die Tochter des Vorsitzenden der kommunistischen Partei Bulgariens, Todor Schiwkow, und damalige Kulturministerin Lyudmila Schiwkowa. Damals glänzte das pompöse Kultur- und Kongresszentrum mit futuristischer Technik und beherbergte alle nur vorstellbaren Kunstgegenstände. Jeder Werktätige musste – ob er wollte oder nicht – einen Tageslohn spenden, um die immensen Baukosten abzufedern. Er wurde vom Gehalt abgezogen, wodurch fast 15% der Kosten zusammenkamen. Ein Werbefilm von 1980 präsentiert voller Stolz die moderne Technik: Kolossale Apparaturen mit blinkenden Lichtern, tausend Knöpfchen und Tasten, Wände mit quadratmetergroßen Schaltplänen, ganze Sitzreihen, die wie von Geisterhand gezogen in den Wänden verschwinden.
Heute scheint der Palast vor allem eine Heimstatt und ein Museum seiner eigenen Belegschaft zu sein. Wir begegnen Mitarbeitern, die hier nahezu ihr ganzes Leben verbracht und in der Abgeschiedenheit ihrer kaum aufzufindenden Arbeitsräume alle Systemwechsel und EU-Beitritte überdauert haben. Die Sanierungskosten des schnell aus der Mode gekommenen Palastes werden derzeit durchgerechnet. Bulgarien übernimmt 2019 die EU-Ratspräsidentschaft – bis dahin müssten die Renovierungsarbeiten abgeschlossen sein.

Der heutige Parlamentspalast in Bukarest hieß früher „Haus des Volkes“, wurde vom Volk selbst jedoch als „Haus des Sieges über das Volk“ bezeichnet. Verbaut wurden 700.000 Tonnen Stahl, 550.000 Tonnen Zement und 1 Million Kubikmeter Marmor. Für den Bau des zweitgrößten Verwaltungsgebäudes der Welt ließ Ceausescu die Bevölkerung buchstäblich hungern. Von 1983 bis 1989 nach seinen Vorstellungen errichtet, wurde der Palast erst 1997, sozusagen posthum, fertig gestellt. Etwa ein Drittel des Stadtzentrums, sechs Synagogen und 22 Kirchen wurden dafür dem Erdboden gleich gemacht oder versetzt. 40.000 Wohnungen wurden zwangsgeräumt. Geschichte wurde überschrieben, Urbanisierung um jeden Preis vorangetrieben.
Das Gebäude ist der steingewordene Größenwahn eines ehemaligen Schusterjungen, der als Staatschef seine Allmachtsfantasien auslebte und per Handzeichen ganze Strassenzüge vernichten lassen konnte. Archivaufnahmen zeigen die gigantische Baustelle, wimmelnd von schwer schuftenden Bauarbeitern. Zwischen ihnen stolziert Ceausescu und begutachtet das Treiben.
Der Palast selbst ist so überdimensioniert, dass der Mensch sich unweigerlich winzig fühlt. Noch heute ist das Stadtzentrum Bukarests von Ceausescus Palast wie durchschnitten und vernarbt. Dass die erste demokratisch gewählte Regierung Rumäniens nahtlos in das Herrschaftsgebäude des totalitären Ceausescu zog, ist nicht unumstritten. Doch trotz aller Erinnerungen an Unterdrückung, Entbehrung und Vertreibung beim Bau dieses Palastes der Superlative will man ihn heute in Bukarest nicht mehr missen.

Inhaltsübersicht

1. Staatliche Universität Moskau
2. Palast Serbiens, Belgrad
3. Parlamentspalast Bukarest
4. Nationaler Kulturpalast Sofia
.

Credits

Regie: Boris Missirkov, Georgi Bogdanov

Produktionsland: D/BG/RO
Produktionsjahr: 2017

Pressestimmen

“Sie haben die sowjetische Ära überdauert und wirken heute wie Fossilien.” Damals

“Der Pomp realsozialistischer Gottkönige: Mit der wachsenden Distanz zur Ära der kommunistischen Partei-Diktaturen mag nun vielleicht aber Zeit sein, einen Schritt zurückzutreten und den kulturhistorischen Wert dieser Protzbauten neu zu durchdenken, sind sie doch Zeugnisse eines Zeitgeistes, eines Formwillens, den wir heute vielleicht ablehnen, aber der doch Teil europäischer Geschichte geworden ist. Und so eklektisch und aus vielen Stil-Epochen zusammengestückelt die Architektur der realsozialistischen Paläste auch oft gewesen sein mag: Sie entwickeln gerade daraus– und aus ihrer schieren Größe – eine ganz eigene Formsprache mit faszinierenden Details.
Insofern ist die Dokureihe „Paläste des Volkes“ auch ein Plädoyer für die politikgeschichtliche und kulturhistorische Neubewertung der Protzbauten von Stalin & Co. – und wirft einen faszinierenden Blick auf diese überdimensionierten Komplexe mit all ihrer ganz eigenen Kunst am Bau.” Oiger

Auszeichnungen

Publikumspreis DOK Buster 2018 bei dokLeipzig!

FSK: Infoprogramm

Länge: 104
Bild: PAL, Farbe, 16:9
Ton: Dolby Stereo
Sprache: Deutsch
Regionalcode: codefree

Rubrik: Dokument